Parte II del relato del viaje a Lisboa

 

INTRODUCCIÓN

Tenemos todo un puente por delante y aprovechando la festividad de Santo Tomás de Aquino tenemos un día más de vacaciones, el viernes, y que los muchachos no tienen colegio, aprovechamos la ocasión para hacer una extensión a un fin de semana normal.

Las posibilidades para viajar son muy pocas porque tenemos anunciado una borrasca que ocupará todo el territorio español de norte a sur, de este a oeste la letra “B” esta en todo el país. Vemos que por Portugal esta un poco más mitigada y decidimos como nuestro siguiente destino viajar en exclusiva a la ciudad de Lisboa.

Lisboa es una ciudad que hemos visitado en algunas ocasiones y siempre nos hemos vuelto muy satisfechos de todo lo que ofrece al viajero, en esta ocasión hemos preparado unas visitas que teníamos pendientes y que son lugares menos conocidos y más difícil de ver.

EL VIAJE

Itinerario del viaje a Lisboa

Día 30 de enero (jueves)

Ruta: Madrid- Elvas Km 421; tiempo estimado 4h 33'

Parking Intermarche de Elvas (Portugal)

Partimos de Madrid a las 18,00 horas por la A-5 , el tráfico es fluido, no tenemos complicaciones hasta la frontera con Portugal.

Accedemos a la ciudad de Elvas por la carretera nacional 246; cruzamos el acueducto por uno de sus arcos, vemos que hay varias autocaravanas aparcadas en el parking, pero decidimos ir hasta la nueva área de autocaravanas situada en el hipermercado Intermarche. El parking se encuentra situado en la avenida de Badajoz y en ocasiones anteriores lo hemos utilizado y es la mejor opción para visitar el conjunto monumental de Elvas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 38.878475 // W 7.1713305.

El parking para autocaravanas de la ciudad de Elvas esta situado en el aparcamiento compartido con el Centro Comercial Intermarche y el Centro Multiusos, donde en los bajos se encuentra una galería de discotecas y locales de copas.

El centro comercial Intermarche ha habilitado un pequeño espacio como área de servicios para las autocaravanas, se accede por la calle que corresponde con la antigua N-4 y se llega a la calle rua do Quinta do Sena y la rua de Paco Bandeira. Las coordenadas de lugar corresponden con: GPS N 38.87485 // W 7.18441 .

El aparcamiento esta muy bien situado pero al estar tan cerca de una zona de ocio es bastante ruidoso durante la noche con un uso de la juventud para ejercer el botellón. Lo que hace más apropiado utilizar el parking junto al acueducto y después desplazarse hasta aquí para vaciado y llenado.

Día 31 de enero (viernes)

Ruta: Elvas-Lisboa Km. 210; tiempo estimado 2h 31' precio peaje autocaravana 28,60, precio peaje puente 25 de abril sobre Lisboa 2,85.

Puente 25 de abril de Lisboa (Portugal)

A primera hora de la mañana salimos en dirección a Lisboa, enseguida abandonamos Elvas para unirnos a la autopista de peaje. En los primeros kilómetros, me llama la atención es que circulamos solos por la autopista, solamente algún vehículo con matricula española nos adelanta en todo el recorrido. Podemos comprobar como la vía de peaje circula su trazado paralelo a la antigua carretera nacional y esta si lleva algo más de trafico. Cuando llegamos a Lisboa me doy cuenta por qué, no es otro que el precio del peaje 28,60 euros. He de citar que el tramo entre la frontera española y la ciudad de Lisboa no hay ningún punto intermedio de pago y los nuevas formas de gestión automática de las autopistas de peajes que se ha implantado en el Norte de Portugal, no afecta a este tramo, pudiéndose pagar en efectivo o con tarjeta.

El tom-tom nos acerca a Lisboa cruzando el río Tajo por el puente 25 de Abril, el peaje hace unos años era de 1€, ahora clase 2 es de 2,85€, aquí no hay dudas todos tienen que pagarlo, ¡sí o sí..!.

Para entrar en la ciudad de Lisboa el navegador nos introduce por la Plaza de España, Plaza de Rosio y al final la Plaza del Comercio, enseguida me doy cuente que ahora no se puede circular, solamente esta habilitada para transporte publico y residentes. Afortunadamente encuentro la calle alternativa en dirección a la Sé y luego salgo a la avenida de Dom Henrique.

Graffiti en el parking de Lisboa (Portugal)

El parking para autocaravanas en la ciudad de Lisboa se encuentra situado en la zona portuaria de Lisboa, a pocos metros de la céntrica Plaza del Comercio, la entrada se realiza por la avenida Infante Dom Henrique. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 38.70963 // W 9.12810 .

El aparcamiento será el utilizado para la visita la ciudad de Lisboa y para pernoctar los siguientes dos días, tiene la particularidad que es muy céntrico, esta vigilado, es descubierto y tiene una precio de 8 euros, tarifa para 24 horas. Las tarifas y los horarios son dispares, a la entrada nosotros sacamos el ticket y el domingo y el lunes es de uso gratuito por lo que cuando nos levantemos el domingo, encontraremos las barreras levantadas, en definitiva, habremos permanecido gratuitamente la estancia en Lisboa. Es un lugar perfecto para utilizar el transporte público por las cercanías con la estación de metro Terreiro do Paço, porque por su puerta pasan las principales líneas de autobús, y la posibilidades para ir andando hasta el centro comercial y administrativo de la ciudad. Además, esta situado en los bajos del barrio del Alfama lo que nos permitirá asistir a la cena nocturna con espectáculo de Fado, sin necesidad de coger ningún medio de transporte.

Mapa del Metro de Lisboa (Portugal)

Una vez aparcados en una zona donde nuestro vehículo no moleste nos marchamos sin más dilación andando hacia la plaza del Comercio para coger el metro. En la misma avenida se encuentra la estación de metro Terreiro do Paço, perteneciente a la línea azul, tenemos que recorrer seis estaciones hasta San Sebastiao, que es nuestro primer destino.

¡Una de transportes públicos en Lisboa!. Quizá la pregunta que nos hacemos los viajeros cuando llegamos a Lisboa es ¿cómo movernos por la ciudad?, con diferencias es la urbe europea con un transporte publico más amplio y diverso: taxi, metro, tranvía, funiculares, ascensores, autobuses y barcos. De todo ellos el que más me gusta es el tranvía aquí llamado “elétrico” o Carris, es el mejor método para salvar las empinadas cuestas de la ciudad. La excelencia es la línea 28 que discurre por los barrios altos de la ciudad y los nuevos modelos de la línea 15 que llega hasta el barrio de Belém.

El metro de Lisboa es considerado como uno de los más bonitos de Europa junto con el de París y Moscu. La primera línea fue inaugurada en 1959 y su actual trazado se hace mediante seis líneas y cuarenta y nueve estaciones, algunas de ellas de gran belleza.

Estación de Metro de Lisboa (Portugal)

Con esta tarjeta, en teoría, podrías viajar recargándola, pero la verdad es que no encontramos donde hacerlo fuera del metro, en el autobús o en el tranvía, cuando utilizamos el tranvía nos piden 2,85€ por persona porque no hay forma de recargarla.

Al final y después de probar todo el transporte publico nos decimos por el transporte privado, nos damos cuenta que los taxis para 7 personas son muy numerosos y fácil de parar, decimos probar suerte porque vamos 5 personas, en la primera intentona nos cuesta en un recorrido grande 9 euros cuando en autobús nos hubiera costado 7 euros, gana por goleada el taxi

Accidentalmente conocemos a un taxista que nos merece la confianza y que a partir de ese momento será nuestro compañero en la estancia en Lisboa, simplemente le llamamos por teléfono y nos indicaba cual era el tiempo de espera para recogernos, así hemos estado durante todo el fin de semana. Los pagos mediante taxímetro y sin ningún sobresalto, una persona de confianza y me atrevo a recomendarla, porque sin dudarlo para un numero de personas de 4 a 6 es más barato que el transporte público. El taxista que recomiendo para visitar la ciudad de Lisboa, habla y entiende perfectamente el español y en sus recorridos siempre te lleva por la zona más rápida y corta, incluso te va a buscar al aeropuerto antes de tú llegada, es Jaime Nóbrega su móvil desde Lisboa 917697794, si llamas desde España tienes que añadir 00 351.

Tranvía de Lisboa (Portugal)

El primer destino para la visita a la ciudad de Lisboa hemos seleccionado el Museo Colouste Gulbenkian fue construido para poner exponer la amplia colección de obras de arte que durante su vida llegó atesorar el financiero armenio Calouste Sarkis Gukbenkian. Este hombre nació en Turquía, en 1869 y falleció en Lisboa en 1955, ciudad donde había llegado huyendo de la Segunda Guerra Mundial.

Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

El testamento de este financiero expresa que todos su patrimonio artístico que había atesorado durante su vida fuera a parar a una Fundación que llevase su nombre y cuya actividad debía de ser en las áreas: beneficencia, arte, educación y ciencia.

Se acuerda la creación de un Museo donde se pudiera exponer al publico la amplia colección que de debía de conservar indivisa, formada por más de 6000 objetos.

La colección alcanza obras que abarcan desde el Egipto del 2500 a.C. y concluye en la Francia de 1930. El gusto por el coleccionismo le llega durante su vida en Londres y París, cuando tiene acceso a unas sociedades que tienen un buen gusto y un conocimiento del mercado del arte internacional.

El primer presidente de la Fundación José de Azeredo Perdigao convoco en 1959 el concurso para la construcción de la sede, siendo proyectados por el arquitecto Alberto Pessoa, Pedro Cid y Ruy Athouguia.

Esculturas del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

El nuevo edificio fue inaugurado el 2 de octubre de 1969 describiendo unos volúmenes horizontales, basado en una estructura de pilares y vigas de cemento con una gran superficie acristalada y rodeado de un espléndido jardín.

El museo Calouste Gulbenkian abre sus puertas de miércoles a domingo en horario ininterrumpido de 10 a 17,45 horas. El precio de la entrada al museo es de 4 € y el precio de la audio-guía 4€.

La entrada al museo se realiza mediante un amplio hall que nos indica la horizontalidad de la construcción y la amplitud de volúmenes y espacios llega a todas las partes del edificio.

La primera sala de la exposición esta dedicada al arte egipcio, fue constituida por un pequeño número de obras de arte que recorren casi todos los periodos, gracias a su estancia en Londres y con la llegada al país de muchas de las obras que procedían de las excavaciones arqueológicas de los ingleses de la mano de egiptólogo británico Howard Carter, uno de los descubridores de la tumba del faraón Tutankhamon.

Gato de arte egipcio del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

La primera figura en bronce que contemplamos se llama “Gatos” fue realizada período de Saite (664-525 a.C), tiene unas medidas 25,5 x 55,3 cm.

La figura corresponde con la imagen de un gato tumbado cuando esta amamantando un ternero mientras con sus patas delanteras juega con otro gato más pequeño. El bronce es utilizado como una cámara sarcófago para contener los restos momificados de un gato perteneciente a un faraón. Durante el periodo del arte egipcio los gatos son muy representados durante el periodo de gran figuración animal, dedicados a la adoración de la diosa Bastet, protectora de las casas y venerada por la fertilidad.

Cabeza del Rey Senuseret III del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

Otra obra es la Cabeza del Rey Senuseret III, corresponde con el periodo del Imperio Medio, XII dinastía (1860 a.C.), tallada en piedra de Obsidiana, tiene una tamaño de 12 cm.

Se trata de una cabeza que corresponde con un fragmento de una estatua de cuerpo entero, esta tallada en una piedra muy dura y difícil de tallar.

La talla fue realizada 2000 años a.C. y retrata al faraón Senuseret III en plena madurez. El escultor consigue tallar un retrato del faraón donde se ve su personalidad, hombre de carácter firme y de gran humanidad, reflejado en la expresión relajada. El vestido del faraón en su cabeza porta el nemes o tocado plisado, en el centro se representa la serpiente sagrada, símbolo del poder real.

Barca Solar de Djedhor del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

Otro de los bronces de la sala se titula “Barca Solar de Djedhor”, del periodo época baja; siglo XXVI al XXX de la dinastía, fechado entre 664 y 343 a .C. Tiene un tamaño de 31,3 x 26,3 cm .

Tiene una forma de barco ovalada, inspirada en las embarcaciones que navegaban por el río Nilo, era utilizada en la procesiones y en las ceremonias oficiales.

En esta obra hay unas palabras jeroglíficas grabadas sobre el casco y en el templete indica que fue dedicada para venerar a Djedhor, a quien se invoca para la protección de los dioses. Entre las figuras se adivinan varias divinidades, entre ellas esta Isis y Neftis, protectora de los muertos; el dios Horus, protector de la realeza, el dios Ra-Horakhti, bienhechor del sol en su cenit.

Bajorrelieve de un faraón del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

La sala expone varios Bajorrelieves pero nos centramos en el mejor de ellos, es el titulado “Bajorrelieve de un faraón”, tallado en la dinastía ptolemaica, datada en el periodo de año 300 al 250 a .C., realizado en piedra calcárea fina, tiene unas medidas de 24 x 18 cm .

Se ve la cabeza de un faraón situado de perfil, porta una decoración suntuosa con un collar en el cuello que le da varias vueltas, una corona azul que nos indica que se trata de monarca, la serpiente uraeus en la frente, símbolo del poder real.

Vaso de terracota del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

La segunda sala que visitamos esta dedicada al Arte Grecorromano, es un conjunto de obras que abarca este periodo del arte entre el año 440 a.C hasta los siglos I al IV d.C.

Detalle del vaso de terracota Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa

Quizás la obra más importante es un gran Vaso realizado en terracota, datado en el año 440 a.C., tiene unas medidas de 42 cm. de alto y 44 cm de diámetro.

El vaso tiene forma de cáliz, esta pintado con la técnica de “figuras rojas” donde se representan, en dos niveles, las figuras de la mitología, en el nivel superior simboliza el rapto de las Leucipides por los gemelos Castor y Pólux, mientras en la inferior encarna una escena báquica, envolviendo a sátiros que persiguen a Ménades.

Además tiene decoraciones, en la superior una serie de palmetas en posición oblicua y en la inferior describe motivos geométricos que se alternan con las cruces de San Andrés.

La colección del museo de monedas y medallones de oro es muy amplia y bien conservada; destaca el Medallón Romano de Abuquir, procede Beroi en Macedonia, esta datado en el siglo III, tiene una medida de diámetro de 54 mm y un peso en oro de 96,3 gr.

Medallón Alejandro el Grande del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

En el anverso se ve representado la cabeza de Alejando el Grande. Qué reino entre el periodo de 336 a 323 a .C., es un retrato póstumo idealizado del rey. Entre los símbolos que exhibe en el pelo es el cuerno de un carnero, característico del dios egipcio Amón. En el reverso se ve una escena de caza.

El medallón fue encontrado en Abuquir, Egipto en 1902, con una colección de 20 piezas similares. Aunque no esta claro si verdaderamente era un medallón, una moneda o un objeto utilizado como un precioso accesorio.

Bajorrelieve Asirio del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa

Pasamos a la sala de Arte de Mesopotamia no es muy completa pero destacado esta un bajorrelieve Asirio, fue realizado en el periodo del año 884 al 859 a .C., tallado en alabastro, tiene unas dimensiones de 230 x 140 cm .

El bajorrelieve fue encontrado en el Palacio Nooeste de Nimrud, antigua ciudad de Kalhu, fue tallado bajo el reinado de Assumarsipal II –conocido por la brutalidad de sus leyes y por haber fundado la ciudad de Nimrud–, que introdujo como novedad el revestimiento de las paredes del palacio con grandes losas talladas.

En él se puede ver la figura de un genio alado con la mano derecha en alto, en actitud de juramento, y a la mano izquierda sujeta una vasija para el agua sagrada.

Tiene una serie de inscripciones de caracteres cuneiformes donde se habla de las bondades del rey, haciendo una pequeña referencia a sus títulos, sus inauguraciones y las hazañas en el campo de batalla.

Los bajorrelieves fue una especialidad de los escultores asirios y el palacio fue el primer lugar donde se puso de modo el revestimiento de sus paredes con los relieves escultóricos y que se convertirían en la decoración habitual de los palacios Asirios.

Colección de cerámica Islámica del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

La cuarta sala esta dedicada al arte del Oriente Islámico, es una de las más importantes de todo el museo, no solo por la cantidad, sino por la calidad de los objetos expuestos, convirtiéndose en uno de los puntos fuertes de la colección.

Quizás el objeto más importante y famoso, es la jarra de jade blanca realizada para Ulugh Beg, príncipe de la dinastía timúrida, encontrada en Samarcanda, Asia Central. Tiene unas dimensiones de 14,5 cm de alto y 15 cm . de diámetro.

La jarra fue esculpida para el príncipe probablemente en la ciudad de Samarcanda. No solo destaca por el color blanco puro, sino también, por sus dimensiones, por la perfección en el acabado y por el detalle de las decoraciones.

La forma de la jarra es muy similar a cualquier otra de las fabricadas durante la dinastía en metal, aunque el asa con forma de dragón rematado en la cola con un elemento vegetal, es claramente de inspiración china.

Bajo la boca lleva una inscripción que hace referencia al nombre y los títulos de Ulugh Beg, protector de las artes y las ciencias, hijo de Shah Rukh, nieto de Tamerlán, que fue gobernador de Turquestán, Trasoxiana t Samarcanda, capital de la provincia del Asia Central.

Posteriormente la jarra pasó a manos del emperador mogol Jahangir, cuyo nombre y títulos fueron grabados en el borde del bisel, después fue heredada por su hijo Shah Jahan que también grabo debajo del asa el nombre y los títulos.

La piedra de Jade es considerada como preciosa y noble con poderes mágicos pora las sociedades tanto en el Este de Europa como en el Lejano Oriente de Asia.

Vaso esmaltado del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

El Museo muestra una amplia colección de objetos de cristal con decoración, como el Vaso esmaltado, proviene de Egipto o de Siria, esta datado en el primera mitad del siglo XIV, corresponde al periodo mameluco. Tiene unas dimensiones de 33,5 cm. de altura y 15 cm de diámetro en la base.

El vaso expuesto es un objeto sugiere una aspecto ceremonial o incluso como una objeto de lujo. Esta construido en vidrio dorado y esmaltado, realizado por vidrieros sirios, en la época de los mamelucos, con una calidad sobresaliente.

Sobre las paredes se detallan un conjunto de aves míticas y reales donde un paisaje acuático es sugerido por una barra ondulante. En el plano superior se puede apreciar al ave fénix como despliega sus alas con un precioso colorido, estos vuelan por encima de un buitre, una abubilla (tradicionalmente en Oriente relacionada con la realeza), un par de gansos, un papagayo, también se aprecia un azor atacando a un pato, en la parte inferior, una urraca y un ave doméstica.

Lámpara de Mezquita del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

En este mismo apartado hay varias Lámparas de Mezquita, esta en concreto, fue construida en Egipto o Siria durante el año de 1346 a 1347 y corresponde con el periodo mameluco, esta realizada en vidrio dorado y esmaltado, tiene una altura de 33,5 cm . y 26 cm de diámetro.

Esta pieza fue realizada dentro de los cánones de los bellos ejemplares de la India mogol, donde eran muy frecuentas este tipo de piezas decorativas. La pieza tiene seis anillos donde se colgaban sendas seis cadenas y se inscribía el nombre del Sultán, esta en concreto, pertenecía al Sultán al-Nasir Hasan, además aparece el texto del versículo del Corán que nos habla de la luz divina.

La decoración del cristal esta realizada con oro y esmalte. Esta técnica se desarrollo en Egipto y Siria durante el siglo XII y supuso un importante trabajo de los artesanos del vidrio para el arte musulmán.

Nicho de Oración del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

Uno de los objetos más sorprendentes es un nicho de oración o Mihrab de Persia, Kashan, esta datado a finales del siglo XIII o principios del siglo XIV, fue confeccionada mediante la técnica de cerámica modelada, con una decoración vidriada y un reflejo metálico, las medidas son 63 x 47 cm .

La azulejería era una de las actividades más importantes en la ciudad de Kashan dedicadas al revestimiento de la construcción. La placa cerámica que vemos era el revestimiento de un edificio religioso y situado en el Mihrab, tenia como misión, orientar a los fieles hacia la Meca. Podemos observar que desde el arco del azulejo y en el centro tiene colgado una lámpara, símbolo de la iluminación del Islam. Rodeado al arco hay unos versículos del Corán, realzados en color morado, que dice:

Esta pieza fue realizada para un mausoleo en la ciudad de Sultánia, por encargo de Muhammad Uljaitu; en el interior del arco tiene otro texto con una sura del Corán referida a la promesa del Paraíso.

Panel de tímpano del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

También sobre azulejos hay un panel en forma de tímpano, proviene de Izik en Turquía, pertenece al periodo Otomano, fue datado en 1573 y tiene unas medidas de 71 x 142, fue construido con baldosas de cerámica pintada y vidriada.

Este panel pertenece a un conjunto de doce tímpanos que provienen de la mezquita Piyale Pasha de Estambul y que fueron sustituidos por pinturas murales en 1890. En el centro del panel esta decorado con nubes que serpentean y encierran dentro de un arco trilobulado, una flor de loto. Además del motivo central aparecen diversos motivos vegetales, como hojas, yemas de flores, en el conjunto aparecen una serie de guirnaldas que están inspiradas en la decoración de origen China.

Miniatura de la Antología del Sultán del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa (Portugal)

El museo tiene una serie importante de miniaturas de origen musulmán como la Miniatura de la Antología del Sultán Iskandar, proviene de Chiraz en Persia, perteneciente al periodo timúrida, esta pintado sobre papel con tinta, pigmentos de oro; tiene unas dimensiones de 27,4 x 17,2 cm .

Miniatura escenas caza de ciervos, Museo Calouste Gulbenkian

Esta miniatura es un bello ejemplar del arte en el libro de la dinastía timúrida, es un manuscrito del Iskandar, nieto de Timur. La antología contiene textos poéticos en verso, en el primer volumen y, el prosa en el segundo volumen, donde aparecen 38 miniaturas y 15 ilustraciones decorativas de una página o de media página.

En esta página se puede ver a Bahram Gur en la habitación de los siete retratos: se trata de una sala que pertenece del palacio donde Brahan se había criado, pero que había permanecido cerrada hasta el momento. Se evoca con ello el mito de la "habitación secreta": un modo de abrirse al espacio y a nuevas percepciones. Lo que hasta el presente "no existía" es descubierto como crecimiento de un nuevo deseo, aquel que le conduce hacia el encuentro. El hecho de descubrir una habitación en el palacio de la infancia, indica pues, la apertura a una nueva dimensión de la realidad visible. El "cuarto encontrado" no es más que el propio corazón del adolescente, lleno de anhelos que lo conducen hacia nuevos terrenos, que el artista despliega ante nosotros como un misterio que debe ser desentrañado. Aquí la poesía de Nizami ha hallado un vehículo apropiado, pues esta miniatura traza fiel la imagen de la búsqueda, de la dimensión secreta donde se hace posible un encuentro de estas características.

Miniatura escena vida diaria, Museo Calouste Gulbenkian

En la escena del primer plano de la miniatura que ilustra el poema, Bahram Gur mira hacia la bóveda de la sala, en el friso superior, se encuentran sentadas las siete princesas que representan las diversas facetas del amor. A los pies hay un pozo negro que es el impedimento para la unión y la respuesta es que si avanzan hacia el uno del otro no caigan al pozo negro.

Sobre las bóvedas donde se encuentran los retratos aparecen los siete colores del amor, de origen tántrico En los extremos, encontramos el amarillo a la izquierda y el azul a la derecha, son los primeros colores emanados del espectro cromático, los colores primarios. Al amarillo le sigue el naranja y al azul el violeta, ambos se acabarán intensificando en el rojo de la unión amorosa, pero no sin antes haber pasado por el verde: el color donde la tensión entre los dos arcos del espectro se ha pacificado. El paso por el verde nos da la clave de esta miniatura, pues la intensificación que realizan el azul y el amarillo hacia el rojo se ve matizada por el carácter pasivo del verde. La unión " pasional " queda así revestida de delicadeza.

Empuñadura de dragones, Museo Calouste Gulbenkian

La siguiente sala esta dedicada al Arte Armenio, durante siglos el pueblo armenio viene reclamando como la primera comunidad que se convirtió al cristianismo y correspondía durante la Edad Media con el territorio mas oriental. Con la invención del alfabeto armenio en el siglo V, se crean una escuela de encuadernadores y decoradores de miniaturas.

Uno de los ejemplares más importantes es una copia de la Biblia Iluminada, fue realizada en Estambul, en 1623, en base de hojas de pergamino, tienen unas dimensiones de 22,4 x 16,5 cm .

La ciudad de Estambul fue uno de los centros del patriarcado armenio, este ejemplar fue encargado por Khodja Nazr, un rico comerciante de la comunidad Nova Julfa en Persia.

El escribano puso el nombre Hakob y también de la persona que había hecho el encargo en el colofón principal, siendo una de las características de los manuscritos de la época.

La miniatura de la página doble es una bella ilustración del episodio de la creación del mundo según el Génesis. Los seis días de la creación están simbolizados en los medallones laterales. En la zona central, sobre un llamativo fondo dorado, se muestran la creación de Adán y Eva, debajo la escena de la tentación, y en la última fila la expulsión del Paraíso.

Arte Oriental , Museo Calouste Gulbenkian

La siguiente sala es muy amplia y tiene grandes vitrinas donde alberga una colección de cerámica de extremo oriente, fundamentalmente se exhiben obras del siglo XVII y XVIII. Pero también, se expone una amplia colección de piezas lacadas como cajas para escritura y paneles de bambú lacado.

La siguiente sala esta dedicada al Arte Europeo, sobre marfiles y miniaturas que abarca el periodo del siglo X al siglo XVI. Es una extensa vitrina de una calidad que pocos museos pueden exhibir dedicada a los marfiles medievales, fundamentalmente de origen francés. La mayoría fueron realizados en París en el siglo XIV, son dípticos y trípticos.

Díptico de la Pasión de Cristo, Museo Calouste Gulbenkian

En la colección destaca el Díptico con escenas de la Pasión de Cristo, fue realizado en París, durante el periodo de 1290 a 1310 en marfil.

Esta obra de arte estaba destinada a la devoción privada y corresponde con una serie producida por los artesanos de París como resultado de la colaboración con el pintor y escultor Goldsmith, aun, pese al paso del tiempo, se puede apreciar los restos de la antigua policromía. Los registros de las imágenes están separados por marcos adornados con rosetas.

Podemos ver cuatro escenas, la primera de la izquierda arriba, la crucifixión de Cristo, a la derecha arriba, el descendimiento de la cruz; abajo derecha, la flagelación de Cristo; a la derecha bajo, la disposición de Cristo en la tumba.

Este modo de presentación en pequeñas obras de arte sirvió a la iglesia para la evangelización de los fieles, cuando la escritura en los libros de texto estaba destinada para unos pocos, las miniaturas decían en imágenes los mismos conceptos que los libros.

Placa de la Crucifixión, Museo Calouste Gulbenkian

Podemos admirar una placa destinada a la encuadernación con la Crucifixión , es de la época Bizantina, esta datada a finales del siglo X y principios del siglo XI, tallada sobre marfil, tiene unas dimensiones de 22 x 13 cm .

En la placa podemos ver a Cristo muerto en la cruz, a su lado se encuentra la Virgen y San Juan, sirvió como panel central de un tríptico destinada a la devoción privada, posteriormente fue adaptado como placa para encuadernación de libros.

Este tipo de placas, en la época de Bizancio, eran objetos de lujo que se ponían en las portadas de los libros y eran enviadas como regalos diplomáticos a Occidente.

Podemos ver una figura de Cristo con un abdomen prominente propio de las figuras griegas, mientras que el tórax, el pecho, los brazos y las costillas acentuadas corresponden al arte asirio. También la forma de cara, la barba, la presencia de la barba y del sol correspondería con las formas asirias.

Tríptico con la Vida de la Virgen, Museo Calouste Gulbenkian

La colección del museo presenta un Tríptico con escenas de la vida y la muerte de la Virgen , fue realizado en París, esta datado en el año 1300, realizado con marfil tallado, tiene unas dimensiones de 22 x 26 cm .

En este tríptico se narra las escenas de los Evangelios según se contaban a los fieles a las entradas de las iglesias y catedrales a través de un lenguaje pictórico, de fácil memorización y de alto grado de comprensión, dentro de un mundo de analfabetos. Esta dedicado a la devoción de la Virgen María en el relato de sus diversos episodios de la historia como madre de Jesús y posteriormente por su paso a la espiritualidad de la iglesia católica.

La lectura se realiza por niveles, de abajo arriba, siendo los paneles de los laterales los que describen una mayor intimidad, en la parte central se describen escenas de carácter público como: Adoración de los Reyes Magos y la presentación en el templo, en el nivel bajo; Dormición de la Virgen , en el nivel medio; por ultimo, en el nivel alto, la Coronación de la Virgen en el Reino de los Cielos.

En esta obra todavía podemos distinguir ciertos restos de la antigua policromía original, este tipo de obras eran pintadas creando unas escenas llenas de gran belleza, fruto y complementario por el trabajo del pintor.

La Virgen y el Niño, Museo Calouste Gulbenkian

La colección se detiene en numerosas esculturas realizadas durante el periodo de la Edad Media, aquí podemos encontrar una talla de “La Virgen y el Niño”, atribuida a Jean de Liége, datada en 1364, realizada en el taller de París, en mármol tallado, tiene unas dimensiones de 63 x 20,5 x 13 cm .

Considerando que el autor pueda ser Jean de Liege, este escultor era muy afamado y trabajo en numerosas obras para el rey francés Carlos V, era de origen flamenco y se le conocía con el nombre de Hennequin de Liège. Llegó a París en 1361 para realizar la estatua de Juana de Bretaña, pronto cogió tanta fama que el rey le encargo la escalera del Louvre y esculpió la estatua de Carlos V en el coro de la catedral de Ruen.

La Virgen tiene unas proporciones ligeramente alargadas con la típica curva en la cadera para sujetar al niño en su regazo, la relación con el niño describe una cierta intimidad, el niño acaricia el cuello de la madre y la madre la entrepierna del hijo, es una constante en las obras de la segunda mitad del siglo XIV.

Oratorio de marfil, Museo Calouste Gulbenkian

El libro supuso para Occidente una completa revolución que le llevo por la senda de la iluminación, un monje indico «Un monasterio sin biblioteca es igual a Estado sin tropas, como una ciudadela sin murallas, como una cocina sin enseres, como una mesa sin alimentos, como un huerto sin plantas, como un prado sin flores, como un árbol sin hojas».

La lucha entre el libro y la religión cristiana data desde sus origines, el libro ha sido venerado y de la misma forma, también, de igual manera odiado y perseguido. El cristianismo consideraba peligroso cualquier componente artístico figurativo y más exhibido fuera de la propia iglesia. El Antiguo testamento ya advertía: No te harás imagen alguna de Dios. Con la llegada de la Edad Media todo esto cambia y la religión del libro convirtió al libro en religión.

El libro en la alta Edad Media abandona el convento para pasar a los talleres artesanos laicos, el pintor se hace un verdadero artesano especialista y pasa a llamarse «miniaturista», en esos días las acepciones de la palabra «pintor» significaba: escribir, formar letras.

El verdadero iluminador debía de disponer de un conocimiento tecnológico para manejar todos los posibles colorantes. Los pigmentos eran naturales, extraídos de minerales, plantas y animales, normalmente se importaban de países lejanos, se mezclaban con aglutinantes generalmente se empleaba el huevo y la goma vegetal, se trituraban y se aplicaban en distintas fases del trabajo. La aplicación del color oro era una ciencia por si misma y sigue siéndolo en la actualidad. El pergamino se recubría con una sustancia hecha de greda, bol, colapez y miel, para poder fijar acto seguido el pan de oro fino y pulido.

Códice, Museo Calouste Gulbenkian

El libro medieval no se cuentan por paginas correlativas, sino por hojas, cada hoja tiene dos caras, normalmente la cara anterior esta a la derecha donde esta la ilustración pintada a mano, la cara posterior esta a la derecha donde esta el texto y la ornamentación. La pintura esta en el interior de una orla, donde aparece un pequeño texto y otras imágenes figurativas. Estas representan escenas estrambóticas o seres fabulosos, se les denomina grotesco. Las orlas normalmente se componen de acantos adornados con hojas vegetales.

El libro religioso puede dividirse en litúrgicos, son los utilizados para la misa, y los devocionarios, que servían para la oración privada. Dentro de estos últimos encontramos el Libro de Horas, eran libros de oraciones para los laicos, se desarrollan a partir de los breviarios. Supusieron un gran éxito en la Baja Edad Media, eran adornados con grandes detalles, de una gran vistosidad, donde comprendía un calendario con las festividades del Señor y de la Virgen María , lecturas de los cuatro Evangelios, sobre todo oraciones para la Virgen , oraciones para la Santa Cruz , como un oficio para la pasión y para un oficio de difuntos. Más adelante el libro de Horas se convierte gracias a su esplendor de iluminación en una necesidad de la apariencia de las familias pudientes.

Gradual y Sacramentario, Museo Calouste Gulbenkian

El museo tiene una importante colección de libros medievales de Europa producidos en los centros en Inglaterra, Holanda, Flandes, Francia e Italia, entre los que destaca “Gradual y Sacramentario” fue realizado en Italia, esta datado entre 1260 y 1270, realizado en cuero y posteriormente fue encuadernado en cuero, tiene unas medidas de 30 x 22 cm .

Este libro fue confeccionado por los benedictinos en el monasterio de Admon, en la diócesis de Salzburgo, Esto se hace evidente porque en el libro se referencia a los diversos santos venerados en este cenobio, así como la inclusión del retrato del fundador del monasterio, el obispo Gebhard de Salzburg.

Este códice fue atribuido al artista italiano Giovanni do Gaibana, posteriormente los últimos estudios indican que fue realizado por uno de sus discípulos. Las pinturas indican una clara influencia del arte bizantino que entonces dominaba la pintura de la Alta Italia.

La hoja abierta corresponde con una pintura donde se habla del Canon de la Misa y representa la escena del calvario, donde se ve la figura de Cristo sobre la Cruz está flanqueado a su derecha por la Virgen y una figura de mujer con manto azul que representa a toda la Iglesia y, a su izquierda, por san Juan Evangelista y por otra figura que simboliza la Sinagoga. En las esquinas se representan los símbolos de los evangelistas y, en los márgenes, diversos profetas, por encima de la cruz podemos ver como los ángeles sujetan a unas figuras que simbolizan el sol y la luna. Fue pintado con un fondo dorado y, donde predominan, los colores azul, rojo y blanco que hace un códice muy vistoso.

Libro de Horas de Margarita de Cleves, Museo Calouste Gulbenkian

Otro de los códices más importantes “Libro de Horas de Margarita de Cleves” fue realizado en Holanda, datado entre 1395 y 1400, realizado en pergamino y encuadernado en terciopelo rojo; tiene unas medidas de 14 x 10.5 cm .

Margarita de Cleves, mujer de Alberto de Baviera, en cargo este libro de horas a un taller holandés a finales del siglo XIV, posteriormente, fue donado al convento de Schönensteinbach (Alta Alsacia), según aparece en una inscripción registrada al final del manuscrito.

Es un libro de carácter privado donde aparecen oraciones, entre sus hojas esta ilustrado con miniaturas originales, en la parte escrita esta decorada con una cenefa floral. En esta pagina aparece la Virgen con el niño ante una mujer orante (posiblemente Margarita Cleves), la virgen esta sentada en un banco que asemeja una iglesia dorada de estilo gótico.

Este libro supuso un avance en la forma de editar y encuadernar los libros de su tiempo, debido a sus características innovadoras introducidas por el pintor de sus miniaturas, no se conoce el nombre del artista pero se le denomina como “Maestro de Margarita de Cleves”.

Las horas o horarium eran unos manuscritos iluminados muy habituales entre los ricos de la Edad Media , tenía un solo destinatario porque se realizaba en exclusividad para el ordenante. Su contenido discurre por salmos y rezos alusivos a la devoción cristiana.

El texto se agrupaba por cada hora litúrgica del día, de aquí viene el nombre que se le daba al manuscrito. El libro contiene un breviario de las oraciones de los conventos, este era su función especial el que los nobles pudieran vivir una vida privada parecida a la que practicaban los monjes en los conventos.

Libro de Horas, Museo Calouste Gulbenkian

Otro de los libros de la misma temática se titula “Libro de Horas de Isabel de Bretaña”, las pinturas fueron realizados por el Maestro de Bedford en París; esta datado hacia 1420 y fue realizado en pergamino.

Este libro de horas perteneció a Isabel, hija de Juan VI, duque de Bretaña, y a su esposa Juana que era nieta de Carlos VI, rey de Francia y de Isabel de Baviera. En 1430 la duquesa Isabel casó con Guy XIV, conde de Laval y señor de Montmorency.

Este manuscrito también se le conoce con el titulo “Horas de Lamoignon” –nombre del coleccionista que perteneció hasta el siglo XVIII– fue encuadernado en uno de los talleres más prestigiosos de París, obra del conocido con el nombre de Maestro de Bedford. Este nombre lo recibe porque hizo tres de sus mejores obras a Jean de Lancastre, duque de Bedford y regente de Francia entre 1422 e 1435.

En el libro se aprecia un extenso programa pictórico muy diversificado con magnificas miniaturas, cada una de ellas rodeada de pequeños registros alusivos al contenido del texto. Las imágenes envuelven a los textos dentro de unos marcos de contenido vegetal y con una profusión de figuras de origen románico y medieval como monstruos, músicos y grotescos. En total el libro presenta más de mil ornamentos pictóricos. Se aprecia un calendario inicial con veinticuatro miniaturas donde se representan los doce meses del año y una representación alegórica de los doce signos del zodiaco. En el borde, se distinguen ochenta y cuatro figuras donde se simbolizan los trabajos principales de cada mes del año.

Libro de Horas, Museo Calouste Gulbenkian

Otro de los libros de Horas no tiene ninguna referencia al propietario, fue realizado en Francia, esta datado entre 1450 y 1460, fue realizado en pergamino con unas dimensiones de 25.2 x 17 cm .

El libro de horas fue realizado para algún noble de la región de Loira (Francia), todas las hojas están bellamente ilustradas con pinturas atribuidas al Maestro Joven de Urbins, ha ilustrado las páginas con numerosas miniaturas, también confeccionó las letras y los márgenes que están historiados y ornamentados con dibujos vegetales y arabescos dorados.

El tema tratado en la hoja abierta en la escena principal del libro habla de la traición de Judas y se refiere al beso de Cristo, además, tiene unos dibujos donde se representa el pago a Judas, el lavatorio de los pies y la última cena.

Pasamos a la sala 8 dedicada al Arte Europeo de la Pintura y Escultura del siglo XV al XVIII. Este fue uno de los campos que más le gustaba coleccionar a Calouste Sarkis, centrándose en unos 500 años de la historia del arte. En total reunió más de 200 pinturas –de las cuales casi un centenar lo componen la exposición permanente– de todos los temas que abarcan desde el retrato, el paisaje hasta los temas religiosos. La disposición de la pintura en la galería esta sujeta simplemente obedece a un principio cronológico.

Presentación de Jesús en el Templo, Museo Calouste Gulbenkian

La primera de las tablas que observamos es “Presentación de Jesús en el Templo” de Stefan Lochner, pintada en témpera y óleo sobre tabla, en la ciudad de Colonia, esta datado el cuadro en 1447; tiene unas medidas de 35,5 x 22,5 cm .

Stefan Lochner fue un pintor alemán que tenia inspiración por la pintura gótica flamenca, se le conocía también con el apodo de maestro Stefan. Se caracteriza por sus ropajes, por las caras y por las figuras. Emplea en los personajes caras sacadas de la vida real, estando al margen de las figuras tradicionales.

La Virgen y el Niño, Museo Calouste Gulbenkian

La primera escultura que vemos es el bajorrelieve llamado “La Virgen y el Niño”, obra de Antonio Reossellino, esta esculpida en Italia, datada en 1461, realizada en piedra de mármol; tiene unas dimensiones de 94 x 62 cm .

Antonio di Matteo di Domenico Gamberelli, también conocido como Antonio Reossellino, fue un escultor del renacimiento italiano. Se formo junto a su hermano mayor Bernardo Reossellino. Su obra se caracteriza por el virtuosismo de las figuras, imponiendo una gracia especial que parecen simples pinturas en grisallas.

“Busto de Santa Catalina” y “Busto de San José”, Museo Calouste Gulbenkian

Dos de los cuadros más famosos formaban parte de un retablo que se separo y solamente se aprovecho las caras “Busto de Santa Catalina” y “Busto de San José”, obra del pintor flamenco Rogier Van Der Weyden, están datados ente 1435 y 1437, pintados con la técnica de temple y óleo sobre madera; tienen unas medidas de 21,2 x 18,5 y 207 x 18,5 cm .

Rogier Van Der Weyden fue considerado como uno de los mejores pintores de la escuela gótico flamenca, también es conocido como Roger de la Pasture. Se caracterizan sus figuras por el corte realista, sus caras no son idealizadas son sacadas de personas anónimas, su obra es una evolución del estilo gótico con fondos dorados hacia cuerpos sinuosos y fluidos.

La dama representa a Santa Catalina de Alejandría, se la identifica por su vestuario, al otro lado esta el busto de San José, cuyo rostro expresa una identidad poco común en las representaciones de la época. Se aprecia parte de los elementos arquitectónicos del fondo al puro estilo gótico, los fondos en los cuadros ayudaban a crear perspectiva y luminosidad, desarrollando la profundidad del espacio y contribuyendo a crear una atmósfera más real.

Anunciación, Museo Calouste Gulbenkian

Otra de las pinturas flamencas importantes esta atribuida a Dierick Bouts, se trata de “Anunciación”, fue realizado en pintura al temple y óleo sobre madera trasladado a lienzo, tiene unas medidas de 27,3 x 34,4 cm .

Dierick Bouts caracteriza su pintura por utilizar la técnica en sus perspectivas del punto de fuga único. Sus obras tienen una concepción de cierta rigidez primitiva en el dibujo, pero sus pinturas son altamente expresivas, bien diseñadas y ricas en color.

Muchos de los trabajos del pintor son cuadros de devoción religiosa, como el que ahora vemos, también realizo retratos y obras de gran tamaño, no firmaba sus cuadros y muchos de ellos han sido atribuidos.

Esta obra tiene una concepción espacial que permite establecer entre todos los elementos de la composición una estrecha relación. Además, el pintor emplea la luz con un significado simbólico. El cuadro lleva al espectador hacia el campo de la espiritualidad, la luz entra por la ventana y nos sitúa frente a la paloma que vuela hacia la sala, por las puertas y las ventanas se puede ver el paisaje, los adornos de la habitación es realista con objetos de cualquier salón de Flandes. Al fondo esta el árbol de la vida de donde parten todas las líneas de fugas y es el muro del jardín con la colocación de un pavo real donde se simboliza la vida eterna.

La Virgen aparece con su vestido azul oscuro, amplio y muy plisado, la mano derecha esta sobre el corazón, simboliza que esta muy afligida por la noticia, la mano izquierda sujeta un libro de miniaturas de horas, lleva una diadema en su frente, tienes los ojos cerrados ante la importancia de la revelación, su aspecto es de cara rosada, es el prototipo de Virgen flamenca con un ligero alargamiento de su cara y manos, dentro de una hornacina se ve un libro y una hoja de un pergamino. Al fondo un camastro cubierto con una colcha roja y, por medio, de dos cojines haciendo juego se equilibra el colorido del cuadro. El Ángel tiene el centro de la atención del espectador, lleva un habito blanco, su mirada es penetrante, destaca las enormes halas sacadas una ave de rapiña.

Retrato de una Joven, Museo Calouste Gulbenkian

Otro de los cuadros importantes de Domenico Ghirlandaio se titula “Retrato de una Joven”, fue pintado en Florencia, en 1490, con la técnica de temple sobre madera; tiene unas medidas de 44x32 cm.

Su nombre real era Domenico Bigordi es uno de los protagonistas de la pintura renacentista italiana, tenia una escuela de pintura en Florencia donde tuvo de aprendiz a Miguel Ángel.

Las primeras obras las realiza para las iglesias de Florencia pero pronto se fijan en él la rica familia de los Vespucci, pinto los frescos para sus capillas y para las de las principales familias de nobles italianas. Fue llamado a Roma por el papa Sixto IV para pintar los frescos de la capilla Sixtina, sellando la reconciliación del papa y los Médecis.

Su obra forma parte de lo mejor del Renacimiento, considerado como uno de los cuatro mejores pintores de la época, su pintura esta basada en el concepto de las tres dimensiones y muy avanzada en lo referente a las perspectivas, emplea temples donde desarrollo colores brillantes y bien iluminados.

Este cuadro de una joven es un bello ejemplar de la pintura de Quattrocento, manifiesta una búsqueda de la figuración realista o como se define “la voluntad de hacer lo verdadero”. Es una forma de expresar la pintura para extender los valores humanistas dentro del arte y que en esos momentos era muy demandado por la burguesía.

La composición esta basada en los valores cromáticos para crear armonía en el conjunto, no se ha dejado detalle para con una sencillez aparente conseguir unos resultados muy bellos.

El fondo del cuadro es negro donde sobresale la joven por su pelo rojizo con un peinado perfecto que recalca el contraste con la cofia blanca en su cabeza, sus facciones son perfectas, el vestido deja ver el cuello con un collar de cuentas rojas que crean armonía con sus pómulos y sus labios sonrojados, el vestido con una pechera semitransparente rosa unido al color rojo y las mangas verdes hacen una composición simple y bella.

Sagrada Familia y Donantes, Museo Calouste Gulbenkian

Otro de los cuadros importantes de la colección procedente de Italia “Sagrada Familia y Donantes”, obra de Vittore Carpaccio, procedente de Venecia en 1505, realizado en temple y óleo sobre tabla de madera; tiene unas medidas de 90,1 X 133,9 cm .

Vittore Carpaccio es otro de los pintores del Quattrocento italiano aunque ocupo un lugar destacado en el principal movimiento pictórico y desarrolló un estilo muy personal. Introduce detalles de la arquitectura y de la vida en la ciudad de Venecia. Maneja de manera creativa la perspectiva, creando una importancia histórica de sus imágenes panorámicas.

La obra expuesta es una de las más importantes del artista, la composición esta divida entre la Adoración del Niño a la izquierda y los orantes a la derecha. Los donantes se representan de forma realista, estando al mismo nivel todos los personajes gracias al tamaño de las imágenes. Esta nueva forma de representación es una práctica figurativa que se desarrollo en el arte a partir del siglo XV que reflejan las nuevas tendencias de los movimientos humanistas en el arte.

El niño Jesús se muestra sin los atributos divinos, en el centro de la composición, ocupa una nueva dimensión terrenal. El cuadro representa una profundidad pictórica del paisaje con todo lujo de detalles.

Detalle de la mirada "Retrato de una Joven", Museo Calouste Gulbenkian

Del pintor florentino Giuliano Bugiardini “Retrato de una Joven”, obra datada entre 1516 y 1525, realizado en óleo sobre tela.

Giuliano Bugiardini ocupa el movimiento renacentista italiano que trabajo principalmente en Florencia. En 1503 ingreso en la academia de pintores florentinos, tuvo una gran influencia pictórica de la mano de Albertinelli y de Rafael.

Es un gran pintor pero tiene unas importantes limitaciones, se traducen en una falta de armonía formal y en una dificultad insuperable para aceptar las reglas de la proporción.

La pintura muestra una mujer joven, tiene la cara un tanto deformada con una barbilla prominente, tiene una mirada dubitativa, sobre el pelo el pintor describe un pañuelo con todo lujo de detalles. El cuadro destaca por una unidad cromática. Sobre el cuello exhibe un largo cordón de oro que estira con un dedo de la mano izquierda. El vestido es de gala con los hombros descubiertos que la hace presentarse como una mujer sutil.

La Virgen y el Niño, Museo Calouste Gulbenkian

Un curioso cuadro nos muestra a la “Virgen y El Niño” obra de Jan Gosaert, originario de Flandes, pintado en óleo sobre madera, esta datada a principios del siglo XVI.

Detalle la Virgen con el Niño, Museo Calouste Gulbenkian

Jan Gosaert es conocido también con el nombre de Mabuse fue un pintor flamenco que se caracterizo por ser uno de los precursores del barroco en Flandes, es uno de los seguidores de Rogier van der Weyden.

Su obra tiene una clara influencia italiana, le gusta pintar desnudos que pertenecen a alegorías históricas. En sus pinturas emplea los fondos arquitectónicos, el color que emplea esta basado en los contrastes brillantes utilizando pigmentos de colores. Trabaja como pintor para Felipe de Borgoña con quien viaja a Roma para ver al papa y aprovecha la estancia para conocer las nuevas tendencias en el arte italiano.

El cuadro nos presenta una mujer alejada de la languidez flamenca, aquí aparece rolliza tanto o mas que el niño Jesús, este busca el pezón de la madre mientras con la mano quiere atrapar el pecho, ella le ayuda a mamar sujetándose el pecho con la mano izquierda. La virgen lleva un vestido azul con ojales que la permite desabrocharse con facilidad para dar de mamar y una túnica roja destacándose en el cuadro sus brocados dorados. La imagen esta encuadrada dentro de una amplio ventanal de un palacio renacentista, al fondo se aprecia un paisaje y, apoyada en la barandilla una pequeña alfombra y sobre esta, un libro de horas marianas.

Huida a Egipto de Giovanni Battista Cima, Museo Calouste Gulbenkian

Del pintor renacentista italiano Giovanni Battista Cima , llamado Cima da Conegliano esta colgada la obra “Sacra Conversación” o también conocido como “Descanso en la fuga para Egipto”, realizada en temple y óleo sobre tabla de madera, pintado en la ciudad de Venecia hacia 1500.

Detalle de la Huida a Egipto de Giovanni Battista Cima, Museo Calouste Gulbenkian

Cima da Conegliano es un importante pintor italiano del renacimiento, comenzó aprendiendo el oficio de pintor con obras algo rudas pero con el paso del tiempo fue depurando la técnica perdiendo la severidad y ganando en gracia. Sus cuadros muestran como característica principal la explosión del color que en su última etapa es sustituido por la introducción del dorado. Los personajes carecen de dramatismo no habiendo interacción entre los mismos personajes de un cuadro, lo que da conocer sus propias limitaciones pictóricas.

El cuadro de la colección nos presente esa característica del pintor con una explosión de colorido, nos habla del descanso de la sagrada familia ante la huida a Egipto perseguidos por Herodes. El artista en lugar de reflejar el desierto refleja un paisaje cercano al artista, posiblemente se trate de Italia.

La composición muestra la obra dentro de un paisaje donde se puede adivinar una ciudad, las montañas y una mula pastando. En el centro los personajes están descansando sobre una piedra, vemos a la Virgen que porta al niño Jesús, este, dirige la atención a uno de los Ángeles, mientras que el otro ángel habla con la Virgen María , San José esta representado por un hombre mayor, calvo y con barba blanca.

Bautismo de Cristo de Francesco de Francia, Museo Calouste Gulbenkian

De Italia procede el cuadro titulado “Bautismo de Cristo” pintado en Boloña y datado en 1494, obra del pintor Francesco de Francia o también conocido como Francesco de Raibolini, fue realizado con óleo sobre madera .

Detalle del Bautismo de Cristo de Francesco de Francia, Museo Calouste Gulbenkian

Francisco de Francia fue un pintor italiano que tenía como característica principal su armonía en todas sus composiciones aunque tomo una clara influencia de los pintores de su época como Perugino y Rafael.

La composición del cuadro es como un recurso paisajístico donde el centro de la imagen esta relacionado con el fondo del cuadro. Se ve un paisaje de Galilea donde aparecen los arcos de entrada a la ciudad que es atravesada por dos jinetes a caballo. En el centro de la imagen esta el río Jordán, lugar donde se celebro el bautismo de Jesús, a la izquierda se encuentran dos Ángeles que asisten a la escena, su primo, Juan Bautista es el encargo de la liturgia del bautismo, en el centro Jesús semidesnudo recibe el agua sagrada y a la derecha dos soldados prestan atención a la escena. Sobre las cabezas de todos se encuentra la paloma del Espíritu Santo.

Juan protesta y se niega al bautismo pero Jesús le dice: «Hay que dar cumplimiento a toda justicia ordenada por Dios»; después Juan procede al bautismo diciendo estas palabras: «Este es mi hijo muy amado, mi predilecto».

Retrato de Marco Antonio Savelli obra de Giovanni Battista Moroni, Museo Calouste Gulbenkian

Uno de los mejores retratista de la época fue Giovanni Battista Moroni, la colección presenta un cuadro llamado “Retrato de Marco Antonio Savelli”, pintado en la ciudad de Bergamo hacia 1543, realizado en óleo sobre tela. Tiene unas medidas de 137 x 112 cm .

El pintor Giovanni Battista Moroni fue uno de los precursores del manierismo italiano –movimiento creado al comienzo del estilo barroco que se identifica por las caras alargadas que cuestiona el prototipo de belleza del renacimiento– . Se traslada a la ciudad de Trento donde conoce al pintor Tiziano que le encarga realice todas los retratos que él no podía pintar. De esta forma Morini se convierte en el retratista de la burguesía italiana. En sus obras busca la dignidad humana y la vida cotidiana del retratado.

En esta ocasión Morini retrata al doctor Marco Antonio Savelli, se le ve en el exterior de un templo renacentista que el pintor ha establecido pareciendo un cuadro de una grisalla. Sobre la mano izquierda sujeta un libro de consultas médicas y sobre el mármol el pintor pone el rotulo del personaje.

“Retrato de Sara Andriesdr” obra de Frans Hals, Museo Calouste Gulbenkian

Otro de los retratos importantes del pintor Frans Hals se titula “Retrato de Sara Andriesdr” fue realizado en Holanda, esta datado en 1626 y realizado en óleo sobre tela.

Frans Hals es un importante pintor neerlandés y forma parte de la escuela de pintura barroca holandesa y uno de los grandes maestros del retrato. En su obra despierta admiración el manejo perfecto de la luz y del uso de los pinceles. Sigue en toda regla la influencia italiana clasicista dejando de lado la corriente manierista.

En esta ocasión podemos admirar el retrato de una mujer burguesa Sara Andriesdr Hessixes, esta mujer se representa sentada, perteneció a una familia burguesa, esta vestida con el traje de la época: un jubón negro con cuello blanco, cubre su cabeza con un gorro blanco de tela. La mano derecha la lleva al corazón y la izquierda sujeta un libro, lo que indica que era una mujer culta y justa.

“Figura de Anciano” obra de Rembrandt, Museo Calouste Gulbenkian

Uno de los cuadros más importantes de la colección corresponde con “Figura de Anciano” realizado por el maestro de la pintura Rembrandt Harmensz Van Rijn, fue realizado en Holanda y datado en 1645, fue realizado mediante la técnica de óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 128 x 112 cm .

“Figura de Anciano” obra de Rembrandt, Museo Calouste Gulbenkian

Uno de los pintores de la Edad de Oro de la pintura holandesa es sin lugar a dudas Rembrandt Harmensz Van Rijn es considerado como el maestro de la pintura y el grabado barroco, siendo con toda seguridad el maestro del arte de toda Holanda, siempre estos genios surgen con el gran desarrollo económico de sus sociedades, siempre coincide con el momento cumbre de su cultura, de la ciencia, del comercio o del poderío e influencia política.

Una de las especialidades artísticas del pintor eran los retratos y, mejor aún, sus propios autorretratos , en los que especialmente encontramos, siempre, la mirada humilde y sincera de un artista que trazó en ellos su propia biografía .

Rembrandt con este retrato aborda uno de los temas que más encargos tuvo y era el retrato de gente mayor y que además contribuye él de su propia cosecha con la realización de sus propios autorretratos envejeciendo que hacia mirándose al espejo.

En esta ocasión nos presenta una obra con un gran efecto intimista, combinado el gusto holandés por el retrato con unos colores cálidos de inspiración veneciana. Es una obra humanista porque intenta traspasar las simples formalidades para adentrarse en una figura realista y expresivamente densa, emocionalmente a todas luces nos parece muy sugerente. El lienzo revela una nueva forma de narración pictórica, a través del cual el espectador puede conocer no solo la figura del retratado sino también su alma. El pintor utiliza la técnica del claroscuro, consiguiendo una iluminación barroca que se acentúa en las manos y en la cara con un sentido casi trágico.

“Retrato de Elena Fourment” obra de Rubens, Museo Calouste Gulbenkian

Otra de las obras de arte del museo es el cuadro “Retrato de Elena Fourment” obra del genial pintor de Flandes, Peter Paul Rubens, esta datado en el periodo de 1630 a 1632, pintado al óleo sobre madera; tiene unas medidas de 186 x 85 cm .

“Retrato de Elena Fourment” obra de Rubens, Museo Calouste Gulbenkian

La figura del cuadro corresponde con Elena de Foorment que se convirtió en su segunda esposa, era hija de un rico mercader de alfombras de la ciudad de Amberes. El pintor tenia cincuenta y tres años y ella tan solo diecisiete, a partir de entonces se convierte en su musa favorita por lo que se puede ver su rostro en muchos de sus trabajos, no solamente en sus retratos sino también en las caras de muchos de los trabajos mitológicos o religiosos.

Peter Paul Rubens es otro de los maestros del arte barroco de la escuela flamenca. La característica principal de su pintura fue su estilo exuberante que enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Sus principales influencias procedían de clasicismo renacentista de la escuela italiana de Tiziano y Miguel Ángel.

Las obra manifiesta un gran virtuosismo técnico y una audaz plasticidad de las formas, sobre todo en la materialización de las diferentes texturas que aparecen en el cuadro, siendo la imponente verticalidad de la mujer en contra posición con la acentuada y baja línea del horizonte. El pintor ofrece una obra de gran impacto y el testimonio de su gran talento como pintor del arte barroco.

El retrato esta realizado de cuerpo entero a la misma escala, donde la mujer aparece con un exuberante vestido negro muy escotado que hace entrever sus pechos, Rubens nos ofrece a su mujer vestida pero casi como un desnudo, sobre su mano derecha lleva una pluma mientras con la izquierda se abraza el abdomen. El gorro lleva unas plumas que pintado bajo las nubes hace que esté en movimiento. Elena esta muy adornada con joyas, pendientes de lágrima de perlas, sobre su cuello un enorme Toisón de oro y piedras preciosas y sobre su pecho un bonito broche haciendo juego.

“Amores de Centauros” obra de Rubens, Museo Calouste Gulbenkian

Del mismo autor Rubens la colección tiene destacado el cuadro “Amores de Centauros”, realizado con la técnica de óleo sobre madera, en Flandes, datado en 1635.

Peter Paul Rubens no solo pinta retratos son grandes encargos procedente de las cortes europeas están dirigidas a la interpretación de los dioses del olimpo del que fue uno de los mejores maestros. El pintor se dedica a pintar el universo contemplando las diosas y dioses, en los semidioses y en los hombres mitológicos, describes a los hombres presentándolos en sus orgías, en sus placeres mundanos y en sus batallas con el Amor. Muchas veces los concibió con el aspecto de sátiros, en toda esta interpretación consiguió también interpretarse asimismo con su propia fe, su voluntad y su renovado tesón.

Como consecuencia de esta fuerza, como ningún otro artista del estilo barroco había transmitido hasta ese momento, se inspira en los mitos de Grecia, se apoya en las fuerzas de la Naturaleza y del Universo consiguiendo humanizarlas, consiguió con todas estas fuerzas una compenetración entrañable llenas de energía y de vida; un empuje, un brío, una explosión de instintos como podemos comprobar en este cuadro.

El filósofo del arte Hippolyte Taine en el siglo XIX dijo de Rubens:

“Nadie ha sabido dar a los hombres tan impetuosos esos gestos, una carrera tan frenética y desalentada, tal conmoción y, en generar la tempestad de toda la musculatura tensa y retorcida por un único esfuerzo. Los personajes de los cuadros están realmente hablando; aun el mismo reposo parece estar suspendido en el límite de la acción, y sabes lo que aquellas gentes acaban de hacer y lo que harán dentro de un instante. El presente esta proyectado del pretérito y del porvenir. No solo los rostros, sino la actitud entera conspira para expresar la ola cambiante de sus pensamientos y pasiones de su ser entero….Y nadie llego más legos en el conocimiento del organismo viviente y en el animal humano”.

“Nadie ha sabido dar a los hombres tan impetuosos gestos, una carrera tan frenética y desatentada, tal conmoción y general tempestad de toda la musculatura tensa y retorcida por un único esfuerzo. Los personajes de los cuadros están realmente hablando; aun el mismo reposo parece estar suspendido en el límite de la acción, y sabes lo que aquellas gentes acaban de hacer y lo que harán dentro de un instante. El presente esta proyectado del pretérito y del porvenir. No solo los rostros, sino la actitud entera conspira para expresar la ola cambiante de sus pensamientos y pasiones de su ser entero….Y nadie llego más legos en el conocimiento del organismo viviente y en el animal humano”.

Detalle “Amores de Centauros” obra de Rubens

El cuadro se representa el amor de dos parejas de centauros, el situado en primer plano esta preparado para montar a la hembra, mientras que el que esta en segundo plano esta en la fase de los cortejos. En esta interpretación de los centauros para ser más realista Rubens los pinta con cuatro patas de caballos además de dos brazos con manos, capaces de acariciar como hombres. El centauro con la mano derecha acaricia el pecho de la hembra con todo la fuerza de un caballo y con la distinción de un hombre, con el brazo izquierdo lo pasa por el cuello de la hembra buscado cogerse las manos.

Detalle “Amores de Centauros” obra de Rubens, Museo Calouste Gulbenkian

Los Centauros tienen el cuerpo de un caballo, pero la cabeza y el torso de un humano. En la mitología griega los centauros fueron considerados los descendientes de los Centauros de los Mares: Magnesiano y Centaurus, el propio hijo, ya sea de Ixion y Nephele o Apolo y Stilbe.

La palabra centauro se deriva de las palabras kévtaupoç (de caza), taü??? (un toro).Esto puede relacionarse con la gente de Tesalia que cazaban los toros a caballo. Su capacidad podría de alguna manera se han relacionado y confundido con los centauros que también que viven en Tesalia.

“Retrato de Hombre ” obra de Anton van Dyck, Museo Calouste Gulbenkian

Un cuadro muy importante de la colección que representa a otro de los maestros de la pintura flamenca Anton van Dyck “Retrato de Hombre”, fue realizado entre 1620 y 1621, óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 142 x 112 cm .

Anton van Dyck se especializo fundamentalmente en los retratos, su fama alcanzo niveles mundiales y se traslada a Inglaterra para entrar como pintor de cámara de la corte. La característica principal es la elegancia relajada, sus retratos de Carlos I de Inglaterra y su familia se hicieron muy famosos pero también trabajo en obras más grandes pintando temas bíblicos y mitológicos.

El cuadro represente al retrato de un personaje del que no se sabe la identidad, entre las hipótesis parece tratarse de Anton Triest, burgomaestre de Gand, éste, era obispo y consejero de Estado.

Detalle de la cara del “Retrato de Hombre ” obra de Anton van Dyck, Museo Calouste Gulbenkian

El escenario es el utilizado en otros cuadros de Anton, tiene una influencia de la pintura veneciana: El Personaje esta de pie, encuadrado entre cortinas, columnas y un pequeño pasaje al fondo donde se ve el horizonte.

El pintor utiliza la luz y los colores cálidos para crear en el personaje un efecto de grandiosidad, muy parecidos a los cuadros del pintor Rubens, y que llegó a ser uno de los aspectos más característicos de Van Dyck.

“Vista de la costa de Noruega ” obra de Jacob van Ruisdal, Museo Calouste Gulbenkian

Otro de los lienzos importantes holandeses “Vista de la costa de Noruega” obra del pintor Jacob van Ruisdal, pintado en óleo sobre tela en Holanda a mediados del siglo XVII; tiene unas medidas de 100 x 122 cm .

Jacob van Ruisdal es uno de los mejores pintores paisajistas holandeses del siglo XVII, sus temas casi siempre son zonas boscosas. Destaca por el tratamiento de los árboles y del follaje por su precisión en las pinceladas.

También pinto escenas de costa y marinas y escenas de montaña cuando se traslada a vivir a Noruega. Este tipo de pinturas eran muy demandas por la sociedad de la época y llegó hacer una cantidad importante de cuadros, muchos de ellos, ocupan ahora los principales museos del mundo.

El cuadro nos muestra una escena en la costa de Noruega en el momento en que los barcos son arrastrados hacia la costa rocosa como consecuencia del temporal. El cielo amenazante en esta obra ocupa dos tercios de la composición, un factor que le da al espacio reproducido, es el aumento de la fuerza dramática. Los barcos se representan con enfrentamientos y, brutales olas rompientes por viento sobre las rocas, se distribuyen en la composición del cuadro para crear en efecto de aumentar la violencia atmosférica de la escena.

Llegamos a la sala 9 del museo dedicada al Arte Europeo de los siglos XV al XVII correspondientes de tapices y esculturas.

Esta sala ocupa los tesoros que el magnate Calouste Gulbenkian tenia en su casa de París en lo que fue el salón principal. Es quizás los más hermoso con enormes tapices del siglo XV de origen flamenco y otro de origen italiano, una escultura francesa de san Martín de Tours, un relieve de madera de San Gabriel, también con una escultura de la virgen y san Juan; una importante colección de medallas del Renacimiento, una importante colección de libros de origen humanista y una impresionante colección de platos de mayólica italiana del renacimiento.

“San Martín a Caballo compartiendo la capa con un mendigo” Museo Calouste Gulbenkian

Una de las esculturas monumentales del museo hace referencia a “San Martín a Caballo compartiendo la capa con un mendigo”, fue tallada en Francia en 1531, realizada en Piedra, tiene unas dimensiones de 136 x 134 x 34,6 cm .

La escultura está representado san Martín de Tours a caballo y con la espada en la mano cortando un trozo de su capa para compartirla con un mendigo, en el centro se encuentra el escudo heráldico de Francisco I, Rey de Francia, característico por la coronación con la imagen de una salamandra.

Esta escultura destaca por los detalles representados, desde los complementos del caballo con finos trabajos de artesanía en piel, desde las bridas, cinchas, crineras etc de una calidad semejante a un príncipe, no menos aparatosas es la vestimenta de san Martín que más bien parece un infante real y el mendigo representado por un cojo con su muleta. Es una obra en transición del gótico al renacimiento se aprecia en la figura del santo y del mendigo que todavía se representan de una forma estática como en el medievo. Mientras que los adornos de la decoración están inspirados en el arte clásico y corresponden con la época renacentista.

En la región del Loira, San Martín, era el Apóstol de las Galias y obispo de Tours, fue uno de los santos más venerados de Francia con una rica iconografía, siendo el episodio más frecuentemente ilustrado el que se representa en esta escena, cuyo desenlace es la generosidad del obispo compartiendo con un pobre un trozo de capa para resguardarse del frío del invierno.

“La Fe ” , obra de Andrea Della Robbia Museo Calouste Gulbenkian

En el mismo paramento y sobre la pared hay un medallón titulado “La Fe”, atribuido a Andrea Della Robbia, fue construido en la ciudad de Florencia y datado entre 1465 y 1470, realizado en terracota esmaltado; tiene unas medidas de 180 cm de diámetro.

El medallón representa una de las virtudes teologales de la fe con sus atributos característicos, una mujer que sujeta la cruz con la mano derecha y un cáliz con la mano izquierda.

La virtud se simboliza en una actitud que surge del cielo, que emerge entre las nubes sugeridas que provocan el efecto de aparición. La figura se representa en blanco que destaca del azul intenso del cielo, estando el conjunto enmarcado dentro de una guirnalda de hojas y frutas, rematado por el motivo clásico del óvulo y del dardo. Estos relieves circulares eran utilizados en la decoración de paredes y techos. Podían ser utilizados tanto para el interior como en el exterior de los edificios, dado que al estar la pieza esmaltada, es también resistente a la intemperie.

El sistema de vidriado de las piezas de terracota fue una técnica heredada de la influencia árabe para ser utilizada en la porcelana doméstica, el taller de Lucas Della Rabia era uno de los que la ejecutaba de una forma monumental. Pero fue Ándela, su sobrino quien continúo con el taller, el probable autor de esta pieza.

“Tapiz la Rueda” , obra de Nicolás Archero, Museo Calouste Gulbenkian

La colección de tapices destacamos “Tapiz la Rueda” de la colección de juegos de niños, fue realizado en el taller de Nicolás Archero, en Mantuda en 1540; esta confeccionado con: lana, seda, hilos de oro y plata.

Nicolás Karcher era un ilustre tejedor de origen flamenco que se traslada a Italia y junto a su hermano construyen un taller amparado por los duques de Ferrara y Módena, se traslada a Bruselas para llevarse las mejores ocho tejedoras de la ciudad. Luego se marcha a Mantua donde creara su propio taller, su obra alcanzó tanta fama en Italia que se traslada nuevamente a Florencia para atender la cantidad de trabajos demandados por la burguesía de la ciudad.

El tapiz pertenece a una serie que se hizo titulada “Juego de Niños”, fue tejido en el taller de Mantua. El tapiz simboliza una escena alegórica donde se ve en una danza de pequeños niños alados (amores) por los troncos de una enramada de vides a las que se han subido unos pequeños cupidos, uno de ellos porta un capacho rojo con flechas, se les ha invertido y las flechas caen al suelo clavándose en uno de los niños, a la derecha de la composición hay una bella dama tocando una lira que contempla la escena. En el centro del tapiz esta el escudo de armas del cardenal Hércules Gonzaga de Mantua, a quien perteneció el tapiz, junto con cinco restantes (tres completos y dos fragmentos) de la misma serie, que también forman parte de la colección del museo.

“Leyenda de Vertumno y Pomona” , obra de Jan Vermeyen, Museo Calouste Gulbenkian

Otro de los tapices importantes corresponde con el de “La Leyenda de Vertumno y Pomona”, fue realizado en Bruselas a mediados del siglo XVI por Jan Vermeyen.

Los tapices de Vertumno y Pomona forman, sin duda, la más monumental figuración plástica de la fábula contada por Ovidio en sus Metamorfosis. Según la leyenda del poeta, la diosa vivía retirada en sus tierras, donde se dedicaba plenamente a sus deberes de cosechar la tierra y cuidar de sus jardines. Desconfiaba de las criaturas de los bosques y no dejaba a los intrusos, especialmente si eran del sexo masculino, entrar en sus huertos. Ovidio relata cómo Vertumno, dios de las estaciones que se enamoró de Pomona, hasta lograr acercarse y seducirla usando su poder: el don de transformarse en cualquier forma que desease.

En la composición del tapiz podemos ver bajo una pérgola a las distintas divinidades de la fábula de Vertumno y Pomona, ellos caminan hacia su encuentro, él lleva una escalera en sus mano y ella una navaja. En el segundo plano están representados los jardines y huertos tutelados por la ninfa que Vertumno quiere conquistar. En lo mas alto del tapiz se ve una inscripción latina de la referencia del tapiz en la parte del libro. En la cenefa están tejidas las marcas del tapicero y de la ciudad de Bruselas.

“PLato Hondo” , Museo Calouste Gulbenkian

De la colección de platos de cerámica destacamos “Plato Hondo”. Fue realizado en Caffagiolo, Italia, datado en 1510; tiene unas medidas de 26 cm de diámetro.

La villa de Cafaggiolo esta situada en la provincia de Florencia y fue muy importante por las fabricas de cerámica mayólica italiana – es el nombre que se da desde el renacimiento a un tipo de decoración cerámica sobre loza, con un esmalte de plomo opacificado con estaño, posteriormente se decora los diversos motivos con óxidos sobre la anterior base – cuyo auge se da entre finales del siglo XV y finales de siglo XVI, en sus dibujos se aplican historia sacadas de los clásicos griegos durante la época del renacimiento.

La escena de esta pieza es la representación del mito de Endimion. Es seducido por Diana, Endimion obtuvo de Zeus el don del sueño eterno para que no perdiese su belleza y su juventud. Sin embargo en esta ocasión la figura femenina se identifica con Diana, que en el mito asume la personalidad de diosa de la luna (Selene) y no se distingue por el atributo de la media luna en la cabeza.

En el reborde del plato hay un cortejo de niños alados (amores), montados en tritones y monstruos marinos, todos ellos tocan instrumentos, queman antorchas, portan tridentes y trofeos o simplemente juegan. El reverso, al igual que en los trípticos, esta decorados con un entrelazado vegetal para mostrar la iniciales de la marca “SP”, atribuida a los pintores Piero y Stefano de Filippo.

Sala X del Museo Calouste Gulbenkian

Pasamos a la sala 10 del museo, esta dedicada a las artes decorativas de Francia durante el siglo XVIII. Esta quizás fue una de las mejores apuestas de la Colección Calouste Gulbenkian, durante su vida en Francia tenia mucho más a mano el arte de ese país y se refleja en la cantidad de objetos que durante años fue atesorando multitud de obras de arte de todos los campos de la decoración: muebles, cerámicas, libros, tapices, lámparas, etc.

"El Pescador Infeliz" del Museo Calouste Gulbenkian

Uno de los tapices de esta sala se titula “El Pescador Infeliz”, confeccionado en la ciudad de Aubuson (Francia) en el siglo XVIII, realizado en lana y seda; tiene unas medidas de 169 x 135 cm .

La temática del tapiz es de influencia orientalista, esta decorado en la parte superior y en los dados con guirnaldas y flores, tiene un color de fondo amarillo azafrán, el motivo principal es un pescador que en el extremo de la caña lleva una bolsa para pescar cangrejos y camarones, esta sentado sobre una estructura de madera en lo alto de un árbol, en la parte inferior se encuentra el arroyo, una especie de cueva entre el follaje y las flores donde aparece un dragón.

"Armario" siglo XVII del Museo Calouste Gulbenkian

Uno de los muebles más bonitos de la sala “Armario” esta atribuido a André-Charles Boulle, fue realizado en París hacia 1700, construido con madera de roble y detalles de maderas exóticas, además lleva incrustaciones de tortuga, bronce, estaño y latón. Tiene unas medidas de 254x 163 x 60 cm.

El armario de la colección de estilo Luis XIV tiene dos puertas decorado con bronces en altorrelieve, donde se representan escenas mitológicas inspiradas en el clasicismo de las Metamorfosis de Ovidio, taraceado con arabescos y motivos naturalistas constituidos por estrechos hilos de latón o estaño sobre fondo de tortuga en forma de hojas. En la base tiene una cabeza de león, realizada en bronce cincelado y dorado que representa a Apolo.

La técnica utilizada era una de las cualidades del taller, se caracteriza por el recorte de los motivos en láminas superpuestas de materiales y colores contrastados, aprovechando el material consigue obtener dos piezas iguales, en lo que una se presenta, como el “negativo” de la otra.

“Jarra con Tapa ” siglo XVIII, Museo Calouste Gulbenkian

El museo expone algunas figuras decorativas de gran valor como “Jarra con tapa”, es una adaptación de una figura medieval procedente de Venecia, que fue adaptada en París entre 1734 y 1735, realizada en Jaspe y Oro, tiene unas medidas de 33,5 cm.

Detalle “Jarra con tapa ” Museo Calouste Gulbenkian

La jarra esta realizada en jaspe –piedra sedimentaria utilizada para ornamentación y como gemas–, tiene un color de sangre coagulada y tiene una pureza extrema. Es una piedra mitológica de la que se ha hablado desde la antigüedad encontramos referencias en el Antiguo Testamento hasta el Nuevo Testamento, el jaspe Rojo era considerado hasta por los alquimistas como una piedra preciosa con poderes especiales.

El tallista de esta obra consiguió una simplicidad en la forma, con una inspiración oriental, fue llevada a París para el montaje en oro al estilo rocaille, ejecutada según un dibujo de Boucher.

Sobre el cuello se decoro en oro con motivos vegetales, sujetando la tapa donde se representa a un niño reclinado sobre una base rocosa con una decoración en forma de espiral. En el asa una cabra se yergue sobre las patas delanteras, mientras que la cola se prolonga en un motivo con forma de voluta, En el pie esta revestido en oro con motivos no figurativos, de acantos y volutas.

La calidad del trabajo en oro demuestra que fue ejecutado por un importante maestro de la orfebrería, indica que el montaje pudo ser ejecutado por algunos de los artesanos que trabajaba en la casa real de Francia.

Pintura mitológica del siglo XVIII, Museo Calouste Gulbenkian

La sala XI de Museo Calouste Gulbenkian esta dedicada a “La Pintura y Escultura” en Francia durante el siglo XVIII. En su mayor parte la sociedad de la nobleza solicita a los pintores retratos, también se interesan por los temas mitológicos con ligeras tendencias eróticas y una pintura decorativa para los grandes salones, los reyes les gusta los paisajes de los jardines de Versalles, en todos los casos se valora el dibujo y la preferencia por la simetría donde se posibilita la confrontación de conceptos estéticos característicos del neoclasicismo.

En la escultura también predomina el retrato, en forma de busto, por el contrario no esta de moda la escultura decorativa, alegórica y mitológica, tal como aparece en la pintura, la nobleza esta más interesada en la representación de la propia naturaleza.

“Busto Luis IV ” , Museo Calouste Gulbenkian

Una de las esculturas más importantes de la época pertenece “Busto de Luis XIV”, de autor desconocido, realizado en Bronce. Modelo inspirado en Jean Warin (1596 o 1604-1672), almacenada en Versalles, tiene unas medidas, realizada en Francia en el siglo XVIII. Tiene unas medidas de 70 cm ; 82 cm , 43 cm .

La figura del busto de Luis XIV, describe a un monarca joven, fue uno de los reyes más influyentes en la historia de Francia, impulsor de la construcción del actual Palacio de Versalles, el mismo se comparó con la estrella del sol. Su busto fue parte de la Colección Holford (Dorchester House, Inglaterra) como el busto del Mariscal Turenne, Henri de la Tour d'Auvergne, ambos asignados al francés Antoine Coysevox (1640-1720), fue el escultor más representativo y prolífico del siglo XVII en Francia y que dedicó gran parte de su carrera a la composición de bustos, después de haber retratado al monarca en varias ocasiones a lo largo de la vida, desde joven hasta de viejo moribundo.

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Ángel López

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