Itinerario del viaje
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Continúa....
Son las 16,30 horas en el momento que decidimos caminar hacia la puerta principal del Palacio de Versalles para ver su interior, en estos momentos los turistas hacen fila para entrar, aunque tenemos entrada tenemos que esperar casi media hora para después pasar los controles de seguridad y acceder al conjunto palaciego.
“Luis XIII con Francia y Navarra”, obra de Simon Vouet en el Palacio de Versalles (Francia)
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El primer cuadro del Palacio “Luis XIII con Francia y Navarra”, obra de Simon Vouet, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1640.
El cuadro está protagonizado por el rey Luis XIII vestido con armadura y sentado sostiene un bastón corto, equivalente a un palo de mando. En la cabeza una corona de laurel, viste en una honda de la orden del Espíritu Santo y una estola blanca, un signo monárquico y dinástico. El pañuelo blanco se convierte durante el reinado de Luis XIII en un motivo recurrente de la iconología real.
Acompañado de dos mujeres que representan a Francia (izquierda) y Navarra (a la derecha, con sus armas claramente identificables) están arrodilladas a los pies del rey. Parecen asombrados del monarca, que media entre la escena y el espectador a través de sus ojos.
“Retrato de Luis XIV”, obra del pintor de Philippe de Champagne en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro es “Retrato de Luis XIV”, obra del pintor de Philippe de Champagne, realizado en óleo sobre lienzo.
La imagen muestra el cuerpo del rey de Francia Luis XIV de tres cuartos con cabello rizado, bigote, corbata de encaje, batas y manto. Dentro de un borde ovalado.
“Ana de Austria, Maria Teresa de Austria y el Gran Delfin”, obra del pintor Charles and Henri Beaubrun en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro es “Ana de Austria, Maria Teresa de Austria y el Gran Delfín”, obra del pintor Charles and Henri Beaubrun, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el
tercer cuarto
del siglo XVII. Tiene unas medidas de 134,5 x 148 cm.
La pintura representa una curiosa trinidad, donde se representan a las dos reinas, la madre y la esposa del rey, y la heredera del reino. La edad del príncipe heredero es 3 o 4 años como máximo, incita a fechar el cuadro en los años 1664 o 1665. Ana de Austria y su sobrina Marie-Thérèse mantuvieron una sólida amistad. Garantes de una paz inestable entre las dos potencias católicas. Luis fue el primero de seis hijos de la pareja real y el único en llegar a la edad adulta.
El futuro de la dinastía se asegura desde muy temprano. La iconografía de la pintura es singular. La actitud aparentemente familiar del niño en el regazo de su madre es excepcional en un retrato de esa época y solo puede explicarse por una referencia explícita a un cuadro de la Virgen y el Niño. La alusión no era sacrilegio; luego encontramos muchos retratos historiados bajo un disfraz religioso, incluso el de la Virgen. Esta iconografía solo podía complacer a las almas piadosas que eran las dos reinas. El rayo luminoso que desciende del cielo, la vestimenta de una simplicidad antigua y carente de atributos reales como la ausencia de decoración refuerza la asimilación latente del retrato a una escena religiosa.
“Llegada de Luis XIV al antiguo Palacio de Versalles” obra del pinto Adam Frans van der Meulen en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro “Llegada de Luis XIV al antiguo Palacio de Versalles” obra del pintor Adam Frans van der Meulen, está datado en 1669, realizado en óleo sobre lienzo.
Louis XIV viene a cazar cada vez más a Versalles con su familia o con toda la corte. A finales de la década de 1660, el rey decidió quedarse más regularmente en Versalles. Le pidió a su arquitecto Louis Le Vau que diseñara un proyecto para extender el castillo y para crear nuevos apartamentos con todas las comodidades,
dedicada la parte norte para el rey, y la sur para la reina.
“Vista del castillo de Vincennes con Luis XIV y María Teresa de Austria”, obra del pintor Adam Frans van der Meulen en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro “Vista del castillo de Vincennes con Luis XIV y María Teresa de Austria”, obra del pintor Adam Frans van der Meulen, esta datado en 1669. Tiene unas medidas de
53 x 95 cm.
Van der Meulen fue uno de los pintores de batalla más importantes de su tiempo. También es conocido por sus muchos dibujos topográficos, que hizo como preparativos para sus piezas de batalla. Pintó retratos ecuestres y pintó y dibujó muchos estudios con animales. Sus obras siempre conservaron su carácter flamenco en términos de color, aunque su estilo fue modificado por el de la escuela francesa.
“Vista del castillo y los jardines de Versalles, tomada desde la avenida de París”, obra de Pierre Patel en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro “Luis XIV con vistas a Château de Saint-Germain-en-Laye”, obra de Adam-Frans Van der Meulen, esta datado en 1669, realizado en óleo sobre lienzo.
Van der Meulen fue nombre por el rey Luis XIV como pintor ordinario, realizó un total de nueve viajes para documentar las campañas militares del rey. Disfrutaba de todo tipo de instalaciones en su trabajo: tenía su propio entrenador, comía con los oficiales y tenía un asistente llamado Jean Paul que lo ayudaba con los dibujos. Los dos artistas hicieron dibujos de unas 32 ciudades que fueron conquistadas por los franceses durante la campaña.
“Vista del castillo y los jardines de Versalles, tomada desde la avenida de París”, obra de Pierre Patel en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro “Vista del castillo y los jardines de Versalles, tomada desde la avenida de París”, obra de Pierre Patel, está datado 1668, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 115 x 161 cm.
Esta pintura data de 1668, representa una vista imaginada del castillo de Versalles como era en esa fecha, es decir, en gran medida como Luis XIII lo había dejado, aunque con los primeros arreglos de Luis XIV. Sin embargo, el pintor se tomó libertades con la topografía y arquitectura, con el fin de ofrecer una vista de un Versalles idealizado y más exitoso de lo que realmente era en ese momento, para proporcionar una imagen del poder del rey constructor.
“El Triunfo de Saturno”, obra del pintor Noel Coypel en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente obra es “El Triunfo de Saturno”, obra del pintor Noel Coypel, realizado en óleo sobre lienzo, está datado 1672.
La obra se tratada de unos bosquejos para la preparación de los techos destinados a los Grandes Aposentos. Este gran fresco estaba destinado al aposento del rey, pero la desaparición de la estancia para construir la Gran Galería detuvo la realización del techo.
“El Triunfo de Mercurio”, obra del pintor Jean Baptiste Champaigne en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente obra es “El Triunfo de Mercurio”, obra del pintor Jean Baptiste Champaigne (1631-1681), realizado en óleo sobre lienzo, está datado 1672.
La obra se tratada de unos bosquejos para la preparación de los techos destinados a los Grandes Aposentos. Este gran fresco estaba destinado al aposento del rey hasta 1678 y que pasó a llamarse Salón de Mercurio.
“El Triunfo de Júpiter”, obra del pintor Noel Coypel en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “El Triunfo de Júpiter”, obra del pintor Noel Coypel, realizado en óleo sobre lienzo, está datado 1671. Tiene unas medidas de 76,5 x 78,5 cm.
La obra se trata de unos bosquejos para la preparación de los techos destinados a los Grandes Aposentos. La pintura fue diseñada para el panel central del Salón de la Guardia de la Reina.
El tema es el carro de Júpiter rodeado de las alegorías de la justicia (a la izquierda) y la piedad (a la derecha). En primer plano, vemos las casas del planeta Júpiter: los signos astrológicos de Capricornio y Piscis. Rodean una personificación
de los astros
en forma de una joven que sostiene una guirnalda de flores con cuatro niños que simbolizan los cuatro satélites del planeta, que había sido descubierto por Galileo en 1609.
“La batalla Cassel, 11 de abril de 1677”, obra del pintor Adam Frans van der Meulen en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “La batalla Cassel, 11 de abril de 1677”, obra del pintor Adam Frans van der Meulen, realizado en óleo sobre lienzo, está datado 1677. Tiene unas medidas de 61,00 x 51,2 cm.
La batalla en las Guerras de Holanda supuso la victoria de las tropas francesas lo que permitió la unión a Francia de la ciudad de Saint-Omer, las capitanías de Cassel, Bailleul e Ypres hasta ahora posesiones del condado de Flandes y, en general, del sur de los Países Bajos de España.
“Las diferentes naciones de Europa”, obra del pintor Charles le Brun en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Las diferentes naciones de Europa”, obra del pintor Charles le Brun, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en el siglo XVII. Tiene unas medidas de 72 x 58,5 cm.
La obra se trata de unos bosquejos para la preparación de los techos destinados Trompe-l'Oeil de las parades en las escaleras de los Embajadores, y muestran las cuatro partes del mundo que rinden homenaje al rey Sol: Europa, Asia, África y América.
“Toma de Saint-Omer, 22 de abril de 1677”, obra del pintor Adam Frans van der Meulen en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Toma de Saint-Omer, 22 de abril de 1677”, obra del pintor Adam Frans van der Meulen, realizado en óleo sobre lienzo, está datado 1677. Tiene unas medidas de 54 x 52 cm.
Los franceses habían intentado capturar la importante ciudad de Artois de Saint Omer en el siglo XVI, luego otra vez en 1638 y 1647, pero fracasaron repetidamente. Esto se debía a la tierra pantanosa y fuertes fortificaciones, que los españoles fortalecieron después de los primeros ataques franceses. Pero los días de Saint-Omer estaban contados cuando Luis XIV se preparó para invadir los Países Bajos españoles, que creía que pertenecían legítimamente a Francia.
“Las diferentes naciones de Asia”, obra del pintor Charles le Brun en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Las diferentes naciones de Asia”, obra del pintor Charles le Brun, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en el siglo XVII. Tiene unas medidas de 72 x 58,5 cm.
La obra se trata de unos bosquejos para la preparación de los techos destinados Trompe-l'Oeil de las paredes en las escaleras de los Embajadores, y muestran las cuatro partes del mundo que rinden homenaje al rey Sol: Europa, Asia, África y América.
“Vista del Palacio de Versalles, desde el lado de los jardines 1675”, obra de un pintor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Vista del Palacio de Versalles, desde el lado de los jardines 1675”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1672. Tiene unas medidas de 102,8 x 143,2 cm.
El cuadro pertenece a la escuela de pintura francesa barroca. Describe la arquitectura del Palacio de Versalles antes de ser agrandado por el rey Luis XIV, en cargado al arquitecto del rey Luis le Vau en 1654.
“Jules Hardouin-Mansart”, obra de un pintor François de Troy en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Jules Hardouin-Mansart”, obra de un pintor François de Troy (1645–1730), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1699. Tiene unas medidas de 131 x 120 cm.
Jules Hardouin-Mansart es un arquitecto francés, uno de los más importantes del siglo XVII europeo, considerado la cumbre de la arquitectura barroca en Francia, estilo que sirvió para engrandecer el nombre de Luis XIV.
Su importante posición en una Francia que era la nación más importante de Europa, le permitió crear los monumentos más significativos de su período, y marcar la tendencia que tomaría la arquitectura tardobarroca francesa. La arquitectura francesa extendió su influencia por toda Europa, llegando hasta San Petersburgo, e incluso a Constantinopla.
“Los miembros de la familia real de Francis reunidos entorno al Delfín”, obra de un pintor anónimo de la Escuela Francesa en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Los miembros de la familia real de Francia reunidos entorno al Delfín”, obra de un pintor anónimo de la Escuela Francesa , realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1782 y 1783.
La obra muestra a los reyes de Francia Maria Antonieta y Luis XVI en el centro de la tabla
donde se puede ver uno de los momentos íntimos . . La familia real esta reunida entorno al heredero de la corona Luis José Javier Francois en Versalles el 21 de octubre de 1781, en el momento de cumplir tres años.
“Retrato de Luis XV”, obra del pintor anónimo Louis-Michel van Loo en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Retrato de Luis XV”, obra del pintor Louis-Michel van Loo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1730-1740. Tiene unas medidas de 77,5 x 65,5cm.
Luis XV es uno de los reyes más desconocidos. Tímido y secreto, él mismo mantuvo el misterio a su alrededor. Durante su reinado, la mayoría de sus escritos fueron panfletos, que hasta hace poco transmitían una imagen distorsionada: un rey esclavizado por sus placeres, indiferente al bien común y la felicidad de sus súbditos, y
finalmente un incompetente.
Por el contrario, él era un rey atormentado por su conciencia cristiana; trajo a su país una era de paz y prosperidad sin precedentes, y estuvo continuamente involucrado en los asuntos del gobierno. Al igual que su bisabuelo Louis XIV, también se comprometió a proteger a los fabricantes y artistas franceses.
“Vista del Palacio de Versalles, cerca de la plaza de Armas”, obra de un pintor Pierre-Denis Martin en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Vista del Palacio de Versalles, cerca de la plaza de Armas”, obra de un pintor Pierre-Denis Martin, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1722. Tiene unas medidas de 143 x 152 cm.
Esta pintura es un testigo importante del estado de los trabajos de Luis XIV en el palacio a principios del siglo XVIII. Las nuevas construcciones reflejan la apariencia del castillo en este momento. Pierre-Denis Martin quizás había tratado de celebrar el regreso de Luis XV y la corte a Versalles en 1722, siete años después de abandonarlo después de la muerte de Luis XIV en 1715.
“Louis XIV delante de la gruta de Tetis”, obra de un pintor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Louis XIV delante de la gruta de Tetis”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1670. Tiene unas medidas de 96,5 x 96,5 cm.
Las tres aberturas de la cueva de Tetis están cerradas con rejillas doradas que representan al Sol y sus rayos. Esta cueva artificial fue construida a partir de 1665 en la parte inferior de un tanque de agua, impulsada por la torre de la bomba de elevación y los molinos de viento visibles en el fondo. La cueva de Tetis fue destruida en 1684 para dejar espacio al ala norte del castillo.
Louis XIV, a caballo, parece dar un paseo por el bosque. Le sigue su hijo, también a caballo. Los trajes que usan los cortesanos ilustran la moda de la década de 1670, en una época en que Versalles aún era una residencia de placer.
Trofeo de Armas, alegoría de Asia y América”, obra de un maestros artesanos: Ladoyreau, Pierre (orfebre), Buirette, Jacques (escultor) en el Palacio de Versalles (Francia)
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Las siguientes obras de arte “Trofeo de Armas, alegoría de Asia y América”, obra de los maestros artesanos: Ladoyreau, Pierre (orfebre), Buirette, Jacques (escultor), Lespingola, François (escultor), realizado en relieve, bronce dorado y cincelado, está datado entre 1679-1681. Tiene unas medidas de 70x51x3 cm.
Representa fragmentos de dos de los ocho trofeos de armas hechos para adornar el interior de los pabellones de la arboleda de las Cúpulas, en los jardines de Versalles; depositado en el momento de la destrucción de los pabellones en 1819-1820.
“Charles le Brun, Pintor”, obra del escultor Bosio, Astyanax-Scevola en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente escultura es “Charles le Brun, Pintor”, obra del escultor Bosio, Astyanax-Scevola, realizado en mármol, está datado en 1835. Tiene unas medidas de 79,5 x 66 x 32 cm.
Nacido en París, llamó la atención del canciller Séguier, quien lo colocó en el taller de Simon Vouet cuando apenas tenía once años de edad. A los quince ya recibió encargos del Cardenal Richelieu, en cuya ejecución mostró tanta habilidad que obtuvo generosas alabanzas de Nicolas Poussin. Pasó posteriormente a Roma, ciudad donde permaneció entre 1642 y 1646. Conoció la obra de Rafael, y siguió a Guido Reni y los maestros de la Escuela Boloñesa. Allí vivió gracias a una pensión del canciller. Fue en Roma discípulo de Poussin, cuyas teorías artísticas adoptó y que influyeron grandemente en su obra.
“Palacio de Versalles, patio de la capilla”, obra de un pintor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Palacio de Versalles, patio de la capilla”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1715. Tiene unas medidas de 106 x 200 cm.
El cuadro representa una escena costumbrista del Palacio de Versalles desde el patio de la capilla. La actual Capilla de Versalles fue construida por Jules Hardouin-Mansart entre 1698 y 1710. Varios proyectos de capillas se sucedieron y en 1679, se decidió colocar definitivamente el edificio religioso en el ala norte, cerca del departamento del Rey. En 1682, se construyó una nueva capilla temporal entre la cueva de Théty.Luego, en 1684-1685 nació un nuevo plan, el monumento se inspiró en gran medida en el de los Inválidos con una cúpula para ocupar el espacio medio del ala norte, pero fue renunciado en 1687.
“La Naturaleza y San Atanasio”, obra de los escultores: Le Louis Conte de Boulogne y Jean-Baptist Poultier en el Palacio de Versalles (Francia)
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Las siguientes esculturas “La Naturaleza y San Atanasio”, obra de los escultores: Le Louis Conte de Boulogne y Jean-Baptist Poultier, realizados en terracota, están datados en 1707. Tiene unas medidas de 54,5 x 19 x 20 cm.
Se trata de un estudio preparatorio de la estatua de piedra de “Naturaleza”, ubicada en uno de los dos nichos de la fachada principal de los jardines del Palacio de Versalles y realizada, a pedido de Jules Hardouin-Mansart, por Louis Le Conte, entre 1779 -1780.
San Anastasio es una notable estatuilla presumiblemente preparatoria para el trabajo de la piedra Tonnerre que se colocó en 1707 en la balaustrada exterior de la capilla real de Versalles. Su autor, el escultor Poultier esculpió entre 1707 y 1710, las estatuas de piedra de San Basilio y San Atanasio, destinadas a la balaustrada externa de la capilla, de la que realizó varios relieves en el interior. Con su estilo extremadamente refinado, dinámico y sutil, dibujo y elegante.
“Rendición de la Ciudadela de Cambrai”, obra de un pintor Charles Le Brun en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Rendición de la Ciudadela de Cambrai”, obra de un pintor Charles Le Brun, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1680. Tiene unas medidas de 414 x 222 cm.
La pintura es historicista y muestra el momento de la rendición de la ciudad de Cambrai por el Rey Luis XIV, esta ciudad pertenecía al sur de los Países Bajos y pasó a permanecer a Francia.
“El bosque del Pantano en Versalles”, obra de un pintor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “El bosque del Pantano en Versalles”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre lienzo montado sobre madera, está datado entre 1701-1725. Tiene unas medidas de 65,5 x 136,5 cm.
El bosque del Pantano tenía en su centro una cuenca forrada con cañas de metal pintadas de natural y adornadas con un árbol de metal que arrojaba agua. En 1705, este elegante bosque desaparece para dar cabida a la fuente de Apolo acompañado por las ninfas y los caballos del sol que Jules Hardouin-Mansart.
“El bosquecillo del Arco del Triunfo en Versalles”, obra de un pintor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “El bosquecillo del Arco del Triunfo en Versalles”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre lienzo montado sobre madera, está datado en 1701-1725. Tiene unas medidas de 65,5 x 136,5 cm.
El bosquecillo del Arco del Triunfo en Versalles se encontraba en el ala Norte de los jardines cerca de la fuente de Neptuno. Una serie de arquitecturas de metal dorado representaban el Arco del Triunfo, obeliscos y bufes de agua. Se destruyó en el siglo XVIII porque el mantenimiento era muy complicado pero aún subsiste una parte en la Francia Triunfante.
“El bosquecillo de las cúpulas en Versalles”, obra de un pintor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “El bosquecillo de las cúpulas en Versalles”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre lienzo montado sobre madera, está datado en 1701-1750. Tiene unas medidas de 60 x 118 cm.
El bosquecillo de las cúpulas se encuentra en el jardín de Versalles, entre la fuente de Apolo y la fuente de Flora. Está delimitado al este por el callejón Printemps y al sur por la alfombra verde.
La arboleda tiene forma redonda; en su centro está ocupado por
un surtidor
en la que hay una fuente de mármol blanco.
“Retrato de Francois Girardon”, obra del pintor Gabriel Revel en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Retrato de Francois Girardon”, obra del pintor Gabriel Revel, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1682-1683. Tiene unas medidas de 114 x 92,1 cm.
François Girardon (1628-1715) fue un escultor francés nacido en Troyes, fue uno de los maestros de la escultura decorativa y monumental. Fue el protegido del canciller Séguier que le envió a Roma para su formación. Académico en 1657, fue uno de los principales colaboradores de Charles Le Brun.
“Paseo del Gran Delfín, Luis XIV y María-Teresa en los jardines de Versalles, pasando la procesión frente a la cuenca de Ceres”, obra de un pintor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Paseo del Gran Delfín, Luis XIV y María-Teresa en los jardines de Versalles, pasando la procesión frente a la cuenca de Ceres”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1601-1700. Tiene unas medidas de 93,5 x 75 cm.
La expansión del castillo comenzó con Luis XIV ofrece su primera gran fiesta para una audiencia de 600 invitados: Los placeres de la isla encantada. Oficialmente dedicada a Ana de Austria y María Teresa, el objeto es que cualquier lugar del palacio y del jardín es apto para celebrar los placeres de la vida en la corte.
“Andre La Notre”, obra del pintor Carlo Maratta en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Andre La Notre”, obra del pintor Carlo Maratta, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1679. Tiene unas medidas de 113,5 x 85 cm.
André Le Nôtre fue jardinero del rey Luis XIV desde 1645 hasta 1700, cuando se encargó de diseñar los jardines del palacio de Versalles, del palacio de Vaux-le-Vicomte y de Chantilly. Fue un conocido cortesano que gozó de la amistad y afecto de Luis XIV. Fue el diseñador de numerosos jardines a la francesa.
El retrato fue pintado durante la estancia de André le Nôtre en Italia, en 1679 (durante el cual habría besado al Papa Inocencio XI). El retratista, Carlo Maratta, considerado el mejor pintor italiano, insistió en la expresión de la cara y el gesto de la mano izquierda. La parte inferior está parcialmente abierta según el tipo tradicional veneciano. Le Nôtre tenía el cordón de la orden de Saint-Lazare agregado a la pintura debajo del collar de encaje, que Louis XIV le atribuyó en 1681. En 1693, Le Nôtre tuvo que renunciar a esta orden, que fue reformada y recibió una compensación. La orden de San Miguel.
“Parterres y bosquecillos”, obra de un pintor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Parterres y bosquecillos”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1601-1700.
Este lienzo nos muestra la creación de parterres y bosquecillos dentro de la etapa de Andre la Notre como jardinero del palacio.
Se interesó, en la adolescencia, por diversos temas en los que se formó para su futuro cometido como jardinero del rey. Estudió matemáticas, pintura y arquitectura. Entró en la escuela de Simon Vouet, pintor del rey Luis XIII y aprendió el arte del clasicismo y las perspectivas, trabó amistad con Charles Le Brun. François Mansart le permitió estudiar arquitectura durante varios años.
Hacia los cuarenta años decidió hacerse jardinero pertrechado con todos los conocimientos adquiridos durante sus experiencias artísticas precedentes y responsables.
“Vista de la Entrada de la Alfombra Verde”, obra del pintor Hubert Robert en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Vista de la Entrada de la Alfombra Verde”, obra del pintor Hubert Robert, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1774-1775. Tiene unas medidas de 124 x 191 cm.
Este cuadro corresponde a una serie titulada Las vistas de los jardines de Versalles, mientras se talaban los árboles. Estas obras fueron encargadas por Louis XVI en 1775 para celebrar el gran trabajo realizado este año en el parque y especialmente la sustitución de árboles. Precioso documento histórico, que muestra, por ejemplo, los pabellones dorados de la arboleda del Domo, ahora desaparecidos, esta pintura también llama la atención por la presencia de muchos personajes que animan el paisaje.
“La Arboleda de los Baños de Apolo”, obra del pintor Hubert Robert en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “La Arboleda de los Baños de Apolo”, obra del pintor Hubert Robert, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1774-1775. Tiene unas medidas de 128 x 192 cm.
Las obras fueron encargadas por Luis XVI en 1775 para celebrar el gran trabajo realizado este año en el parque. Como resultado de estos trabajos, los baños de Apolo, que se muestran aquí, fueron modificados y las esculturas dispuestas en una roca diseñada precisamente por Hubert Robert. El pintor ofrece una visión muy precisa y viva de estas transformaciones.
“María Antonieta, María Teresa y el Delfín”, obra del pintor Eugene Battaille en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “María Antonieta, María Teresa y el Delfín”, obra del pintor Eugene Battaille, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1868. Tiene unas medidas de 272,8 x 187,5 cm.
En el cuadro se puede ver a la reina María Antonieta con sus dos hijos Marie-Thérèse-Charlotte y el Delfín Luis, se retratan delante del templo del Amor en el interior del Jardín Inglés del Petit Trianon en 1785.
“Vista de la máquina de Marly”, obra del pintor Pierre-Denis Martin en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Vista de la máquina de Marly”, obra del pintor Pierre-Denis Martin, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1722. Tiene unas medidas de 92 x 128 cm.
El cuadro muestra una vista de la máquina de Marly y al fondo el castillo de Louveciennes. La Máquina de Marly era un gran sistema hidráulico en Yvelines, Francia, construido en 1684 para bombear agua del río Sena y llevarla al Palacio de Versalles.
El rey Luis XIV necesitaba un gran suministro de agua para sus fuentes en Versalles. Antes de que se construyera la Máquina Marly, la cantidad de agua entregada a Versalles ya excedía la utilizada por la ciudad de París, pero esto era insuficiente y era necesario racionar la fuente. La mayor parte del agua bombeada por la máquina Marly terminó siendo utilizada para desarrollar un nuevo jardín en el castillo de Marly. Sin embargo, incluso si toda el agua bombeada en Marly (un promedio de 3200 metros cúbicos por día, o 845,351 galones por día) hubiera sido suministrada a Versalles, aún no hubiera sido suficiente: las fuentes que funcionan en el orden del día (eso es, a media presión) requiere al menos cuatro veces más.
“Luis XIV”, obra del escultor Charles Crozatier en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente escultura es “Luis XIV”, obra del escultor Charles Crozatier, realizado en bronce, está datado en 1836.
Esta escultura es una reducción a escala de la que preside el Palacio de Versalles. La estatua fue diseñada por Pierre Cartellier. A su muerte en 1831, solo el caballo estaba terminado. Este fue inicialmente modelado para una estatua ecuestre de Luis XV, encargada en 1816 por Luis XVIII para la plaza de la Concordia de París, pero que finalmente no fue realizada. El jinete es obra de Louis Petitot, yerno de Cartelier. El conjunto fue fundido en bronce por Charles Crozatier en 1838. Las proporciones de las figuras del caballo y del rey son ligeramente distintas.
“Louis-Philippe y la familia real visitan las Galerías Históricas de Versalles”, obra del pintor Auguste Vinchon en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Louis-Philippe y la familia real visitan las Galerías Históricas de Versalles”, obra del pintor Auguste Vinchon, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1848. Tiene unas medidas de 220 x 178 cm.
El cuadro muestra el momento en que el rey Luis-Felipe le gustaba visitar con luz de antorchas
un recorrido por la noches en
Galerías Históricas del Palacio de Versalles.
El programa iconográfico para Versalles apoya el discurso político de Louis-Philippe, quien heredó de su educación una aguda conciencia de la historia, animada por la Revolución Francesa y la sensibilidad romántica de la época. Las numerosas obras encargadas ilustran una historia de eventos marcada por nombres gloriosos. Al transformar la antigua residencia de los Borbones en un museo abierto a todos, el Rey confirma su visión educativa de un palacio en el que las pinturas se leen como un libro ilustrado, acompañando un discurso político. Versalles ya no es solo un lugar de memoria, se convierte en un lugar didáctico.
“Vista de la habitación de Luis XIV”, obra del pintor Victor Navlet en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Vista de la habitación de Luis XIV”, obra del pintor Victor Navlet, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1861. Tiene unas medidas de 63,5 x 95,5 cm.
La habitación del rey es una pieza que data de la época de Luis XIII . Durante el reinado de Luis XIV, sufrió muchos cambios hasta su finalización en 1701, como el de la construcción de la galería que requirió la eliminación de las tres puertas francesas hacia el oeste que daban a la terraza, reemplazadas por tres puertas inferiores que se taparon para formar un nicho. Con el establecimiento de la habitación del rey, se convirtió en el centro físico e ideológico del castillo: el gobernante cenó allí en el “petit couvert”. Cada día, se realizaron las ceremonias de elevación" y sueño del Rey, a la que asistieron un centenar de personas (oficiales de la habitación y armario, cortesanos, diplomáticos, gobernadores).
“El hermano Philippe copiando el retrato del canciller Etienne Pasquier en la Sala Constantina del Palacio de Versalles”, obra del pintor Horace Vernet en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “El hermano Philippe copiando el retrato del canciller Etienne Pasquier en la Sala Constantina del Palacio de Versalles”, obra del pintor Horace Vernet, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1842. Tiene unas medidas de 55,5 x 46 cm.
Las salas de África situadas en el ala norte del Palacio, celebran las victorias militares del reino de Luis Felipe y la participación de sus hijos en los sitios de Amberes y San Juan de Ulúa (Méjico), y en la conquista de Argelia.
“Louis-Philippe y la familia real visitando la Salle des Croisades”, obra del pintor Prosper Lafaye en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Louis-Philippe y la familia real visitando la Salle des Croisades”, obra del pintor Prosper Lafaye, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1844-1845. Tiene unas medidas de 80 x 105 cm.
La sala de las Cruzadas narran la historia del reino franco de Jerusalén y las órdenes militares y hospitalarias entre los siglo XI y XVI. Rinden homenaje a la nobleza inmemorial que destaco en ellas, y están decoradas y amuebladas con estilo gótico que se volvía a descubrir en aquella época.
“Batalla de Formigny”, obra del pintor Prosper Lafaye en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Batalla de Formigny”, obra del pintor Prosper Lafaye, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1837. Tiene unas medidas de 73,5 x 147,5 cm.
La batalla de Formigny enmarcada en el contexto de la guerra de los Cien años sucedió en Formigny, cerca de Carentan, Francia. Acabó resultando en una victoria decisiva francesa (15 de abril de 1450).
Los beligerantes fueron el Reino de Inglaterra por un lado y el Reino de Francia y el Ducado de Bretaña por otro. Sus comandantes eran Thomas Kyriell por los ingleses y el Conde de Clermont, Arturo de Richemont, condestable de Richemont por el lado francés. Las fuerzas eran de 4.000 ingleses y 5.000 franceses siendo las víctimas y pérdidas de 2.500 y 100-200 respectivamente.
“El rey Luis-Felipe rodeado de sus cinco hijos, dejando la puerta de honor en el Palacio de Versalles después de una revisión militar en los tribunales”, obra del pintor Horace Vernet en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “El rey Luis-Felipe rodeado de sus cinco hijos, dejando la puerta de honor en el Palacio de Versalles después de una revisión militar en los tribunales”, obra del pintor Horace Vernet, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1846. Tiene unas medidas de 368 x 397,5 cm.
El rey se presenta en medio de sus hijos, montado a caballo, frente a las puertas del Palacio de Versalles, que vemos a la izquierda el Pabellón Gabriel, con la inscripción dedicatoria del museo histórico, “A todas las glorias de Francia”. En la parte inferior, la estatua ecuestre de Luis XIV, Cartellier y Petitot, instalada a petición de Louis-Philippe (y recientemente trasladada) evoca al fundador de Versalles y al antepasado de los príncipes actuales. A la derecha del rey, se encuentran su hijo mayor y heredero, Ferdinand-Philippe (1810-1842), duque de Orleans, luego Francisco (1818-1900), el príncipe de Joinville, oficial de la Marina, y detrás de ellos, el más joven, Antoine (1824-1890), duque de Montpensier. A la izquierda del soberano, su hijo menor, Louis (1814-1896), duque de Nemours, luego Henry (1822-1897), duque de Aumale.
Esta pintura, muy famosa, donde se hace una manifestación magistral del talento del retratista y pintor de caballos Horace Vernet, fue encargada por el rey para su colección personal y entró en Versalles después de la liquidación de su patrimonio. A pesar de las apariencias, no es la representación fiel, casi "fotográfica", de un evento en particular, sino una evocación casi simbólica, un manifiesto familiar y dinástico, como lo demuestra la presencia del duque de Orleans, quien murió hace unos años antes en un accidente. La obra ilustra todo el interés mostrado por el rey en su museo de Versalles, operación de resurrección de uno de los lugares de poder más emblemáticos de la historia nacional.
“Batalla de Zurich, 25 de septiembre de 1799”, obra del pintor Francois Bouchot en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Batalla de Zurich, 25 de septiembre de 1799”, obra del pintor Francois Bouchot, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1835-1837. Tiene unas medidas de 61 x 64 cm.
La Batalla de Zúrich es una batalla militar que tuvo lugar el 25-26 de septiembre de 1799 durante la Segunda Coalición. Vio la victoria de las tropas francesas del general André Masséna frente a las tropas rusas y las del Sacro Imperio.
“Luis-Felipe visita la Galería de la Batallas de Versalles”, obra del pintor Francois-Joseph Heim en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Luis-Felipe visita la Galería de la Batallas de Versalles”, obra del pintor Francois-Joseph Heim, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1837. Tiene unas medidas de 34 x 46,5 cm.
El cuadro muestra el momento histórico de la visita a la Galería de las Batallas, es también la sala más grande del Palacio de Versalles (120 metros de largo y 13 metros de ancho) y está dedicada a la ilustración de los éxitos militares franceses de casi quince siglos, desde Clovis hasta Napoleón.
“Batalla de Marignan, 14 septembre 1515”, obra del pintor Alexandre-Evariste Fragonard en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Batalla de Marignan, 14 septembre 1515”, obra del pintor Alexandre-Evariste Fragonard, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1834-1836. Tiene unas medidas de 49 x 74,5 cm.
La batalla de Marignano se libró los días 13 y 14 de septiembre de 1515, cerca de la localidad de Melegnano, 16 km al sur de Milán, entre los ejércitos del Reino de Francia y la República de Venecia, por una parte, y los del Ducado de Milán y la Confederación Helvética , por la otra.
La batalla de Marignan es uno de los episodios de las guerras de Italia iniciadas por Carlos VIII en 1494 para controlar el Ducado de Milán.
“Charles-Frédéric Nepveu”, obra del pintor Loise-Adelaide Desnos en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Charles-Frédéric Nepveu”, obra del pintor Loise-Adelaide Desnos, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1863. Tiene unas medidas de 100,5 x 81 cm.
El retrato corresponde al hijo de Michel Nepveu, un arquitecto parisino que se ha distinguido en la construcción de varias mansiones, y Geneviève Rousseau, cuyo padre era maestro albañil. Su hermano mayor, Jean-Charles Nepveu, era un contratista de obras. Era estudiante en Harcourt College, donde se hizo amigo del pintor de historia Louis Hersent.
Comenzó a interesarse por la pintura entrenando con el pintor histórico Jean-Baptiste Regnault y el jardinero paisajista Jean-Victor Bertin.
“Vista del Palacio de Versalles, 1844”, obra del pintor Francois-Edmé Ricois en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura es “Vista del Palacio de Versalles, 1844”, obra del pintor Francois-Edmé Ricois, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1844. Tiene unas medidas de 90,5 x 198,5 cm.
François-Edme Ricois es hijo de Jacques Edme Ricois (1767-1850) y Françoise Angélique Souchay (1755-1854). Casado con Marie Constanza Denin, tuvieron una hija, Octavia Ricois (nacido en 1830), que también fue una pintora.
Ricois es alumno de Jean-Victor Bertin, Anne-Louis Girodet y Constant Bourgeois.
Comenzó su carrera en el Salón de pintura y escultura en 1819, exhibió muchas vistas de castillos y paisajes de Francia y Suiza hasta 1880, pero no de forma continua: de 44 espectáculos que exhibió 27 veces durante 61 años.
“El Parnaso Francés”, obra del escultor Louis Garnier en el Palacio de Versalles (Francia)
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Subimos por las escaleras del ala norte y podemos descubrir la escultura “El Parnaso Francés”, obra del escultor Louis Garnier, realizado en bronce y madera, está datado en 1708. Tiene unas medidas de 270 x 234 x 215.
La escultura se dedica a la gloria del reinado de Luis XIV: este último, sentado en la cima de la montaña, fue retratado como Apolo y acompañado Pegaso, un símbolo de entusiasmo poético. Un poco más abajo, la fuente de Castalie y las musas fueron reemplazadas por la ninfa del Sena y el grupo de danza de tres Gracias que representan a tres mujeres de letras.
“Françoise-Athénaïs de Rochechouart, Marquesa de Montespan y sus hijos”, obra de un pintor anónimo francés en el Palacio de Versalles (Francia)
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Subimos por las escaleras del ala norte y podemos descubrir la pintura “Françoise-Athénaïs de Rochechouart, Marquesa de Montespan y sus hijos”, obra de un pintor anónimo francés, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1708. Tiene unas medidas de 270 x 234 x 215.
Este retrato identificado en comparación con un retrato recuperado en Alemania puede datarse alrededor de 1678. Este retrato se encontraba a 30 km de Toulouse en el castillo de Canals, que fue legado al arzobispado de Toulouse para cumplir con los deseos. El legatario lo puso a la venta y fue comprado en el arzobispado de Toulouse en 1964.
“Luis XIV, protector de la academia”, obra de Henri Testelin en el Palacio de Versalles (Francia)
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Subimos por las escaleras del ala norte y podemos descubrir la pintura “Luis XIV, protector de la academia”, obra de Henri Testelin, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1667. Tiene unas medidas de 370,6 x 284,5 cm.
Según los términos de la orden de la Real Academia de Pintura y Escultura, este majestuoso retrato representa al rey “en la apariencia más magnífica posible, vestido con el manto real y protegiendo las artes”. La obra se colocó en el salón de actos de la institución parisina, fundada en 1648 para fomentar las artes bajo los auspicios del príncipe.
En vestimenta, Luis XIV viste la túnica roja y dalmática debajo del gran abrigo azul con flores de lis, bordeadas y forradas de armiño. Sostiene el gran cetro de Carlomagno, que data del siglo XIV. Pone su mano sobre la cabeza de un niño: es el genio de las artes, que sostiene el escudo de armas de la Real Academia de pintura y escultura. En primer plano se acumulan los símbolos de las artes y las ciencias sobre las cuales el rey extiende su protección. Detrás de la galería se destaca un gran monumento: es la “pirámide del Louvre”, una fuente diseñada por Charles Le Brun para adornar la plaza que se iba a crear frente a la fachada oriental del Louvre.
“Jules Mazarin”, obra del pintor Philippe Champigne en el Palacio de Versalles (Francia)
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Llegamos a la zona del palacio de las Salas de Luis XIV donde en las paredes podemos descubrir la pintura “Jules Mazarin”, obra del pintor Philippe Champigne, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1601-1700. Tiene unas medidas de 136,5 x 117 cm.
Jules Mazarin, más conocido como el cardenal Mazarino (Pescina, Abruzos, 14 de julio de 1602-Vincennes, 9 de marzo de 1661) fue un hábil diplomático, cardenal y político italiano, primero al servicio del papa y más tarde al servicio del reino de Francia. Fue el sucesor del cardenal Richelieu como primer ministro.
Mazarino, quien no era sacerdote, obtuvo el nombramiento de cardenal a propuesta del rey Luis XIII, por los servicios prestados a la monarquía.
“Luis XIV y Ana de Austria”, obra de un pintor anónimo francés en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente pintura de la sala “Luis XIV y Ana de Austria”, obra de un pintor anónimo francés, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1626-1650. Tiene unas medidas de 122 x 100 cm.
El cuadro representa a Ana de Austria, sentada, extiende su mano derecha hacia el pequeño delfín, de uno o dos años, que estaba sentado en una mesa. La pintura parece conmemorar la primera posición del delfín o sus primeros pasos. Tiene una leve sonrisa en el rostro de la reina, su hijo, no se aparta de sus manos, para sugerir ternura, el pintor se contenta con mostrar las pequeñas manos del niño que se aferran a las de su madre. Ya no lleva el cordón azul de la orden del Espíritu Santo en el cuello, sino en el hombro, como los adultos.
La reina usa un collar de perlas grandes de una sola fila que era su joya favorita. Traído de España durante su boda, contó treinta y una perlas y pesó 300 quilates. Después de la muerte de su madre, Luis XIV trajo este collar a la colección de joyas de la corona y se lo llevó a su esposa, la reina María Teresa. Desapareció durante el robo del almacén de muebles en septiembre de 1792.
“Luis XIV, Ana de Austria y Felipe de Anjou presentados a la Trinidad por San Benito y Santa Escolástica”, obra del pintor Philippe Champaigne en el Palacio de Versalles (Francia)
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Mas adelante podemos ver en la pared la pintura “Luis XIV, Ana de Austria y Felipe de Anjou presentados a la Trinidad por San Benito y Santa Escolástica”, obra del pintor Philippe Champaigne, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1645. Tiene unas medidas de 127 x 146 cm.
Esta pintura fue encargada por Anne de Austria para su apartamento en Val-de-Grace, probablemente para colocarla encima de la chimenea de su habitación. Se puede fechar gracias al hecho de que el joven Louis XIV ya no usa la gorra que usan los niños hasta los siete años, mientras que su hermano todavía la usa. La composición presenta grandes figuras de la orden benedictina, el fundador y su hermana, colocados en una posición intermedia entre los miembros de la familia real, con abrigos forrados de armiño bordados con flores de lis.
“Alegoría de la regencia de Ana de Austria”, obra del pintor Laurent La Hyre en el Palacio de Versalles (Francia)
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Mas adelante podemos ver en la pared la pintura “Alegoría de la regencia de Ana de Austria”, obra del pintor Laurent La Hyre, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1648. Tiene unas medidas de 225 x 162 cm.
Ana de Austria, esposa de Luis XIII, se convirtió en regente del reino después de la muerte del rey en 1643. Ella confió la responsabilidad del gobierno al cardenal Mazarino. La regencia de Ana de Austria estaba preocupada por la Fronda (1648-1653), causada por las revueltas de los parlamentarios y gobernantes contra la autoridad del regente y en especial la del cardenal Mazarino. En la tabla de Laurent de La Hyre , Alegoría de la regencia aparece sentado en el centro de la composición, la mano izquierda en el mundo fleurdelysé, símbolo del gobierno, y sosteniendo en su mano derecha la palma de la victoria, probablemente, una alusión a los tratados de Westfalia firmado en 1648.
“Busto de Jules Mazarin”, obra del escultor Luis Lerambert en el Palacio de Versalles (Francia)
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Muy cerca se encuentra la escultura “Busto de Jules Mazarin”, obra del escultor Luis Lerambert, realizado en mármol, está datado en el siglo XVII. Tiene unas medidas de 76 x 61 x 33 cm.
El legado del Cardenal fue una herencia en el ámbito político (Jean-Baptiste Colbert fue secretario personal de Mazarino y su sucesor), Mazarino legó al rey todos sus bienes, que se calculan como la mayor fortuna privada del Antiguo Régimen, doblando incluso la que había amasado su predecesor, Richelieu: 35 millones de libras, 8 millones de las cuales en efectivo (tanto como los fondos del Banco de Ámsterdam, el banco más importante de la época), depositadas en distintas ciudades. El desmesurado enriquecimiento del cardenal se produjo en menos de diez años (1652-1661), se supone que sobre todo a base de especular con los fondos del Estado o el valor de las monedas, y con jugosas comisiones obtenidas, a través de testaferros, sobre el aprovisionamiento de los ejércitos.
“Luis XIV en Júpiter, ganador de la Fronda”, obra del pintor Charles-Francois Poerson en el Palacio de Versalles (Francia)
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Mas adelante podemos ver en la pared la pintura “Luis XIV en Júpiter, ganador de la Fronda”, obra del pintor Charles-Francois Poerson, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1652-1653. Tiene unas medidas de 201,5 x 178,5 cm.
La pintura originalmente pertenecía a una decoración de la parte superior de la chimenea. El cuadro representa un personaje mitológico francés donde el joven Luis XIV se encarna en la figura de Júpiter con un rayo y pisoteando las armas que simbolizan la Fronda.
“Luis II de Borbon, llamado el Gran Conde”, obra del pintor Justus Van Egmont en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Luis II de Borbon, llamado el Gran Conde”, obra del pintor Justus Van Egmont, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1601-1700. Tiene unas medidas de 189 x 148 cm.
Luis de Borbón, primer príncipe de sangre real conocido como duque de Enghien, era además Príncipe Condé, duque de Borbón, duque de Montmorency, duque de Châteauroux, duque de Bellegarde, duque de Fronsac, conde de Sancerre, conde de Charolais, gobernador de Berry y general francés durante la Guerra de los Treinta Años.
Hijo de Enrique de Borbón y de Carlota Margarita de Montmorency, baronesa de Châteubriant y de Derval, madrina de Luis XIV de Francia. Los tres primeros hijos de Enrique de Borbón y de Charlotte-Marguerite de Montmorency murieron poco después de nacer. Luis recibió el título de duque de Enghien. Estudió en los Jesuitas en Bourges y, a los 17 años, gobernó Borgoña en nombre de su padre.
“Enrique de la Torre de Auvernia, vizconde de Turenne, mariscal de Francia”, obra de un pintor anónimo francés en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Enrique de la Torre de Auvernia, vizconde de Turenne, mariscal de Francia”, obra de un pintor anónimo francés, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1601-1700. Tiene unas medidas de 205 x 140 cm.
Henri de la Tour d'Auvergne es un caballero y famoso militar francés que pasó a la posteridad bajo el nombre que le otorga su título de vizconde de Turenne.
Mariscal de Francia en 1643 y mariscal general de los campos y ejércitos del rey en 1660, es uno de los mejores generales de Luis XIII y Luis XIV. Figura popular, estratega de gran talento, gloria militar del Gran Siglo por excelencia, sin embargo, su carrera está contaminada por la primera serie de abusos cometidos en el Renania Palatinado en 1674, más generalmente conocido como Los Estragos del Palatinado.
“La ciudad de Valenciennes, asediada por los franceses, es rescatada por Don Juan de Austria, el 16 de septiembre de 1656”, obra de un pintor anónimo francés en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “La ciudad de Valenciennes, asediada por los franceses, es rescatada por Don Juan de Austria, el 16 de septiembre de 1656”, obra de un pintor anónimo francés, realizado en óleo sobre lienzo, está datado después de 1656. Tiene unas medidas de 179 x 219 cm.
La batalla de Valenciennes fue una batalla entre el Reino de Francia y el Imperio Español ocurrida cerca de Valenciennes durante los últimos años de la Guerra franco-española. Los españoles estaban comandados por Luis de Condé y Juan José de Austria, y los franceses por Enrique de la Tour d'Auvergne-Bouillon. Fue una de las últimas grandes victorias españolas del siglo XVII. También, una de las pocas derrotas de ese mariscal francés.
“La toma de Charleroi por Louis XIV y Turenne, 12 de junio de 1667.”, obra del pintor Adam-Frans Van der Meulen en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “La toma de Charleroi por Louis XIV y Turenne, 12 de junio de 1667.”, obra del pintor Adam-Frans Van der Meulen, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1667-1700. Tiene unas medidas de 235,5 x 328 cm.
La toma de Charleroi es un episodio de la Guerra de Devolución. La ciudad de Charleroi, ubicada en los Países Bajos españoles desde el tratado de los Pirineos de 1659, es asediada brevemente por los ejércitos de Turenne antes de rendirse.
“Entrada en Arras de Luis XIV y María Teresa, 30 de julio de 1667”, obra del pintor Adam-Frans Van der Meulen en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Entrada en Arras de Luis XIV y María Teresa, 30 de julio de 1667.”, obra del pintor Adam-Frans Van der Meulen, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1667-1700. Tiene unas medidas de 260 x 358 cm.
La guerra de 1667-1668 se llevó a cabo en nombre de los derechos de María Teresa sobre los Países Bajos españoles.
La reina aparece en el carruaje tirado por seis caballos, seguida notablemente por el rey, Turenne y Monsieur. En la distancia, la ciudad de Arras está representada con precisión, Van der Meulen realizó apuntes en el lugar durante su estancia de 1665.
“Toma de Luxemburgo, 3 de junio de 1684”, obra del pintor Adam-Frans Van der Meulen en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Toma de Luxemburgo, 3 de junio de 1684”, obra del pintor Adam-Frans Van der Meulen, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1684. Tiene unas medidas de 263 x 395 cm.
El asedio de Luxemburgo, en el que Luis XIV de Francia (esposo de María Teresa de Austria ) asedió la fortaleza de Luxemburgo controlada por los españoles del 27 de abril al 7 de junio de 1684, fue la confrontación más significativa entre Francia y España de la Guerra de Francia. Las Reuniones. La acción causó alarma entre los vecinos de Francia y dio lugar a la formación de la Liga de Augsburgo en 1686. En la guerra que siguió Francia se vio obligada a renunciar al ducado, que fue devuelto a los Habsburgo por el Tratado de Ryswick en 1697.
“Vista de la ciudad sitiada de Lille, tomada por el Priorato de Fives, agosto de 1667”, obra del pintor Adam-Frans Van der Meulen en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Vista de la ciudad sitiada de Lille, tomada por el Priorato de Fives, agosto de 1667”, obra del pintor Adam-Frans Van der Meulen, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1667-1700. Tiene unas medidas de 230x 328 cm.
A la muerte de Felipe IV de España, en 1665, Luis XIV aprovechó su matrimonio con María Teresa, hija de la primera mujer del rey de España, para reclamar el sur de los Países Bajos y parte del Franco Condado en el nombre, de la antigua costumbre de Brabante, el derecho de devolución, que requiere que los hijos de la primera mujer, incluso las hijas, tengan prioridad sobre los de la segunda. La amenaza de una inminente invasión del sur de los Países Bajos por parte de sus tropas ya no parece estar en duda. En solo unos días, más de 50,000 hombres se reunieron en la frontera entre Mézières y el Canal. El ataque simultáneo en varios frentes tiene como objetivo evitar que el enemigo, superado en número, se concentre en una columna.
“Chica desconocida, Chica desconocida, Charles-Paris de Orleans, Juan Luis Carlos de Orleans”, obra del pintor Louis le Pére Elle, en el Palacio de Versalles (Francia)
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Los siguientes cuatro cuadros que podemos ver, de izquierda a derecha, de arriba abajo “Chica desconocida, Chica desconocida, Charles-Paris de Orleans, Juan Luis Carlos de Orleans”, obra del pintor Louis le Pére Elle, realizado en óleo sobre tabla, está datado entre 1658-1660. Tienen unas medidas de 40,6 x 31,6 cm.
Los cuadros representan retratos de los niños de la Marquesa de Montespan. Françoise-Athénaïs de Rochechouart dama francesa conocida como Madame de Montespan, prima de Bonne de Pons, marquesa de Heudicourt ambas eran amantes de Luis XIV de Francia.
“Anne-Marie-Louise de Orléans, duquesa de Montpensier, conocida como la Gran Mademoiselle”, obra del pintor Pierre Bourguignon en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Anne-Marie-Louise de Orléans, duquesa de Montpensier, conocida como la Gran Mademoiselle ”, obra del pintor Pierre Bourguignon, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1672. Tiene unas medidas de 189,5 x 149,3 cm.
Ana María Luisa de Orleans era hija de Gastón de Orleans y de María de Borbón, Duquesa de Montpensier, por tanto, era nieta del rey Enrique IV y prima hermana de Luis XIV. Era hija pequeña de Francia, delfina de Auvergne, duquesa de Montpensier, de Saint-Fergeau y de Châtellerault.
“Luis II de Condé Borbon y su hijo Enrique III, duque de Enghien”, obra del pintor Justus Van Egmont en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Luis II de Condé Borbon y su hijo Enrique III, duque de Enghien”, obra del pintor Justus Van Egmont, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1662-1666. Tiene unas medidas de 130 x 102 cm.
Luis de Borbón, llamado El Gran Condé primer príncipe de sangre real conocido como duque de Enghien, era además Príncipe Condé, duque de Borbón, duque de Montmorency, duque de Châteauroux, duque de Bellegarde, duque de Fronsac, conde de Sancerre, conde de Charolais, par de Francia, príncipe de sangre, gobernador de Berry y general francés durante la Guerra de los Treinta Años.
“Felipe de Francia, Duque de Orleans”, obra del pintor Pierre Mignard en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Felipe de Francia, Duque de Orleans”, obra del pintor Pierre Mignard, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1651-1675. Tiene unas medidas de 81 x 65,4 cm.
Felipe de Francia, duque de Orleans fue un príncipe francés de la dinastía de Borbón, primer duque y fundador de la cuarta casa de Orleans.
Fue el segundo hijo de Luis XIII de Francia y Ana de Austria y Austria-Estiria, hermano menor de Luis XIV de Francia. Ostentó numerosos títulos, entre los que cabe destacar los de duque de Orleans, duque de Anjou (1668), duque de Chartres (hasta el nacimiento de su hijo y heredero, fue el futuro regente en 1674), duque de Valois, duque de Nemours, duque de Montpensier y príncipe de Joinville.
“Luis XIV, rey de Francia”, obra de un pintor anónimo francés en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Luis XIV, rey de Francia”, obra de un pintor anónimo francés, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1651-1700. Tiene unas medidas de 196,5 x 159 cm.
Al finalizar la Guerra de los Treinta Años, en el año 1648 comenzó una guerra civil francesa conocida como la Fronda. Mazarino continuó con las políticas de centralización emprendidas por su predecesor, Richelieu, aumentando así el poder real a expensas de la nobleza. En 1648, intentó imponer un impuesto a los miembros del Parlamento, el cual estaba constituido, principalmente, por miembros de la nobleza y altos cargos eclesiásticos. Los miembros del Parlamento no sólo rechazaron el impuesto, sino que también ordenaron la quema de todos los edictos financieros de Mazarino. En una ocasión en que el cardenal ordenó arrestar a algunos miembros del Parlamento, París estalló en insurrección. Un grupo de parisinos molestos irrumpió en el palacio real demandando ver al rey. Tras ser conducidos a la alcoba real, se quedaron mirando a Luis XIV, el cual se estaba haciendo el dormido, y se marcharon tranquilamente. Debido al peligro que corría la familia real y la monarquía, Ana huyó de París con el rey y sus cortesanos. Poco tiempo después, la firma de la Paz de Westfalia permitió al ejército francés volver a ayudar a Luis XIV y su corte real.
“Luis XIV entre los atributos de las artes y las ciencias”, obra del pintor Jean Garnier en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Luis XIV entre los atributos de las artes y las ciencias”, obra del pintor Jean Garnier, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1670-1672. Tiene unas medidas de 174 x 223 cm.
Esta efigie de Luis XIV es un tributo al patrón ideal, protector de las artes y las ciencias que son fuentes de riqueza para su reino. El rey está representado aquí como un hombre de guerra con una coraza de flor de lis y rodeado de artes, ilustrado por varios instrumentos musicales (bajo, violín, violín, guitarra, musette de corte, etc.) y por el plano de la Maison Carrée de Nimes (monumento antiguo inspirado en los templos de Apolo y Marte Ultor en Roma). Finalmente, el protector de las ciencias es evocado por el globo celestial, donde las constelaciones del zodíaco se distinguen por libros académicos y por diferentes instrumentos científicos.
“Ana de Austria y María Teresa de Austria, reinas de Francia”, obra del pintor Simon Renard de Saint-André en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Ana de Austria y María Teresa de Austria, reinas de Francia”, obra del pintor Simon Renard de Saint-André, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1664. Tiene unas medidas de 133 x 186 cm.
A la izquierda de la composición, la reina madre, vestida como una Minerva, pone su mano sobre un casco, mientras que el escudo de la cabeza de la Gorgona se coloca junto a ella: el patrón del sol, que decora su armadura, indica qué fue su diseño en la búsqueda de la guerra contra su hermano el Rey de España. A la derecha, la nueva reina, vestida con un abrigo bordado con flores de lis, sostiene una rama de olivo, un símbolo de paz. Las uvas y granadas acumuladas a su lado significan la abundancia y la unidad encontradas después de la guerra.
“Ana de Austria y María Teresa de Austria, reinas de Francia”, obra del pintor Simon Renard de Saint-André en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “María Teresa de Austria, reina de Francia”, obra del pintor Charles y Henri Beaubrun, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1660-1661. Tiene unas medidas de 182,5 x 142 cm.
La única hija de Felipe IV de España y su primera esposa Elisabeth de Francia, hermana de Luis XIII, se casó con su primo Louis XIV en 1660, luego de una exitosa maniobra de Mazarin. De ninguna manera amado por el rey, a quien en 1661 le dio un hijo, Luis, el Gran Delfín , ella, por el contrario, dedicó un gran amor a su esposo y sufrió mucho por sus infidelidades. Humillada, muy piadosa, se refugió en su oratoria o en el convento de los carmelitas de la rue du Bouloi en París.
“Henri y Charles Beaubrun”, obra del pintor Martin Lambert en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Henri y Charles Beaubrun”, obra del pintor Martin Lambert, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1651-1675. Tiene unas medidas de 146 x 180 cm.
Pintores destacados del barroco francés, especializados en retratos. Eran miembros de una familia de pintores, se formaron con su tío Louis Beaubrun y trabajaron en París como retratistas de las cortes de Luis XIII y Luis XIV, sin que quepa distinguir en sus obras la mano de cada uno de ellos. En 1648 los primos participaron en la fundación de la Académie Royale de Peinture et de Sculpture y, en torno a los años centrales de la centuria, disfrutaron de notable éxito entre las damas de la corte, a juzgar por el número de sus retratos, muchos conservados en el Palacio de Versalles.
“Retrato Antoine de Ratabon”, obra del pintor Pierre Rabon en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Retrato Antoine de Ratabon”, obra del pintor Pierre Rabon, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1660. Tiene unas medidas de 152 x 127,5 cm.
Primer tesorero de Francia e intendente de recaudación del impuesto de la sal en Montpellier, luego administrador de edificios desde 1644, Antoine de Rabaton se convirtió en superintendente general de los edificios, artes y manufacturas del rey Luis XIV de 1656 a 1664. También fue director de la Real Academia de Pintura y Escultura en 1655.
“Retrato del escultor Simon Hurtrelle (1648-1724)”, obra del pintor Claude-Boy Hallé en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Retrato del escultor Simon Hurtrelle (1648-1724)”, obra del pintor Claude-Boy Hallé, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1676-1700. Tiene unas medidas de 131,3 x 98, 2 cm.
Simon Hurtrelle fue enviado a la Academia de Francia en Roma en 1673, instalado en esa fecha en el Palacio Caffarelli, para mejorar su escultura y hacer copias antiguas para el rey. Se dijo que era uno de los más capaces de la Academia , que tiene más facilidad para trabajar, que aplica más y bajo estudio, buen comportamiento y obediencia.
“Jean Cornu”, obra del pintor Robert le Vrac Tournieres en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Jean Cornu”, obra del pintor Robert le Vrac Tournieres, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1702. Tiene unas medidas de 117,6 x 97,9 cm.
Jean Cornú nació en 1650, en la ciudad de París. Su padre era natural de Dieppe y allí fue donde mandó a su hijo, para formarse en el taller de un escultor especializado en la talla de marfil. Así los primeros trabajos de Cornú, debieron ser en este material, aunque ninguno se conserva. Desempeñó labores de escultor ordinario para la corte de Luis XIV de Francia. En 1673, se le concedió el Gran Premio Colbert, que con el tiempo sería conocido por Premio de Roma. En 1678 obtiene el 2º Premio de escultura en la escuela de Roma.
“Retrato del escultor Gaspard Marsy”, obra del pintor Jacques Carné en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Retrato del escultor Gaspard Marsy”, obra del pintor Jacques Carné, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1682. Tiene unas medidas de 116,91 x 91 cm.
Eran un gran escultor y junto a su hermano tallaron la tumba de Casimiro, rey de Polonia, situado en el Saint-Germain-des-Prés. También participan, bajo la dirección de Charles Errard, en la decoración escultórica de la casa de verano de Ana de Austria en el Louvre.
Debemos especialmente su mano en el grupo escultórico de la fuente de Latona (1668-1670), la pieza central del parque de Versalles, lo que representa un episodio de la vida de la diosa Leto, reportado por Ovidio.
“Louis de Boullogne el Joven”, obra del pintor Pierre Gobert en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Louis de Boullogne el Joven”, obra del pintor Pierre Gobert, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1709. Tiene unas medidas de 116,9 x 92,7 cm.
En general, sus composiciones mostraron una firme comprensión de la puesta en escena, con un toque firme y colores llamativos. Sus cabezas muestran una gran expresión y carácter, y su talento era adecuado para pinturas de caballete y grandes murales. Sus dibujos son en tiza negra, en papel blanco, azul o gris, con una ligera incubación En algunos, las características son fijas y las sombras se desvanecen.
“Retrato de Guillaume I Coustou”, obra del pintor Jean-Francois Delyen en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Retrato de Guillaume I Coustou”, obra del pintor Jean-Francois Delyen, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1701-1725. Tiene unas medidas de 130 x 97 cm.
Guillaume siguió los pasos de su hermano mayor Nicolás ; acogido en París por este último, siguió una enseñanza artística y obtuvo el premio Colbert, lo que le permitió completar su formación en la Academia de Francia en Roma. Sin embargo, era reacio a la disciplina y dejó la Villa Médicis poco después, para llevar una vida de bohemia en Roma.
En 1704, de regreso a París, fue admitido en la Real Academia de Pintura y Escultura, y como su hermano, más tarde se convirtió en director de la misma. Trabajó entonces en los encargos oficiales de las grandes obras de Luis XIV.
Su estilo, grandioso y decorativo, debe mucho a la influencia de Bernini en la corte francesa, aunque supo Coustou añadir un sello personal a sus obras, hasta el punto de ser un precursor de ciertos rasgos propios del Romanticismo.
“Retrato del escultor Corneille Van Clève”, obra del pintor Pierre Gobert en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Retrato del escultor Corneille Van Clève”, obra del pintor Pierre Gobert, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1701. Tiene unas medidas de 116 x 89,2 cm.
Corneille Van Clève era alumno de M. Anguier, obtuvo el Premio de Roma en 1671 y, a su regreso en 1677, ingresó en la Academia. Trabajó para Versalles y la cúpula de los Inválidos. Fue nombrado escultor del rey, llegó a ser el anciano director y rector de la Academia Real de Francia.
“Retrato del escultor Antoine Coysevox”, obra del pintor Guilles Allou en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Retrato del escultor Antoine Coysevox”, obra del pintor Guilles Allou, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1711. Tiene unas medidas de 129 x 96,5 cm.
Sólo tenía diecisiete años cuando esculpió una estatua de la Virgen María de considerable mérito; y habiendo estudiado con Louis Lerambert y después de aprender por su cuenta haciendo copias en mármol de esculturas romanas (entre otras la llamada Venus de Médici y el Cástor y Póllux), fue contratado por el obispo de Estrasburgo, el cardenal William Egon de Fürstenberg, para que adornara con estatuas su castillo en Saverne.
En 1666 se casó con Marguerite Quillerier, la sobrina de Lerambert, quien murió al año siguiente del matrimonio. En 1671, después de haber pasado cuatro años en Saverne, que fue posteriormente destruido por el fuego en 1780, regresó a París. En 1676 su busto del pintor Charles Le Brun le sirvió para obtener el ingreso en la Académie Royale. Un año más tarde se casó con Claude Bourdict.
“Retrato del escultor Nicolas Coustou”, obra del pintor Jean Le Gros en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Retrato del escultor Nicolás Coustou”, obra del pintor Jean Le Gros, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1722-1725. Tiene unas medidas de 131 x 98 cm.
Hijo de un ebanista, fue su padre quien le instruyó inicialmente en el oficio. A los 18 años se traslada a París para estudiar bajo la tutela de C.A. Coysevox, hermano de su madre, que presidía la recién creada Académie Royale de Peinture et de Sculpture; y a los 23 años ganó el premio Colbert (Premio de Roma), que le daba derecho a cuatro años de formación en la Academia Francesa en Roma (de 1683 a 1686). Tras esto llegaría a asumir el cargo de rector y canciller de la Academia de Pintura y Escultura.
“Retrato de Louise de Prie”, obra de un pintor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Retrato de Louise de Prie”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en el siglo XVII.
Louise de Prie será la dama de honor de la reina Ana de Austria alrededor de 1644; su madre, Francoise de Saint Gelais, había sido su dama de honor al mismo tiempo.
En 1646, desencadena la pasión de Luis II de Bourbon Condé (futuro Grand Condé) aunque este último ya está casado con Claire Clémence de Maillé Brézé.
“Medallones de Marie-Anne de Bourbon y Louis de Bourbon”, obra de un escultor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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Las siguientes escultoras “Medallones de Marie-Anne de Bourbon y Louis de Bourbon”, obra de un escultor anónimo, realizado en mármol blanco, están datados en el siglo XVII. Tienen unas medidas de 33 x 27 x 10 cm.
María Ana de Borbón-Condé fue una de las hijas de Luis III de Borbón-Condé y de su esposa Luisa Francisca de Borbón, hija mayor sobreviviente y legitimada del rey Luis XIV de Francia y de su amante Madame de Montespan.
Luis de Borbón, Conde de Vermandois, fue el único varón sobreviviente de la relación entre Luis XIV de Francia y su amante Luisa de la Vallière.
“Retrato de Charlotte de La Mothe Houdancourt, duquesa de Ventadour”, obra de un pintor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Retrato de Charlotte de La Mothe Houdancourt, duquesa de Ventadour”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1717. Tiene unas medidas de 147,5 x 115 cm.
Charlotte de La Motte Houdancourt, duquesa de Ventadour la institutriz del rey Luis XV de Francia, bisnieto del rey Luis XIV. Se le atribuye haber salvado a Luis XV de los ministerios de los doctores reales cuando estaba enfermo en la niñez . Ella era la Gobernante de los Niños Reales , institutriz de los hijos de Francia como su madre, nieta, nieta en la ley y gran hija.
“Françoise de Souvré, marquesa de Lansac, y los niños de Francia”, obra del pintor Pierre Mignard en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Françoise de Souvré, marquesa de Lansac, y los niños de Francia”, obra del pintor Pierre Mignard, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1643. Tiene unas medidas de 248 x 195,5 cm.
El cuadro representa al joven Louis XIV con su hermano Philippe y su institutriz Madame Lansac.
Françoise de Lansac fue una cortesana francesa. Era hija de Gilles de Souvré y se casó con Artus de Saint Gelais en 1601. Era pariente del cardenal Richelieu. En 1638, el rey y el cardenal Richelieu reorganizaron la casa de la reina y reemplazaron a todos los que consideraban desleales al rey y al cardenal por sus propios leales.
En consecuencia, Françoise de Lansac fue nombrada Gobernación Real, y el Conde de Brassac y su esposa, Catherine de Brassac, fueron nombradas a los puestos de superintendente de la casa de la reina y primera dama de honor.
“Catherine-Marguerite Mignard, condesa de Feuquières”, obra del pintor Pierre Mignard en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Catherine-Marguerite Mignard, condesa de Feuquières”, obra del pintor Pierre Mignard, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1687-1689. Tiene unas medidas de 118 x 90,4 cm.
Pierre Mignard, inicialmente impulsado a estudiar medicina, entró en 1624 en el taller del pintor Jean Boucher, en Bourges. De vuelta a Troyes, trabajó en el taller de un escultor, François Gentil, antes de marcharse a Fontainebleau –capital de las artes en aquella época- donde estudió las obras de Francesco Primaticcio, Rosso Fiorentino y Fréminet. Pintó la capilla del castillo de Coubert-en-Brie para el mariscal de Vitry, quien le puso bajo su protección y le envió a París. Allí Mignard estudió con Simon Vouet, conoció a Charles Le Brun (aunque más tarde ambos sostendrían una fuerte rivalidad), y también a Eustache Le Sueur y Du Fresnoy, con quien mantuvo una gran amistad.
“Philippe de France, duque d'Anjou”, obra del pintor Pierre Mignard en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Philippe de France, duque d'Anjou”, obra del pintor Pierre Mignard, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1601-1700. Tiene unas medidas de 100 x 81 cm.
Philippe nació en el Palacio de Versalles el 30 de agosto de 1730, el segundo hijo y el quinto hijo de Luis XV de Francia y Marie Leszczynska. Como hijo del rey, ocupó el rango de Hijo de Francia, que también le dio derecho al titulo de Alteza Real. En su corta vida, fue el tercer hombre más importante en la corte, después de su padre Louis XV y su hermano mayor Louis, delfín de Francia.
Philippe fue nombrado duque de Anjou desde su nacimiento; Este título había sido otorgado por última vez a su padre, desde su propio nacimiento en 1710 hasta su ascenso al trono en 1715.
“Louis XIV coronado para la gloria”, obra del pintor Antoine Coypel en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Louis XIV coronado para la gloria”, obra del pintor Antoine Coypel, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1684. Tiene unas medidas de 197,5 x 136 cm.
Después de una breve guerra contra España, Luis XIV se apoderó de Luxemburgo, la fortaleza española más poderosa en los Países Bajos. Asustados por esta victoria, el Emperador y el Rey de España concluyeron el 15 de agosto de 1684 la tregua de Ratisbona que reconoció las últimas anexiones francesas por un período de veinte años. La tregua, que parecía preludio de una paz ventajosa y definitiva, recibió una entusiasta bienvenida en Francia.
“Busto de Louis XIV”, obra del escultor Martin Van den Bogaert en el Palacio de Versalles (Francia)
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La escultura que podemos ver “Busto de Louis XIV”, obra del escultor Martin Van den Bogaert, realizado en bronce, está datado en 1680. Tiene unas medidas de 52 x 36 x 15 cm.
Louis XIV tendrá que decidir entre estas diversas corrientes de pensamiento religioso teniendo en cuenta no solo sus propias convicciones sino también consideraciones políticas. Desconfía del carácter anti-absolutista del jansenismo que condenará. Con respecto a los protestantes, revocó el Edicto de Nantes en 1685, que generalmente es bien recibido en Francia, peor en Europa. La cuestión religiosa también está marcada por las tensas relaciones con los papas, especialmente con Inocencio XI, mayormente sobre la cuestión de la independencia política del rey y el clero francés contra Roma.
“Philippe de Courcillon, Marques de Dangeau”, obra del pintor Hyacinthe Rigaud en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Philippe de Courcillon, Marques de Dangeau”, obra del pintor Hyacinthe Rigaud, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en el siglo XVII.
Hermano de Louis de Courcillon de Dangeau, nació en una familia calvinista pero se convirtió muy temprano en su vida al catolicismo. Primero ganó fama por su habilidad para jugar a las cartas, y atrajo la atención de Luis XIV. En 1665, fue nombrado coronel del regimiento del rey, y lo acompañó como ayudante de campo en todas sus campañas. Se convirtió, en 1667, en gobernador de Touraine y emprendió varias misiones diplomáticas en Trier, Mainz y Modena.
“Elisabeth Charlotte de Baviera, duquesa de Orleans”, obra del pintor Hyacinthe Rigaud en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Elisabeth Charlotte de Baviera, duquesa de Orleans”, obra del pintor Hyacinthe Rigaud, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1713. Tiene unas medidas de 139 x 119,5 cm.
La cuñada de Luis XIV y famosa escritora epistolar, la princesa Palatina, por su propia situación, rara vez se dejaba de pintar. En 1713, sin embargo, aceptó posar para el famoso Hyacinthe Rigaud, ya autor de un retrato muy famoso del rey (1701). Si bien la pintura, encargada por un aficionado parisino, no estaba destinada a ella, el propio Louis XIV la persuadió para que la conservara: esta obra, firmada, ahora se encuentra en el Museo Deutsches Historisches de Berlín. El taller de Rigaud ejecutó muchas réplicas, especialmente para los corresponsales germánicos y la familia de Madame. La pintura de Versalles sería una de ellas, como lo sugiere la presencia de ampliaciones en cada uno de sus cuatro lados. Viuda durante doce años, la princesa Palatina está representada en la realidad de su edad, pero muestra los atributos de la realeza.
“Marie-Adelaida de Saboya, duquesa de Borgoña”, obra del pintor Jean-Baptiste Santerre en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Marie-Adelaida de Saboya, duquesa de Borgoña”, obra del pintor Jean-Baptiste Santerre, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1709. Tiene unas medidas de 275 x 184 cm.
La melancolía que emana de esta efigie de la duquesa de Borgoña, esposa del nieto de Luis XIV y Dauphine, contrasta con la vivacidad de sus contemporáneos. La técnica suave y de porcelana de Santerre, heredada de los pintores holandeses, hace la gracia de la princesa. Los tonos grises plateados le dan sobriedad y elegancia a la composición. Muchas réplicas dan fe de la popularidad de este retrato.
“Françoise-Marie de Borbón llamada Mademoiselle de Blois y Louise-Françoise de Borbón”, obra del pintor Claude-Francois Vignon en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Françoise-Marie de Borbón llamada Mademoiselle de Blois y Louise-Françoise de Borbón”, obra del pintor Claude-FrancoisVignon, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1676-1700. Tiene unas medidas de 80,3 x 100,2 cm.
El cuadro representa a Francisca María de Borbón legítima de Francia, llamada la segunda Mademoiselle de Blois, al casarse, como consorte adquirió el título de duquesa de Chartres (1692), después fue duquesa de Orleans y Luisa Francisca de Borbón, fue la mayor de las hijas sobrevivientes de la relación habida entre el rey de Francia Luis XIV y Madame de Montespan.
“Louise-Adélaïde de Bourbon-Conti dite Mademoiselle de La Roche-Sur -Yon”, obra del pintor Pierre Gobert en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Louise-Adélaide de Bourbon-Conti dite Mademoiselle de La Roche-Sur -Yon”, obra del pintor Pierre Gobert, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1710. Tiene unas medidas de 116 x 88,7 cm.
Luisa Adelaida era la tercera de los hijos que sobrevivieron de la devota María Teresa de Borbón-Condé y de su promiscuo marido Francisco Luis de Borbón-Conti. Su padre no correspondía el amor de su esposa y tenía fama de libertino, teniendo numerosas relaciones con personas de ambos sexos; su conducta escandalosa creó grandes tensiones al interior de la familia. Fue bautizada el 16 de febrero de 1707 en la Capilla del Palacio de Versalles, y nombrada en honor de Luis, delfín de Francia y de María Adelaida de Saboya.
“Louise-Françoise de Borbón, princesa de Condé”, obra del pintor Pierre Gobert en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Louise-Françoise de Borbón, princesa de Condé”, obra del pintor Pierre Gobert, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1701-1800. Tiene unas medidas de 102,5 x 80,7 cm.
Hija de Madame de Montespan y Louis XIV, legitimada poco después de su nacimiento, Louise-Francoise de Bourbon fue criada con sus hermanos y hermanas por Madame de Maintenon. Nombrada Mademoiselle de Nantes, se casó con Luis III de Borbón en 1685, Príncipe de Conde (1668-1710). El esposo era tan feo que lo llamaron el “mono verde”, y el matrimonio fue desafortunado. Amante de la vida de la corte, bastante galante, estaba muy cerca del Gran Delfin.
“Louise-Elisabeth Bourbon-Conde, princesa de Conti”, obra del pintor Pierre Gobert en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Louise-Elisabeth Bourbon-Conde, princesa de Conti”, obra del pintor Pierre Gobert, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1722-1732. Tiene unas medidas de 80,7 x 64,5 cm.
Hija de Luis III de Borbón-Condé y de la Princesa Luisa Francisca de Borbón, se casó el 9 de julio de 1713 con el Príncipe de Conti Luis Armando de Borbón.
Fue una mujer muy hermosa, de carácter dulce y alegre. En 1716 se dedicó a cuidar de su marido quien contrajo viruela, valientemente no se movió de su lado hasta su recuperación.
A pesar de su belleza y buen carácter y de los cuidados y atenciones que le proporción cuando enfermó, Luis Armando traicionaba constantemente a su esposa y además era un celoso compulsivo y violento. Luisa Isabel, acabó tomando por amante al Marqués de La Fare , un caballero de bello porte que se convierte en Mariscal y que no se preocupa de ocultar la relación extramarital. El Marqués de La Fare era hijo del poeta Carlos Augusto de La Fare (1644-1712) y muchos contemporáneos dudan de la paternidad del heredero de Luis Armando, ya que Luis Francisco es un bello joven de excelente salud, sin signos de las deformidades físicas de su padre ni de sus antepasados Borbón-Conti.
“El marqués de Seignelay y el duque de Vivonne visitan la Galeria Réale en el Arsenal de Marsella”, obra de un pintor anónimo en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “El marqués de Seignelay y el duque de Vivonne visitan la Galeria Réale en el Arsenal de Marsella”, obra de un pintor anónimo, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1677. Tiene unas medidas de 110 x 157 cm.
La escena recrea el puerto de Marsella, a la izquierda se puede apreciar un gran hangar donde en su interior se aprecia un gran navío. A la derecha se puede ver a los oficiales encargados de la construcción en el momento de la botadura.
“Luis XIV dirigiendo el asedio de Maestricht, 29 de junio de 1673”, obra del pintor Joseph Parrocel en el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Luis XIV dirigiendo el asedio de Maestricht, 29 de junio de 1673”, obra del pintor Joseph Parrocel, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1676. Tiene unas medidas de 142 x 186 cm.
El asedio de Maestricht fue uno de los principales episodios de la guerra holandesa (1672-1678). Se mantuvo famoso por la velocidad con la que Vauban llevó a cabo las operaciones: 13 días fueron suficientes para entregar la plaza , del 17 al 29 de junio de 1673. En la pintura de Parrocel, el rey está pintado en un caballo encabritado dando sus órdenes a un oficial La violencia de la lucha es doblemente figurativa: en primer plano, hombres y caballos muertos y moribundos; en el fondo por el cargo de la Compañía de los Guardias del Cuerpo sobre el enemigo. La ciudad de Maastricht está representada con gran precisión en la distancia.
“Luis XIV cazando en Meudon” obra del pintor Adram-Frans Van der Meulenen el Palacio de Versalles (Francia)
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El siguiente cuadro que podemos ver “Luis XIV cazando en Meudon” obra del pintor Adram-Frans Van der Meulen, realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1601-1700. Tiene unas medidas de 76 x 127,5 cm.
Adam Frans van der Meulen, un artista de origen flamenco, se convirtió en cronista en imágenes del reinado de Luis XIV. Para los Gobelinos, como pintor de las conquistas del rey, inmortaliza los acontecimientos que marcan la vida militar y el modo cotidiano del monarca: batallas, ciudades conquistadas, movimientos judiciales, construcción de casas reales, tantos testimonios precisos. El artista va al lugar, dibuja, piensa en las escenas que le permiten en el taller reproducir con exactitud la historia del reinado y la topografía de los lugares.
Dejamos las salas museísticas donde se exponen las principales obras de arte para pasar a la zona de los aposentos reales. La primera sala es el Vestíbulo Alto de la Capilla , desde donde se pueden apreciar los Frescos de la Capilla Real se representa a los personajes de la Trinidad : El Padre, Resurrección y la Virgen Bérault pintada por Jean Baptiste Jouvenet y Antoine Coypel.
“El Padre eterno en su gloria llevando los instrumentos de la Pasión ”, obra del pintor por Antoine Coypel el Palacio de Versalles (Francia)
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En el centro de la bóveda se encuentra el fresco “El Padre eterno en su gloria llevando los instrumentos de la Pasión”, obra del pintor por Antoine Coypel, realizado en la técnica al fresco, situado en el bóveda central del ala norte, está datado en 1710.
Jules Hardouin-Mansart fue el encargado de construir el testamento religioso de Luis XIV fue el acceso desde la parte alta a la capilla del Palacio de Versalles. Después de haber cruzado el Salón de los Espejos y los salones del Gran Apartamento, el rey ahora podía entrar claramente en la plataforma real, desde la altura de la cual dominaba la nave donde se encontraban la corte y los invitados.
“La apoteosis de Hércules”, obra del pintor François Lemoyne el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente estancia que visitamos es “Gran Salón de Hércules” en los frescos centrales de la estación podemos ver el fresco “La apoteosis de Hércules”, obra del pintor François Lemoyne (1688-1737), está datado entre 1731-1736, realizado siguiendo las técnicas del fresco.
Frente a una parte de la historiografía que describe la pintura de este periodo como amable y decorativa, intentaremos mostrar cómo esta obra representará por contra la imagen que del poder tendrán Luis XV y su principal ministro, Fleury, intentando afirmar a través de ella los principios de la monarquía francesa.
En un contexto político convulso, en el que los jansenistas, los Parlamentos y parte de la nobleza están cuestionando los fundamentos tradicionales de la soberanía, Lemoyne propone, a través de un lenguaje alegórico construido sobre la figura de Hércules –frecuente en la iconografía política de las cortes europeas– y con la estrecha participación del duque d'Antin y de Fleury, una Apoteosis de la monarquía francesa, que cobra su sentido, precisamente, a partir de ese contexto histórico, pudiéndose establecer a partir de él, y comparando los cambios entre el proyecto inicial planteado en 1730 y la obra final, una intencionalidad.
La obra es una alegoría sobre la virtud heroica triunfante, a través de Hércules, de acuerdo a la imagen del Hércules en la encrucijada.
Detalle de La apoteosis de Hércules, obra del pintor François Lemoyne el Palacio de Versalles (Francia)
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Una interpretación del mito que parecía provenir de Jenofonte, quien a su vez lo atribuye a Pródico de Ceos, y que se desarrollará sobre todo a lo largo del humanismo italiano con Pretrarca en su Vite degli uomini illustri, así como en Erasmo, Durero, Alciato o Ripa, quienes lo toman como un modelo de ejemplaridad retórica y moral. Representaba, por tanto, la virtud de aquellos que afrontan los trabajos difíciles y peligrosos en beneficio de una meta superior al yo, alcanzando la inmortalidad del cielo, siendo por ello coronado por Júpiter. Pero si, como ha señalado Louis Marin, toda representación es un discurso sobre el poder y durante el Gran Siglo Hércules se utilizó como un retrato del monarca, el problema se plantea a la hora de poder establecer una relación entre el sentido de esta alegoría y el contexto social y político en el que fue ideada, trascendiendo así la obra de Lemoyne la imitatio virtutis, para convertirse en una representación del poder tal y como es comprendido por Fleury y D'Antin, así como en una glorificación de las virtudes del príncipe francés en un contexto muy concreto.
“Comida de Simón el fariseo”, obra del pintor italiano Paolo Caliari Veronese el Palacio de Versalles (Francia)
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Encima de la chimenea del Gran Salón de Hércules podemos ver una de las mayores y mejores obras de arte que atesora el Palacio de Versalles, se trata del gran cuadro “Comida de Simón el fariseo”, obra del pintor italiano Paolo Caliari Veronese, está datado en 1572, realizado en óleo sobre lienzo. Tiene unas medidas de 454 x 974 cm.
El cuadro originalmente fue pintado para el refectorio de un convento veneciano, esta pintura fue donada por la República de Venecia a Luis XIV en 1664 y colocada en la Galería Apolo en el Louvre. Posteriormente fue llevado a Versalles en 1712, luego regresó al Louvre, fue depositado por este museo en Versalles en 1961. Esta obra pertenece a una serie de banquetes religiosos, pintados por Veronese entre 1562 y 1573, en los que la comida bíblica se representa como un reunión social de Cristo cuando está rodeado de figuras religiosas y retratos de venecianos contemporáneos: esta profanación y la fantasía de la inspiración, visible en la diversidad de disfraces y expresiones, valdrá para que Veronese comparezca ante un tribunal religioso. La organización espacial de la escena es tan clásica como la arquitectura que describe la composición: dos tablas con dos grupos de personajes, dos artículos de mesa y dos edificios en el fondo se encuentran alrededor de un eje central que consiste en dos ángeles que llevan una filacteria.
Sala de la Abundancia en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos a la siguiente estancia es “Sala de la Abundancia”, durante las reuniones de la tarde, la Sala servia como sala de refrigerios donde se servía café, vinos y licores en un aparador. También era la antecámara de la Sala de Colección de Louis XIV, o Sala de Objetos Raros (ahora la Sala de Juegos de Louis XVI) a la que se podía ingresar por la puerta final. Al rey le gustaba mostrar a sus invitados los floreros, gemas y medallones de plata que guardaban allí, que sirvieron como fuente de inspiración para la decoración de la bóveda, incluida una representación de la nave real sobre la puerta. El King's Vessel era un objeto valioso en forma de barco sin mástil que se colocaba en la mesa del rey en ocasiones importantes o en el aparador. Contenía la servilleta del soberano y era un símbolo de poder que debía ser aclamado por todos los que pasaban.
La estancia esta decorada en un verde mate y ambientada con diversos retratos familiares. Es de destacar la gran nave real representado por encima de la puerta.
“Real Magnificencia, Inmortalidad y Progreso en las Bellas Artes”, obra del pintor Rene-Antoine Houasse en el Palacio de Versalles (Francia)
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En la bóveda del Salón de la Abundancia se puede ver la pintura al fresco “Real Magnificencia, Inmortalidad y Progreso en las Bellas Artes”, obra del pintor Rene-Antoine Houasse, está datado en 1683, realizado en óleo sobre yeso.
Rene-Antoine Houasse fue alumno de Le Brun, bajo cuya dirección trabajó en la Fabricación de Gobelinos, participó con él en la decoración del Palacio de Versalles.
Está acreditado en la Real Academia de Pintura el 13 de mayo de 1672 y recibe el 15 de abril de 1673.
Fue director de la Academia de Francia en Roma desde 1699 hasta 1704, y contó notablemente a Henri de Favanne entre sus alumnos.
Se casó el 5 de febrero de 1673 con Marie Le Bé, pariente de Charles Le Brun. Es el padre de Michelangelo Houasse, pintor de escenas de género.
Sala de Venus en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos a la siguiente estancia Sala de Venus, constituía la entrada principal al Departamento del Estado del Rey porque estaba en la parte superior de la gran escalera conocida como la Escalera de los Embajadores, antes de ser destruida en 1752. Como todas las otras habitaciones, esta lleva el nombre de un planeta, siguiendo un tema relacionado con la mitología del sol que inspiró la decoración en Versalles durante la década de 1670. En esta sala, la diosa Venus está representada en el techo como la diosa del amor, asociada con el planeta en la antigua Grecia. Las pinturas que decoran los arcos muestran a grandes hombres o héroes de la antigüedad cuyas acciones, inspiradas por la diosa, a menudo aludían más o menos obviamente a los hechos de Luis XIV. Por ejemplo, el arco que representa a Alejandro casándose con Roxana evoca la boda del rey, mientras que el arco que ilustra al emperador Augusto viendo los juegos de circo romano se refiere al carrusel en 1662, celebrado en honor de la reina María Teresa.
La decoración de la sala Venus es la más barroca de todos los apartamentos del Estado. Es el único lugar donde Le Brun creó un diálogo entre la arquitectura, las esculturas y las pinturas, que a veces eran reales y a veces falsas, como las pilastras y columnas de mármol creadas a través de pinturas en perspectiva de Jacques Rousseau, y las dos estatuas trompe-l'oeil de Luis XIV cerca de las ventanas, por Jean Warin.
Durante las reuniones nocturnas, esta sala contenía mesas cubiertas con cestas de flores, pirámides de frutas frescas raras como naranjas y limones, y mazapán y frutas confitadas.
“Venus coronada por las Gracias”, obra del pintor Rene-Antoine Houasse, Sala de Venus en el Palacio de Versalles (Francia)
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En la bóveda del Salón de Venus se puede ver la pintura al fresco “Venus coronada por las Gracias”, obra del pintor Rene-Antoine Houasse, está datado en 1676, realizado en óleo sobre yeso.
El cuadro representa a Venus coronada por Las Gracias se muestran aquí como tres jóvenes mujeres desnudas que subyugan las divinidades de su imperio (Vulcano, Júpiter, Marte, Baco...). Esta representación resalta sus encantos, pero también significa una alegoría de los beneficios.
Según los textos antiguos, son las gracias las que dan a los humanos la belleza de la cara y el cuerpo.
Salón Diana en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos a la siguiente estancia del Palacio es la Sala Diana, era la diosa de la caza. Durante Luis XIV, la sala se usaba para juegos de billar durante las veladas nocturnas. En este contexto, la sala también era conocida como la “cámara de aplausos” debido a los continuos aplausos de las damas de la corte que estallaban inmediatamente cada vez que Luis XIV daba un golpe brillante; esto sucedió con bastante frecuencia ya que el rey de Francia era muy bueno en de billar. La mesa de billar estaba cubierta de terciopelo rojo y adornado con flecos dorados; se colocó en el centro de la habitación. Los pisos estaban cubiertos con alfombras persas. Junto al Salón de Venus, formó una antecámara de los Grandes Apartamentos del Rey.
La diosa Diana estaba vinculada con la luna que inspiró la decoración del salón: mármol de tonos más fríos cubren las paredes. Las escenas de caza de la antigüedad han sido pintadas en las molduras, que es probablemente una de las referencias más obvias al propio Luis XIV, que también resultó ser un excelente cazador.
Entre las obras de arte de la sala podemos ver un gran busto que representa a Luis XIV. Otros dos bustos flanquean el gran busto de mármol de Luis XIV. Los bustos son de dos damas antiguas (se cree que una es una Emperatriz) y ambas están hechas de mármol blanco también. Otra pintura adorna la repisa de la chimenea de Charles de la Fosse.
“Diana presidiendo una caza y navegación”, obra del pintor Gabriel Blanchard en el Palacio de Versalles (Francia)
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En el techo de la Sala Diana podemos ver en la bóveda a “Diana presidiendo una caza y navegación”, obra del pintor Gabriel Blanchard, realizada en óleo sobre lienzo, esta datado 1672.
Diana fue originalmente una diosa de la caza, relacionada con los animales y las tierras salvajes. Más tarde pasó a ser una diosa de la luna, suplantando a Luna y siendo también un emblema de la castidad. Los robledos le estaban especialmente consagrados. Era alabada en la poesía por su fuerza, gracia atlética, belleza y habilidades en la caza.
Salón de Marte en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos a la siguiente estancia del palacio es la Sala de Marte se usara para los guardias, por lo que la sala estaba dedicada al dios de la guerra Marte. Debido a su posición en el palacio, era natural que el Salón de Marte también se incluyera en las veladas nocturnas. Durante estas ocasiones se usaba como un salón de baile donde se tocaba música y se bailaba. Solía haber dos toldos a cada lado de la chimenea destinados a los músicos. Este salón en particular es rico en pinturas y retratos.
Una vez más, el dios al que se dedica el salón también ha inspirado el arte de la sala. La pintura principal del techo es de Marte en un carro de Claude Audran. Hay dos cuadros a cada lado de la pintura principal del techo: uno es "Victoria apoyada por Hércules seguido de Abundance y Felicity" y el otro es “Furia y Terror se hace cargo de los poderes de la Tierra ”.
Incluso la pintura favorita de Louis XIV “David tocando el arpa” adorna las paredes de terciopelo rojo del salón sobre la chimenea. En esta sala también cuelgan retratos de Louis XIV y Marie Leszszinska. Para lograr la simetría en la sala, se crearon dos puertas falsas. El marco de la puerta en el Salón de Diana está hecho de mármol puro al igual que la chimenea.
Salón de Mercurio en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos a la siguiente sala del palacio, al principio era conocida como Sala de Desfiles, luego paso a llamarse Salón de Mercurio. Se colocó una gran cama en el centro de la habitación, pero se retiró durante el invierno para dejar espacio para las mesas de juego. La cama del rey estaba bordada con sus iniciales. Originalmente, esta habitación estaba llena de muebles de plata maciza: una balaustrada, mesas, espejos, candelabros y una repisa de la chimenea; sin embargo, estos se fundieron en 1689 para que Luis XIV pudiera pagar las costosas guerras. También se sacrificaron los magníficos tapices de brocado tejido en hilo de oro y plata para pagar la Guerra de Sucesión española. Después de la muerte del Rey Sol, su cuerpo permaneció en esta misma habitación durante 8 días.
Una vez más, el dios que inspiró el nombre del salón también inspiró la decoración. El techo está adornado con una gran pintura de Mercurio en su carro pintado por Jean-Baptiste de Champaigne. Además de esta pintura principal, hay otras cuatro pinturas en los moldes del techo; Estos incluyen varias figuras de la antigüedad como Aristóteles, Alejandro y Augusto. Un gran reloj está en exhibición en la sala.
Salón de Apolo en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos a la siguiente estancia del Palacio: Sala de Apolo, diseñada para ser la cámara del soberano, aunque finalmente se utilizó como sala del trono desde 1682. El techo está dedicado al dios del sol, las artes y la paz. El símbolo solar, elegido muy temprano por Luis XIV, está representado por Apolo corriendo sobre su carro, rodeado de figuras alegóricas. Los arcos ilustran la magnificencia y la magnanimidad del rey, a través de ejemplos tomados de la antigüedad: Vespasiano construyendo el Coliseo, Augusto construyendo el puerto de Misene, Porus antes de que Alexander y Coriolan suplicaran a su madre y a su esposa.
Hasta 1689, una plataforma debajo de un estrado albergó el famoso trono plateado de Luis XIV (en realidad una enorme silla de madera de dos metros de altura, cubierta con platos y esculturas de plata). Este extraordinario mobiliario enviado al elenco fue reemplazado por una sucesión de sillones dorados, cuyo estilo evolucionó con el tiempo.
Sobre la chimenea cuelga el retrato más famoso de Luis XIV, pintado por Hyacinthe Rigaud. El pintor hizo el retrato original en 1701, a petición del propio rey, que deseaba ofrecérselo a su nieto, que se convirtió en rey de España. Conquistado por el resultado, Luis XIV deseaba quedarse con el original y ordenó copias del artista. La copia de Versalles es la copia hecha en 1702. El original de la pintura está en el Museo del Louvre.
Salón de Guerra en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos a las siguientes estancias del Palacio: Salón de Guerra, es a partir de 1678 que Hardouin- Mansart emprendió su construcción. La decoración, completada por Le Brun en 1686, exaltó las victorias militares que condujeron a la paz de Nijmegen. Las paredes están cubiertas con paneles de mármol decorados con seis trofeos y caídas de bronce dorado. El muro al costado del salón de Apolo está ocupado por un estuco ovalado en bajorrelieve que representa a Luis XIV a caballo pisoteando a sus enemigos. Esta obra maestra de Coysevox está coronada por dos escudos dorados y apoyada por dos cautivos encadenados. A continuación, en el bajorrelieve que oculta la apertura de una chimenea falsa, Clio, musa de la historia, registra para la posteridad los hechos del rey. El techo de la cúpula representa en el centro de La France armee, sentado en una nube y rodeado de victoires. Un retrato de Luis XIV adorna su escudo. En los arcos están representados sus tres enemigos vencidos: Alemania de rodillas, con un águila; amenazando a España, con un león rugiente y Holanda derrocada sobre otro león. El cuarto arco representa a Bellone, diosa de la guerra, enfurecida entre Rebellion y Discord.
Galería de los Espejos en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos a la estancia más bonita y maravillosa del palacio: La Galería de los Espejos. Después de la victoria sobre las tres potencias de la liga (España, Alemania y Holanda), representadas en el Salón de la Guerra, la galería exalta a lo largo de sus setenta y tres metros los éxitos políticos, económicos y artísticos de Francia. Logros políticos: Las treinta composiciones de la bóveda pintadas por Le Brun ilustran la gloriosa historia de Luis XIV durante los primeros dieciocho años de su gobierno personal, desde 1661 hasta la paz de Nimega. Por lo tanto, las victorias militares y diplomáticas, así como las reformas para la reorganización del reino, se tratan en forma de alegorías a los Antiguos. La prosperidad económica: por su tamaño y su número, los trescientos cincuenta y siete espejos que adornan las diecisiete arcadas frente a las ventanas dan testimonio de que la nueva fábrica de espejos francesa puede deleitar en Venecia el monopolio de los espejos, y luego los objetos. Todo un lujo de éxito artístico: las pilastras de mármol de Rance adornan capiteles de bronce dorado de un nuevo modelo llamado “orden francesa”, creado por Le Brun a pedido de Colbert, presenta emblemas nacionales: una flor de lirio coronado por el sol real entre dos gallos galo (gallo que se hace llamar gallus en latín).
Galería de los Espejos en el Palacio de Versalles (Francia)
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La Galería de los Espejos sirvió diariamente como lugar de paso, espera y reuniones, a la que asistieron cortesanos y visitantes públicos. Sirvió solo excepcionalmente como escenario para ceremonias, cuando los gobernantes querían dar el mayor brillo al entretenimiento (bailes o juegos) ofrecido en bodas principescas o en recepciones diplomáticas. En estas últimas ocasiones, el trono se instaló en una plataforma al final de la galería, al costado del Salón de la Paz , cuya galería estaba cerrada. La puesta en escena del poder rara vez ha alcanzado tal grado de ostentación. Así, el dux de Génova en 1685, los embajadores de Siam (1686), Persia (1715) y el Imperio Otomano (1742) tuvieron que cruzar toda la galería, bajo los ojos de la corte en cada lado, en gradas, para poder llegar hasta al rey de Francia.
También es aquí donde se firmó el 28 de junio de 1919 el Tratado de Versalles que puso fin a la Primera Guerra Mundial. Desde entonces, los Presidentes de la República continúan recibiendo los anfitriones oficiales de Francia.
Galería del Consejo en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos por la parte de atrás de la Galería de los Espejos a las estancias más íntimas del palacio: Galería del Consejo.
En la época de Luis XIV, esta sala era más pequeña, ya que parte del gabinete actual era el Gabinete de Pelucas. Fue llamado el Gabinete del Rey, pero tenía la misma función que bajo sus sucesores, la de recibir el consejo.
Los lunes (quincenales), miércoles, jueves y domingos tienen lugar en el Consejo de Estado, los martes y sábados están dedicados al Consejo Real de Finanzas, mientras que los viernes están dedicados al Consejo de conciencia (asuntos religiosos). Finalmente, el Consejo de Despacho (es decir, que se ocupa de asuntos internos) se reúne los lunes, cada quince días cuando no hay un Consejo de Estado. En estos mismos días, el rey también puede decidir estudiar el progreso de los programas de trabajo. Cinco o seis ministros trabajan con el monarca que habla poco, escucha mucho y siempre decide al final.
No fue hasta 1755 que la obra adquirió su aspecto actual. El Gabinete de Pelucas se reunirá en el Gabinete del Rey para formar el Gabinete del Consejo, y Luis XV tendrá su propio gabinete en su departamento interior. El nuevo gabinete está decorado con madera dorada esculpida por Jules-Antoine Rousseau en los dibujos de Ange-Jacques Gabriel. Algunos de los paneles antiguos también se reutilizan para cubrir las paredes. Estos paneles están decorados con nuevos motivos como trofeos, atributos del ejército, la marina y la justicia. Hay espléndidos objetos de arte: un reloj rocaille (1754), un busto de Alejandro Magno en pórfido y dos jarrones de Marte y Minerva en porcelana y bronce Sèvres cincelados por Pierre-Philippe Thomire (1787).
Habitación del Rey en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos a la siguiente estancia del Palacio: Habitación del Rey. Durante la época de Luis XIII era una antecamara. En el reinado de Luis XIV, sufrió muchos cambios hasta su finalización en 1701, como el de la construcción de la Galería de los Espejos que requirió la eliminación de las tres puertas francesas hacia el oeste que daban a la terraza, reemplazadas por tres Puertas inferiores que se taparon para formar un nicho. Con el establecimiento de la habitación del rey, la habitación se convirtió en el centro físico e ideológico del castillo: el gobernante cenó allí en el “petit couvert”. Cada día, se realizaron las ceremonias de “Mañana” y “Noche” del Rey, a la que asistieron un centenar de personas (oficiales de la habitación y armario, cortesanos, diplomáticos, gobernadores).
Debido a la economía, Luis XIV tenía una gran parte de la decoración más importante y original de la habitación del rey en su habitación. La parte superior de las puertas contaba el Retrato de Francisco de Moncada y un Autorretrato de Antoon van Dyck, un San Juan Bautista de Caravaggio y María Magdalena de Guido Reni. Santa Cecilia de Le Dominiquin fue expuesta sobre la chimenea y frente a otra obra del pintor: el Rey David tocando el arpa.
Habitación del Rey en el Palacio de Versalles (Francia)
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Al oeste estaba el callejón (nombre de la alcoba contigua a la cama) donde estaba la cama del rey separada de la otra parte de la habitación por una balaustrada dorada que separaba el espacio público del área privada. En el que solo los sirvientes y miembros de la familia real podían acceder. La decoración del callejón con una ornamentación de grapas, volutas y enrejados tallados anticipaba el estilo Regencia. Sobre la cama con dosel cubierta con plumas de avestruz y garcetas, estaba la alegoría de estuco de “Francia vigilando el sueño del Rey” esculpida por Nicolas Coustou, este bajorrelieve fue cambiado por una percha enrejada, obras de François Lespingola.
Las cortinas de las paredes y la cama (terciopelo carmesí bordado con oro estirado en las paredes en invierno, damas de oro y plata sobre una base de damasco carmesí en verano) se volvieron a tejer como un proyecto de restauración del castillo de Versalles
comenzó por iniciativas de la Quinta República: la sala restaurada se inauguró oficialmente el 9 de junio de 1980. Después de que el trabajo comenzó en la década de 1950. Las cortinas originales ya habían sido restauradas en 1763; En 1785, Luis XVI quemó el brocado y recuperó más de sesenta kilogramos de oro. Las cortinas actuales no son copias de las primitivas cortinas de la cámara del rey; de hecho, el brocado se rehizo de acuerdo con un dibujo hecho para el tapiz de invierno de la habitación de la reina. Fue solo después del comienzo del proyecto que se encontraron los dibujos originales de Luis XIV, la habitación del rey fue restaurada con los tapices de invierno de la habitación de la reina en 1715, lugar donde Louis XIV, de 76 años, murió allí.
Sala de Estar en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos a la siguiente estancia del Palacio: La habitación l'Œil-de-bœuf, es una sala de estar del apartamento del Rey.
En 1701, bajo el liderazgo del primer arquitecto del rey Jules Hardouin-Mansart, el gran salón fue creado por la reunión del gabinete de los bassanes y la cámara del ex rey. El gran salón tiene el nombre bajo Louis XV como oeil-de-boeuf (claraboya) de su interior.
El friso exigido por Luis XIV está decorado con bajorrelieves de puttis moldeados en estuco dorado, en un estilo renacentista italiano. Sobre un fondo de mosaico de compartimentos de rosas, los querubines ( putti), los amores o los querubines (con alas de pájaros) y los zephyrs (con alas de mariposas) están representados para disfrutar de todo tipo de actividades divertidas: música, comedia, baile, columpios, teatro....
El friso se prepara durante el verano de 1701, debajo de las bóvedas del invernadero del Palacio de Versalles. Costó 4.200 libras.
Salón de la Paz en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos al extremo exterior del Palacio donde se encuentra la última de las estancias: Salón de la Paz. Diseñado para formar un conjunto coherente con el Salón de los Espejos y la Sala de Guerra (su contraparte del lado norte), el Salón de la Paz nació de la colaboración entre Jules Hardouin-Mansart y Charles Le Brun. Organizado entre 1681 y 1686, se caracteriza por su excelente decoración de mármoles policromados dispuestos en paneles en toda la altura de las paredes y enriquecidos con relieves tallados en plomo dorado y bronce, coronados por un techo pintado por Brown. Destinada a celebrar la paz, esta decoración concluye la iconografía desarrollada en el Salón de los Espejos, que celebra las acciones civiles y militares del Rey Sol.
Habitación de la Reina en el Palacio de Versalles (Francia)
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Pasamos a las estancias de la Reina del Palacio: la habitación principal era el lugar donde la reina estaba más a menudo. Allí dormía,
algunas veces
acompañada por el rey. Por la mañana, recibió durante y después de su baño, que fue un momento en la corte tan regulada por la etiqueta. Fue aquí donde tuvieron lugar las entregas públicas: allí nacieron diecinueve infantes de Francia. La decoración conserva el recuerdo de las tres reinas que ocuparon la habitación: la compartimentación del techo se remonta a la Reina Marie-Teresa, pero las pinturas en grisallas de Boucher fueron hechas para Marie Leszczinska, así como la carpintería. Todos estos elementos se conservaron en la época de María Antonieta, para la cual solo se entregaron los muebles y la chimenea.
Habitación de la Reina en el Palacio de Versalles (Francia)
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Durante la invasión del castillo por los alborotadores el 6 de octubre de 1789, María Antonieta logró escapar por la pequeña puerta a la izquierda de la alcoba que se abría en un pasillo que daba acceso a los gabinetes privados de la Reina, una docena de pequeñas habitaciones reservadas a su vida privada y a su servicio. Durante la Revolución, el
palacio
no fue saqueado, pero sus muebles se dispersaron durante las subastas que duraron todo un año. Se pueden encontrar algunos, como el broche de joyería Schwerdfeger a la izquierda de la cama o la pantalla de la chimenea; otros han sido reemplazados por monedas equivalentes: este es el caso de los asientos entregados en parte para la condesa de Provenza, cuñada de la reina, y en parte para la visita del rey sueco Gustav III. En cuanto a las telas de la cama y las paredes, se volvieron a tejer en Lyon según las tarjetas originales conservadas. La cama y la barandilla han sido remodeladas de acuerdo con documentos antiguos.
Salón de los Nobles en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente estancia de la zona de la reina es el Salón de los Nobles, Antesala bajo la reina Marie-Therese, es en esta sala donde Marie Leszczinska otorgó a solemnes audiencias, sentada bajo un dosel. También sostuvo su círculo, como se llamaba esta vez, la conversación se resolvió con las damas de la Corte. María Antonieta rehizo la decoración por completo, conservando solo las pinturas del techo, y para ella, las paredes de damasco verde manzana bordeadas con una gran trenza dorada estaban estiradas. Se entregaron muebles nuevos, extremadamente modernos y refinados. De hecho, por los majestuosos aparadores y rincones de esta pieza, Riesener, el ebanista favorito de la reina, se sacrificó a la última moda inglesa, abandonando sus habituales incrustaciones florales por grandes platos de caoba, mientras que los bronces y los estantes de mármol azul turquesa de este majestuoso conjunto coincidían con los de la chimenea, que también era nueva.
Antecámara del Gran Couvert en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente estancia de la Reina es la la Antecámara del Gran Couvert. Fue en esta habitación donde se llevaron a cabo las comidas públicas, cuyo suntuoso ritual atrajo a muchas personas. Solo los miembros de la familia real podían tomar su lugar en la mesa y ante ellos, las duquesas, princesas o titulares de grandes oficinas que tenían el privilegio del taburete, luego, de pie, las otras damas y personas que, por su rango o con el permiso de los agentes judiciales, podían acceder. Luis XIV: se obligó a esta representación casi todas las noches; Luis XV a menudo prefería cenas íntimas; En cuanto a Luis XVI y María Antonieta, un testimonio del tiempo nos dice que la Reina se colocaba a la izquierda del Rey y le daban la espalda a la chimenea. [...] El Rey comió con buen apetito, pero la Reina no se quitó los guantes y no desplegó su servilleta, en la que estaba muy enojada. Contra este aburrimiento, María Antonieta pidió que siempre hubiera música en el Grand Couvert y para este fin, se instaló una plataforma para los músicos en la sala.
Sala de Guardia en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente estancia de la Reina es la Sala de Guardia. Corrresponde con la entrada de la escalera de la Reina , también conocida como la “Escalera de Mármol”, se ingresó al Gran Apartamento de la Reina a través del Salón de la Guardia , donde, día y noche, doce guardaespaldas estaban sirviendo al Soberano. En Versalles, solo el rey, la reina y el delfín podían tener una guardia personal compuesta por soldados pertenecientes a estas unidades de élite, que eran las cuatro compañías de los Guardias del cuerpo del Rey. El siguiente gran salón, ahora llamado “Sala Sacra”, se vio afectado por ellos. Sirvió como una caseta de vigilancia.
La sala de guardia de la reina es la única parte de la fila cuya decoración del siglo XVII se ha conservado: la reina no tuvo la oportunidad de ser fiel a ella, nunca parecía necesario modernizar. Es por eso que todavía vemos los paneles de mármol característicos del primer estado de los Grandes Apartamentos y pinturas, colocados allí en 1680, que provienen del antiguo salón Júpiter, que luego se convirtió en una Sala de Guerra.
Sala Sacra en el Palacio de Versalles (Francia)
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La siguiente estancia es la más importante es la Sala Sacra o también llamada Sala de Coronación. Este gran espacio que precede a los apartamentos de los soberanos se convirtió en 1833 en una sala dedicada a la gloria de Napoleón Bonaparte, primer cónsul, luego emperador de los franceses. Se planeó instalar las pinturas más grandes de su reinado, que no podían encontrar un lugar en otro lugar del castillo: las dos enormes pinturas encargadas al pintor Jacques-Louis David para conmemorar las ceremonias de la adhesión de Napoleón como emperador de los franceses: El Rito de Napoleón, 02 de diciembre 1804 y Juramento del ejército hecho al emperador después de la distribución de las Águilas 5 de diciembre de 1,804. La decoración que sirve de telón de fondo a estas obras se debe a los talentos combinados del arquitecto del palacio, Frédéric Nepveu, el escultor Jean-Baptiste Plantar (trofeos en la carpintería) y el estudio del pintor Jean Alaux (bóveda del techo).
A las dos obras de David se agregó la enorme Batalla de Aboukir el 25 de julio de 1799 de Gros, comandada por Joachim Murat, cuñado del emperador, cuando era rey de Nápoles. Conmemora uno de los cargos de caballería más memorables de su juventud, durante la campaña egipcia.
Coronación de Napoleón en la Sala Sacra en el Palacio de Versalles (Francia)
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El programa napoleónico de la sala se completó con otras obras: en el techo, una alegoría del siglo XVIII de Callet, también llamada Francia salvada, que simboliza la toma del poder por Napoleón Bonaparte; Sobre la puerta, cuatro alegorías de François Gérard.
Finalmente encontramos, entre las ventanas, cuatro retratos: el general Bonaparte en Italia, de Rouillard; Napoleón 1º, emperador de los franceses, de Dufay, dijo Casanova (una pintura antigua, adaptada aquí); y las dos emperatriz Josephine y Marie-Louise, de Dedreux-Dorcy.
En el centro de la sala estaba la Columna de la Campaña alemana, también conocida como la “Columna de Austerlitz”, encargada por Napoleón en la fábrica de Sèvres para conmemorar sus primeras victorias imperiales. Terminada en 1807 y ubicado al año siguiente en los grandes apartamentos del Palacio de las Tullerías, es una de las grandes obras maestras de producción de porcelana de Sèvres bajo el Imperio, producido en colaboración por Brongniart (dibujo), Bergeret (pintura) y Thomire, Duterme y Cie (montura de bronce).
Ciudad de Versalles (Francia)
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La hora
de visita
se nos echa encima poco antes de las 18,00 horas nos comunican por megafonía del palacio que es la hora de cierre y debemos de abandonarlo, lo tienen diseñado para que obligatoriamente tienes que bajar y salir.
Ciudad de Versalles (Francia)
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Llegamos a la gran explanada del Palacio de Versalles, se trata de la plaza de armas con un sabor agridulce porque este año no hemos tenido tiempo suficiente a ver todo el conjunto de Versalles, quizás hemos ido más despacio. Por otra parte la ciudad tiene mucho más que ofrecer pero debido al cansancio y lo apretado del día no tenemos tiempo de descubrir.
Es la típica ciudad con una enorme monumento que ensombrece todo lo demás, y tenemos que pensar que en el entorno del Palacio de Versalles toda una corte real se fue edificando sus mejores palacios e iglesias y que convierte a la ciudad en un magnifico conjunto monumental.
Marchamos andando por la avenida de París, caminando unos 1500 metros hasta donde tenemos aparcada la autocaravana. Cuando llegamos dudamos de quedarnos en Versalles o seguir hasta el parking en París para que mañana tengamos la visita más cerca, optamos por lo segundo.
En una hora llegamos al parking de autocaravanas en París, os recuerdo que ya dormimos la noche del día 12 de agosto, está en la zona de Vincennes, exactamente se encuentra situado en la avenue du Polygone, es gratuito y no tiene ninguna limitación, es una zona muy sombría, pero pasan habitualmente gendarmes a caballo que tienen cerca su Centro de Equitación, lo que hace ser más segura. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 48.8377173 E 2.431694.
Día 15 de agosto (viernes)
Ruta:
París
Museo de Picasso de París (Francia)
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El día comienza sin habernos recuperado de la paliza de Versalles, en la agenda de hoy tenemos la visita al Museo del Louvre, consideramos que hacerlo es una barbaridad por las colas tan tremendas que hay que hacer para la entrada y las dimensiones que tiene tan inabarcables en una jornada.
Para compensar decidimos cambiar la visita por al museo Nacional Picasso de Francia, que siempre se nos queda en el tintero en anteriores visitas.
Quizás el interés sobre este museo es porque hay cierta controversia entre España y Francia. Hay que trasladarse a finales de los años 70 y principios de los años 80 cuando España era joven democracia y Francia era nuestro mayor obstáculo para la entrada en la Comunidad Europea , años virulentos del terrorismo y comienzos de Felipe González.
Había informaciones de que Jacqueline la viuda de Picasso es que quería enviar a España 61 de las mejores obras de arte del artista para una exposición en Madrid y que después quedarían donadas al Estado español.
Museo de Picasso de París (Francia)
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Todo esto se convirtió en un secreto de estado y las negociaciones nunca han salido a la luz. Pero la realidad es que la obra de Picasso se quedó en Francia porque la viuda se murió de un tiro, según parece se suicido. Los 61 cuadros después de la exposición regresaron a Francia sin oposición de España, el testamento de la viuda de Picasso nunca apareció y España nunca reclamo los cuadros.
En la actualidad los herederos de Picasso pagaron los derechos hereditarios con las obras que constituyen los fondos principales del museo que vamos a visitar. Qué saco España? nunca se ha publicado pero se puede imaginar. Además, Francia donó dos cuadros a España que se exponen en Madrid y Barcelona.
La colección personal de Picasso era tan importante que llevó a dos estados a entenderse. Quizás Felipe González fue más inteligente porque nosotros tenemos la oportunidad de ver los cuadros con un simple viaje a París, de lo contrario España no habría llegado donde esta ahora. Y todo gracias a Pablo Picasso.
Museo de Picasso de París (Francia)
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El museo es fascinante y representa una pequeña parte de la obra, pero pasa de puntillas por toda la vida del artista y eres capaz de comprender quien era el genio del siglo XX.
Dicen que no era un loco era una persona que desde sus comienzos sabia la trascendencia de su obra, la catalogada, la filmaba en película de cine, sabia a quien vendía cada cuadro y el precio.
Aunque todo el mundo piensa que era un artista con estilo propio, era todo lo contrario, estudiaba la obra de un pintor compraba un cuadro y sobre ese cuadro desarrollaba toda una idea que podía dar de si más de 100 lienzos.
A Picasso la crítica de arte le trato muy bien y le permitía vivir una vida de príncipe, no le faltaban los encargos millonarios y sus finanzas eran muy boyantes.
Murió a los 90 años con la pintura entre los dedos y dejo una de las obras mas abundantes de un artista.
Museo de Picasso de París (Francia)
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Vamos andando hasta el metro y en lugar de ir a la última estación de la línea nº 1 en Vincennes, lo hacemos a la estación anterior Berault. Sacamos un taco de 10 billetes de metro, precio 14,90 euros. Para llegar al Museo de Picasso la parada del metro más cercana es en Saint-Paul, son simplemente 7 estaciones sin trasbordos.
Metro Saint Paul de París (Francia)
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Nos bajamos en Saint-Paul (GPS N48.8552399 E 2.3600709) esta parte de París no la conocíamos, ¡vamos a descubrirla!. Es una zona de clase media-alta donde predominan los pequeños comercios, muchos de ellos dedicados a la moda. Podemos ver la tienda de Bimba y Lola en París, situada en el 17 Rue Pavée.
Pasamos delante de Jardín de Lazare Rachline (GPS N 48.8581361 E 2.362402), es ese tipo de pequeños puntos verdes que se sitúan entre las manzanas de casas que son tan fotogénicas y aparecen en muchas escenas del cine francés.
El jardín abre solamente desde las 10,00 a las 17,00 horas, tiene un diseño de estilo francés construido entre las elegantes paredes del Hotel Donon. Mederic de Donon, controlador general de los edificios del Rey, estaba familiarizado con Catherine de Medici y el yerno del escultor Girolamo della Robbia. En 1575, adquirió varias parcelas para construir su casa. Durante los siglos XIX y XX, el Hotel Donon se utilizó con fines comerciales. La ciudad de París lo adquirió en 1974. Desde 1990, alberga la colección de obras de arte del siglo XVIII reunidas por Ernest Cognacq, fundador de las tiendas samaritanas y su esposa. La estructura se realiza con
plantas de boj está decorado con plantes de temporada que aportan un toque de color. Las rosas trepadoras y los setos de tejo ocultan los altos muros.
Mujer desnuda de Aristide Maillol en París (Francia)
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El nombre de este jardín rinde homenaje a Lazare Rachline (1905-1968), resistente, industrial, periodista y cofundador, con Bernard Lecache, Licra (Liga Internacional contra el Racismo y el Antisemitismo).
En el centro se puede ver la escultura de una mujer desnuda que sostiene una bufanda a la espalda. Esta obra se debe al famoso escultor Aristide Maillol.
Por fin llegamos hasta una estrecha calle que alberga el Palacio del Museo Picasso, situado 5 Rue de Thorigny, horario 10,30 a 18,00 horas. (GPS N 48.8595469 E 2.3625237). Precio 2 adultos con audio guía 43€, menores de 25 años gratuita.
Con la entrada tenemos la suerte de ver la Exposición temporal de Picasso-Calder. Entre las 107 obras que integran la muestra, expuestas en salas diáfanas en torno a conceptos como Capturar el vacío, Dibujar en el espacio, En suspensión, La gravedad y la gracia o Cortar y plegar, pueden verse trabajos sorprendentemente similares como Cercles et signes I, una tinta de 1930 de Picasso, y la escultura Wooden Bottle with Hairs (1943), de Calder.
Museo de Picasso de París (Francia)
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La exposición es un diálogo de dos grandes artistas que tienen muchos puntos en común: ambos nacieron a finales del siglo XIX, sus padres eran también artistas y los dos, aunque de formas distintas, renovaron el arte y contribuyeron a la modernidad en el XX.
Los dos artistas se vieron solamente cuatro veces en su vida, la primera vez que coincidieron en 1931 cuando el artista estadounidense presentó su primera exposición de esculturas en la Galerie Percier de París. El pintor malagueño pasó por la galería antes de la inauguración para contemplar la obra de alguien de quien había escuchado hablar con tono de alabanza.
La segunda vez fue en 1937, cuando no solo ellos, sino también su obra, coincidieron en la construcción del Pabellón de España de la Exposición Internacional de París. Allí Calder conoce a Josep Lluís Sert, uno de los dos arquitectos del pabellón, quien poco después le encarga la ejecución de «Mercury Fountain» para exponerla delante del «Guernica» de Picasso. «Cuando vi lo que iba a exponerse en este Pabellón, que incluía el Guernica de Picasso, de inmediato ofrecí mis servicios para hacer una cosa u otra. Sert estaba en contra de eso, pues obviamente yo no era español, pero más tarde, cuando recibió una fuente provista de mercurio de Almadén, que parecía una simple fuente de agua potable, me llamó para que le aclarase el dilema», afirmó Calder.
Exposición Calder-Picasso Museo de Picasso de París (Francia)
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La Fuente de Mercurio de Calder se exhibió en el Pabellón Republicano Español para la Feria Mundial de 1937 en París, y se situó frente a la famosa pintura Guernica de Pablo Picasso. Al igual que Guernica, la escultura de Calder debe entenderse en el contexto de la Guerra Civil española y tenía la intención de tener un significado político. En ese momento, Almadén estaba controlado por las fuerzas republicanas y bajo un asedio prolongado por las tropas fascistas del general Franco.
La belleza inherente del metal líquido se entendía bien, pero su toxicidad no. Hoy, la fuente reside en la Fundación Joan Miro en Barcelona, España, y continúa bombeando mercurio puro, aunque ahora lo hace detrás de un panel de vidrio para proteger a los espectadores de tocar o respirar los vapores producidos por esta obra de arte tóxica.
El tercer encuentro fue de Nueva York en 1952, cuando ambos se ven en una comida con amigos comunes mientras mantiene exposiciones en aquella ciudad.
Exposición Calder-Picasso Museo de Picasso de París (Francia)
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Un año después se verían por última vez en un taller de cerámicas en Francia, donde Calder paró y había varias obras de Picasso, el pintor malagueño fue avisado de que estaba el americano y acudió a su encuentro. «Fue muy cordial, nos invitó a pasar al taller y nos mostró las cosas. Al final nos enseñó un plato con una corrida de toros en el centro y el borde decorado con cordoncillo en relieve. Dije: “esto es para que la carne no se salga”. No me di cuenta, pero un amigo que estaba detrás de mí me dijo después que se ruborizó. No he vuelto a verlo desde entonces», aseguró Calder tras aquella ocasión.
El actual museo Picasso se encuentra situado en el edificio que constituía el antiguo Palacio Salé fue construido entre los años 1656 y 1659 por Jean Boullier de Bourges, encargado por el conde Pierre Aubert de Fontenay y su esposa Marie Chastelain que eran propietarios de un terreno de 3700 m². El hotel conserva el sobrenombre de “salé”, en razón del impuesto sobre la sal que percibía el conde.
Palacio de Salé actual de Picasso de París (Francia)
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El Palacio Salé pasó a ser el Museo Picasso siendo acondicionado por el proyecto encargado al arquitecto Rolando Simounet, fue inaugurado el 28 de septiembre de 1985. Alberga
en su interior
una de las colecciones más ricas del mundo de las obras de Picasso que cubre todos los períodos.
Las obras
expuestas
de Picasso fueron seleccionadas en 1979 entre las de propiedad de los herederos de la familia Picasso como
forma
de pago del impuesto de sucesión al Estado francés y según una ley de 1968 que permitía pagar este impuesto en obras de arte en lugar de dinero (bajo la forma de dation o dación). A la muerte de su viuda Jacqueline Picasso en 1990 se produjo otra nueva dación. Con el tiempo, la colección se ha ido incrementando también con adquisiciones y donaciones.
Debido a unas largas obras de reforma ya en marcha en 2008-09, este museo cedió amplios grupos de obras para su exposición temporal en centros extranjeros, como el Museo Reina Sofía de Madrid. De este modo, se captaban fondos para el museo, se difundía su fama y se evitaba que obras tan importantes permanecieran almacenadas sin ser expuestas durante años.
Palacio de Salé actual de Picasso de París (Francia)
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En junio de 2009, y coincidiendo con una apertura parcial del museo, se produjo el robo de un cuaderno de bocetos de Picasso, valorado en 9 millones de euros.
El museo ya reformado se reabrió en octubre de 2014, con la presencia del presidente François Hollande. Se ponía así, fin a una serie de polémicas por sobrecostes de retrasos en las obras así como por un cambio en la dirección del museo que fue cuestionado por familiares de Picasso.
“En Perspectiva”, obra del pintor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La primera de las obras que vemos es “En Perspectiva”, obra del pintor Alexander Calder (1898-1976), realizado en tinta sobre papel, está datado en 1931.
Calder fue un artista prolífico que exploró en una variedad de medios muchos de ellos en múltiples dimensiones.
Más allá de los tres en los que vivimos. También pinto dibujos estáticos para demostrar una propuesta de dinamismo teatral para una representación cuántica. La clave de estos esbozos didácticos es la reducción del dibujo a líneas gestuales en el espacio cuyo fin es definir la acción.
“Desnudo Reclinado”, obra del pintor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La primera de las obras de la exposición temporal “Desnudo Reclinado”, obra del pintor Pablo Picasso 1881-1973, realizado en óleo sobre lienzo, está datado 4 de abril de 1932.
La obra corresponde con la época de estilo erótico y curvilíneo de Desnudo reclinado es emblemático del trabajo de Picasso durante su romance con Marie-Thérèse Walter, que duró de 1927 a 1935. Aquí Marie está durmiendo, lo que Picasso describió como la forma más íntima de representar a su amante. Picasso crea luz con capas de pintura blanca mate aplicada al cuerpo de Marie. La naturaleza sensual de la obra se ejemplifica a través del uso de formas orgánicas por parte del pintor.
“Esférica I”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Esférica I”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en metal, latón y pintura, está datado en 1931.
El período entre las dos guerras estuvo marcado en el campo de la astronomía por importantes avances cuyas repercusiones se reflejaron en la creación artística de la época. Por lo tanto, Calder, también fue influenciado por sus primeras obras móviles abstractas por las imágenes cósmicas.
“Cabeza de Hombre”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La
siguiente
de las obras de la exposición temporal “Cabeza de Hombre”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en hierro, latón y bronce, está datado en 1930. Tiene unas medidas de 53.7 × 71.6 cm.
Entre 1928 y 1931, Pablo Picasso y Julio González tuvieron un intenso intercambio artístico, en la que el escultor catalán aportó su dominio de la técnica del hierro y el andaluz sus ideas renovadoras.
De esta relación, Picasso extrae la habilidad de tratar el hierro y utilizarlo para dibujar en el aire. La obra de González, por su parte, se hace más abstracta, aunque sin perder su vínculo con la figuración, adquiriendo de este modo una mayor expresión y fuerza que habrán de ser determinantes para la evolución de la escultura contemporánea.
“Sin Titulo”, obra del pintor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La primera de las obras que vemos es “Sin Titulo”, obra del pintor Alexander Calder (1898-1976), realizado en tinta sobre papel, está datado en 1932.
Alexander Calder lleva la pintura a descubrir el formato tridimensional y le otorga un movimiento azaroso. Desde sus primeras experiencias con móviles el conflicto está presente con la incertidumbre que provoca su activación y la expectativa por la anticipación. El espectador espera el sonido, el choque, y no sabe cuándo llegará. De este modo, el tiempo forma parte fundamental de una obra que se modifica a lo largo del
ciclo.
“Mujer desnuda tumbada al sol en la playa”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Mujer desnuda tumbada al sol en la playa”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado el 26 de marzo de 1932.
El sexo es un tema recurrente y “motor” de toda la creación´n del artista español, marcada durante el año de 1932, abarcando su producción en esos 365 días, que fue de más de 300 obras, de la cual se logró reunir
más´s de 150, lo que es sintómatíco de lo prolífico que fue ese año para Picasso en su pintura, pero sobre todo en el tema del erotismo.
“Joséphine Baker IV”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Joséphine Baker IV”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado alambre de acero, está datado en 1928. Tiene unas medidas 100 x 84 x 21 cm.
Joséphine Baker, nacida en Estados Unidos, fue una bailarina, cantante, primera vedette y actriz estadounidense, nacionalizada francesa.
Baker se convirtió en un icono musical y político internacional. Se le dio apodos tales como la “Venus de bronce”, la “Perla negra” y la “Diosa criolla”.
“Figura (Proyecto para el monumento a Guillaume Apollinaire)”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Figura (Proyecto para el monumento a Guillaume Apollinaire)”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en hierro, está datado en 1928. Tiene unas medidas de 37,5 x 10 x 19,6 cm.
En 1927, la Société des Amis d'Apollinaire le pide a Picasso que cree un monumento funerario con ocasión del décimo aniversario de la muerte del poeta. Picasso dibuja diferentes proyectos. Su amigo y escultor Julio González los ejecuta con alambre de hierro. Inspirándose en la obra de Apollinaire, se refiere a un fragmento de Le Poète assassiné, de 1916, un texto en prosa que recoge la vida y la trágica muerte del poeta.
“El lanzador de peso”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “El lanzador de peso”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado alambre de acero, está datado en 1929.
La figura representa la silueta de un atleta hecho de alambre. El brazo derecho se estira hacia adelante, mientras que el brazo izquierdo se empuja hacia atrás, el atleta ha apoyado su pierna derecha, la izquierda parece suspendida. Tiene la cintura delgada, torso sólido, piernas fuertes, el atleta está a punto de tirar su peso.
“Figura”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Figura”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo
sobre madera contrachapada, está datado en 1927.
Las pinturas de Picasso del período neocubista de finales de la década de 1920 se caracterizaron por un cambio al plano. El artista creó imágenes de ensueño y figuras distorsionadas que se ven claramente en su pintura.
“Acróbatas”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Acróbatas”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado alambre de acero, está datado en 1929.
La escultura de Calder avanza mientras retuerce el alambre y monta su propio espectáculo. Sus esculturas cinéticas siguen representando funciones nunca vistas al cabo de tantas décadas de artistas que tratan de representar la escultura desde nuevos ángulos.
“Acróbata”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Acróbata”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1930.
Picasso trabajo sobre el movimiento cubista en la figura en movimiento de los acróbatas, esta es una de las numerosas variaciones que el artista hizo, con más o menos acierto, sobre el tema,
creando la obra llega a
una contorsión tan forzada pero a la vez tan natural y dinámica.
“Sin nombre”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Sin nombre”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en chapa de metal, alambre y pintura, está datado en 1956.
Calder empezó con esculturas relativamente pequeñas, pero con el paso de los años estas fueron creciendo hasta llegar a esculturas monumentales, que acabaron en las calles y plazas de las principales ciudades del mundo. Sus móviles de complejas estructuras de formas orgánicas abstractas, por lo general suspendidas en el aire, que se balancean de forma suave y armónica. El movimiento rotatorio, casi imperceptible, consigue que las piezas de esas esculturas vayan cambiando de forma, haciendo infinitas esculturas de una sola.
“Pareja”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Pareja”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre madera contrachapada, está datado el 25-06-1971.
Estamos ante el último periodo de Picasso, en esta obra muestra a un hombre y una mujer enfrentados ante unos atributos sexuales gigantes que demuestran un carácter obsesivo en su obra.
Lleva
a explorar el periodo azul con el que tanto éxito tuvo a comienzos del siglo.
“Seven Black, Red and Blue”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Seven Black, Red and Blue”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1956. Tiene unas medidas de 122,2 x 153 cm.
Caldier traslada su búsqueda del movimiento de la escultura a la pintura, en el óleo pueden verse varias formas sumergidas en un fondo amarillo que se degrada a rojo. La disposición de las formas en sí mismas sugiere que el artista quería dar movimiento a todo su trabajo.
“Estudio de la Californie”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Estudio de la Californie”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1955. Tiene unas medidas de 114 x 146 cm.
En 1955 Picasso compró La Californie , una decadente villa de la Belle Époque sobre la bahía de Cannes, donde se instaló junto a Jacqueline, su gran musa. Esta casa fue pintada por Picasso una y otra vez a modo de reflexión sobre la pintura en general y se convirtió en su gran taller.
“Mi estudio”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Mi estudio”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1955. Tiene unas medidas de 122,2 x 153 cm.
La obra describe el lugar de trabajo la casa y el estudio de Roxbury (Connecticut) se construyeron en 1933 y se mantiene tal cual él lo dejó. Están como si no hubiera pasado el tiempo. Sus objetos guardados en cajones, su cocina, con botes etiquetados con su propia letra.
“Homenaje a Guernica de Picasso”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Homenaje a Guernica de Picasso”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en alambre de hierro y cinta de terciopelo, está datado en 1947. Tiene unas medidas de 40,5 x 35 cm.
A la llamada de la República
española, un artista como Pablo Ruiz Picasso realizó el cuadro del Guernica, una obra maestra de denuncia en la que se representaban los efectos del bombardeo de esa localidad por los aviones alemanes el 26 de abril anterior; Joan Miró elaboró in situ su obra El segador, que concluyó poco antes de la inauguración del pabellón, y Julio González esculpió su campesina Montserrat, ejemplo de las aguerridas y fuertes mujeres que sufrían la guerra. Por su parte, el norteamericano Alexander Calder no dudó en apoyar a sus amigos españoles creando su original Fuente de Mercurio como propaganda de este material extraído en Almadén (Ciudad Real), que convertían a España en el principal proveedor.
“Mujeres delante del mar”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Mujeres delante del mar”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en lápiz sobre papel, está datado en 1920.
Picasso hizo muchos dibujos donde los trazos de una sola línea de Picasso demuestran su gran maestría como artista, pues con un solo recorrido de su lápiz les da forma y vida a personas, animales y objetos. Además, en ellos no existe un segundo trazo, no hay vuelta atrás ni posibilidad de hacer trampa. La primera línea es la definitiva porque es al mismo tiempo la última.
“Desnudo de pie”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Desnudo de pie”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en lápiz de color sobre papel, está datado el 28 de junio de 1946.
El dibujo en color esta realizado de un solo trazo trata de representar a una mujer de pie utilizando formas geométricas mediante la sucesión de distintos tipos de triángulos hasta componer el cuerpo, y por su puesto, emplea el círculo para sus pechos.
“Formas imparciales”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Formas imparciales”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1940. Tiene unas medidas de 48 x 60 cm.
Es un cuadro donde Calder hace un estudio del arte abstracto emplea formas y perspectivas que no son una copia de la realidad, pero si se rigen por las reglas de lo aparentemente lógico, sino que se proponen obras mucho más libres e innovadoras, cuya interpretación queda a cargo del espectador.
“Vanidad”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Vanidad”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado el 27 de diciembre de 1946.
El cuadro representa un cráneo distorsionado que parece un cubo doble. Es parte de la tradición de las vanidades. Representa el período oscuro de Picasso inmediatamente después de la guerra.
“Casco con dos ojos”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Casco con dos ojos”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1946.
Es un ejemplo del arte abstracto se distingue por trascender la representación de la apariencia externa de las cosas, y por plantear búsquedas plásticas que apuntan más bien hacia los aspectos formales, cromáticos y estructurales.
“Los Toros”, obras del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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Hay una serie de las obras de la exposición temporal “Los Toros”, obras del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en pluma sobre papel, está datado entre diciembre de 1945 y enero de 1946.
Los cuadros fue una serie dedicada a la figura del toro. La operación duró quince días. El 5 de diciembre de 1945, un mes después de su llegada a la rue de Chabrol, Picasso dibujó un toro, era un toro hermoso, muy bien hecho, incluso bonito.
Una semana después, regresa y hace un nuevo toro; El tercer estado, el toro se reanuda raspado plano, luego le aplica los volúmenes, el toro se convirtió en un animal terrible con cuernos y ojos espantosos. Picasso ejecuta un cuarto estado el 22 de diciembre y un quinto el 24; cada vez simplifica el dibujo que se vuelve más y más geométrico con áreas negras.
Sexto y séptimo estados, 26 y 28 de diciembre, luego, después del regreso de Picasso, se toma el proyecto los días 5, 10 y 17 de enero. El toro se reduce a su expresión más simple; Algunos rasgos de dominio excepcional que simbolizan como un juego de signos este toro desafortunado con su pequeña cabeza de alfiler y sus cuernos ridículos en forma de antena. Los espectadores lamentaron haber visto un toro tan magnífico convertido en una especie de hormiga.
La conclusión es que: “Picasso, terminó donde normalmente debería haber comenzado”. Así es, solo para llegar a su toro de una sola línea, tuvo que pasar por todos los toros anteriores. Y cuando ves su undécimo toro no puedes imaginar el trabajo que le había dado.
“Scarlet digital”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Scarlet digital”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en alambre, varilla, hierro y pintura, está datado en 1945.
Calder es un artista revolucionario en el que la ingenuidad es siempre sabiduría y en el que el azar se convierte en un nuevo orden que sigue y reproduce las leyes de transformación de la naturaleza, el perpetuador de inesperadas formas de equilibrio que conquistan para la escultura los derechos de la danza.
“Vaso con flor”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Vaso con flor”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en bronce, está datado en 1951.
Las esculturas de Picasso han sido consideradas durante mucho tiempo como el lado desconocido de la práctica de Picasso: una generalización basada en su relativa falta de visibilidad en comparación con las pinturas, y la decisión de Picasso de conservar la mayoría de ellas en su propia colección.
“Danza”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Danza”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en bronce, está datado en 1944.
Calder no desarrolla su arte en la escultura
estática como sus móviles o estacas, los bronces de Calder están llenos de su espíritu incontenible y su talento para la destilación insufrible. El antiguo medio le permitió profundizar en la historia del arte; mantener el ritmo y tomar prestado de otros hilos más tradicionales de la escultura modernista y usar sus manos y su sorprendente sentido táctil de una manera diferente.
“Mujer en cinta”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Mujer en cinta”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en bronce, está datado en 1945.
Este trabajo de Picasso sobre la mujer embarazada se encuentra dentro de su cabeza y sobre ello desarrollo varios proyectos, este quizás es el más primitivo.
En el transcurso de su larga carrera, Picasso se dedicó a la escultura de todo corazón, aunque esporádicamente, utilizando materiales y técnicas tradicionales y no convencionales. A diferencia de la pintura, en la que se formó académicamente y gracias a la cual se ganaba la vida, la escultura ocupó un lugar excepcionalmente personal y experimental en la obra del escultor.
“Niña saltando a la cuerda en Vallauris”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras de la exposición temporal “Niña saltando a la cuerda en Vallauris”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en materiales reciclados: yeso, mimbre, madera, hierro, cerámica, está datado en 1945.
En esta escultura con una superficie rugosa y una apariencia extraña, podemos adivinar formas familiares, pertenecientes al mundo industrializado. Esta escultura, de hecho, fue compuesta por un conjunto de objetos dispares recuperados todos los días por Picasso en un basurero. Se utilizó una canasta de mimbre para representar el vientre, moldea un platillo forma la cabeza, con un trozo de cartón es el tocado, un molde es una flor y un tubo de hierro curvado constituye el marco de la cuerda que sostiene a la niña en el aire.
“Relampago”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo Picasso de París (Francia)
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La siguiente de las obras que vemos es “Relampago”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en pintura sobre tela, está datado en 1963.
Calder es un miembro destacado de las vanguardias artísticas, en esta obra traslada todos sus estudios que aplica sobre las esculturas en movimiento, dejando una imagen que paraliza el tiempo.
“Cabeza de mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición temporal “Cabeza de mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en chapa doblada y policromada, está datado en 1962.
Picasso se acercó a la escultura con la libertad de un artista autodidacta, listo para romper todas las reglas. Esta actitud le hizo desarrollar un profundo aprecio por sus piezas tridimensionales como esta una simple chapa doblada y luego pintada para indagar en la figura femenina.
“Elefante rosa con gente rosa”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras que vemos es “Elefante rosa con gente rosa”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en tinta y guache sobre papel, está datado en 1961.
Calder se aleja del pensamiento lógico o racional creando un mundo que es difícil de entender, donde se mezclan animales y personas. Es por ello por lo que el pintor habla de cambios, entre otras cosas, su objetivo principal es olvidarse de la realidad.
“Mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición temporal “Mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en tela troquelada y plisada, está datado en 1961.
El arte de Picasso es sensual, erótico y transgresor. Las mujeres siempre sufren la fascinación del artista que la representa toda la parte más intima entre el mundo y el artista.
“Maqueta La Grande Vitesse”, obra del pintor y escultor Alexander Calder en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras que vemos es “Maqueta La Grande Vitesse”, obra del pintor y escultor Alexander Calder (1898-1976), realizado en chapa, pernos y pintura, está datado en 1969.
El diseño de Calder para La Grande Vitesse fue consistente con otras esculturas monumentales que se le encargó crear durante este período de su carrera. Denominó estas obras estables en contraste con sus móviles. La escultura era para un lugar de reunión popular para residentes.
“Mujer con almohada”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición temporal “Mujer con almohada”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1969. Tiene unas medidas de 194 x 130 cm.
Nos enfrentan mujeres desnudas, sentadas en una actitud de invitación sexual. De formato idéntico, y pintadas en negro, gris y blanco, estas dos pinturas se hicieron con casi dos años de diferencia, el verano, en Mougins, la última casa de Pablo Picasso, donde vive Jacqueline Roque, su segunda esposa.
La mujer con la almohada es más sabia. En tonos estrictos de blanco, gris y negro, adopta una pose clásica, y su pubis está modestamente cubierto con un paño. Si sus senos, ombligo y extremidades están en su lugar natural y en proporciones menos extrañas.
“Desnudo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición temporal “Desnudo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1967. Tiene unas medidas de 194 x 130 cm.
El desnudo reclinado de 1967 tiene el sexo ofrecido en el centro de la pintura. El negro de la hendidura y los rizos de los cabellos responden a la oscuridad de los ojos cerca del aire amotinado. Sus brazos, pies y senos que sobresalen oblicuamente a la parte superior de la pintura se agrandan en desproporciones casi cómicas y se subrayan con un rastro de un rosa malva. Es un cuerpo palpado, experimentado, fantaseado más que visto, que invita a explorar sus exuberantes relieves.
Museo Picasso de París (Francia)
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Aquí damos por finalizada la exposición temporal con obras enfrentadas entre Picasso-Calder. Pasamos a la exposición definitiva de Picasso con las obras tituladas Diurnos. Es un recorrido por pinturas y esculturas que exploran la cara diurna de Picasso que afirmaba “me gusta la luz por encima de todo”, era una confesión del artista a su amigo y poeta Guillaume Apollinaire, donde aparecen los bañistas, los paisajes mediterráneos o los faunos músicos de Picasso, que dialogan con las obras de Paul Cézanne o de Auguste Renoir están presentes dentro de su colección personal.
La figura de Picasso se expuso muchas veces a lo largo de su obra, en autorretratos o, de forma indirecta, como pintor o escultor en el taller, llevando las máscaras del minotauro y del fauno. La fotografía, el cine y la televisión, al difundir la imagen de Picasso, han distribuido en la construcción de su inmensa notoriedad y su leyenda.
“La pintura y el niño”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “La pintura y el niño”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado el 21 de octubre de 1969. Tiene unas medidas de 130 x 195 cm.
Picasso en esta obra rompe con el realismo académico, Picasso inspira en gran medida un gráfico infantil sus líneas rebeldes en cualquier acuerdo académico para desarrollar un nuevo lenguaje visual. Pero su investigación no es solo una cuestión de orden formal. La mirada que toma en el dibujo del niño se alimenta de un doble movimiento que, como hijo, lo lleva a su padre, el primer maestro del dibujo y la pintura, y, como padre, a sus propios niños para quienes realiza dibujos falsos de niños.
“Perfile femenino en mano cortada”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Perfile femenino en mano cortada”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en tinta china sobre papel, está datado el 6 de septiembre de 1930. Tiene unas medidas de 19,4 x 17,5 cm.
Es un curioso dibujo de Picasso parece estar hablando de un cartel publicitario de la famosa película de 007 James Bonn, quizás pensada unos años antes. En el refleja el perfil de una mujer dentro del mundo oscuro de la silueta de una mano.
“El peinado en el baño con la bañista”, obra del pintor Auguste Renoir en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “El peinado en el baño con la bañista”, obra del pintor Auguste Renoir (1841-1919), realizado en sangre y tiza blanca sobra papel montado en lienzo, está datado entre 1900-1901.
Renoir afirmaba: El desnudo me parece la forma esencial de arte. El pintor incluso concibió una verdadera obsesión, que también tradujo en palabras que se asemejan singularmente a su pintura, clásica y común, poética y trivial, mítica y ordinaria: la mujer desnuda surgirá de la ola amarga o de su cama, ella se llamará Venus o Nini, no inventaremos nada mejor.
“La Nadadora”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “La Nadadora”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en noviembre de 1930.
El tema de los bañistas fue copiado de su amigo Renoir, así como las escenas de playa en general, ejercieron siempre una gran fascinación sobre Pablo Picasso, que los representa en sus pinturas desde diferentes enfoques y bajo sucesivos estilos. Sin embargo, tanto por lo atípico de su iconografía como por sus dimensiones y su técnica, este cuadro constituye un caso particular dentro del universo picassiano.
“Los bañistas”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Los bañistas”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en Biarritz, en el verano de 1918. Tiene unas medidas de 27 x 22 cm.
Los bañistas son una de las obras más representativas de Picasso. Objeto de múltiples variaciones, desnudas, vestidas a la moda antigua o en bañador, evocando la edad de oro inmemorial o bien jugando en la playa.
“Mujeres en el baño”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Mujeres en el baño”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en Cannes, el 4 de enero de 1956. Tiene unas medidas de 195.5 x 130 cm.
Las tallas monocromáticas de este tipo de mujeres, conducidas a su radicalización final, recuerdan la arquitectura plana del cubismo, cuyas caras son particularmente características. La escala de las figuras, su pose y la deformación de las extremidades
inferiores
señalan una cita explícita de las formas monumentales y arcaicas de la década de 1920, donde el clasicismo y el cubismo ya estaban yuxtapuestos con virtuosismo. La composición de 1956 actualiza el motivo con una configuración contorneada de los cuerpos.
“Cinco Bañistas”, obra del pintor Paul Cézanne en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Cinco Bañistas”, obra del pintor Paul Cézanne (1839-1906), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1877-1878. Tiene unas medidas de 45,8 x 55.7 cm.
Cézanne pintó reiteradamente bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Así lo hizo a partir de la década de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los rodea.
“Dos mujeres corriendo en la playa”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Dos mujeres corriendo en la playa”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1922. Tiene unas medidas de 32,5 x 41,1 cm.
Esta pintura es una paradoja. Es un tamaño pequeño de unos pocos centímetros de lado, para una escena que es dinámica, poderosa e inquietante. Dos mujeres con cuerpos sueltos parecen volar hacia el cielo azul donde algunas nubes blancas se están deshilachando. Picasso pone en movimiento los cuerpos de inspiración clásica que desarrolló en formatos monumentales el verano anterior. El título anuncia una “carrera”, pero parece que bailan: la mujer en primer plano parece sostenerse sin esfuerzo en su medio punto izquierdo, el otro posa unos momentos como para salir en un gran lanzamiento. Su equilibrio está asegurado por su dinamismo.
“Mujer tumbada en la playa”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Mujer tumbada en la playa”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1929. Tiene unas medidas de 14,1 x 23,7 cm.
Picasso vino a pasar tres veranos a Dinard, durante este tiempo pintó cerca de 130 obras originales (25 pinturas, cien dibujos y una escultura) acompañadas de textos, fotografías y cartas. Además de algunas pinturas, no se trata de obras importantes, sino de estudios y cuadernos de bocetos raramente presentados, que muestran el trabajo de estudio y la inspiración del artista.
“Bañista”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Bañista abriendo una cabina”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1928. Tiene unas medidas de 33 x 22 cm.
El cuadro representa a un bañista que abre con su llave es el secreto de Picasso: en su vida hay un nuevo amor, Marie-Theres Walter, está oculto a todos y a todo, especialmente a Olga. En general, Picasso organizó este viaje y persuadió a Olga y al pequeño Paulo para que fueran a Dinard solo porque Marie-Terese fue enviada allí al campamento de verano. Alquila una cabaña en la playa y Marie-Therese tiene una llave.
“Lloviendo sobre Boisgeloup”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Lloviendo sobre Boisgeloup”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1932. Tiene unas medidas de 47,5 x 83 cm.
Picasso comenzó a participar en un nuevo movimiento filosófico y cultural llamado surrealismo. Como muchos de los otros escritores surrealistas, jugó con la idea de la metamorfosis.
“Paisaje en Juan-les-Pins”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Paisaje en Juan-les-Pins”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1920. Tiene unas medidas de 52 x 70 cm.
Se puede ver en el primer plano hay una casa con flores y árboles. En el fondo hay el sol, el agua, y otra casa. El pintor generalmente uso colores cálidos en la pintura,
aunque
hay algunos colores fríos. El tono de la pintura es vivo. El tema de la pintura corresponde con una casa cerca de la playa.
“Humo sobre Vallauris”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Humo sobre Vallauris”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1951. Tiene unas medidas de 59,5 x 73,5 cm.
El pintor español y su familia viven en la villa La Galloise , comprada en 1948, encaramada en las terrazas de las colinas del pueblo de alfareros. Pequeño edificio estrecho, ubicado lejos de Vallauris, obligó a Picasso, de 66 años, a vivir afuera, trabajando en el jardín, pero también en el taller de Madoura de sus amigos Suzanne y Georges Ramié.
“Paisaje
Mediterráneo, Cagnes”, obra del pintor Auguste Renoir en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Paisaje
Mediterráneo, Cagnes”, obra del pintor Auguste Renoir (1841-1919), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1905-1910. Tiene unas medidas de 17 x 18 cm.
Renoir se mudó a Cagnes con su familia en 1907. Aunque el viaje estuvo estrechamente relacionado con su salud en declive, reflejó más un cambio general en su arte hacia el clasicismo al contemplar el mar Mediterráneo, y más específicamente, las ideas asociadas con el renacimiento de la cultura de en la región de Provenza.
“Retrato de Dora Maar”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Retrato de Dora Maar”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1937. Tiene unas medidas de 55 x 45 cm.
Dora Maar está representada majestuosamente sentada en un sillón, sonriendo y apoyando la cabeza sobre una mano de dedos largos. La cara se muestra en una vista frontal y de perfil combinada, con un ojo rojo y un ojo verde mirando en diferentes direcciones.
“Retrato de Dora Maar”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Retrato de Dora Maar”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1937.
Una nueva mujer entró en la vida de Picasso en 1936, una joven fotógrafa yugoslava, Dora Maar, cuyo verdadero nombre era Dora Markovic. Era amiga del poeta Paul Eluard, frecuentaba círculos surrealistas y hablaba español.
“El hombre con sombrero de paja y helado”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “El hombre con sombrero de paja y helado”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1938. Tiene unas medidas de 61 x 46 cm.
Esta obra desprende una expresión fantástica. El fondo, que se ha oscurecido gradualmente en el transcurso de la secuencia, está vacío pero no neutral. Una versión anterior evoca una atmósfera quemada por los rayos del sol que la atraviesan. La estrella desapareció del marco unos días después: sigue siendo un negro denso, inusual en el trabajo de Picasso, del que emerge una criatura azul celeste con los lineamientos de la cara electrificada en la parte inferior de los ojos. El sombrero y la barba roja evocan una vez más los autorretratos de van Gogh. El objeto del deseo, el cucurucho, es tan inmaculado como la Cruz del Sur que apunta al pómulo del personaje, como un pedazo de cielo usado en la cara. Es porque la luz y el placer están poderosamente unidos en este cuerpo atravesado por el azul y engarzado como una ventana. El hombre con un sombrero de paja y un cono de helado es la expresión compleja de una felicidad simple y fugitiva.
“Busto de mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Busto de mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en bronce, está datado en 1931. Tiene unas medidas de 78 x 44,5 x 54 cm.
La nueva escultura modelada de Picasso en Boisgeloup muestra un sólido dominio estructural y el conocimiento de la estatuaria clásica como punto de partida para la deformación orgánica que lo llevó a una nueva renovación formal. El paso gradual hacia las abstracciones orgánicas y la definición de una configuración estructural propia, conocida como nariz-frente, quedaron definidas en la serie formada por distintos
elementos:
la obra es la cabeza y pechos de María Teresa Walter.
“Desnuda con ramo de iris y espejo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Desnuda con ramo de iris y espejo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en
óleo sobre lienzo, está datado en 1934. Tiene unas medidas de 162 x 130 cm.
Retrato de Maria Theresa Walter, esta obra oscila entre un desnudo, clásico en la pintura occidental que se refiere a las figuras de Venus y el retrato de su musa. Es un período de serenidad para el artista simbolizado por la promesa de amor tierno del iris azul.
“Manet: almuerzo en la hierba”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Manet: almuerzo en la hierba”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en
óleo sobre lienzo, está datado en 1961. Tiene unas medidas de 65 x 81 cm.
De todas las obras elegidas por Picasso para sus variaciones, el almuerzo en la hierba es el más cercano cronológicamente. Esta pintura todavía lleva la marca del escándalo que provocó en el Salón des Refuses en 1863. Manet es un moderno maestro. La modernidad de Manet, su subversión, es esencial para el pintor.
“Mujer con brazos extendidos”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Mujer con brazos extendidos”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en chapa cortada, alambre doblado y pintado, está datado en 1961. Tiene unas medidas de 183 x 177,5 x 72,5 cm.
Picasso realiza el perfil de una mujer desnuda, de pie, con los brazos abiertos y la pierna izquierda un poco delante de ella. No es una representación realista. Todo está simplificado y a menudo distorsionado. La cabeza es pequeña y redonda, reducido a lo esencial: dos piedras para los ojos, una boca pequeña sonriendo, sin nariz. El tronco es grande y geométrico. El ombligo y el sexo están representados por dos triángulos. Los brazos y las piernas son particularmente impresionante. Sus proporciones son desiguales y las manos son identificables solo por unos pocos segmentos que evocan dedos o garras. Los pies son grandes triángulos truncados.
“Manet: almuerzo en la hierba”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Manet: almuerzo en la hierba”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1961. Tiene unas medidas de 81 x 99,8 cm.
Picasso regresa nuevamente a la pintura de Manet en 1961. En contraste con la última pintura de la primera serie, parece estar disfrutando mucho de las dos versiones fechadas el 19 de abril. Victorine se convierte en una pelota mientras el bañista del fondo parece meterse en una piscina inflable.
“Manet: almuerzo en la hierba”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente de las obras de la exposición “Manet: almuerzo en la hierba”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1960. Tiene unas medidas de 130 x 195 cm.
El almuerzo es un juego de personas, una alegre fiesta cuadrada. Las modelos se fotografían en un orden que coincide con el de Manet. Picasso coloca una postal de la pintura de Manet para recordarles el origen de su composición. Para enfatizar el aire libre, dibuja los árboles que rodearán a los nadadores en concreto.
“Flautista sentado y Flautista de pie”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
Las siguientes obras de la exposición “Flautista sentado y Flautista de pie”, obras del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en cerámica, está datado en 1958. Tienes unas medidas de: 126,5 x 125,5 x 2 y 213 x 83 x 2 cm.
Picasso marcha a trabajar a Cannes aprovechando la luz del Mediterráneo, estos años estuvieron marcados por una creatividad artística extremadamente fértil, que se mantuvo en parte gracias a la producción realizando nuevos experimentos técnicos e iconográficos al jugar con esta artesanía tradicional hasta el punto de reinventar sus códigos.
“Fauno musical y danzante”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Fauno musical y danzante”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en tiza negra y lápiz de guache, está datado en 1945. Tiene unas medidas de 25.2 x 33.5 cm.
El deseo en Picasso de hacer un trabajo en resonancia con el lujo, la calma y el placer, donde en un paisaje de figuras humanas que toman el sol desnudos, haciendo música y bailando.
“La regadera florida”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “La regadera florida”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en yeso original: regadera, piezas metálicas, clavos, madera y yeso, está datado en 1951-1952. Tiene unas medidas de 85,5 x 42 x 38 cm.
Es en 1912 cuando aparecen las primeras obras de arte realizadas con residuos. Pablo Picasso fue uno de los creadores del collage artístico, técnica que incorpora recortes de revista y periódico a sus obras, creando así sus primeros collages bidimensionales con pequeños elementos desechables. En los siguientes años, comenzaron a experimentar con el collage tridimensional, incorporando en sus fondos residuos (madera, piel, objetos de uso cotidiano,…), convirtiéndose los objetos en esculturas en el lienzo.
“Simio con su hijo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Simio con su hijo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en yeso original: cerámica, dos autos pequeños, metal y yeso., madera y yeso, está datado en 1951. Tiene unas medidas de 56 x 34 x 71 cm.
En los años 50 Picasso siguió las tendencias de diferentes partes del mundo el Pop Art, el Junk Art y el Arte Povera. Todos ellos trabajan algo en común, los residuos. El Pop Art recreó temas e imágenes tomadas de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas. El Funk Art y el Arte Povera, trabajaron sus obras con materiales sin valor, desechos, basura, desperdicios urbanos y objetos de consumo recuperados, dejando a un lado los materiales nobles para trabajar con materiales humildes.
“Músico”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Músico”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1972. Tiene unas medidas de 194.5 x 129.5 cm.
La técnica artística utilizada es aparentemente rápida y descuidada, las propias palabras de Picasso parecen ser la mejor respuesta a esto. Se le cita diciendo que el proceso de crear una imagen, ya que se transforma de una visión a otra por el propio esfuerzo del artista, es más importante para él ahora que el resultado final.
“El viejo hombre”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “El viejo hombre”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1970. Tiene unas medidas de 194 x 130 cm.
Picasso en los últimos años de su vida, primero, en el meramente hedonista o sexual. Retrata escenas circenses, costumbristas o sencillamente representaciones del artista y su modelo. En todas estas obras, existe una construcción (de hecho, él no trabajaba con modelo) basada en un deseo que pierde, el del amor carnal. Cuando no está el sexo, entonces son los cigarros, otra representación fálica que también le representa en su pérdida de la capacidad sobre los vicios en virtud de cuidarse en salud.
“Niña sentada”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Niña sentada”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1970. Tiene unas medidas de 130,3 x 80,3 cm.
Esta obra pertenece a la vejez de Pablo Ruiz Picasso que murió tres años después en el pueblo de Mougins, a los 91 años. Había sido el pintor más famoso del mundo, el artista más influyente del siglo, y nos había dejado una obra irrepetible y fascinante. Una obra en continuo cambio, en la que buscó siempre la innovación. Llevó la pintura a extremos que ningún otro artista había imaginado, y nos regaló una nueva forma de ver la realidad.
“Cabeza de cabra”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Cabeza de cabra”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en pluma, tinta china sobre papel vitela, está datado en 1951. Tiene unas medidas de 50,5 x 66 cm.
En 1951, después de la guerra, Picasso vuelve a la pintura y hace numerosos bocetos sobre animales, más en concreto, sobre cabras que luego plasmaría en otras obras y sobre alguna escultura.
“Cráneo de cabra, botella y vela”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Cráneo de cabra, botella y vela”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1952. Tiene unas medidas de 89 x 116 cm.
La conversación entre la pintura Cráneo de cabra, botella y vela y el bronce del mismo nombre tiene un solo tema: proponer a la mente varios caminos de plástico hacia el mismo destino sensible. El cubismo abreviado y figurativo de la pintura responde al ensamblaje ahorrativo y expresivo de la escultura. Las áreas planas de color que redistribuyen los planos dentro del volumen refuerzan la correspondencia con la tabla. El monocromo, ajustado de manera diferente entre los cuatro estados del motivo pictórico, recibe un tratamiento equivalente para los bronces, cuyo equilibrio entre la luz y la oscuridad es sutilmente alternativo.
“Cráneo de cabra, botella y vela”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Cráneo de cabra, botella y vela”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en bronce, está datado en 1952. Tiene unas medidas de 79 x 93 x 54 cm.
Estamos ante un género artístico que combina elementos cuyo simbolismo se equilibra dentro de sus contrastes; El objeto de la muerte y el duelo está aquí iluminado por la luz de la vida y la renovación. La obra de Picasso han asociado el resurgimiento de la vanidad en la pintura del artista español con ciertos episodios biográficos dolorosos, como el suicidio del vecino del estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir, Georg Wiegels, en 1908 (Composición en el cráneo, 1908, Museo del Hermitage, San Petersburgo), la muerte del escultor Julio González en 1942 (Bodegón con calavera de toro, 1942, Kunstsammlung Nordrhein Westfalen Düsseldorf). La pintura de 1952 está relacionada con la inminente ejecución del líder comunista griego Nikos Beloyannis, a quien Picasso había retratado como un hombre con un clavel para la petición a su favor que apareció en la prensa comunista.
“Mesa de cocina y utensilios con un carré de cordero”, obra del pintor Jean Baptiste Chardin en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Mesa de cocina y utensilios con un carré de cordero”, obra del pintor Jean Baptiste Chardin (1699 x 1779), realizado en óleo sobre bronce, está datado en el siglo XVIII. Tiene unas medidas de 34 x 36 cm.
Chardin es un pintor barroco francés. Su carrera profesional se inició oficialmente al ser admitido como miembro de la Real Academia de Pintura en 1728. Considerado actualmente el más importante pintor de bodegones del siglo XVIII, Jean-Siméon Chardin combinó la representación de este tema con la de escenas costumbristas.
“Tulipanes y ostras sobre un fondo negro”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Tulipanes y ostras sobre un fondo negro”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre bronce, está datado en 1943. Tiene unas medidas de 61 x 73 cm.
La naturaleza muerta es un género considerado menor en la pintura, toma en el caso de Picasso y otros artistas una relevancia especial durante la época cubista, un movimiento nacido a los bares y a los restaurantes, que son punto de encuentro de los artistas y un espacio de convivencia donde compartir anécdotas y buena comida.
“Lectora”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Lectora”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en yeso original: madera, objetos metálicos, clavos; está datado entre 1951-1953. Tiene unas medidas de 16 x 36 x 13,5 cm.
En los años 50, el ecléctico artista retoma la técnica de bronces pintados, además se fija en otros materiales reciclados cuyo original fue realizado en madera y metal. Se puede ver la imagen de una mujer tumbada, apoya sus dos brazos para leer un libro.
“Mujer leyendo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Mujer leyendo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1939. Tiene unas medidas de 96,5 x 130 cm.
El cuadro representa la figura de Marie-Therese que trajo una encarnación de la feminidad al período de surrealismo en el arte de Picasso, es una especie de “un período dentro del período”. Tensos y rotos fueron reemplazados por redondos. Un cuerpo femenino parecía hinchable y suave al mismo tiempo, mientras que un color vivo ofrecía un contraste con los contornos suaves.
“Jacqueline leyendo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Jacqueline leyendo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en prueba litográfica, está datado en 1957. Tiene unas medidas de 65,9 x 50 cm.
Jacqueline Picasso fue conocida por ser la musa y segunda esposa de Pablo Picasso. El artista realizó 400 retratos de su musa, más que de cualquier otra modelo a lo largo de su vida.
“Desnudo reclinado y perfil”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Desnudo reclinado y perfil”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en tinta y carbón sobre papel de dibujo, está datado en 1936. Tiene unas medidas de 17,2 x 25.5 cm.
La ruptura de Picasso con todos los prejuicios y códigos sobre la representación del desnudo y el erotismo impregnan de libertad y sensualidad. La educación sexual del artista empieza en la calle de Aviñón de Barcelona y es en este momento cuando perfila sus primeros dibujos eróticos que anunciaban los periodos azul y rosa, desarrollados años más tarde en París.
“Fauno levantado el velo de una mujer (Júpiter y Antiope, después de Rembrandt)”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Fauno levantado el velo de una mujer (Júpiter y Antiope, después de Rembrandt)”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en una impresión a prueba de aguatinta y barniz, raspador y cincel sobre cobre con esquinas redondeadas, está datado en 1936. Tiene unas medidas de 17,2 x 25.5 cm.
Pablo Picasso concedió siempre una enorme importancia al grabado. Aunque utilizó esa técnica a lo largo de toda su vida, en la década de los años 30 realizó varias series de aguafuertes, consideradas desde entonces entre los ejemplos más relevantes de la historia de la estampa.
“La canción de cuna: Marie Roussel en la cama”, obra del pintor Edouard Vuillard en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “La canción de cuna: Marie Roussel en la cama”, obra del pintor y escultor Edouard Vuillard (1868-1940), realizado en óleo sobre cartón, está datado en 1894. Tiene unas medidas de 28 x 49 cm.
La obra Vuillard representó principalmente interiores. Fue la casa donde vivió con su madre y su taller fue su máxima inspiración, el artista ponía atención a los colores, materiales, estampados y estilos de la ropa y acentuó el gusto por el detalle. Gran parte de su obra reflejó esta influencia decorativa. Su obra representa la vida interior del modelo. Muestra una parte del evento, lo que invita al observador a crear el resto de la escena. El artista decidió pintar la vida cotidiana, las cosas diarias y simples que quedarían en el olvido.
“Cabeza de toro”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Cabeza de toro”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en bronce, está datado en 1931. Tiene unas medidas de 34 x 56,5 x 54,5 cm.
Picasso tenía obsesión por el mundo del toro una alegoría del amor y la muerte, donde el pintor plasmaba sus miedos, sus anhelos, sus fantasías, interpretando el toro como un alter ego del artista. Incluso se quiere ver en su tauromaquia metáforas de violencia, sexo, amor y muerte.
“Cabeza de hombre con barba”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Cabeza de hombre con barba”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre tela, está datado en 1938. Tiene unas medidas de 55 x 46 cm.
Picasso realizó decenas de representaciones del minotauro, hasta el punto de que el mosntruo mitológico con cabeza de toro y cuerpo de hombre puede aparecer como el doble del artista.
“Cabeza del fauno”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Cabeza del fauno”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en cerámica, está datado en 1948. Tiene unas medidas de 38,5 x 32,5 x 4 cm.
El fauno se convierte en un motivo obsesivo en la década de 1930, es el momento en que Picasso se relaciona con el movimiento surrealista. El monstruo encarna las fantasías y los terrores del pintor.
“Naturaleza muerta con la cabeza de toro”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Naturaleza muerta con la cabeza de toro”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1948. Tiene unas medidas de 162,5 x 130 cm.
En la obra de Picasso el toro esta lleno de simbolismo, aquí aparece en un bodegón, quizás sustituye la escena de las liebres o aves en la pintura de los maestros holandeses que tanto gustaba al artista contemplar.
“Cara”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Cara”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en yeso, está datado en 1944. Tiene unas medidas de 12 x 24,8 x 6.5 cm.
Picasso veía las formas y los motivos donde nadie antes había reparado, en esta ocasión un simple ladrillo de yeso en dos dimensiones sirve de escusa para sacar la forma de una cara tridimensional.
“Autorretrato”, obra del pintor y escultor Joan Miro en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Autorretrato”, obra del pintor y escultor Joan Miro (1893-1983), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1919. Tiene unas medidas de 73 x 60 cm.
En 1919. Miro viaja por primera vez a París, donde conoce y está muy cerca de Pablo Picasso, concluye su autorretrato y se lo presenta al amigo. Ya instalada en la ciudad de la luz, la capital del arte, desata su mundo interior al conquistar una ideología, gracias al contacto frecuente con las vanguardias del momento.
“Retrato de una bailarina española”, obra del pintor y escultor Joan Miro en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Retrato de una bailarina española”, obra del pintor y escultor Joan Miro (1893-1983), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1921. Tiene unas medidas de 66 x 56 cm.
La bailarina española está representada por la línea de su contorno, con colores violentos (rojo para la prenda, círculos oscuros alrededor ojos),
con gran precisión en el peinado donde los rizos caracolados adornan la frente. Todo está fuertemente atraído desde el largo palo de perlas hasta los aretes y los pasadores rojos y negros que sostienen el cabello. Con el carmín rojo de la boca sensual, el naranja del peine y los múltiples arabescos, este lienzo anuncia la futura técnica de Miró.
“El peinado”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “El peinado”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1938. Tiene unas medidas de 57 x 43.5 cm.
Desde su matrimonio con Olga y el nacimiento de su primer hijo, Pablo, Picasso disfrutaba de una vida familiar feliz; llevaba una vida social muy activa, alternando con la aristocracia y la intelectualidad parisina.
“Retrato de Mujer”, obra del pintor Henri Rousseau en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Retrato de Mujer”, obra del pintor Henri Rousseau (1849-1910), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1895. Tiene unas medidas de 160 x 105 cm.
A pesar de las intenciones realistas, en la obra de Rousseau destacan el tono poético, la búsqueda de lo exótico y, sobre todo, su estilo naíf, reflejo de una aparente sensibilidad infantil propia de los artistas con poca o nula formación académica; esta ingenuidad otorga con frecuencia a sus trabajos un aspecto involuntario de caricatura.
“Los niños de Blanchard”, obra del pintor Balthasar Klossowski de Rola en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Los niños de Blanchard”, obra del pintor Balthasar Klossowski de Rola (1908-2001), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1937. Tiene unas medidas de 125 x 130 cm.
Balthus decía: “Las niñas son las únicas criaturas que todavía pueden pasar por pequeños seres puros y sin edad. Las jóvenes adolescentes nunca me interesaron más allá de esta idea”.
“Las niñas para mí son sencillamente ángeles y en tal sentido su inocente impudor propio de la infancia. Lo morboso se encuentra en otro lado”.
“Retrato de la señora Rosenberg y su hija”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Retrato de la señora Rosenberg y su hija”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1918. Tiene unas medidas de 130 x 95 cm.
La obra representa la mujer de Paul Rosembuerg era el marchante de Picasso y se convirtió en uno de los principales distribuidores de arte moderno del mundo. La relación fue clave para Picasso porque su arte se popularizo y dio comienzo de una importante asociación entre el artista y Rosenberg que duraría hasta 1940, cuando el representante se vio obligado a huir de Francia a medida que avanzaban los nazis.
“Chica morena sentada”, obra del pintor y escultor Amedeo Modigliani en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Chica morena sentada”, obra del pintor y escultor Amedeo Modigliani (1884-1920), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1918. Tiene unas medidas de 92 x 60 cm.
Una característica del pintor son los rostros ovalados, los cuellos alargados y los cuerpos estilizados tienen una “pureza primitiva” que el artista logra inspirándose en la escultura africana y el cubismo (que en realidad también está muy influido por la escultura africana).
Las otras influencias que podemos observar frente sus retratos son Klimt (en la sensualidad y la elegancia de las siluetas delgadas), Picasso (además del cubismo, pensemos en el Período Azul) y la estampa japonesa (las mujeres que pinta Utamaro).
“Señor Edouard Delalain”, obra del pintor y escultor Jean-Baptiste Camille Corot en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Señor Edouard Delalain”, obra del pintor y escultor Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1845-1850. Tiene unas medidas de 28.5 x 25 cm.
La influencia de Corot fue decisiva en los primeros pasos de Monet, Renoir y Berthe Morisot, así como en toda la obra de Camille Pissarro, aunque no vio con simpatía al impresionismo como grupo, debido a la rebeldía anti-institucional de sus jóvenes colegas.
Corot aunó la herencia clásica y romántica en el paisaje, sumando a la solidez compositiva de la tradición la frescura de la ejecución al aire libre, la paleta clara y el sentido de lo fragmentario. Sin él, quizás no hubiera sido posible el valor espacial y constructivo que, años después, Cézanne le daría a la pincelada impresionista, poniendo con ello el primer peldaño de la historia de la pintura moderna.
“Busto de un hombre barbudo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Busto de un hombre barbudo”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en bronce, está datado en 1933. Tiene unas medidas de 85,5 x 47 x 31 cm.
Picasso pasa a experimentar la escultura con el yeso
que
dio vida a numerosas obras, de 1933, y los años en los que fue tildado de “degenerado” por el nazismo, por sus trabajos.
“Mujer en un sillón”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Mujer en un sillón”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1947. Tiene unas medidas de 92 x 72.5 cm.
En Mujer en un sillón Picasso desarrolla el tema de la “mujer-flor”, iniciado un año antes, e inspirado en Françoise Gilot, compañera del artista en estos momentos. Realizó una serie de obras que presentan la misma morfología, una cabeza y pechos redondos, así como un tallo fino para el tronco. Las formas son curvas y simplificadas en arabescos. Además, el cuerpo parece estar conectado entre sí por líneas hechas con un compás. La composición se dispone a partir de una red de tensiones formales que crea un ritmo plástico.
“Cabeza de mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Cabeza de mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1939. Tiene unas medidas de 65 x 54 cm.
La obra representa a la novia de Picasso. Fue creada en 1939, durante la Segunda Guerra Mundial. Es un momento donde el pintor y su novia se ven a si mismos rotos. Es un sentimiento de tristeza y desilusión. Busca igualar el sentimiento interno que experimentaba con la imagen externa de los objetos debido a la influencia donde el sentido de humanidad se desfigura o se rompe.
“Retrato de una mujer joven”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Retrato de una mujer joven”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1936. Tiene unas medidas de 65 x 54 cm.
Obra surrealista donde se puede ver una joven en una playa al borde del mar, ella esta desmembrada fruto de una ilusión óptica, fue construida con rollos alambre de metal.
“Cabeza de toro”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Cabeza de toro”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en material reciclado, está datado en 1942. Tiene unas medidas de 33,5 x 43,5 x 19 cm.
Esta escultura está formada de
aspecto
muy simple uniendo el manillar y el sillín de una bicicleta. Esta escultura es un gran ejemplo de cómo Picasso disponía del poder de transformar dos objetos comunes encontrados, recombinados y soldados, generando casi un poema visual: una cabeza de toro dramática a la vez que cómica.
Ambos objetos liberados de la función para la que fueron ideados, permanecen perfectamente reconocibles como tales aunque en un ambiguo equilibrio. La ambivalencia, y la “doble vida” de los objetos y de las imágenes encontradas, eran para Picasso maneras de posicionarse frente a las imposiciones de la pintura como mero ejercicio de imitación de la realidad.
“Mujer de pie”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Mujer de pie”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre madera contrachapada, está datado en 1946.
Por el año en que fue
el artista
la modelo pudiera tratarse su nueva musa Francoise Gilot, está mujer no se volvió loca y no se suicidó. Sintiendo que la historia de amor llegó a su fin, dejó a Picasso, no permitiéndole llenar la lista de mujeres abandonadas y devastadas.
“Constelación”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Constelación”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en pluma y tinta, utilizando el reverso de una página de catálogo de La Maison du Trousseau, está datado en 1930. Tiene unas medidas de 17,4 x 21,9 cm.
Los dibujos son una serie de bocetos de Pablo Picasso dibujados en tinta negra, se inspiró en los mapas del cielo y apuntó a una exploración artística del límite entre la abstracción y la figuración.
“Mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre madera contrachapada, está datado en 1946. Françoise Gilot pertenecía a la clase media-alta de la sociedad francesa y eso para Picasso era como un imán apoyado cerca de las virutas. Pese a la oposición de su abuela –una mujer de carácter, influyente y con mucho dinero–, la joven asistía regularmente al estudio del malagueño para dejarse pintar y dejarse mostrar. La relación con Dora entraba en su etapa final, y aunque seguía con ella veía a Marie-Thérèse Walter –aduciendo que era para ver a su hija Maya– y inteligente y decidida jovencita. Monógamo por naturaleza, no se trataba que él no renunciara a su pareja anterior para reemplazarla por la siguiente, sino que a sus mujeres les resultaba imposible renunciar a él.
“El sombrero de paja con follaje azul”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “El sombrero de paja con follaje azul”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1936. Tiene unas medidas de 61 x 50 cm.
Dora Maar entra en la vida de Picasso. Muy segura de sí misma en aquellos años, llamó la atención del artista con una curiosa anécdota que Combalía cuenta en el libro y que también da pistas sobre el carácter masoquista de Dora. Ocurrió en el café Les Deux Magots. Ella se puso a jugar con una navajita que habitualmente llevaba en el bolso. Haciendo saltar la hoja entre los dedos, no detuvo el juego pese a que la sangre chorreaba por su mano. Picasso quedó hipnotizado y le pidió sus guantes moteados de sangre.
“Cabeza de mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Cabeza de mujer”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1933.
Pocas personas conocían la relación con Marie-Thérèse. Apenas lo íntimos como el escultor Julio González con quien solía trabajar en el castillo de Boisgeloup, un pequeño castillo que había adquirido en 1931, y en el que se dedicaría especialmente a la escultura teniendo a la jovencita suiza como modelo y amante.
“Anciano sentado”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Anciano sentado”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1971. Tiene unas medidas de 145,5 x 114 cm.
Es una obra homenaje a los maestros del arte del siglo XX. Es al mismo tiempo la pose del jardinero Vallier pintado por Cezanne al final de su vida, el sombrero de paja de van Gogh, la manga de la blusa pintada por Matisse, el puño deformado de Renoir al final de su vida. . También dice que la vida se vendrá abajo: el muñón dice que el cuerpo está afectado, la pintura que gotea empaña la cara, la mirada apagada está bordeada por el anillo blanco de los viejos.
“Paisaje”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Paisaje”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1972. Tiene unas medidas de 130 x 162 cm.
Es una de las últimas obras de Picasso donde se afirma la escritura de este paisaje: puntos, manchas en blanco y negro, espirales, grandes zigzag o rayas radiantes en el centro, espina de pescado, línea vertical coronada por un círculo, flecha oblicua. Dramático efecto de tormenta quizás acentuado por tonos azules y verdosos, empaste, marcas de pincel y opacidad del conjunto.
“El mar en L'Estaque”, obra del pintor Paul Cezanne en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “El mar en L'Estaque”, obra del pintor Paul Cezanne (1839-1906), realizado en óleo sobre lienzo, está datado entre 1878-1879. Tiene unas medidas de 73 x 92 cm.
L'Estaque es un pueblo de pescadores situado en la bahía oeste de Marsella, hoy en una zona industrial. Su posición geográfica hacía de él un bello mirador con bellas vistas de Marsella. Era uno de los lugares más pintorescos de Marsella, un barrio popular lleno de vida que fascina a los artistas que vivirán a finales del siglo XIX y principios del XX, como Paul Cézanne.
“Sin título”, obra del pintor Henri Matisse en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Sin título”, obra del pintor Henri Matisse (1869-1954), realizado en gouache tejido papel cortado con una línea de lápiz de color y pegado en acuarela de papel tejido Arches, está datado en 1947. Tiene unas medidas de 40 x 25,8 cm.
Hacia la década de 1940, el colorido de sus telas se tornó más atrevido, eran los antecedentes de los gouaches que realizó a finales de los años cuarenta, en los que cortaba y pegaba papeles coloreados.
“La bahía de Cannes”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “La bahía de Cannes”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1958. Tiene unas medidas de 130 x 195 cm.
Picasso tenía el mar mediterráneo en su alma: los colores y los temas de su trabajo fueron una respuesta al llamado del Sur, y la biografía altamente publicitada del pintor no pasa por alto su preferencia por las playas soleadas, especialmente porque el maestro le gustaba pintar en la zona.
“Mujer desnuda de pie”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Mujer desnuda de pie”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en ceramica, está datado en 1950. Tiene unas medidas de 17 x 5,8 x 6,2 cm.
Catherine Hutin había conocido cuando era apenas una niña a Picasso, con 24 años era la amante de ese genio de la pintura, que pasaba las siete décadas. La había pintado desnuda, vestida con traje de novia, con el suéter del uniforme de marinero y de muchas otras maneras, especialmente varias veces más desnuda.
“Búho con cabeza de hombre”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Búho con cabeza de hombre”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en ceramica, está datado en 1951. Tiene unas medidas de 34,5 x 33 x 25 cm.
Durante los años que Picasso pasó en Vallauris estuvieron marcados por una creatividad artística extremadamente fértil, que se mantuvo en parte gracias a la producción realizada con regularidad en el taller de Madoura. Picasso también participó en nuevos experimentos técnicos e iconográficos al jugar con esta artesanía tradicional hasta el punto de reinventar sus códigos. Al mismo tiempo se aventuró en la escultura, juntando materiales reciclados y reutilizando artículos de uso cotidiano, así como en el uso del linograbado.
“Plato rectangular decorado con la cabeza de un fauno con barba”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Plato rectangular decorado con la cabeza de un fauno con barba”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en cerámica, está datado en 1948. Tiene unas medidas de 38,3 x 32 x 3,5 cm.
Picasso representa al fauno como un chivo lascivo y con la alegría de vivir, se ve reflejado porque es un ser lleno de contradicciones, con en el centauro porque es un personaje violento y lujurioso, y con el minotauro (mitad bestia, mitad hombre) porque es a la vez víctima y verdugo.
“Mujer desnuda peinándose”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Mujer desnuda peinándose”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en cerámica, está datado en 1950. Tiene unas medidas de 103 x 23 x 8.5 cm.
En 1946, Picasso y Françoise Gilot visitan la alfarería de Madoura en Vallauris iniciándose una intensa relación de Picasso con la cerámica. Su inspiración fueron las cerámicas de la antigüedad griega y oriental que se exponían en el Louvre. Faunos, ninfas, peces, sátiros y toros son seres en los que se reencarna el artista.
“Jarra decorada con faunos”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Jarra decorada con faunos”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en cerámica, está datado en 1951. Tiene unas medidas de 26 x 22.5 x 16 cm.
Picasso decía: “La cerámica funciona como el grabado. La cocción es la tirada. En ese preciso momento te das cuenta de lo que has hecho. Cuando recibes la prueba ya no eres el que hizo el grabado. Has cambiado. Te ves obligado a retomar la obra. Sin embargo, la cerámica ya no tiene vuelta atrás”.
“Azulejo decorado con un bacanal sobre un alféizar sentado y un hombre bebiendo de pie; en el reverso: doce caricaturas”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Azulejo decorado con un bacanal sobre un alféizar sentado y un hombre bebiendo de pie; en el reverso: doce caricaturas”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en cerámica, está datado en 1956. Tiene unas medidas de 30,5 x 25,5 x 2 cm.
Picasso hace una serie de escenas muy sensuales, llenas de un erotismo desatado y festivo conjugado con una mirada poética sobre figuras bebiendo vino dentro de un mundo que refuerza el pasado.
“Tres personajes al borde del mar”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Tres personajes al borde del mar”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1920. Tiene unas medidas de 9,7 x 16,9 cm.
La obra representa el mar en la localidad francesa de Juan-les-Pins. Ubicada en el corazón real de la Costa Azul , entre Niza y Cannes, se convirtió en la ciudad favorita de Picasso.
“Dos bañistas”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Dos bañistas”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1921. Tiene unas medidas de 33 x 41 cm.
Escena de playa, durante su vida Picasso mostro una fascinación por el mundo sobre la playa y como escenario de fondo del mar, estaba especialmente atraído por el colorido y la luz.
“Cinco bañistas mirando un avión”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “Cinco bañistas mirando un avión”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1920. Tiene unas medidas de 73,5 x 92,5 cm.
Estamos en una escena de playa, cinco mujeres en la playa parecen absortas con la presencia de una figura en el cielo, aunque se atribuye la presencia de un avión pero más bien parece la representación de un pájaro en el cielo.
“La flauta de pan”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso en el Museo de Picasso de París (Francia) |
La siguiente obra de la exposición “La flauta de pan”, obra del pintor y escultor Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1923. Tiene unas medidas de 205 x 174 cm.
Picasso recurre al clasicismo y representa las figuras masculinas son al mismo tiempo
como los
pescadores contemporáneos de Ulises, pastores a quienes les gusta en Bucoliques de Virgile acompañan sus eclogas (poemas cantados) con la flauta de pan, y jóvenes modernos con trajes de baño blancos.
Museo Picasso de París (Francia)
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Aquí damos por concluida la visita al Museo Picasso, si has llegado leyendo hasta aquí, seguro que estáis tan cansados como nosotros.
Durante estas horas hemos aprendido mucho sobre la vida y la obra de Picasso. Fue declarado como uno de los personajes españoles del siglo XX. Si trasladamos la imagen de Picasso en estos momentos del siglo XXI, estamos seguros que su vida no saldría muy bien parada, principalmente por el trato que daba a las mujeres. Picasso tiene un lado oscuro: al margen de su maestría, el genio malagueño era un hombre egoísta y profundamente machista al que no le importaban los sentimientos de sus parejas sentimentales.
Entre otras, Sylvia Plath, Virginia Wolf, Antonieta Rivas Mercado, Karoline von Günderrode, Marina Tsvetaeva, estas mujeres forman parte del listado de artistas que sucumbieron ante la desdicha del engaño, la soledad, el abandono y el desamor.
Museo de Picasso de París (Francia)
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Aunque las más importantes fueron: Carmen Blasco, Fernande Olivier, Eva Gouel, Olga Khokhlova, Marie Therese Walter, Dora Maar, Francoise Gillot, Jacqueline Roque fue la última de sus mujeres y con la única que se pudo casar, ya que había muerto Olga Koklova, quien nunca quiso concederle el divorcio. Ella tenía 33 años y Picasso 80.
Parece ser que la personalidad y la impronta del genio no dejaban a nadie indiferente. El destino de sus mujeres, de uno de sus hijos y un nieto fue realmente trágico. Olga murió en la más pura miseria, Jacqueline se suicidó en 1986, Maria Therese se ahorcó a los 68 años, Dora no superaría nunca la depresión, su hijo Paulo muere alcoholizado en 1975 y su nieto Pablo se suicida tomando lejía.
Picasso no hubira sido el pintor más importante del siglo XX sin la ayuda del judaísmo. Desde un principio el artista entabla una relación personal con Daniel-Henry Kahnweiler, era un judío que se había trasladado a París y vendía sus obras entre los hombres más ricos que se habían interesado por el arte.
Barro Le Marais de París (Francia)
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En 1915 Picasso aparece en escena Paul y Léonce Rosenberg que se hacen con la representación del artista, era judíos que se hicieron cargo de las galería de Kahnweiler y comercializaba sus obras entre los principales coleccionistas de arte. Hasta que estalla la Segunda Guerra Mundial, debido a su ascendencia judía, tuvo que exiliarse en EE UU durante la II Guerra Mundial. Paul llegó en septiembre de 1940 y abrió en Nueva York una galería y mantuvo una importante presencia en el mercado estadounidense.
Bueno pues hablado de judíos, os recuerdo que el Museo de Picasso está situado en el barrio de Le Marais, es la zona con mayor concentración de judíos de toda Europa.
Le Marais es una zona donde habitan muchos jóvenes artistas y diseñadores. Gran parte de ellos siguen la denominada estética hípster.
Arte Urbano en Le Marais de París (Francia)
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Las calles de Le Marais son muy tranquilas si las comparas con el gran centro de París, por lo que es una zona genial para dar un paseo e incluso ir de compras, aquí se pueden ver tiendas de grandes firmas de moda y arte totalmente novedosas.
Le Marais es una gran exposición del arte urbano, podemos ver una gran obra del artista Combo C.K. en la calle Rue Vieille-du-Temple que ocupa toda la fachada de un edificio de varias plantas.
Es la hora de la comida y vemos numerosos restaurantes con comida judía, nos decantamos por Mi-Va-Mi, se encuentra situado en el 23 Rue des Rosiers (GPS N 48.8573284 E 2.3589556 ). En la puerta había una enorme cola para comprar comida para llevar, nosotros subimos por una estrecha escalera hasta la terraza donde había unas pequeñas mesas. La especialidad es el falafel, brochetas, chawarma, keftas, unos platos que podríamos reconocer
porque
nunca antes habíamos comido en un restaurante judío.
Restaurante judío Mi-Va-Mi de París (Francia)
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Pedimos de la carta una selección de platos para poder compartir tenia una decoración con cuadros de rabinos y el salón tenia una puerta con cerradura de caja fuerte. La comida francamente buena y difícil de olvidar, todo tan cercano y diferente que estábamos en casa: brochetas, falafe, pollo, las verduras asadas, diferentes tipos de pistos, ensaladas morunas. Nosotros que tenemos un 33% de judíos podemos identificar esos sabores y esa forma de cocinar como algo muy cercano, somos el fruto de la gastronomía sefardí que corresponde al conjunto de costumbres culinarias de los judíos sefardíes, que viven o descienden de judíos procedentes de España.
Los ingredientes de esta gastronomía se ven influenciados por las normas de la religión que establecen claramente qué ingredientes deben ser permitidos o rechazados en la composición de los platos y que combinaciones no pueden realizarse. No obstante emplean aquellos ingredientes permitidos comunes de la cocina mediterránea.10? El principal ingrediente son los cereales en forma de pan. Las legumbres secas son el segundo. Las carnes estaban relegadas a ocasiones festivas, siendo muy habitual el consumo de carnes picadas procedentes de mezcla de magro y casquería mezcladas con la grasa del animal.
Carta del restaurante judío Mi-Va-Mi de París (Francia)
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Después de comer paseamos por la Rue de Rosiers se encuentra en el centro del barrio judío no oficial llamado “el Pletzl” (yiddish para "pequeño lugar"). Oficialmente, esta calle se encuentra en el distrito Marais, que se extiende a lo largo de la Rue de Rivoli a una corta distancia, y algunos se refieren al área como “San Pablo” debido a la proximidad del Lugar San Pablo.
Durante los últimos años se ha puesto de la moda. Las boutiques clásicas han dado paso a brillantes salas de exposición minimalistas de algunas de las etiquetas de moda más famosas de Europa. Al no seguir los calendarios de vacaciones occidentales (sigue los calendarios judíos), las tiendas de la calle Rosier se han convertido en el punto de encuentro de los parisinos que quieren comer y hacer compras el domingo, la Navidad o durante cualquiera los días de descanso.
Escuela primaria de Hospitalières-Saint-Gervais de París (Francia)
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Andando llegamos a la calle de la rue Hospitaliares Saint-Gervais, vemos una placa de Parvis des 260 enfants, en la esquina hay una imagen del famoso artista alternativo Gregos Art, son caras pintadas sobre la imagen de una mujer para recordarnos el respeto que debemos a las mujeres porque todos nacimos del vientre de una de ellas.
El nombre de la plaza es muy triste porque hace referencia a la memoria de los 260 niños y niñas judíos que asistían a la escuela en este establecimiento público y fueron deportados durante la Segunda Guerra Mundial. Ninguno de estos inocentes que fueron ingresados en campos de concentración de la Alemania nazi volverá.
En la calle podemos ver la Escuela primaria de Hospitalières-Saint-Gervais, fue fundada en 1844, cuando el Ayuntamiento de París decidió construir una escuela laica para dar cabida a los jóvenes de la comunidad judía, los niños en un lado ( n o 6), las niñas, por la otra ( n o 10). Una inscripción grabada sobre la puerta todavía lo menciona:
“ESCUELA PRIMARIA COMUNITARIA DE NIÑOS ISRAELITAS JOVENES - MODO MUTUO - FONDO MUNICIP. JUNIO MDCCCXLIV
Cabeza de Buey barrio judío de París (Francia)
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En la fachada podemos ver dos cabezas de buey recuerdan el antiguo pabellón de carnicero, inaugurado el 5 de junio de 1823, cuyos cuernos y mejillas están decorados con frutas y colgantes (en la forma antigua, listos para el sacrificio). Monumentales esculturas de bronce, realizadas en 1819 por el escultor Edme Gaulle, en un estilo.antiguo asirio, influenciado por los famosos carniceros de Saint-Germain.
Aquí damos por finalizada nuestra actividad cultural, ahora, damos rienda suelta a nuestra actividad consumidora. Para ello, nos trasladamos hasta el centro. Cogemos el metro en Saint-Paul con destino a Concorde. Desde allí vamos andando hasta la rue de Rivoli.
La famosa Rue de Rivoli (calle de Rivoli en español), es la calle de las compras por excelencia en la ciudad de París, en Francia.
Calle Rivoli de París (Francia)
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Esta calle se encuentra en pleno centro de París. Su longitud total es de más de tres kilómetros, llenos de tiendas que forman un autentico paraíso para todos los que les guste ir de shoping y realizar sus compras sin salir de un único lugar, lo que la hace una de las calles más populares y visitadas de la ciudad.
Esta parisina calle es de las más glamorosas con todo tipo de establecimientos de tiendas de ropa con reconocidas y prestigiosas marcas en las que encontrareis desde los precios más económicos hasta las más caros y con mucho glamour destinado tanto para jóvenes como para niños y adultos, diferentes restaurantes y cafeterías de todos los tipos y precios, salones de belleza, chocolaterías, algunos bonitos hoteles y una gran variedad de los establecimientos más
actuales.
Pasamos por la puerta de la prestigiosa Angelina, dicen que es el lugar más dulce de París. En estos momentos un enorme gentío hace cola para tomar un simple chocolate. Nosotros tuvimos la oportunidad de saborear sus bocadillos en el castillo de Versalles. Tiene hay una pequeña boutique donde se pueden comprar muchos manjares, como la botella con el original Angelina's Hot Chocolate o incluso la famosa Angelina's Chestnut Cream.
Salón Angelina de París (Francia)
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Al eEntrar en el gran salón de Angelina se puede ver el impresionante interior belle epoque. Fundada en 1903, Angelina ha sido frecuentada por gente como Coco Chanel, Proust y algunos de los nombres más importantes de la moda.
Las tiendas de moda de la zona son súper exclusivas, algunas daba vergüenza ajena ver los precios de los artículos en el escaparate, por ejemplo: un abrigo 12000 euros, mas que un coche, botas 1800, vestidos 5900, todo perecía fuera de nuestro alcance.
Encontramos de oferta la camiseta oficial de París San Germain con el nombre de Neymar, precio 12 euros, de derribo. Imaginamos el por qué?.
Llegamos a uno de los hoteles más famosos de París el Régina, en la plaza de las Pyramides se alza la estatua dorada de Juana de Arco montada a caballo.
Monumento a Juana de Arco de París (Francia)
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El monumento fue encargado por el gobierno francés tras la derrota del país en la guerra franco-alemana de 1870. De las 150 estatuas erigidas en París durante el período 1870-1914, que se describe como la edad de oro de la esculturas, la de Juana de Arco es la única orden pública colocada por el Estado. El simbolismo de la estatua es “la reconquista”.
Es ejecutado por Emmanuel Frémiet, quien toma a Aimée Girod como modelo, una joven Lorena de 18 años, fue inaugurada en 1874. El pedestal está diseñado por el arquitecto Paul Abadie y la rejilla desarrollada por Gabriel Davioud lo protege. Esta estatua de bronce está manofacturada
por la fundición Thiébaut Frères.
Enfrente, El Museo del Louvre (Musée du Louvre, en francés) es el museo nacional de Francia consagrado al arte anterior al impresionismo,
en su interior,
tanto bellas artes como arqueología y artes decorativas. Es uno de los más importantes del mundo.
Museo del Louvre de París (Francia)
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Está ubicado en el antiguo palacio real del Louvre, y actualmente el edificio alberga el museo desde su fundación es el viejo castillo del Louvre, luego reconvertido en palacio real. Su origen se remonta al siglo XII, más exactamente entre 1190 y 1202, y fue embellecido con ampliaciones renacentistas y otras más tardías. En este edificio acumuló el rey Carlos V (1338-1380) sus colecciones artísticas. Ya en el siglo XVI, los monarcas Francisco I y Enrique II planearon reformas para hacer de él una verdadera residencia real renacentista.
Fue la reina Catalina de Médicis la que esbozó el proyecto que hizo del Louvre el gran palacio que es actualmente, labores que continuó Enrique IV después de las guerras de religión. En sus mejoras arquitectónicas y decorativas han intervenido múltiples artistas a lo largo de varios siglos, desde Claude Perrault y los pintores Simon Vouet y Charles Le Brun en el XVII hasta Delacroix y Georges Braque, quienes pintaron algunos de sus techos.
Museo del Louvre de París (Francia)
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La construcción del Palacio de Versalles, agilizada bajo el reinado de Luis XIV, hizo que el Louvre quedara desocupado por la familia real a finales del siglo XVII, y por ello se instalaron en él, ya en el siglo XVIII, la Academia Francesa y después las restantes academias. Allí se celebraron exposiciones anuales de la Real Academia de Pintura y Escultura.
Tras la Revolución francesa que implicó la abolición de la monarquía, el Palacio del Louvre fue destinado (por decreto de mayo de 1791) a funciones artísticas y científicas, concentrándose en él al año siguiente las colecciones de la corona. Parte del Louvre se abrió por primera vez al público como museo el 8 de noviembre de 1793. Ésta era una solución lógica, habida cuenta de que estaba ocupado por las academias y porque, ya en 1778, se había elaborado el proyecto de utilizar su Gran Galería como pinacoteca. Lo novedoso de la medida fue que se nacionalizaban bienes de propiedad real, y que el acceso era libre pues no se limitaba al público culto ni se regulaba mediante visitas concertadas, como sí ocurrió en los Uffizi y en el Museo del Prado durante sus primeros años.
Pirámide del Museo del Louvre de París (Francia)
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En el centro de la plaza del Louvre se encuentra la Piramide , es una obra que da acceso al edificio, y que fue diseñada por el arquitecto Ieoh Ming Pei. De estilo internacional, esta pirámide de vidrio y aluminio fue inaugurada el 29 de marzo del año 1989 por el entonces presidente francés François Mitterrand.
Tiene una altura de 20,1 m. y un total de 673 paneles de vidrio laminado transparente, divididos en 603 rombos y 70 triángulos, aunque algunas fuentes señalan que existen 666 rombos debido a una intención de darle un sentido esotérico a la construcción. El peso total de la estructura es de 180 toneladas. La inclinación de sus paredes, al igual que ocurre con las pirámides egipcias, es de 51 grados.
Su centro de gravedad coincide con el de los tres pabellones del museo, Richelieu al norte, Denon al sur, y Sully al este. Siendo esta la principal y más grande de las pirámides de cristal del museo, que incluye, a nivel subterráneo, otra pirámide pero invertida. Antes de construirse la pirámide, la entrada al Louvre presentaba generalmente largas colas. Con su construcción, además de solucionarse el problema del tiempo de espera para entrar, también se aumentó el espacio de exposición del museo.
Pirámide del Museo del Louvre de París (Francia)
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Desde su construcción, la pirámide ha estado sujeta a polémicas, debido al contraste de estilos entre la modernidad del vidrio y el clasicismo de las instalaciones del museo, si bien es justo señalar, que ha servido de inspiración para las ampliaciones de muchos otros museos. Ha sido descrita por algunos detractores como parte del “complejo de faraón” de Mitterrand. Otros alaban la yuxtaposición del contraste entre estilos arquitectónicos, como una exitosa combinación entre lo antiguo y lo nuevo, entre lo clásico y lo ultramoderno.
La pirámide principal es actualmente la más grande de varias pirámides de vidrio construidas en los alrededores del museo, incluyendo la pirámide invertida ( La Pyramide Inversée ) que funciona como una claraboya en un centro comercial subterráneo, frente al propio museo. Durante la fase de
estudio
, se propuso que el diseño incluyera una aguja en la pirámide para simplificar la limpieza de las ventanas, pero esta propuesta fue eliminada debido a objeciones por parte del arquitecto.
Restaurante Bouillon Chartier de París (Francia)
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Tenemos una cita para cenar en uno de los restaurantes más tradicionales de París, se trata de Bouillon Chartier, se halla en el 59, boulevard du Montparnasse (GPS N 48.8439564 E2.323333). Tienen comida francesa tradicional a muy buen precio. A determinadas horas hay que hacer cola, aunque nosotros teníamos mesa reservada. La decoración de este clásico restaurante es como estar en el París de principios del siglo XX.
Nosotros pedimos unos platos tradicionales aconsejados por el camarero, estos escriben los platos en el mantel de papel y allí mismo te hacen la cuenta, pagamos un total de 156,8 euros.
Desde aquí salimos pitando para nuestro lugar de pernocta en Vincennes, nos bajamos en la penúltima estación del metro de la línea 1 Bérault y desde allí andando hasta la calle donde pasaremos la noche.
Día 16 de agosto de 2019 (sabado)
Ruta: París-Provins; distancia 91,2 Km.; tiempo 1h 15'
Plano de la Ciudad de Provins (Francia)
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La noche en París ha sido perfecta, en estos momentos la temperatura exterior es de 20 grados y la interior es de 24, hemos dormido fresquitos.
Nos quedan muchas cosas de ver y hacer, pero París es tan grande que mejor lo dejamos para otra ocasión. Siempre es bonito venir y descubrir algo que no has visto o bien has pasado por alto.
Nos hubiera gustado ver una exposición temporal sobre el pintor flamenco Frans Halls y ver como estaba exteriormente la Catedral de Notre Dame. Me alegro no haber intentado ir, porque según las noticias están con un follón sobre la contaminación debido al incendio. Resulta que se quemó la techumbre que era de plomo, este metal se ha volatilizado y ahora contamina todo el centro de París, han hecho pruebas en niños y dan unos niveles peligrosos. Han acordonado toda la zona y ahora no se puede acceder a la catedral, están pendientes de una evaluación para iniciar las obras.
Casas de la ciudad de Provins (Francia)
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Nosotros hemos tenido la suerte de poder ver la catedral dos veces antes del incendio y acceder a sus rincones secretos, seguro que cuando termine las obras de rehabilitación muchas cosas cambiaran.
Ahora, en cuanto podamos nos marchamos a nuestro siguiente destino la ciudad de Provins, es un pueblo medieval situado a unos 70 Km. de París. Aquí comenzamos nuestro lento regreso en dirección sur.
Provins es un ejemplo de localidad histórica que ha sabido aplicar toda la experiencia francesa para que toda la comarca pueda vivir del turismo. Muchas veces pienso en que muchas de las ciudades y pueblos españoles deben de copiar este tipo de experiencias para explotar todos los recursos turisticos.
Casas de la ciudad de Provins (Francia)
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Enseguida llegamos a la ciudad de Provins, antes de entrar todo esta perfectamente señalizado y ordenado para que la visita sea lo más satisfactoria posible. El centro histórico esta totalmente peatonalizado y a cierta distancia todo se ha ordenado para que puedas dejar el vehículo en los parkings habilitados.
El área de Autocaravanas en Provins, se encuentra situado en el viejo camino de París, el precio es de 8 euros que te cobran a la entrada por 24 horas. El área tienes la posibilidad de llenar agua potable y vaciar aguas negras y grises. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 48.56183 E 3.27953.
Provins es una población francesa situada a poco más de una hora de París que forma parte del Patrimonio de la Humanidad por ser testigo de la primera etapa de las ferias medievales internacionales.
Casas de la ciudad de Provins (Francia)
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Lo primero que hacemos es ir a la oficina de turismo de Provins que se encuentra situada en un edificio del mismo complejo del parking. Allí se puede comprar El Pass Provins es un boleto de tarifa plana que te permite visitar los 4 monumentos de la ciudad medieval: la Torre César , la Casa de los Diezmos, los subterráneos (solo visita guiada) y el Museo de Provins, Provinois, el castillo con el espectáculo de rapaces a un precio reducido, en total pagamos por los cuatro 92 euros.
La población de Provins,
en la antiguedad
estaba bajo los dominios de los Condes de la Champaña, fue agraciada con la posibilidad de albergar, dos veces al año, sendas ferias. En aquellos acontecimientos acudían comerciantes de toda Europa occidental a fin de vender sus mercancías. En las ferias medievales se trataba, en todo caso, de venta de mercancía al por mayor, puesto que el detalle se comerciaba en los distintos mercados que cada población celebraba cada semana.
Murallas de la ciudad de Provins (Francia)
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La importancia de aquellas ferias era capital, hasta el punto que los propios Condes de Champaña ofrecían salvoconductos a los comerciantes que llegaban desde el extranjero y que debían atravesar tierras que presentaban momentos de conflictos. Testigo de la importancia de la población y de las ferias en cuestión, es que Provins acuñaba moneda propia (el provinois) que era aceptada en la práctica totalidad de grandes mercados y ferias de Europa occidental.
Provins conserva gran parte del trazado medieval de aquella esplendorosa etapa, incluidas buena parte de unas deslumbrantes murallas, además de una estructura urbana diseñada para dar acogida a todos aquellos forasteros que llegaban a la población durante las jornadas de ferias.
Puerta san Juan de la ciudad de Provins (Francia)
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Empezamos la visita a Provins, como hemos comentado, entrando por la Puerta de Saint-Jean (GPS N 48.561547 E 3.283551). Se trata de una de las
distintas
puertas, esta del siglo XIII, de las que disponía la formidable muralla de la población. Desde aquí es fácil observar buena parte del perímetro amurallado conservado, que mantiene sus torreones cada pocos tramos.
La puerta da paso a la Calle Saint-Jean que nos llevará hasta el primero de los monumentos que hay que ver en Provins. Se trata de la Casa de los Diezmos o Granero de los Diezmos (GPS N 48.5623498 E 3.2859029), se halla situada en el 3 rue Saint-Jean. La visita es interactiva con audio guías y se encuentra dentro de los monumentos que puedes visitar con la tarjeta Pass de Provins.
En el interior que más parece una cripta de una catedral gótica, en el interior nos muestran las distintas actividades que se daban cita durante las jornadas feriales, .te encontrarás con el comerciante italiano, el comerciante de telas de Provins, el cambista, el comerciante flamenco, el escritor público, los comerciantes de lana, el alfarero, el albañil, el cantero y el fabricante de pergaminos, etc.
Casa de los diezmos de la ciudad de Provins (Francia)
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Aquí durante las jornadas de ferias era la vivienda donde se alojaban los mercaderes que llegaban desde todas las partes del mundo para ofrecer sus mejores productos. Sin embargo, esta preciosa construcción medieval que conserva dos extraordinarias salas abovedadas, una en la planta principal y otra en el sótano, está perfectamente museizada. Ello nos permite comprender la importancia que suponían las ferias de Champagne para toda la región. Eran seis las ferias celebradas anualmente en los dominios ducales, dos de ellas en Provins, dos en Troyes y una, respectivamente, en Lagny-sur-Marne y Bar-su-Aube. Estos acontecimientos, como decíamos, estaban bajo el auspicio de los Condes de Champagne que sacaban pingües beneficios de las mismas a la vez ellos mismos se encargaban de que los comerciantes llegados desde las distintas latitudes no tuvieran problema alguno en arribar hasta sus dominios condales.
Judío de la Casa de los diezmos de la ciudad de Provins (Francia)
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Aquí se produjo un enorme avance en el comercio, con la aparición de la moneda común, había una moneda parecida al euro que era admitida en toda Europa. Se admiten pagares, créditos, etc. Solamente a los judíos se les permita la usura.
Después de visitar el edificio y hacernos una idea de como era la vida en aquella época medieval, podemos apreciar las casas que lo rodean, se trata de edificios construidos con entramados de madera, eran muy ligeros y fáciles de adaptarse al terreno y con muchas posibilidades de ampliaciones.
Tomamos la rue Corverter, a la derecha, que nos conduce a la Place del Chatel (GPS N 48.562210 E 3.288396), tiene forma rectangular. Es el centro neurálgico de la ciudad y seguramente en la época medieval era el centro político, en el centro
podemos ver
Cruz de los edictos, que era el lugar donde se proclamaban los edictos condales. Observamos en esta plaza un buen número de edificaciones construidas con la clásica técnica del entramado de madera como la casa de los tres tejados, otras son de piedra como la maison des Petits-Plaids o el Hotel de la Coquille , además, se pueden ver los restos de la antigua iglesia de Saint-Thibault.
Torre César de la ciudad de Provins (Francia)
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Seguimos rue de l'Ormerie y la rue de la Pie siguiendo la estela de otro de los edificios destacados de Provins, la Torre del César cuyo nombre original habría sido, probablemente, Torre del Rey o Torre de los Condes (GPS N 48.5617861 E3.2882912). La entrada esta incluida dentro de la tarjeta Pass Provins.
La Torre César fue utilizada como calabozo en el siglo XII, situada en la parte superior de una colina, lo que la hacia visible desde cualquier parte de la ciudad.
Es la única mazmorra de base cuadrada octagonal conocida. La torre también sirvió como prisión durante la Guerra de los Cien Años, fue ocupada por los ingleses que la rodearon con un muro.
La torre actual se construyó sobre un espolón rocoso que se encuentra en Ville-Haute, anteriormente llamado “Tour du Roi”, “Grosse Tour”, “Tour aux prisioneros”, probablemente se construyó durante el reinado de Henri el liberal. La leyenda dice que el origen de Provins se puede encontrar en la época romana. Según esta tradición, la gran torre de Provins habría sido construida por Julio César. Sin embargo, ninguna fuente
documental
demuestra que César nunca llegó a Provins.
Interior de la Torre César de la ciudad de Provins (Francia)
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Esta torre está construida sobre un montículo artificial. Se extiende a horcajadas sobre las paredes de las fortificaciones para las que sirvió como mazmorra. También sirvió como prisión, pero su papel principal era de orden militar: dos pasarelas que permitían vigilar la llanura de Brie.
Tiene una planta cuadrada en su base, volviéndose octogonal a media altura, flanqueada por cuatro torretas que se destacan al nivel de la primera pasarela. La base del edificio está cubierta por un pesado muro de mampostería, agregado por los ingleses después del asedio de 1432. La Torre César estaba coronada por una terraza que llevaba una torre de vigilancia y una pasarela almenada.
La torre ahora tiene un techo con una magnífica estructura del siglo XVII,
hasta 1571 no estuvo cubierta. A partir de la pasarela hacia el oeste, tenemos una buena vista la ciudad alta, mientras que hacia el este, la vista se dirige hacia la ciudad baja.
Vistas desde la Torre César de la ciudad de Provins (Francia)
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La torre también se utiliza como campanario de la ciudad, de las seis campanas originales, cinco fueron rotas y fundidas en 1793 y 1798, para la fabricación de cañones y monedas. La más grande y el única restante tiene un diámetro de 1,48 m. pesa 3000 Kg. Lleva la inscripción: “En el año 1511, después de haber sido derretido / De Quiriace me dieron el nombre, / reine en el aire y persigo la nube / Diablo, trueno y granizo por mi nombre”.
En el interior, en la planta baja, una gran sala abovedada servía como almacén para la administración. En el piso superior, otra sala de las mismas dimensiones pero más alta, llamada sala de guardia, era el centro de comunicación de la torre. Desde allí, las escaleras conducen a la sala inferior, la sala del gobernador y los pasillos. La bóveda está perforada con un "agujero de servicio", lo que permite la comunicación con la última pasarela. Uno llega a las mazmorras donde los prisioneros fueron mantenidos por estrechos pasillos tomados en el grosor de las paredes. La torre fue cubierta en 1554, y la instalación de campanas, provenientes del campanario de la iglesia de Saint Quiriace, que se había derrumbado, data de 1689.
Colegiata de San Quiriace de la ciudad de Provins (Francia)
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Continuamos hacia la iglesia más grande de la ciudad es la Colegiata de San Quiriace (GPS N 48.5619184 E 3.2874747), edificio monumental aunque no terminado, del siglo XII. La entrada es gratuita y esta permanentemente abierta.
Según el primer texto oficial llamado: El privilegio de la riqueza, que se remonta a 1062, el Conde Eudes creó la “Collegiale Saint Quiriace” entre 1019 y 1032.
Cuando “Henri le Liberal” se convirtió en el Conde, en 1157, para los cánones religiosos de Saint Quiriace, la iglesia era demasiado pequeña y presentaba
numerosos problemas
.
En 1161, Henri multiplica sus dones
y su poder. En 1176, los eximió de impuestos y les otorgó la recaudación de impuestos, sobre los terrenos, los pueblos enteros, los siervos ... Entonces se impulsaron las obras del nuevo edificio y se llevaron a cabo rápidamente hasta el pilar principal que separó el santuario del coro.
Púlpito Colegiata de San Quiriace de la ciudad de Provins (Francia)
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Más adelante, se termino el coro, su ancho es proporcional a la cantidad de cánones previstos, que deberían haber sido cien, pero nunca fue cierto ... solo tenían cuarenta.
La muerte de Henri le Liberal ocurriría en 1181. Las partes iniciadas se terminaron para albergar al conde, por lo que el funeral se celebró allí.
De acuerdo con el método de construcción, los pilares se ensamblan al nivel de la salida de las bóvedas y luego se procede a la instalación del marco de madera, para proteger las bóvedas muy lentas para secar que se instalan en ese momento.
La bóveda del coro es de crucería octopartita. Esta forma de bóveda solo existe en los alrededores, en los pueblos de Voulton y Ferrière-en-Brie. Tiene una tribuna que corre alrededor del coro y del santuario estaba abierta en los techos.
Vitral de San Quiriace de la ciudad de Provins (Francia)
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Las paredes del crucero serán ensambladas. Según las prácticas del maestro de obra, uno comenzará al mismo tiempo, la torre del campanario con el lugar del claustro.
En el siglo XVI, se resolvería cerrar definitivamente la nave, instalando una fachada que reduciría la pobreza del trabajo realizado. Esta decorada con piedras talladas y una inmensa ventana que se abriría en el tímpano donde se instalaría una estatua dedicada a Santa Elena. La nave estará cubierta de pizarra.
En 1662, la techumbre sufrió un incendio que supuso la ruina parcial de la iglesia. El trabajo de restauración se llevó a cabo de inmediato y se continuó durante dos años. Todo se rehacía como antes del incendio, excepto la gran intersección de arcos de ojivales que serían reemplazados por una cúpula cubierta de pizarra de acuerdo con la moda del momento.
A partir de 1760, una gran campaña de trabajo mantendría esta iglesia en el tiempo sin ser una restauración afortunada. De hecho, el pavimento se hizo desigual, debido a las tumbas, niveladas y alicatadas, los viejos
vitrales de colores son
considerados demasiado oscuros serían destruidos para obtener una luz más brillante.
Subterráneos del Hotel Dieu de la ciudad de Provins (Francia)
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El altar y las capillas de estilo Luis XV se instalarían para reemplazar a los de la Edad Media considerados demasiados deteriorados. En 1773, la cúpula que cayó en ruinas fue restaurada.
Con la Revolución Francesa , sería la puntilla de esta Colegiata que quedo muy deteriorada. En 1836, la cúpula y la linterna que requieren una reconstrucción, serían restauradas hechas de zinc.
Más adelante, marchamos hasta el antiguo Palacio de las Condesas
será uno de los últimos lugares de la visita Provins (GPS N 48.5611901 E 3.2951505). Hay que reservar turno en una de las visitas guiadas que se realizan cada media hora, seguimos las indicaciones que nos han hecho desde la propia oficina de turismo. El tour es en inglés y recorre las galerías subterráneas del Hotel Dieu, que ocupó las dependencias de este antiguo palacio del siglo XII para ser convertido en centro de acogida y hospital para mendigos. Estas grutas, primero fueron excavadas para extraer piedra y posteriormente recibieron distintos usos, incluidos los de almacén durante las dos ferias anuales que en Provins de celebraban.
Subterráneos del Hotel Dieu de la ciudad de Provins (Francia)
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De hecho, los pasajes subterráneos también fueron utilizados por los comerciantes para almacenar sus productos en las ferias de Champagne. Las cuentas de un comerciante de vinos todavía son visibles en una pared. “Cada comerciante tenía su refrigerador gigante, y un mercado
negro dedicado a la venta de
carne incluso podría haberse desarrollado allí durante la Segunda Guerra Mundial”.
Debido a la presencia de los pasajes subterráneos, fuera de la vista, también sirvieron como refugios durante los períodos de disturbios: Se encontraron inscripciones como: 1789, vivimos en horas serias, otro, atribuido a la Logia Masónica de Provins, creado en 1783, utilizó el lugar para sus ritos de iniciación”.
A medida que se acerca el final de la visita, la posibilidad de perderse es mucho mayor y se necesita la ayuda del guía para poder encontrar la salida.
Plaza del Châtel de la ciudad de Provins (Francia)
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Es la hora de la comida, aunque son las 15,00 horas, esto en Francia sería la hora de la merienda-cena pero Provins es tan turístico que los restaurantes están
abiertos durante
todo el día.
Marchamos hasta la plaza del Châtel, ante la imposibilidad de tener mesa, vemos que en uno de los restaurantes tiene platos para llevar, se trata de la Creperia Mammy Gâteaux (GPS N 48.56254 E 3.287525) nos preparan unas salchichas con patatas en unos sobres y las degustamos en un banco de la misma plaza.
Rápidamente comemos porque a las 16,00 horas tenemos nuestra siguiente cita en las murallas para ver el espectáculo Les Aigles des Remparts (GPS N 48.5641136 E 3.2815986). Nosotros llevamos incluida la visita porque lo hemos solicitado en la Oficina de Turismo.
El espectáculo des Remparts de Provins, es un viaje al corazón de la Edad Media, era el momento en que la cetrería se convirtió en un verdadero arte de vivir.
Espectáculo des Remparts de Provins (Francia)
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La puesta en escena, es
la recreación del mundo de la cetrería que llega hasta Francia, procedente de las estepas de Asia Central a través del Cercano Oriente hasta los señores feudales.
Este método de caza, practicado en todo el mundo durante más de 4000 años, alcanzó su punto máximo en la Edad Media en el oeste. Esta tradición respetuosa con la naturaleza y el medio ambiente, transmitida de generación en generación, está registrada en el patrimonio cultural inmaterial de la UNESCO.
En el siglo VII, la cetrería se introdujo en las regiones de Europa conquistadas por las grandes invasiones, y luego llegó a Inglaterra en el siglo IX.
No fue hasta la Edad Media que el halcón llegó a Francia fue domesticado para cazar y esto dio lugar a que cetrería se desarrollase en Europa. En el siglo XIII, aparecieron los primeros tratados de cetrería. El primero, y el más famoso, es el “De arte venandi cum avibus”, escrito entre 1244 y 1250 por Federico II de Hohenstaufen (Emperador del Sacro Imperio Romano), que detalla, entre otras cosas, la captura y entrenamiento de las aves rapaces, el segundo es “De Falconibus” por el religioso Alberto Magno (1200-1280).
Espectáculo des Remparts de Provins (Francia)
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La edad de oro en la caza de halcones alcanzó su punto máximo durante el reinado de Luis XIII, y la cetrería francesa fue la primera en el mundo, pero, en Europa, este tipo de caza siguió siendo una distracción de los reyes y un deporte reservado para la nobleza.
El declive fue poco a poco, con el desarrollo de armas de fuego, la cetrería pasará de moda. Después de la Revolución , la Convención abolirá los cargos reales de cetrería y su práctica e incluirá aves rapaces en la lista de los llamados animales “dañinos”.
Durante el Renacimiento, la mayoría la mayoría de los tribunales europeos no afectados por la Revolución Francesa , algunos maestros cetreros perpetúan este arte que transmitirán los aristócratas aficionados y ex emigrantes. En Francia, al final de la Segunda Guerra Mundial, el resurgimiento de la cetrería se debió a la fundación de la Asociación Nacional de Cetreros y Autores de Francia, que obtuvo la legalización de la caza de vuelo en 1954 y popularizó las técnicas de este modo tan peculiar de caza
Espectáculo des Remparts de Provins (Francia)
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Hoy en día, la cetrería es un arte que todavía se practica en Europa, pero especialmente en los países del Cercano y Medio Oriente. En Arabia y Mongolia, se practica ampliamente. La cetrería árabe se ha mantenido casi sin cambios. Se realiza hoy como lo hacían los beduinos hace muchos siglos.
El espectáculo final es ver en libertad y volando sobre nuestras cabezas
las siguientes aves: águila calva, águila de cola blanca, águila de Steller, águila azul chilena, águila real, halcón vulgar y halcón Harris, cometa negra, cometa roja, buitre leonado, buitre rüppell, halcón saker, caracara de cresta y forster, lechuza, lechuza gris, lechuza blanca, leptograma y otras aves que no alcanzamos a identificar, incluso
algunas
aterrizan cerca de nuestros brazos.
Los caballos que salen en escena son todos de origen ibérico de raza española. El Rey Felipe II ordenó la cabaña caballar de su reino y puso las bases definitivas para que el Pura Raza Española alcanzara su apogeo en años venideros. Lo consiguió mediante la creación de las Caballerizas Reales de Córdoba, donde agrupó los mejores sementales y yeguas de las provincias que bordean el Guadalquivir, que por aquel entonces eran las más prolíficas en la cría de caballos.
Espectáculo des Remparts de Provins (Francia)
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Las caracteriticas de los caballos mostrados tienen un cuerpo muy proporcionado, con una cabeza mediana, donde lo más llamativo son sus ojos alegres y tremendamente expresivos. El pecho es realmente amplio y musculoso, con una espalda robusta, de lomo corto y ancho. Sus piernas son largas y potentes. En definitiva, los caballos andaluces son ágiles y fuertes, a la par que elegantes y bellos.
Espectáculo des Remparts de Provins (Francia)
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En cuanto al carácter, puede que este sea su seña de identidad más valiosa. Son unos caballos dóciles, nobles e inteligentes, lo que les convierten en unos caballos muy fáciles de doma.
Espectáculo des Remparts de Provins (Francia)
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En la tarde solamente nos queda ver la Maison Romana (GPS N 48.5596091 E 3.2913404), una de las edificaciones más antiguas de la ciudad pues fue construida en el siglo XII y que ha sido restaurada con mucha delicadeza. Actualmente alberga el Museo de Provins y de los Provinois, con múltiples objetos que nos recuerdan el pasado galo-romano de la región y otros muchos que perteneces a los últimos siglos.
Museo de la Maison Romana de la ciudad de Provins (Francia)
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Alberga en particular vestigios excepcionales del tesoro de Saint-Quiriace: piezas de orfebrería, ícono trinitario del siglo XV y casulla de Saint Edme, en lampas de seda del siglo XIII, además, esculturas y pinturas, objetos raros como una torre de abandono, era donde se solía abandonar a los huérfanos en las puertas de las iglesias.
Aquí damos por teminada la visita a la ciudad de Provins, apartir de ahora nos tomamos la tarde con mucha calma y decidimos relajarnos para tomar conciencia del viaje.
La tarde la empleamos en un reset a la autocaravana y a todos sus miembros, aprovechamos la posibilidad del agua en área de autocaravanas para ducharnos sin tanto miramiento del consumo de agua, además, para atender las obligaciones de Internet y unas merecidas horas de descanso.
Provins es de estas ciudades que por las mañanas llega mucha gente y se convierte en bulliciosa pero a las 18,00 horas no queda ni el tato.
Griferia del museo de la Maison Romana de la ciudad de Provins (Francia)
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A la hora de la cena nos toca que revisar las caducidades de todo el frigo y para aprovechar los alimentos tenemos que comer pisto con huevo duro y carpaccio de ternera que amenazaban con caducar, de postre un melon francés de Catelup que aromatizaba el frigo y la casa.
Por la noche nos quedaron fuerzas para ver un capitulo de Dawthon Abbey, estamos en la temporada 5, momento en que los nobles deciden dedicarse al negocio inmobiliario, tienen el suelo, pues solo les falta el ladrillo.
Día 17 de agosto (sabado)
Ruta: Provins- Chaverny- Villasavin -Rigny-Ussé-. Distancia 252 Km: Tiempo 2h 48'
Ciudad de Chaverny(Francia)
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La noche ha sido algo lluviosa y se espera que el día continúe por el mismo camino, esperemos que nos respete para poder ver el Chateau de Chambourd.
La temperatura interior son 24 grados, la exterior marca 22, son de esos días tontos, si te pones pantalón corto tienes frio y se te lo pones largo tienes calor, qué hago?.
El viaje de hoy transcurre por el corazón del valle del Loira, era el lugar que los reyes de Francia utilizaban para la caza, esto arrastraba a los cortesanos y los grandes señores y condes para construir sus palacios y hacer la competencia a la realeza.
El paisaje en esta época del año está principalmente dominado por el maíz y por los girasoles que destacan por los tonos verdes, el ocre es un manto que corresponde con el cereal recién cortado. El valle se cultiva pero sigue teniendo una zona boscosa, los bosques son como islas que evitan la erosión de las zonas de cultivo sobre el terreno.
El trayecto de hoy, 200 km., los hemos hecho lloviendo lo que nos ha obligado a cambiar los planes, nuestro destino era el Château de Chambord, quizás el más grande y extenso del Loira, probablemente, el más bonito, y quepero quizás, nunca se debería de visitar lloviendo.
Jardín de Chaverny (Francia)
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Elegimos seguir hasta el Château Cheverny, mucho mas chiquitito y humano y fácil de visitar. Para hacer tiempo y ver si escampaba, y además, nos da una tregua, comemos en la autocaravana una rica paella de marisco con una ensalada mediterránea, de postre fruta española de verano.
La realidad se complica lloviendo al pasar por Chambourd porque llueve lo esperado, en estos momentos pensamos que es mejor continuar porque las previsiones es que dentro de unas horas habrá escampado, decidimos seguir hasta el Castillo de Chaverny.
El parking utilizado para autocaravanas en Chaverny se denomina P-3, esta un poco más alejado y con césped pero nos permite la visita comodamente, es gratuito. Hay un amplio cartel que nos anuncia que a tres kilómetros hay un camping con piscina, pero parece que no tiene mucho éxito. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 47.497762 E 1.461841.
La visita a Chaverny la hacemos bajo una lluvia fina, pero no es incoveniente para que podamos fotografíar el exterior y los jardines con relativa dificultad.
Este castillo sirvió de inspiración en un de los epìsodios del belga Georges Remi, más conocido como Hergé, autor de Las aventuras de Tintín, se inspiró en el Castillo de Cheverny para crear el Castillo de Moulinsart, traducido como Mansión Pasador o Castillo del Molino, residencia oficial del capitán Archibaldo Haddock, la cual aparece por primera vez en el episodio “El Secreto del Unicornio”.
Castillo imaginario de Moulinsart (Francia)
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El castillo imaginario de Tintin estaba situado en algún lugar probablemente de Valonia, en las aventuras de Tintín es, a partir de un determinado momento, la residencia habitual del protagonista, Tintín, su perro Milú, del capitán Haddock y del profesor Tornasol, además del mayordomo Néstor. Su residencia más característica está inspirada en el castillo de Cheverny, de la región francesa del Loira, aunque Hergé suprimió las alas laterales para darle una apariencia más modesta.
Moulinsart aparece por primera vez en El secreto del Unicornio. En las ediciones de España aparece inicialmente como Castillo del Molino. Por entonces es la residencia de los hermanos Pájaro, una pareja de gánsteres anticuarios que se enfrentarán con Tintín y Haddock. Al término de la aventura se descubre que el castillo había pertenecido al caballero Francisco de Hadoque, quien lo había recibido como regalo de Luis XIV de Francia en premio a sus actividades corsarias. Este caballero es, casualmente, antepasado de Haddock y dueño del tesoro que Tintín y el capitán buscan a lo largo de toda la historia. Haddock adquiere entonces el castillo gracias a que el profesor Tornasol lo compra para él en retribución por haber permitido probar su submarino en forma de tiburón en la expedición al Unicornio. Además el capitán mantiene en su puesto al mayordomo Néstor.
Imagen verdadera del Château de Cheverny (Francia)
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Château de Cheverny, en el que se basó el diseño del Castillo de Moulinsart. Desde entonces, Moulinsart aparece en casi todas las aventuras de Tintín. La trama del cómic Las joyas de la Castafiore se desarrollan enteramente en el castillo y sus alrededores.
Castillo de Chaverny (Francia)
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En el álbum que sigue cronológica y argumentalmente a El secreto del Unicornio y a El tesoro de Rackham el Rojo, Las 7 bolas de cristal, encontramos a Haddock convertido en un aristócrata, fascinado sin duda por su nueva casa, aunque poco a poco irá perdiendo el aire de nuevo rico. Tintín parece vivir aún en su modesto piso de la calle Labrador, 26 (en la edición española).
El pueblo cercano al castillo parece bien provisto: tiene una estación de tren, una lechería llamada Lactas; un marmolista, Isidore Boullu; una orquesta, La Armonía de Moulinsart, la carnicería Sanzot; un podador, Émile Vanneau, un vertedero municipal y un puesto de gendarmería.
El castillo de Cheverny no sólo les gusta a los fanáticos del cómic aquí encontraras mucho arte. Es considerado como el castillo del Valle del Loire mejor amueblado pues contiene salas intactas, tapices centenarios y piezas originales pertenecientes a la época de oro francesa. Entre otras cosas, sirvió de refugio para albergar obras de arte de las colecciones nacionales como La Gioconda durante la Segunda Guerra Mundial.
Decoración del Castillo de Chaverny (Francia)
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El Château de Cheverny abre todos los días del año de 9:15 a 18:30 horas en verano (de abril a septiembre) y de 10 a 17,00 horas el resto del año. El castillo cierra media hora después de la taquilla. El precio que pagamos por los cuatro son 42 euros.
La historia del castillo de Cheverny se remonta nada menos que al siglo XVI, aunque la mayoría de la arquitectura actual es de la primera mitad del siglo XVII. Dos generaciones hicieron falta para acabar la obra y la decoración interior.
El castillo de Cheverny actualmente es uno de los castillos más famosos de los Países del Loira, pertenece a los descendientes de la familia Hurault, conocida en Blois desde el siglo XIII.
Esta familia de financieros y oficiales, se ilustró al servicio de cinco reyes de Francia desde Jacques General de Finanzas de Luis XII, hasta Philippe Canciller de Enrique III y después de Enrique IV y su hijo Henry y la condesa Marquerite mandan construir hacia 1620, un nuevo castillo inspirado en la obra de los mejores artistas de la época.
Decoración del Castillo de Chaverny (Francia)
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El arquitecto Boyer de Blois y el pintor decorador de Cheverny, Jean Monier, trabajaron para la Reina María de Médicis en el Castillo de Blois y en el Palacio de Luxemburgo en París.
A la vanguardia de su época, con Cheverny se inventa la arquitectura a la francesa en la primera mitad del siglo XVII.
El castillo era una de las propiedades de la familia Hurault, cuyos últimos descendientes –el marqués y la marquesa de Vibraye– aún siguen viviendo en el castillo, en el ala derecha.
La familia Hurault “perdió” la propiedad del castillo en dos ocasiones a lo largo de su historia. Perdió entre comillas porque uno no pierde un castillo como si fuera una moneda que se le cuela entre los cojines del sofá…
La primera fue a manos –y a monedas, que lo compró– de Diana de Poitiers. Como ya contamos en nuestro artículo sobre el castillo de Chenonceau, Catalina de Medici expulsó a la amante del rey, su marido, en cuanto quedó viuda. La echó, pero le concedió el castillo de Chaumont sur Loire. Mientras lo acondicionaba a su gusto, Diana compró el castillo de Cheverny para tener “un techo bajo el que dormir”. Poco queda del castillo que habitó a mediados del siglo XVI.
El Quijote en el Salón del Castillo de Chaverny (Francia)
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En el interior la parte más destacada es el comedor fue parte acondicionado en el siglo XIX para las grandes cenas y recepciones de gala. Está inspirado en los decorados del siglo XVII, con sus techos y muros tapizados de cuero de Córdoba con el escudo de armas de los Hurault: una cruz azul y soles rojos; la chimenea monumental de piedra, dorada con oro fino coronada con un busto del Rey Enrique IV.
En los muros, colocados en el revestimiento de madera, hay paneles originales, pintados por Jean Monier, que ilustran la novela española Don Quijote de Cervantes muy de moda en el siglo XVII. El pintor Jean Monier, muy joven, llamó la atención de la Reina María de Médicis. Estudia ocho años en Italia antes de trabajar en París para la soberana, y en 1640 inicia la decoración de Cheverny. Estos paneles quijotescos que estaban muy de moda en el siglo XVII y resaltan escenas tan conocidas del libro como la de la pelea con los molinos de viento, la del enamoramiento de Don Quijote y Dulcinea del Toboso, o la mismísima muerte del ingenioso caballero español.
El Quijote en el Salón del Castillo de Chaverny (Francia)
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El mobiliario de roble esculpido fue especialmente encargado en el siglo XIX para el comedor. Se puede mover las sillas gracias a las ruedecillas de hueso de las patas delanteras. El imponente aparador de roble macizo, con el escudo de armas de la familia, es la obra maestra de un solo artesano de Blois. La mesa con sus prolongaciones puede acoger a treinta comensales.
La escalera de subida recta con rellano a la mitad, llamada rampa sobre rampa, recuerda la influencia del Renacimiento italiano en el valle del Loira. El elegante decorado está esculpido en toba blanca, la piedra de Bourré del Cher, cerca de Montrichard. Sus motivos están de moda bajo Luis XIII de Francia: las balaustradas, guirnaldas, emblemas guerreros adornados, con el sol de los Hurault, y artes: geografía, arquitectura, música, poesía, pintura y escultura. En el rellano, de la inmensa cornamenta, antepasado prehistórico del alce, fue sin duda colocada allí en el siglo XIX por Paul, Marqués de Vibraye, científico y gran coleccionista.
Cámara amarilla del Castillo de Chaverny (Francia)
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Entre los apartamentos privados está el gran salón. Su reacondicionamiento y su decoración son Obra de Vizconde y de la Vizcondesa de Sigalas, padres del actual Márques de Vibraye. Habitados hasta 1985, están abiertos a las visitas desde la fecha. El precioso mobiliario es uno de los testimonios del arte de vivir a la francesa.
Ya en la primera planta, podemos ver la cámara Amarilla, llamada la cámara de los nacimientos permitirá a las jóvenes madres recibir y presentar a sus recién nacidos a la familia. Tiene una preciosa cuna de caoba que data de la época de Napoleón I. Además, podemos ver un bureau, un reclinatorio para escribir y numerosos objetos de cerámica de la época.
Le siguen una pequeña salita roja estancia dedicada a la meditación y para trabajar. Tiene un estupendo bureau, a su lado un joyero con espejo con un biombo de tele de seda para evitar ser visto desde la ventana, en la esquina una mesa camilla con una lámpara de cerámica china y un sofá tipo barco con telas rojas, que dan el nombre a la sala.
Habitación de los niños del Castillo de Chaverny (Francia)
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La siguiente es la habitación de los niños, tiene una cama tipo barco. Al lado hay auténticos y valiosos modelos de caballitos de madera de la época de Napoleón III. Además, hay dos perritos de Lego tricolores de la raza anglo-franceses mezcla de poitevino francés y foxhound inglés. En el centro de la sala una chimenea de mármol rojo y delate un protector decorado con pájaros exóticos.
La siguiente estancia es la habitación de matrimonio esta decorada con cuadros de los hijos, sobre la chimenea de mármol rojo hay fotografías del matrimonio y jarrones chinos. A su lado una preciosa licorera de madera inglesa. Un maniquí nos enseña uno de los vestidos de fiesta sobre un espejo que nos ayuda a ver la espalda.
La siguiente estancia es el comedor familiar, es una pequeña habitación donde se sirve la comida y los desayunos de forma intima. Tiene una mesa redonda con todos los servicios listos para comer, en el centro una cabeza de venado de cristal de Murano. En la pared una vitrina guarda la colección de cerámica y el servicio de plata. Pegado, se puede ver la cocina familiar con una amplia exposición de objetos de cocina en cobre.
Anne Víctor Denis Hurault del Castillo de Chaverny (Francia)
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La siguiente estancia es el despacho, en la pared, se puede ver el retrato de Anne Víctor Denis Hurault de Vibraye. Destaca el sofá de tela roja decorado con flores, un aparador francés de madera y sobre él podemos ver el retrato del rey Charles X, fue rey de Francia y de Navarra, entre 1824 y 1830. Fue el último rey Borbón de Francia, y el último que tuvo una ceremonia de coronación.
Pasamos a la sala de armas es la más grande del Castillo, ha conservado sus dimensiones y decoración original pintado en el siglo XVII por Jean Monier, el techo a la francesa, tiene vigas y viguetas aparentes. En los muros
se pueden leer
lemas adivinanzas y juegos de palabras en latín, muy de moda en aquella época. Sobre la chimenea de madera esculpida y decorada, los dioses Mercurio y Venus enmarcan la historia de amores de Adonis. Entre las obras que se ilustran en esta sala un episodio de la célebre tradición griega que relata Homero en la Ilíada y la Odisea , el rapto a Helena, esposa del Rey de la Esparta , Menelao, por el príncipe de Troya, hecho que desencadenó la Guerra de Troya.
Sala de Armas del Castillo de Chaverny (Francia)
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En esta sala se presenta una colección de armas de los siglos XV y XVI (pesadas espadas para dos manos, armaduras y alabardas) y del siglo XVII (espadas, ballestas, arcabuces, y pistolas).
La Cámara del Rey es una de las estancias más importantes del castillo. Cualquier chateau de esta zona debía tener una habitación reservada al Rey y, aunque ésta nunca fue utilizada por el monarca francés, su decoración es espléndida. Los seis tapices que cubren los muros de la sala son espectaculares. Fueron realizados en los talleres de París e ilustran escenas de las obras de Ulises. También sorprende la gran cama con baldaquino de 2 x 1,60 metros, tapizada con sedas persas bordadas del siglo XVI. Por último.
Pasamos al pequeño oratorio del castillo, esta presidido en el centro por el cuadro del Sagrado Corazón enmarcado sobre un marco de mármol blanco, a la derecha una escultura de mármol de san José con el niño y a la derecha otra que hace juego con la
Virgen y el Niño.
Juana de Aragón del Castillo de Chaverny (Francia)
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También es de destacar el Gran Salón del castillo, restaurado en el siglo XIX, se rinde homenaje a los primeros Condes de Cheverny con bellas pinturas de la familia. Entre ellas podemos ver una copia de Juana de Aragón del maestro Rafael. La figura, representada sentada frente a las tres cuartas partes a la izquierda y mirando hacia el espectador, llena el espacio desde el primer plano hasta los bordes derecho e izquierdo de la pintura. Está ricamente vestida, con un sombrero del mismo color que el vestido de terciopelo rojo; los puños son más claros, dorados y los adornos, los extremos de las mangas aparecen en blanco hacia las manos, la izquierda apoyada en la rodilla, la derecha levantada en una pose elegante, sosteniendo su pelaje como un hurón.
La decoración de fondo a la izquierda sugiere una arquitectura clásica con arcos y dos columnas, así como una perspectiva hacia un paisaje montañoso con cielo azul; otro personaje visto desde atrás es visible entre las columnas. A la derecha de la pintura, entre los detalles de la pared oscura, aparecen dos caras simiescas mirando hacia la izquierda.
Cosme de Médicis de Tiziano Castillo de Chaverny (Francia)
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Otro de los cuadros importantes es: retrato de Philippe Hurault, conde de Cheverny, canciller de Francia. Era el hijo de Raoul Hurault, controlador de finanzas del rey Francisco I de Francia. Se casó con Anne de Thou pero tuvo una relación con Isabeau Babou de la Bourdaisière , señora de Sourdis, la influyente tía de la amante de Enrique IV, Gabrielle d'Estrées.
En la pared se puede ver el retrato de Cosme de Médicis (1519-1574), está atribuido a Tiziano, esta datado en el siglo XVI y representa al Gran Duque de la Toscana.
La biblioteca es la siguiente estancia, tiene una librería con números incunables, en el centro un piano con una tapa pintada con motivos de la época, sobre el sofá se pueden ver varios instrumentos musicales, lo que nos indica que la sala era también empleada para pequeños conciertos.
El parque del castillo cuenta con jardines « à l'anglaise » y contemporáneo, enmarcados por una zona de bosque.
Orquídea del Jardín en Castillo de Chaverny (Francia)
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Este hermoso parque ajardinado, permite un paseo largo y agradable en el que un bosque de cien hectáreas rodea el castillo con un jardín reconstituido « à la française ». La alameda principal, frente al castillo es un largo camino de seis kilómetros, habiendo cerca de 2.000 árboles que rodean la propiedad.
Las características del parque, incluyen árboles maduros con, Sequoiadendron giganteum, cedros, tilos, Acer campestre, Acer cappadocicum, Acer davidii, Acer ginnala, Acer palmatum, Acer cissifolium, Gleditsia triacanthos, robles, carpes, hayas, platanos de sombra, Quercus acutissima, Prunus laurocerasus var. 'Caucasica', Prunus maackii, Prunus serrulata var. 'Kanzan', Euonymus japonicus. En el sotobosque se puede observar narcisos, ciclamenes o azafranes según las estaciones del año.
El jardín se caracteriza por la presencia de lechos de cultivo en forma de cuadros donde se cultivan plantas vivaces de temporada tal como Lupinos, Peonías, Campanulas, Stachys, Leucanthemum, Aruncus, Carex, Tradescantia, Salvia, Delphinium, Sedum, Hemerocallis, Alstroemeria, Physalis, Heuchera, Geum, Kniphofia, Ligularia, Alchemilla.
Datura blanca del Jardín en Castillo de Chaverny (Francia)
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Así mismo hay un huerto con variedades de verduras y árboles frutales de la zona. Una orangerie que data del siglo XVIII que fue almacén de parte del mobiliario nacional durante la Segunda Guerra Mundial, esta ha sido restaurada y remodelada en su interior en 1979, para celebrar congresos, seminarios o incluso bodas.
En el jardín podemos fotografíar diferentes
especies de
flores: altramuces y peonías, rosas amarillas, rosas floribundas, zantedeschia, Iris Germanica, orquídeas, lirio de paz, mutisia lila.
Uno de los principales atractivos de Cheverny es su perrera para 100 perros de raza anglo-franceses. Cheverny ha mantenido su patrimonio de caza y el censo de la finca también incluye 11 caballos, 70 ciervos y 200 jabalíes.
Flores bajo la lluvia del Jardín en Castillo de Chaverny (Francia)
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Los perros están entrenados para estar en excelente forma de caza de venados. Se lleva a cabo en el bosque circundante y otros bosques cercanos dedicados a la caza, dos veces por semana de octubre a marzo. Cerca de 25 ciervos son cazados cada año de acuerdo con las regulaciones locales de caza (departamentales).
Perros del Castillo de Chaverny (Francia)
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A la hora de comer, se puede observar como los perros devoran grandes cantidades de carne cruda en cuestión de minutos. La alimentación se lleva a cabo a las 5 pm diariamente (con excepciones) del 1 de abril al 14 de septiembre. El resto del año la alimentación se lleva a cabo a las 15,00 horas: el lunes, miércoles, jueves y viernes (excepto festivos).
Aquí damos por terminada la visita la castillo, solamente nos queda ver la iglesia de la localidad, esta dedicada a Saint Etienne. Destaca exteriormente por el pórtico envolvente (muy desarrollado en francés) donde la congregación y los fieles podrían reunirse para conversar después de la misa
La iglesia de Saint-Etienne conserva en la fachada occidental un portal de entrada semicircular del siglo XII de estilo prerrománico. Fechado en el mismo período, pero con cimientos más antiguos, el campanario tiene la forma de una torre cuadrada, atravesada por una bahía semicircular a cada lado, con un techo con una pendiente muy empinada. En el siglo XVI, un robusto porche se apoyaba contra la pared sur y en la fachada.
Iglesia de Saint-Etienne de Chaverny (Francia)
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La iglesia sufrió modificaciones importantes en el siglo XVII: construcción de la cabecera plana con bóvedas de crucería, adición del pasillo lateral hacia el sur y elevación de la capilla señorial. Además, en el coro, una piedra angular lleva los brazos de la familia Hurault de Cheverny.
La capilla de la Virgen conserva, a ambos lados de un retablo del siglo XVII, los epitafios sobre mármol negro de miembros de la familia Hurault, incluida el de Henri Hurault, señor y constructor del castillo de Cheverny. Estos epitafios, como el retablo lateral, se clasifican como monumentos históricos.
Otros epitafios, de los siglos XVI, XVII y XVIII, en mármol, piedra o pizarra, están inscritos y sellados en las paredes y pilares de la iglesia de Saint-Etienne en Cheverny.
Desde aquí marchamos a la vecina localidad de Villansavin para ver
su magnifico
castillo, nos separan 6 km.
Chateau de Villasavin (Francia)
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Aparcamos en el parking habilitado para autocaravanas en el Chateau de Villasavin (Francia), situado frente a la valla de entrada al castillo (GPS N 47.5460891 E.5098918), es gratuito y se respira un ambiente de paz y sosiego.
Es un lugar apto
para poder pernoctar.
Chateau de Villasavin (Francia)
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El castillo esta abierto 1 de junio al 30 de septiembre: 10 AM. a 19,00 horas PM., el precio es de 7 euros por persona. La visita incluye todos los exteriores y museos: El parque con su reunión fantasma para niños, su granja de burros y su mini granja. La capilla y sus pinturas restauradas. El loft del siglo XVI en una escala giratoria. La sala de guardia.
El museo de bodas con su maravillosa colección de disfraces y objetos que recorren toda la historia del matrimonio desde 1840. Se sabe que es el más importante del mundo. La colección de coches infantiles del siglo XIX. La visita al salón del interior del castillo era guiada
aunque
ya no era posible poder verla.
El edificio principal está flanqueado por dos hermosos pabellones, y en la parte inferior del patio de este edificio principal, hay otros dos pabellones de muy hermosa apariencia, en uno de los cuales hay una gran capilla. Pero hay otra proyección mucho más hermosa, incorporada en el gran Edificio principal. Todas las ventanas del castillo son de cristal, en los bordes de las cuales se representan las metamorfosis d'Ovide y el escudo de armas de los señores de la corte de François I. Todo es hermoso incluso la portada, con el escudo de plomo y dorado con los rayos del sol, sin mencionar en particular el jardín, el huerto, el parque o el terrario.
Chateau de Villasavin (Francia)
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Quizás
esta
imagen del castillo atrajo a René Adine, uno de los directores de la Compagnie des Indes para adquirir el castillo en 1719. El castillo permanece en su familia hasta principios del siglo XIX. Los inventarios sucesivos no revelan ningún cambio notable Aunque fue incautado y secuestrado durante la Revolución , el edificio pasó el momento historico sin incidentes; Sólo los muebles se vendieron el 19 de agosto de 1793.
Este castillo fue adquirido el 20 de diciembre de 1820 por Jules de Chardebœuf, conde de Pradel, era el primer chambelán –noble que acompañaba y servía al rey en su cámara– de Luis XVIII. Durante su estancia inicio una serie de obras que le permitieron residir hasta su muerte en 1857. Angelique de Martel, su esposa, lo heredó. A la muerte de éste en 1870, todo volvió a su primo, Anatole de Bizemont, luego a su cocinero, que se había casado en segundas nupcias. La finca, que todavía tenía una extensión 819 hectáreas en 1913,
disminuyó a 233 en 1936, luego llegó a tener solo 13 en 1939. A pesar de estas ventas, la falta de medios de la ex señorita Douanneau y la falta de mantenimiento que resultó durante los primeros cuarenta años del siglo XX fueron casi
determinantes
para el edificio. Tomó el interés del editor parisino G. Le Prat, quien adquirió el castillo en 1937, luego pasó a su hija, actual propietaria, para adaptarlo y abrirlo al público.
Chateau de Villasavin (Francia)
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Por lo tanto, la historia permite identificar dos tiempos probables en la génesis de Villesavin: una construcción llevada a cabo rápidamente en el siglo XVI y una modernización tres siglos después. El análisis ahora debería permitir identificar la constitución del edificio renacentista, su evolución, y luego la creación contemporánea.
En el castillo se pueden ver dos pabellones que flanquean el foso y que limitan el patio principal hacia la entrada, el de la izquierda está aislado y contiene una capilla. Al final del patio, otros dos pabellones flanquean el edificio principal entre patio y jardín. A la derecha del patio, los pabellones están conectados por un ala que da a un patio donde se encuentran los establos de
caballos
, construidos en el siglo XVIII.
A la izquierda, hay un muro simple que conecta los pabellones y separa el patio central del de la granja, también limitaba con sus otras tres caras de edificios. Alrededor del patio central, los edificios están en el mismo nivel, una planta baja simple cubierta por un techo habitable, como en un testigo de las grandes buhardillas.
Escultura moderna del Chateau de Villasavin (Francia)
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El edificio principal se eleva casi 2 metros por potentes bodegas abovedadas que lo suben al nivel de la patio rellenado Esta disposición redime el diferencia en el nivel del suelo que desciende hacia río. Sin embargo, este gradiente natural es mantenido en el patio de los establos, lo que permite el acceso directo a las bodegas.
En la decoración exterior se distingues personajes femeninos vestidos con trajes antiguos, son una evocación de musas. Por la posición del personaje, emergiendo del cuerpo de la ventana abuhardillada, tiene una preciosa elegancia, el motivo recuerda a la escultura italiana, especialmente la mayólica mujer puesta de moda por Luca Délia Robia. Su cuello es delgado, su cara de muñeca no es diferente a alguna de los pequeños personajes que aparecen en el castillo de Chambord.
Sobre los tímpanos destacan las figuras. Su silueta está animada por candelabros colocados en línea con las pilastras y seis pergaminos en forma de S. Dos pergaminos altos se enfrentan y flanquean un jarrón o un candelabro bajo igual al de los orfebres.
Capilla del Chateau de Villasavin (Francia)
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Las ventanas abuhardilladas del edificio principal y las otras dos de los pabellones se construyen de la misma manera: tímpanos, que debían de estar decorados con el escudo de armas de los Breton y su esposa, como en Villandry. La coronación aquí está compuesta de un peto, a veces un jarrón, enmarcado por dos rollos y pequeñas ollas de fuego.
La primera estancia que visitamos es la Capilla del castillo es increíble y es una importante obra de arte que ha sido recientemente restaurada en un programa que ha durado desde el 2009 a 2013. Se pueden ver frescos que datan de la segunda mitad del siglo XVI sobre el tema del ciclo de la Pasión y la muerte entierro. Podemos ver en particular a los niños gorditos y burlones que llevan los instrumentos de la Pasión.
La capilla, tiene una planta de dos tramos cuadrados, está abovedada con ojivas, arcos dobles, ojivas y arcos de cruceria que descansan sobre capiteles.
Frescos capilla del Chateau de Villasavin (Francia)
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En el muro tiene frescos con escenas de la Pasión se colocan en los vanos de las bóvedas. Se pueden ver ángeles llevando los instrumentos de la Pasión sobre un cielo simulado en las bóvedas.
La Virgen en sombras. La vidriera situada a la derecha del altar todavía tiene iniciales entrelazadas que deberían
caballos
la familia Phelypeaux y su esposa.
Las pinturas concuerdan con esta hipótesis. El artista utilizó ejemplos de la pintura italiana del final del siglo XVI, en particular es una copia de Jacopo Palma el viejo.
El siguiente pabellón esta dedicado al Museo “Tesoros del Matrimonio”, muestra una colección recreada de las costumbres de los franceses en la celebración del enlace matrimonial y abarca ejemplos desde 1850 hasta 1950. A través de varias escenas figuradas, se puede seguir el desarrollo de un día de bodas en la época en que las tradiciones todavía tenían mucha importancia en la vida de las personas.
Museo del Matrimonio del Chateau de Villasavin (Francia)
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Muestra una amplia colección de trajes de novias de la época, globos de oro que representan los regalos que hacían los franceses cuando su matrimonio cumplía 50 años. Una colección de soperas, toda novia que se merecieses tenia que llevar en el ajuar de novia y que servia para recordar la efeméride durante toda la vida.
La segunda sala muestra el ajuar y su preparación. Se expone un curioso armario donde se guardaba el ajuar de boda cerrado a la familia que solamente se abría con una llave de cuatro cerraduras.
Un ejemplo de la típica habitación de la novia, era el lugar donde se hacían las pruebas del traje con la modista, expone un vestido decorado con espiga de trigo.
La bendición de la iglesia, expone un traje de seda, ornamentos de los sacerdotes. Las niñas de compañía llevan vestidos de plumetis, hay candelabros y estatuas que proceden de la propia capilla de Villasavin.
Museo del Matrimonio del Chateau de Villasavin (Francia)
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El cuarto nupcial compuesto por una cama con baldaquín, un armario normado de principios del siglo XIX cuya decoración corresponde con los símbolos del matrimonio. Este tipo de armarios se encargaban cuando se celebraba el anuncio de los esponsales, los padres mandaban fabricarlo y se entregaba el día de la boda.
El servicio de comedor era otra parte de la dote, se puede ver un servicio completo con 52 piezas que llevaban la inscripción de la novia, vasos grabados y el servicio de café.
Los orinales eran objetos del momento, al despertarse los novios, sus amigos llenaban el orinal con una mezcla poca apetitosa que los novios debían de beber. Lo curioso es que esa costumbre no ha terminado de desaparecer totalmente.
Podemos ver más de 350 centros de bodas de todas las regiones francesas, son verdaderos símbolos del matrimonio que hoy en día ha desaparecido por completo. Los reglaba la madre del novio para que conserve en ello la corona de azar, encierra todos los símbolos del matrimonio.
Baudets du Poitou del Chateau de Villasavin (Francia)
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De camino al jardín podemos ver unos establos con ejemplares de burros aquí los llaman Baudets du Poitou. Es una raza de asno autóctona de Francia que se caracteriza por su pelo largo, quien conozca las vacas escocesas reconocerá esta raza de burros por su similitud en los pelos de lana. Son originarios de la provincia de Poitou, estos burros se caracterizan por su peculiar pelaje, su «estructura ósea excepcional» y gran alzada, pudiendo superar los 150 cm de altura. Su aspecto recuerda a los burros de raza zamorano-leonesa. Se encuentran ejemplares en Alemania y Estados Unidos.
Esta raza de burros ese patrimonio vivo casi ha desaparecido. Víctima de las transformaciones rurales y el olvido, solo quedaron 60 ejemplares de Baudets du Poitou en 1980.
Más adelante se tomo conciencia del problema, y el Parque Natural Regional de Marais Poitevin implementó un plan de salvaguardia, con la ayuda de las granjas nacionales de sementales, la Unión de Criadores y la Asociación para la Salvaguardia de Baudet du Poitou (Sabaud).
Baudets du Poitou del Chateau de Villasavin (Francia)
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En 1980 se creó una granja de cría experimental: la Asinerie Nationale en Dampierre sur Boutonne en Charente Marítimo. Su misión es aumentar los números en raza pura, en cruces de absorción continua, para revivir la producción de mulos, para dar la bienvenida al público y a los criadores.
Tiene un carácter tranquilo, de gran tamaño, marco fuerte y cubierto con un pelo típico, el Baudet du Poitou ha logrado conservar todas sus cualidades reproductivas, fruto de su larga selección conservada durante varios siglos.
El burro de la raza Baudet du Poitou da a luz, después de un año de gestación, un potro (fedon) que será destetado a los siete u ocho meses. El potro es un verdadero animal de peluche, cariñoso y especial, que se convertirá a partir de los tres años en un adulto, macho o hembra.
Frescos capilla del Chateau de Villasavin (Francia)
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Para el macho, el tamaño promedio es de entre 1.40 y 1.55 m. Su peso varía de 250 a 430 kilos. Su pelaje es grueso, formado por largos mechones de pelo grueso. La túnica tiene un color marrón oscuro (castaño) que puede variar desde el color del helecho seco hasta el marrón oscuro muy oscuro.
El pelaje se distribuye con mucha precisión entre los Baudets du Poitou: el hocico y la nariz, así como alrededor de los ojos, son de color blanco plateado. Una fina línea de cabello carmín separa estos cortos cabellos plateados del resto del pelaje marrón. La parte inferior del vientre y los muslos internos son de color gris claro.
El burra Baudet du Poitou es más pequeña que el macho, de 1.35 a 1.45 m. Menos voluminosa, el burra a menudo tiene un pelaje tan denso como ciertos burros de pelo largo.
Gallos de raza francesa del Chateau de Villasavin (Francia)
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Pasamos frente un muro y escuchamos al otro lado como cantan las gallinas, en cuanto notan nuestra presencia, dos preciosos y enormes gallos de raza francesa se suben al muro para indicarnos que estamos en su territorio y las gallinas son de su propiedad.
Los gallos de raza francesa son preciosos, por lo general no suelen ser tan grandes pero estos dos ejemplares
si lo son. La gallina pone regularmente huevos blancos que pesan al menos 60 gramos en primavera y verano.
A pesar de su domesticación, esta raza ha conservado parte de su carácter salvaje. En particular, la gallina puede volar varias decenas de metros a 5-6 metros sobre el suelo sin dificultad.
La Galia dorada casi desapareció al final de la Segunda Guerra Mundial, pero experimentó un nuevo auge gracias a la cría de aficionados. Sin embargo, esta especie está en peligro: solo quedan 400 especímenes en territorio francés.
Palomar del Chateau de Villasavin (Francia)
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El palomar es un fuerte testigo de la historia de la finca porque muchos eran destruidos durante la Revolución , tener un palomar a pie era un privilegio. Era un símbolo del poder judicial reservado para los señores de la alta justicia, que tenían derecho a la vida y la muerte. El palomar era una parte integral de la propiedad de la tierra y también representaba un símbolo de prestigio y riqueza económica.
Con sus 1495 cajas, el palomar albergaba alrededor de 3000 palomas instaladas por pareja en cada caja. Esto da una idea del tamaño de la finca son más de 2.500 hectáreas La cuestión de los palomares era una de las mayores preocupaciones y de quejas rurales antes de 1789. Desde el 4 de agosto de 1789, fecha de la abolición de los privilegios, el palomar es solo un sitio histórico.
El palomar tenía dos funciones: la primera, proporcionaba carne a la gente del castillo. La segunda y no menos importante función fue la producción de excremento de paloma. Se mezclaban con paja para componer un fertilizante muy buscado para los cultivos en la finca.
Coches de caballos del Chateau de Villasavin (Francia)
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Pasamos por uno de los pabellones donde tienen expuestos una colección de coches de caballos, se pueden ver varios tipos de carruajes, bicicletas. Hay uno de los más antiguos está construido en Hamburgo en 1796, tirado por 6 caballos y 18 metros de largo. Las suspensiones se ven debajo de los asientos de cubo. Las ruedas de radios permitieron la evacuación de barro y piedras hacia adentro.
Estos coches en su mayoría son del siglo XIX, eran tirados por varios caballos u otros equinos. Se utilizaron para transportar personas o mercancías a una distancia más o menos larga. En cuanto a los automóviles para niños, fueron arrastrados por cabras, ovejas o perros y más bien destinados a paseos infantiles.
Aquí damos por finalizada la visita al Château de Villasavin, nos podíamos quedar a pernoctar en la puerta del castillo porque tiene una estupenda explanada sobre hierba, pero decidimos continuar el viaje hasta nuestro siguiente destino en el Château Usee, nos separan 123 Km., todavía es media tarde y podemos hacer el recorrido con mucha tranquilidad.
Coches de niños del Chateau de Villasavin (Francia)
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Nos quedamos pensando en el parking del Château de Villesavin, la verdad sin saber muy bien que hacer. Una de las posibilidades era volver a Chambord para ver el espectáculo nocturno, una preciosa proyección de luz y sonido sobre el castillo, pero las previsiones del tiempo no eran nada buenas y parece que el resto de la tarde va a llover.
Decidimos seguir el camino y traspasar el frente nuboso en la carretera. Nuestro siguiente destino señalado es el Chateau de Ussé, estamos a poco más de 120 km. No tenemos una información clara de si en su parking podríamos dormir.
Le decimos al tomtom que nos lleve pero sin peajes, esto en Francia es un delito venial, nos indica: hora de llegada 22,00 horas, casi tres horas en hacer 120 km, ¡no esta nada mal!. Pues adelanteeee ¡Carretera y manta!.
Chateau de Ussé (Francia)
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Llegar hasta Rigny-Ussé nos ha costado lo suyo, las carreteras eran locales y se sucedían tramos de 3 o 4 Km. por unos trazados de un ancho para un vehículo y medio, quien haya estado en Escocia conocerá esa sensación pues lo que más pides es no encontrarse a nadie de frente.
El paisaje esta protagonizado por las granjas que cultivan el terruño, seguro que lo hacen como toda la vida sus padres, vemos muchas plantaciones de cepas. Los pueblos son pequeños con casas ancestrales de sillerías de piedra. En todos, la velocidad se limita a 30 Km. hora lo que te permite impregnarse del olor y sabor de las casas.
Noto que este tipo de localidades la organización del pueblo es muy diferente a Francia, aquí no hay polígonos industriales, no hay tiendas, simplemente hay casas y zonas de cultivo.
La mayoría de los pueblos o pedanías tienen una pequeña iglesia, tan antigua como sus casas, imagino ahora desatendidas por falta de párrocos.
Mapa de la zona del Chateau de Ussé (Francia)
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Asi poco a poco fuimos haciendo ese pequeño trayecto ante la atenta mirada del cielo que nos iba esparciendo gotas de lluvia como el arroz de unos recién casados a la salida de la iglesia.
Todo el camino íbamos mirando los parking porque nos preocupaba el poder encontrarnos el de destino cerrado o con alguna prohibición. La sorpresa fue mayúscula al entrar en el pueblo estaba todo apagado y el único protagonista era el castillo perfectamente iluminado.
Nos acoplamos y enseguida estábamos cenando: unas pizzas del Mercadona, unas latas de calamares a la americana y patatas con guacamole. Luego un capítulo de Dawthon Abbey y a la cama, la cosa aquí esta muy liada porque la trama tiene muchos frentes abiertos sin resolverse.
El castillo de Ussé es una antigua residencia nobiliaria francesa ubicada en la comuna de Rigny-Ussé, en el departamento de Indre y Loira de la región de Centro-Valle de Loira.
El parking para autocaravanas en Rigny-Ussé (Francia) esta justo en la puerta del castillo Ussé, es un aparcamiento de tierra y nos llevamos una sorpresa porque la imagen desde nuestro salón es el castillo magníficamente iluminado que nos acompañara el resto de la noche. Las coordenadas del lugar corresponden con N 47.250858 E 0.2926005 .
El aparcamiento es gratuito, no tiene ninguna limitación de tiempo y en estos momentos somos más de media docena de autocaravana las que nos disponemos a pasar la noche juntos.
Día 18 de agosto (domingo)
Ruta: Rigny-Ussé- Castillo de Azay le Rideau, distancia Km 14; tiempo 18'
Amanece en el Chateau de Ussé (Francia)
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Si la belleza de la estampa de la noche era grande, no lo ha sido menor al despertarnos por la mañana, os adjunto unas imágenes.
Ahora, según indicaba se ha puesto a llover, pero llueve de verdad, esta lluvia que te cala hasta lo huesos. Esperaremos a ver si escampa.
Nada más levantarnos vamos directamente a la taquilla para ver el Château de Ussé. El horario de visita: del 1 abril es 10 a 19 horas y de 1 octubre al 1 noviembre: 10 h – 18 horas. El Precio es 14 euros.
Este baluarte, construido al borde del bosque de Chinon, con vistas al río Indre, fue fortificado en el siglo XI por el señor normando de Ussé, Gueldin de Saumur, quien rodeó el fuerte con una palizada sobre una terraza ubicada a gran altura. Más tarde, cuando el lugar pasó a estar bajo posesión del conde de Blois, se reconstruyó en piedra.
Chateau de Ussé (Francia)
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En el siglo XV, Jean V de Bueil, un capitán general de Carlos VII, compró el castillo después de haberse convertido en señor de Ussé en 1456 y comenzó a reconstruirlo en la década de 1460; su hijo, Antoine de Bueil, contrajo matrimonio en 1462 con Juana de Valois, hija natural de Carlos VII y Agnès Sorel, cuya dote consistió de cuarenta mil piezas de oro. Antoine fue acumulando cada vez más deudas y en 1485 debió vender el castillo a Jacques d'Espinay, hijo de un chambelán del duque de Bretaña y también chambelán del rey. Espinay construyó la capilla, que su hijo Carlos completó en 1538 (y que presenta un estilo gótico flamígero combinado con motivos renacentistas) y procedió a reconstruir el antiguo castillo del siglo XV, que terminó convertido en una pieza arquitectónica del estilo propio de los siglos XVI y XVII, el mismo aspecto que tiene en la actualidad.
En el siglo XVII, Luis I de Valentinay, interventor de las residencias reales de Francia, demolió el lado norte de varios edificios para abrir el lado interior de los patios a la espectacular vista de las terrazas tipo parterre, siguiendo un estilo atribuido a André Le Nôtre. El yerno de Valentinay era el ingeniero militar Vauban, quien visitó Ussé en varias ocasiones. Años más tarde, el castillo pasó a ser propiedad de la familia Rohan. En 1807, el duque de Duras compró Ussé; en marzo de 1813, seis años después, aquí se reunían partidarios de la restauración borbónica en Francia, tales como Trémouille, el duque de Fitzjames, Jules de Polignac, Ferrand, Montmorency y el duque de Rochefoucault.3 Fue en el castillo donde François-René de Chateaubriand escribió su Mémoires d'Outre-Tombe, cuando era un invitado de Claire de Duras.
Terrazas del Chateau de Ussé (Francia)
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En 1885, la condesa de la Rochejaquelein legó Ussé a su sobrino nieto, el conde de Blacas. En la actualidad, el castillo pertenece a sus descendientes.
En 1931, el Ministerio de Cultura de Francia clasificó el castillo como monumento histórico.
Famoso por su pintoresco aspecto, Ussé fue el sujeto de un póster ferroviario francés creado por el Chemin de Fer de Paris à Orléans en la década de 1925 y fue uno de los numerosos castillos que inspiraron a Walt Disney en la creación de los palacios de sus películas de dibujos animados.
Según la tradición del pueblo, el castillo fue la inspiración de Charles Perrault cuando escribió La bella durmiente.
Comenzamos la visita por la Torre de la fortaleza de Ussé, es notable por su torreta octogonal y sus trampas en cada ángulo, lo que le valió el nombre de fortaleza de los caballeros. Su estructura de piedra es una maravilla que descubrimos poco a poco con cada tramo de escalones.
Representación de la Bella Durmiente en el Chateau de Ussé
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Sobre esta mazmorra se creó el corazón de la leyenda de la Bella Durmiente porque Charles Perrault fue uno de sus huéspedes, y quedó tan impresionado por su arquitectura renacentista que, durante esos días allí alojado, concibió la historia de La Bella Durmiente , y naturalmente, es aquí donde la pasarela serpentea, adornada con las escenas más hermosas del cuento de hadas. Por supuesto, podemos ver a la malvada, el príncipe azul y las tres hadas benévolas madrinas de la princesa Aurora.
La historia comienza porque el rey y la reina tienen un largo proceso de esterilidad hasta que un día se queda embarazada y la reina tienen una hija. Cuando la niña cumple un año de edad, invitan a un festejo en honor de la niña a siete hadas buenas y madrinas que, mediante encantamientos, le otorgan dones positivos. Pero entonces, irrumpe una bruja o hada malvada de un país vecino, a la que no pudieron invitar porque no había platos suficientes, y esta, ofendida, sentencia que el día que la princesa cumpla quince o dieciséis años se pinchará un dedo con el huso de una rueca y morirá. No obstante, una de las hadas buenas y madrinas invitadas que todavía no había otorgado su don a la princesa, mitiga la maldición de la bruja o hada malvada de manera que, cuando la princesa cumpla quince o dieciséis años, se pinchará el dedo con un huso de una rueca pero, en vez de morir, dormirá un siglo.
Representación de la Bella Durmiente en el Chateau de Ussé
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El rey y la reina prohíben todos los husos y todas las ruecas de hilar en su reino, y los mandan quemar todos y todas en una gran hoguera, pero todo es en vano: quince o dieciséis años más tarde, al cumplir la edad indicada, la princesa, curioseando en una torre del castillo, encuentra una anciana que hila con un huso de una rueca. La muchacha lo toma, se pincha el dedo con el huso de la rueca y cae dormida. El sueño se expande a todos los habitantes del castillo, y este queda cubierto bajo una espesa vegetación.
Cien años después, un príncipe escucha la historia de la bella durmiente y se dirige al castillo con intención de despertarla. La vegetación le abre paso. Cuando llega al castillo, encuentra a la princesa dormida y queda cautivado por su belleza. Una vez casados los dos jóvenes, el príncipe vuelve a su reino. Allí no revela a sus padres lo sucedido con la princesa, pues teme que su madre, de quien se dice que es en parte ogresa, atente contra su esposa y los hijos que eventualmente tendrá con ella. Estos finalmente son dos: una niña a la que llaman Aurora, y un niño al que llaman Día.
Rueca del cuento de la Bella Durmiente en el Chateau de Ussé
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Cuando el rey muere, el príncipe hereda la corona y trae al reino a su esposa e hijos. Allí son bien recibidos por todos, menos por la reina madre. Así, un día el rey debe ausentarse y su familia se queda en el palacio. Entonces, la reina madre ordena al cocinero matar a Aurora y cocinarla para comérsela. Pero el cocinero hace que su esposa oculte a la niña, y en vez de a Aurora cocina un cordero, que la reina madre come convencida de que es su propia nieta. Lo mismo se repite con el príncipe Día y con la reina consorte (quien antes fue la bella durmiente): todos se esconden de la ogresa en casa del cocinero. Sin embargo, la ogresa pasa cerca de la casa y oye la risa de los niños y, percatada del engaño, ordena disponer una gran olla y meter en ella serpientes, sapos y todo tipo de criaturas asquerosas y letales para meter allí a la reina, al cocinero, a su esposa y a los niños. Cuando se dispone a ejecutar esta sentencia, llega el rey y, al verlo, la ogresa se lanza a la olla y es devorada por todas las alimañas que hay dentro. Finalmente, el rey libera a su esposa e hijos y al cocinero y su mujer, condecora a estos últimos por proteger a su familia y todos viven felices para siempre.
Iglesia del Chateau de Ussé (Francia)
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Seguimos la visita al castillo por la iglesia, se encuentra en el interior de los muros del castillo pero separada unos metros.
La Capilla Colegiata de Notre Dame d'Ussé lleva el nombre de Santa Ana, la madre de la Virgen María y es un ejemplo perfecto de la arquitectura de la iglesia renacentista.
La entrada de la capilla es notablemente elegante. Sobre ella, una estatua de Dios Padre se sienta entronizada bajo un dosel de piedra blanca. La puerta en sí está montada en un arco con asa de canasta, sobre el cual hay un frontispicio tallado en forma de concha, típico del período renacentista.
Los huecos arqueados de las ventanas están adornados con imágenes de los doce apóstoles, cada uno identificable por un cierto símbolo, la llave de Pedro, el cáliz de Juan, la cruz de Andrés, el cuadrado de Tomás, etc. La figura de Cristo aparece en el centro.
Vitral de la Iglesia del Chateau de Ussé (Francia)
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Los adornos de abajo muestran escenas de muerte. Los puestos de coro de madera (por Jean Goujon) están ricamente tallados como los paneles de madera circundantes.
En 1521, el señor de Ussé, Jacques d'Espinay, ex chambelán de Carlos VIII, Luis XII y mayordomo de Ana de Bretaña ordenó en su testamento la construcción de una colegiata cerca de su castillo. Cuando murió, quería ser enterrado allí con su esposa. Su hijo Charles d'Espinay comenzó a trabajar dentro de los muros del castillo en 1522. Fue el nieto, René, quien fundó el convento con seis mojes en 1538, amuebló el interior y terminó el edificio en 1539.
La colegiata forma parte de una serie de iglesias y capillas de este periodo, de moda alrededor de 1520. Está construida sobre
una planta
simple: nave única con ábside poligonal. El lado sur de la sacristía, el lado norte una capilla señorial completan el conjunto. Su fachada sigue el modelo establecido por la colegiata de Thouars. Está dominado por un gran arco central, que aumenta el efecto monumental y acentúa la verticalidad del edificio, cuya arquitectura sigue siendo gótica. Es en los detalles que se puede detectar el nuevo estilo. El portal está enmarcado por la superposición de pilastras, columnas y candelabros, y lleva motivos dentro de un vocabulario italianizante: medallones con perfiles antiguos reemplazados por bustos de los Apóstoles y Cristo y un frontón curvo decorado con un gran caparazón. El trabajo es de calidad excepcional.
Virgen y el niño en la Iglesia del Chateau de Ussé (Francia)
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En el interior, los finos arcos de las bóvedas góticas descansan en los capiteles decorados con vegetales, signos de abundancia y puttis. Entre la nave y el coro, una pantalla de madera sirve para delimitar los espacios reservados para los monjes y los señores. Su abundante decoración, como las estelas (después de 1538) y algunas de las vidrieras están diseñadas según la inspiración italiana. La puerta de la sacristía y la del tabernáculo reciben marcos arquitectónicos ricamente decorados con el nuevo repertorio antiguo. El de la sacristía repite el motivo central del portal principal. La fuente de mármol es de la misma época.
Seguimos andando en dirección a las Cuevas del Castillo dedicadas como almacén de vino y para el trasiego de la uva.
Estas bodegas, talladas en la
piedra de
toba local, datan del siglo XIV y la temperatura dentro de sus paredes es ideal para conservar el vino.
Capilla de San Vicente del Chateau de Ussé (Francia)
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Las bodegas están unidas por un pasadizo subterráneo y en cada bodega hay una exhibición de métodos de elaboración y cosecha de vinos inusuales y tradicionales.
Hay barriles antiguos y una prensa de vino original en exhibición que muestra que la elaboración del vino ha sido una tradición de la zona de Ussé desde el siglo IV.
Pero fue en el siglo XV el momneto que la calidad de las variedades de uva y la experiencia de los señores de Ussé se reconocieron en todo el reino y Jacques d'Epinay, Grand Chaberlain de Charles VIII y Louis XI, recibió el honor de ser campeón. A partir de entonces estuvo a cargo de servir el vino en la mesa del rey.
Al final del pasillo hay una pequeña capilla dedicada a San Vicente, el santo patrón de los enólogos.
A los nobles franceses les gustaban las cuevas y construían algunas para el divertimento o para la oración, esto pertenece a la época romántica. En Alemania y en Portugal los palacios siguen este tipo de modas, se pueden ver mucho en Cascais. En Austria a los príncipes obispos también les encantaba jugar en las cuevas.
Museo de Carroajes del Chateau de Ussé (Francia)
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Pasamos al museo de carruajes tirados por caballos utilizados tanto para las necesidades diarias del castillo como para los viajes de los propietarios.
Bajo una estructura de madera alta, ciertos vehículos están expuestos como el coupé de la ciudad o el Milord con su elegante capó articulado que podría engancharse a dos o cuatro caballos.
El pequeño duque, era un coche de caballos mucho más ligero con su estructura de mimbre, llevó su pequeño mundo por el parque.
Más sorprendentemente, el modelo estadounidense permitió carreras rápidas. En cuanto al carro de burro más rústico, se utilizó para transportar leche y verduras desde la granja. Así como los barriles o medios barriles para las razas ordinarias del castillo.
Los niños estaban encantados con el coche del perro, arrastrado por su animal de guardia favorito.
Museo de Carruajes del Chateau de Ussé (Francia)
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En la guarnicionería, arneses de todo tipo están perfectamente alineados en sus soportes y todavía parecen listos para usar.
Entramos en el Castillo de Usse por el vestíbulo está en la parte del castillo que data del siglo XV. La escalera vis-a-vis estaba diseñada en el silo XIX siguiendo las indicaciones de la señora de la Rochejacquelein. Muestra el estilo del renacimiento italiano, tiene en un panel de madera tallada con el ángel San Miguel del siglo XVI.
La sala de guardia era la entrada al castillo en el siglo XV. Era accesible por un puente levadizo, hoy se encuentra la ubicación de una ventana. El techo es del siglo XVII pintado falso mármol, de acuerdo con una técnica italiana farsa.
En la habitación hay una colección de armas y objetos orientales (principalmente de la India ), originales del siglo XIX propiedad del conde Stanislas de Blacas: Un guerrero indio del siglo XVII, un kouttar (arma india de uno o dos metros y se usaba para cazar tigres), armas ceremoniales de plata finamente cinceladas, con incrustaciones de jade, marfil y esmalte, un cofre de cedro sirio con incrustaciones de nácar, en el que se coloca una colección de miniaturas pintado sobre marfil que representa los principales monumentos de la India , incluido el Taj Mahal.
Vestibulo del Chateau de Ussé (Francia)
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Podemos observar los recuerdos presentados cerca de la segunda ventana, propiedad duque de Blacas (1770-1839), mientras que la gran ventana de la izquierda está reservada para un tema diferente cada año. Arriba, en el techo se puede ver el árbol genealógico del duque de Duras (retrato a la izquierda), dueño del castillo en 1807.
En la sala contigua se recogen porcelanas de China y Japón.
El Salón Vauban era la antigua capilla medieval (el ábside era donde estaban las ventanas actuales), esta sala fue restaurada en el invierno de 1995.
Este salón tiene una bureau italiano en ébano y madera de peral ennegrecido (madera que mejor imita), con incrustaciones de marfil, nácar y de lapislázuli, que data del siglo XVI compuesto por cuarenta y nueve cajones secretos y una “oficina de Mazarino” (muebles franceses del siglo XVII), con incrustaciones de madera de satín y rosa. El resto de los muebles es de estilo regencia (a principios del siglo XVIII), totalmente desmontable (chasis) para cambiar la tela de acuerdo a la temporada.
Tapices del Chateau de Ussé (Francia)
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Las paredes están decoradas con tres tapices de Bruselas que data del siglo XVI, lo que representa el tema bíblico de David y Goliat. También hay expuesto un retrato de Madame de Maintenon, una pintura sobre madera del siglo XVII “La comida Balthazar” (situado por encima de la chimenea) y, por encima de la oficina, un retrato de Chateaubriand, un amigo del propietario, entonces, la duquesa de Duras.
La escritora, era conocida por dos novelas: Edouard y Ourika, que valdrán para ella como recompensa el jarrón de porcelana Sèvres también expuesto en la sala de estar, ofrecido por Louis XVIII, en el que aparece una escena de la novela Ourika.
La Cocina vieja destaca por su bóveda de tuffeau esculpida en una cuna, es la parte más antigua del castillo. La habitación fue una vez la salida de un túnel subterráneo excavado directamente en los cimientos. Hoy condenado, salia en medio del bosque de Chinon. Se puede observar tapices Oudenaarde que datan del siglo XVII y un tronco gótica del siglo XV.
Gran Galería del Chateau de Ussé (Francia)
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La Gran galería fue construida en el siglo XV, fue un paso porticado al patio abierto fue adherido en la casa durante el siglo XVII y conecta las alas este y oeste del castillo.
Se puede admirar una colección de tapices de Bruselas del siglo XVIII, hecha después de los dibujos animados de David Teniers el Joven. En el centro, un busto de Luis XIV después de Bernini (el original está en el Palacio de Versalles). También se puede ver una serie de medallones del siglo XIX, hechos en la ciudad de Faenza, Italia (de ahí el nombre de China). A la izquierda, un cofre de boda de estilo renacentista francés.
La gran escalera derecha del castillo, tiene barandilla de hierro forjado, es de inspiración italiana del siglo XVII. Se puede ver una silla de manos del sigo XVIII, un par de botas postilion (2 kg cada uno) sirven para proteger los pies sobre los caballos, que inspiró a Charles Perrault, una silla de viaje española, del siglo XVII, que se utilizó desde el castillo de Beaupréau y sirvió durante el nacimiento del duque de Blacas en 1943 para anunciar su nacimiento.
Escalera del Chateau de Ussé (Francia)
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En la parte superior de la escalera, un tapiz Beauvais del siglo XVIII que representa una escena mitológica; un gran retrato de Luis XVIII y la coronación de Louis XV en Reims, pintado en 1772 .
En la antesala se puede ver una copia de la boda en Cana de Veronese del siglo XVII mandada pintar durante la construcción de los apartamentos reales, además, está equipada con un escritorio de estilo Boulle (siglo XVIII). Las paredes están decoradas con dos retratos en colores pastel del poeta Jean Valade (1710-1787). En las esquinas de laca china del siglo XVIII.
El dormitorio del rey, es la habitación restaurada en 1995. Tiene sedas del siglo XVIII (estilo gran Tours en rojo cereza), los motivos de inspiración china, se llevaron a cabo en las fábricas Towers. Todos los muebles datan de 1770. La sala de estar y la cama con dosel (en estilo polaco) son de estilo Luis XVI. El espejo veneciano esta fechado en el siglo XVII. Los cuatro aparadores son de diferentes estilos: dos en estilo Regency, uno en estilo Louis XV y el último en estilo Transition. El suelo de roble y el artesanado está fechado en el siglo XVII.
Habitación del rey del Chateau de Ussé (Francia)
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La habitación del Rey también tiene una colección de retratos: a la derecha de la ventana, Louis XIV, después de Rigaud; a la izquierda, Madame Victoire; encima de la chimenea, mademoiselle de Blois, princesa de Conti, y finalmente un retrato ecuestre del príncipe de Conti.
Bajamos a visitar los Jardines del Castillo fueron construidos por Le Nôtre en persona, quien diseñó los jardines de Versalles, quien diseñó los notables jardines franceses para Ussé.
Desde el siglo XVII, una larga terraza consolidada por Vauban domina
la ribera del río Indre.
"The King's Gardener" anula las reglas de la horticultura y juega con simetrías, figuras geométricas y perspectivas. A su puesta en escena de los jardines, agregó el dominio de las fuentes y los estanques.
Habitación del Chateau de Ussé (Francia)
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Los Valentinays dispusieron los jardines de parterres regulares y construyeron un hermoso invernadero en 1664.
Los cítricos, naranjos y limoneros se han aclimatado con éxito ya que todavía podemos admirarlos hoy.
Dos cedros del Líbano, donados por Chateaubriand a la duquesa de Duras, autora de “Ourika”, se muestran majestuosamente como testigos de siglos pasados.
Cuando visitas el Jardín del Château de Ussé te das cuenta que su construcción obedece al estilo francés, está basado en la simetría y el principio de imponer el orden a la naturaleza. En Francia se conoce como jardín regular o jardín clásico y es expresión del clasicismo en el arte de los jardines, es decir, de la búsqueda de la perfección formal, de una majestad teatral y de un gusto por el espectáculo. Su epítome es generalmente considerado como los jardines de Versalles diseñados durante el siglo XVII por el arquitecto paisajista André Le Nôtre para Luis XIV y ampliamente copiado por otras cortes europeas.
Jardín del Chateau de Ussé (Francia)
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Su vocabulario estético, vegetal y su estatuaria están directamente inspirados en los jardines del norte de Italia. Manteniendo la preocupación por la perfección formal: están aterrazados, son regulares, a menudo lineales, y ofrecen espacio para los juegos de agua, (canales hidráulicos y estanques, invernadero, pabellones) y muestran una poda sofisticada de las plantas (arte topiarío).
Las flores ornamentales eran relativamente raras en jardines franceses en el siglo XVII, y había una gama limitada de colores; azul, rosa, blanco y malva. Los colores más brillantes (amarillo, rojo, naranja) no llegarían hasta alrededor de 1730, debido a los descubrimientos botánicos de todo el mundo llegados a Europa. Bulbos de tulipanes y otras flores exóticas provinieron de Turquía y los Países bajos; Una característica ornamental importante en Versalles y otros jardines fue la tapiaría, un árbol o arbusto tallado en formas geométricas o fantásticas, que se colocaron en filas a lo largo de los ejes principales del jardín, alternando con estatuas y jarrones.
Jardín del Chateau de Ussé (Francia)
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Las flores se traían generalmente de la Provenza , se guardaban en macetas y se cambiaban tres o cuatro veces al año. Los árboles fueron tomados del bosque, como carpes, olmos, tilos y hayas.
Los árboles en el parque eran recortados tanto horizontalmente como aplanados en la parte superior, dándoles la forma geométrica deseada. Solo en el siglo XVIII se les permitió crecer libremente.
Los diseñadores del jardines a la francesa vieron su trabajo como una rama de la arquitectura, que simplemente extendía el espacio del edificio al espacio exterior a las paredes, y ordenaban la naturaleza de acuerdo con las reglas de la geometría, la óptica y la perspectiva. Los jardines fueron diseñados como edificios, con una sucesión de habitaciones que un visitante podría atravesar siguiendo una ruta establecida, pasillos y vestíbulos con cámaras contiguas. Utilizaron el lenguaje de la arquitectura en sus planos; los espacios se denominaron salles (salas), chambres (cámaras) y théâtres (teatros) de vegetación. Los muros estaban compuestos de setos y escaleras de agua. En el suelo había tapis (alfombras) de hierba, brodés (bordados) con plantas, y los árboles se formaban en rideaux (cortinas), a lo largo de los paseos.
Invernadero del Jardín del Chateau de Ussé (Francia)
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Al igual que como arquitectos instalaron sistemas de agua en los châteux, presentaron elaborados sistemas hidráulicos para abastecer las fuentes y los estanques del jardín. Los estanques alargados llenos de agua reemplazaron a los espejos, y el agua de las fuentes reemplazó a los candelabros. André Le Nôtre dispuso mesas de mármol blanco y rojo para servir comidas. El agua que fluía en los estanques y en las fuentes imitaba el agua que se vertía en las jarras y las copas de cristal. El papel dominante de la arquitectura en el jardín no cambió hasta el siglo XVIII, cuando el jardín inglés llegó a Europa y la
atracción para los jardines comenzó a inspirarse no ya en la arquitectura sino en la pintura romántica.
La aparición del jardín francés en los siglos XVII y XVIII fue resultado del desarrollo de varias tecnologías nuevas. La primera fue la geoplastía, la ciencia de mover grandes cantidades de tierra. Esta ciencia tuvo varios desarrollos tecnológicos y provenía de los militares, después de la introducción del cañón y la guerra de asedio moderna, cuando se les exigió que cavaran trincheras y construyeran muros y fortificaciones de tierra rápidamente. Esto condujo al desarrollo de cestas para transportar tierra en la espalda, carretillas, carros y vagones. Andre Le Notre adaptó estos métodos para construir las terrazas a nivel, y para cavar canales y cuencas a gran escala.
Flores del Jardín del Chateau de Ussé (Francia)
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Un segundo desarrollo fue en hidrología, llevando agua a los jardines para el riego de plantas y para su uso en las muchas fuentes.
Un desarrollo relacionado tuvo lugar en la hidroplasía, el arte y la ciencia de dar forma al agua en diferentes formas a medida que salía la fuente. La forma del agua dependía de la fuerza del agua y de la forma de la boquilla. Las nuevas formas creadas a través de este arte se llamaron tulipe (el tulipán), double gerbe (la gavilla doble), girandole (pieza central), candélabre (candelabro) y corbeille (ramo), la boule en l'air (bola en el aire) y
l'éventail (el abanico).
Otro importante desarrollo fue en la horticultura, es la capacidad de criar plantas de climas más cálidos en el clima del norte de Europa, protegiéndolas dentro de los edificios y llevándolas al exterior en macetas. La primera orangerie (invernadero) se construyó en Francia en el siglo XVI después de la introducción del naranjo después de las guerras italianas.
Flores del Jardín del Chateau de Ussé (Francia)
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Aquí damos por concluida la visita a la población de Ussé y nos marchamos directamente a la vecina localidad de Azay-le-Rideau, nos separan 14 Km. y tardamos escasamente 20 minutos en llegar.
Para pernoctar vamos directamente al parking de autocaravanas habilitado en Azay-le-Rideau, el precio es 9.80 euros 24 horas y una tasa de 0,50 € por persona. Está pegado al camping pero la administración del parking no tiene nada que ver. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 47.2593299 E 0.4695061.
Nada más llegar e instalarnos, es la hora del almuerzo, enseguida nos ponemos para preparar lo más a mano que tenemos, en este caso: pasta italiana, salchichas alemanas y melón español.
Nada más comer marchamos a ver el castillo de Aznay en Redeau, nos dijeron que eran más baratos los tickets en la oficina de turismo, 2 euros por persona. Hasta allí vamos y sacamos el combinado que incluye el espectáculo de luz y sonido nocturno.
Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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El castillo de Azay-le-Rideau (en francés, château d'Azay-le-Rideau) es uno de los más sobresalientes ejemplos de la arquitectura renacentista francesa. Se encuentra en la comuna de Azay-le-Rideau, en el departamento de Indre y Loira, Francia, donde fue construido entre 1518 y 1523. Fue erigido sobre una pequeña isla del río Indre. Sus cimientos se elevan directamente del río. Tiene planta en forma de L.
Forma parte del conjunto de castillos del Loira que fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en
el año 2000.
Gilles Berthelot, el tesorero estatal de Francisco I y alcalde de Tours, comenzó a reconstruir este sitio ya fortificado, que era parte de la herencia de su esposa. Sin embargo, fue ella, Philippe Lesbahy, la que dirigió el curso de los trabajos, incluyendo la idea nueva de una escalera central (escalierd'honneur) que es el rasgo más notable de Azay.
Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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En 1528 recayeron sobre Berthelot sospechas de malversación y se vio forzado a escapar de Azay-le-Rideau, todavía incompleto y al que no volvería jamás. En su lugar, el rey confiscó la propiedad y se la dio como recompensa a uno de sus militares de alto rango.
Durante los siglos cambió varias veces de manos hasta principios del siglo XX, cuando fue adquirido por el gobierno francés y restaurado. El interior fue completamente reamueblado con una colección de piezas de Renacimiento. Hoy, el château está abierto al público.
Las largas proporciones y las decoraciones esculturales de Azay son italianizantes, al gusto reciente por lo antiguo, pero las esquinas de bastión coronadas por conos puntiagudos,
los paramentos verticales de las ventanas
agrupadas separadas por enfáticos cordones horizontales, y la alta azotea de pizarra inclinada son inequívocamente franceses. Las fortificaciones juguetonas y los torreones medievales dieron un aire de nobleza tradicional al tesorero del rey recién ennoblecido.
Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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La escalera central es el rasgo principal que el visitante se encuentra al entrar. Está incorporada dentro del edificio, más que elevarse helicoidalmente, en parte encajada en la pared y visible desde fuera, al modo francés que es familiar en el castillo de Blois.
Los detalles esculturales en Azay son particularmente notables. Sobre la planta baja, pilastras estriadas sobre altas bases conducen a la primera balaustrada, en la que campean la salamandra y el armiño, los emblemas de Francisco I y de su esposa, la reina consorte Claudia.
La generación romántica descubrió de nuevo el atractivo de Azay-le-Rideau. Honoré de Balzac lo llamó «un diamante tallado en facetas, engastado por el Indre» («Un diamant taillé à facettes, serti par l'Indre»). Ahora Azay-le-Rideau está rodeado por un jardín de paisaje parecido a un parque inglés, claramente decimonónico, con muchos árboles de coníferas, sobre todo exóticas: cedro del atlas, ciprés calvo y secuoyas traídas del Nuevo Mundo.
Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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Exteriormente destaca la fachada norte del castillo es una de las piezas más bellas de la arquitectura y escultura del “Primer Renacimiento”. Si el edificio principal fue construido en el siglo XVI, las dos torres que enmarca este edificio en forma de L fueron construidos en el siglo XIX de acuerdo a las siguiendo las características del Renacimiento, donde se pueden encontrar algunas unidad de estilo (maquinado, pasarela, ventanas similares, etc.).
Fachada norte del Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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El castillo que vemos hoy es, por lo tanto, un castillo renacentista y neorrenacentista.
La fachada norte con su gran escalera es verdaderamente el principal protagonista del castillo de Azay-le-Rideau. Se encuentra en el eje de la entrada a la puerta y realmente domina el edificio principal. Ella está allí para impresionar a los espíritus, para conmover a los visitantes a su llegada al castillo.
Esta fachada se divide en tres partes, tiene la escalera monumental en su centro. Además, observamos exactamente el mismo eje de simetría con la misma superficie a cada lado de la escalera: 156 m2.
Las otras fachadas del castillo, están cruzadas por pilastras y cuerpos de molduras. Los tramos de la ventana más cercanos a la gran escalera son simétricos.
Escalera del Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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El último tramo más a la izquierda de la fachada data del siglo XVII y ya no pertenece al renacimiento. Este cambio de era en la construcción está subrayado por la diferencia en el color de la piedra, por una pequeña línea oscura, rastros de abedul y una puerta cerrada.
Como ya hemos citado, la escalera escalera principal o gran escalera es el elemento estrella de esta fachada, está construida a finales del siglo XV, Francia solo construyó escaleras de caracol en aquella época, la mayoría de las veces ubicadas en una torre adjunta al edificio. Luego al comienzo del siglo XVI, los franceses toman prestada de los italianos la idea de la escalera recta. Pero van aún más lejos al colocar las escaleras en el centro del edificio principal constituyendo la entrada principal al edificio. La escalera se convierte en un símbolo de prestigio. El desplazamiento de las aberturas, debido a los descansillos intermedios, separa la fachada de la escalera del edificio principal, rompiendo la clásica simetría italiana.
Decoración del Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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La decoración y la ornamentación se componen principalmente de motivos italianos inspirados en la antigüedad:
- La entrada a la escalera recuerda los antiguos arcos triunfales por sus pilastras estriadas con capiteles. Destacan las pilastras por estar acanalas y tienen medallones, artesonados, decorados con frisos de tipo vegetal, los restos ornamentales están constituidos por conchas, candelabros, puttis, frontones, peces enrollados, follaje, son decoraciones puestas de moda en ultramar.
Además, hay elementos artísticos típicamente franceses del estilo gótico que se pueden ver en esta fachada: este es el caso de los nichos de dosel, micro arquitecturas, llaves colgantes, personajes terrosos y fantásticos.
Los protagonistas principales del castillo fueron: Gilles Berthelot y su esposa Philippe Lesbahy no dudaron en marcar el castillo de sus iniciales G y P sobre las pilastras de las entradas a la casa. Como era costumbre en aquella época, también colocaron su castillo bajo el patrocinio de los reyes de la época, François I y Claude de France representándolos por sus iniciales F y C y sus respectivos emblemas, la salamandra y el armiño (Claude es la hija de Louis XII y Anne de Bretaña).
Salamandra del Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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Sobre las ventanas de madera y las puertas están talladas y datan del siglo XIX donde se pueden ver los monogramas de Biencourt y Montmorency (propietarios del castillo).
Esta escalera recta llamada rampa sobre rampa, está construido por un pasamanos tallado sobre la pared, lo que da un efecto de perspectiva y da como resultado unas zonas de descanso intermedios, llamados galería o logia, que permiten ser vistos y corresponde con una función ceremonial de esta escalera.
Estos espacios están iluminados por grandes bahías en su totalidad. Encontramos aquí nuevamente una arquitectura y decoración, que responde a la asociación entre el estilo francés y la influencia italiana.
El techo de la escalera está decorado con cajas de medallones,
cuyo ornamento
cambia según el nivel: en los primeros elementos de la planta con los retratos de reyes y reinas de France, de Louis XI a Henri IV (incorporados en el siglo XIX), además de personajes de la antigüedad (decoración del siglo XVI).
Ático del Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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El castillo de Azay-le-Rideau ofrece una oportunidad increíble para poder visitar su ático y así poder admirar su excelente estructura original. Ella logró resistir caprichos del tiempo, fuego, y nos ha llegado en un estado excepcional de conservación. El ático ha sido abierto al público recientemente, en el verano de 2011. La techumbre tiene un entramado de robles cortados durante el invierno de 1518-1519 y se completó en 1522. Es característico del Renacimiento con sus “gallones firmes”: los gallones apoyan directamente en el techo y simplemente se estabilizan por las vigas horizontales llamadas puntales. A esto le llamamos "ático extra" porque las paredes que apoyan sobre la elevación del marco muy por encima del piso, liberando más espacio adentro.
El ático a lo largo de la era moderna fue amueblado en el siglo XIX, y fue dedicado a los sirvientes: aun podemos ver un lavabo de hierro fundido esmaltado en el hueco de la pared al salir.
Salón del Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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La habitación renacentista más importante fue probablemente la sala de Philippe Lesbahy, la esposa de Gilles Berthelot. Consiste en una cama neorrenacentista (siglo XIX). Se ha realizado un trabajo significativo para reconstruir los textiles de cama en el estilo de época. La cama está aquí como en las otras habitaciones sobre una plataforma: proporciona cierto aislamiento del frío. Las esteras trenzadas están colocadas en las paredes de la habitación para hacer
más confortable esta estancia y que tenga un verdadero aspecto de una sala renacentista. Frente a la cama, está el cuadro titulado “Andrómaca se desmaya al enterarse de la muerte de Héctor” es una copia atribuida al pintor Flamenco Cornelis Van Haarlem de una obra perdida de Primatice, uno de los artistas fundadores de la escuela manierista de Fontainebleau. En la torre se puede admirar el bargueño, original mobiliario español en nogal, pan de oro y hueso, que fue utilizado para guardar cosas preciosas, comprometedoras, secretos.
Tapíz Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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La siguiente estancia es la habitación de oración, es el lugar del castillo dedicado al rezo. No se sabe cuál era la función de esta sala anteriormente pero su distribución actual recuerda la importancia de un lugar de oración en una casa privada del siglo XVI.
Más adelante, está el dormitorio principal, probablemente destinado a Gilles Berthelot, es un espacio multifuncional: para dormir, para comer, para trabajar, para recibir, además, incluso es utilizado como lavabo. Por lo tanto, los muebles son variados: una silla, un banco con respaldo ajustable para tener la espalda o la cara calentada por el fuego en la chimenea, la cama de columna y dosel con sus cortinas para aislar la luz.
El mobiliario aquí no es el del castillo, pero es antiguo y corresponde a muebles que deberían haber estado en su lugar en el siglo XVI.
Sala Tapices del Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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El último elemento a tener en cuenta es la sala: los tapices. Los tapices son un elemento interior esencial desde la Edad Media. Ambos son elementos de decoración y confort (ellos proporcionar aislamiento contra el frío, corrientes de aire y ruido), son objetos de lujo en aquella época. Aquí, los tres tapices que ilustran la historia de Psique se tejieron en un taller flamenco alrededor de 1575. Representan la comida de Psique en el palacio del amor; Psique recibiendo a sus hermanas en el palacio, descubriendo el amor, la traición y huyendo del amor; Psique y Cerbero.
El gran salón es el lugar de recepción del castillo por excelencia. Esta es la parte realmente pública en el que el señor recibe a las visitas. Se distingue por sus dimensiones excepcionales: 156 m2 y 6 m de altura del techo: Tiene en su interior una imponente chimenea decorada con columnas y pilastras. Está decorado con una pintura que obedece a una ilusión óptica que data de las restauraciones del siglo XX. Representa una salamandra con el emblema de François I, así como su lema, Nutrisco et extinguo, “Hago prevalecer la justicia y lucho contra la injusticia”. Hay principalmente cofres y aparadores, elementos que ilustran el estilo de vida de los señores de su tiempo. Hay otros tapices de los talleres de Oudenaarde a finales del siglo XVI, que representa la historia del Rey Salomón y la Reina de Saba.
Habitación del Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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En todo castillo hay una sala reservada por si llegaba el rey, El apartamento del rey está compuesto por una antesala y una habitación amueblada en el siglo XVII, construido por los descendientes de Antoine Raffin, este apartamento se llama "real” en memoria de los pocos días que el rey Luis XIII pasó en Azay-le-Rideau en junio de 1619. Su estado fue bien conocido gracias al diario de su doctor Jean Hérouard que nos informa de su fiesta de caza, su paseo por el Indre y un vaso de agua con sabor a jarabe de cereza que bebió antes de dormir.
El dormitorio del rey está compuesto por una cama con dosel del siglo XVII. El pavimento de la estancia es de parquet de roble original compuesto de paneles enmarcados. En la pared están colgados los dos tapices de los tapiceros Renaud y Armide tejidos alrededor de 1635 en París a partir de dibujos animados de Simon Vouet. También hay un pequeño secreter del siglo XIX de madera de peral ennegrecido con incrustaciones de huesos grabados por Jacques Callot sobre la Guerra de los Treinta Años.
El salón Biencourt y la sala del Billar fue construido en el siglo XVI, el pavimento del piso es de roble, fue añadido en el siglo XVII, estaba reservado a la vivienda del señor, más adelante, en el siglo XIX se convierte en las habitaciones de la planta baja de los dueños del castillo, el marqués de Biencourt, que convirtió este nivel en espacios de recepción y salones. La decoración ilustra el gusto y el estilo de vida de los dueños de este siglo, impartiendo una alianza con el confort, la moda del siglo XIX y el estilo neorrenacentista.
Habitación del Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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Este salón ha sido restaurado y el diseño hoy es más o menos lo mismo que en la época de Biencourt. La decoración de la sala es de estilo neorrenacentista: la gran chimenea maciza y decorada con salamandras que datan de 1856, la colección de pinturas ( La Dame au bain, copia de pintura de François Clouet, del siglo XIX), retratos y fotografías. Elementos de la forma de vivir del siglo XIX con alfombras, mesas de juego, cartas y servicio té. Todo esto muestra el gusto ecléctico de la época sin olvidar a las pequeñas vidrieras que datan del siglo XVI.
Al lado, está la sala de billar decorada con tapices del siglo XVIII que provienen de la fábrica de Beauvais y representando escenas de caza.
Las siguientes estancias que visitamos es la cocina, el pasillo y el conjunto de servicios públicos que estaban en originalmente en el mismo nivel. Estas tres piezas fueron construidas en el siglo XIX y estaban dispuestas en mismo nivel que los salones equipados por Biencourt.
Salón del billar en el Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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La cocina está cubierta con una bóveda de crucería, fue restaurada a principios del siglo XX, sirvió para apoyar el gran salón ubicado justo arriba.
En las bases esculpidas en el arco de la bóveda de ojiva: hay un putto con cucharas recuerda la función de la sala. Se mantuvo su chimenea del estilo renacentista con en el que los escudos de armas de Gilles Berthelot y su esposa Philippe Lesbahy que todavía son visibles. Hay una habitación pequeña reservada para el almacenamiento de alimentos, ropa y varios objetos del hogar.
La sala de comida fue amueblado en el siglo XIX en lugar de una habitación vieja, el comedor reproduce aquí los códigos de la vajilla en ese momento: disposición de vasos, platos y cubiertos, servilletas plegadas. Los buffets son de estilo neorrenacentista y los asientos de Napoleón III. Los platos están marcados con las iniciales de la familia Biencourt.
Cuberteria del Château d'Azay-le-Rideau (Francia)
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Aquí damos por concluida la visita al castillo, en la visita nocturna para ver el espectáculo de luz y sonido tendremos ocasión de ver algunos detalles de su fachada.
Iglesia de Saint Symphorien en Azay-le-Rideau (Francia)
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Más adelante, nuestro siguiente monumento es la iglesia dedicada a la veneración Saint Symphorien en Azay-le-Rideau (GPS N 47.260425 E 0.466319 ), entrada gratuita, ver horarios de apertura.
La mayor parte del edificio actual data del siglo XII. Pero, en la fachada occidental, se conservó la parte más antigua de la iglesia anterior que fue construida por los monjes de Cormery después de 1023.
Se puede ver claramente en la mitad sur de esta primitiva fachada de estilo romanico con restos del antiguo monumento del período merovingio o carolingio. A éste pertenecen también los arcos en inglete que recuerdan a los de Cravant, y dos hileras de estatuillas alojadas en nichos semicirculares.
En la fila superior, Cristo está acompañado por seis personajes, tres a cada lado. La fila inferior fue parcialmente destruida por la perforación de una ventana de tercer punto en el siglo XIII. Los caracteres en este registro son de una factura más bárbara que los del registro superior. A la izquierda de este bajorrelieve hay un nicho con dos animales heráldicos erigidos y confrontados.
Iglesia de Saint Symphorien en Azay-le-Rideau (Francia)
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La parte norte de la fachada es del siglo XVI. Está perforado en su base por una puerta con asa de cesta.
El interior la plante esta dividida en dos naves que siguen las pautas de la fachada, siendo la parte derecha de origen románico que desemboca en el ábside de la capilla mayor y la nave de la izquierda de origen gótico que desemboca en el ábside de la capilla de santa Ana. Además, hay una capilla lateral que se llama capilla de château, fue construida en 1603 y está situada al fondo a la derecha. Tiene unas placas conmemorativas de los señores de Azay.
Después de ver la iglesia regresamos a la autocaravana para descansar y cenar, teniamos salmon al limón y de postre fruta española.
A las 21,45 horas estábamos en la puerta del castillo para el espectáculo. En diferentes puntos del jardín había pequeñas proyección con temas esotéricos. A las 23,00 era la proyección
más importante sobre la fachada principal.
"Fantastic Nights" de Château Azay-le-Rideau (Francia)
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Un auténtico lujo de detalles con una armonía y sencillez como solamente los franceses saben hacer estas cosas.
La filosofía del espectáculo nocturno esta basado en el “Las noches fantásticas”. El siglo XV y los castillos de la región del Loira muestra como el mundo estaba creciendo durante el Renacimiento, había debates sobre el lugar de la Tierra en el universo, la dificultadad de la navegación a nuevas tierras, la teoría de la perspectiva y medición del hombre, redescubriendo las mitologías y las artes de la antigüedad, estas nuevas ideas alimentan la creatividad dentro del arte.
El Centro de Monumentos Nacionales de Francia presenta el nuevo espectáculo nocturno "Fantastic Nights" del 4 de julio al 31 de agosto en el castillo de Azay-le-Rideau,
para resaltar la gran
obra maestra de la arquitectura del siglo XVI.
"Fantastic Nights" en Château Azay-le-Rideau (Francia)
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Los creadores gráficos de Explore Studio, ofrecerán un viaje virtual hacia los nuevos Mundos renacentistas: tanto de observador como explorador, el visitante es llevado a explorar el jardín redescubriendo las maravillas del Renacimiento, usando herramientas contemporáneas como la proyección de video y la realidad aumentada a través de una aplicación móvil.
A través de un paseo nocturno, el castillo ofrecerá 4 mundos diferentes: Naturalia y sus maravillosas criaturas animales y vegetales, Exótica o el descubrimiento de criaturas fantásticas y lo más exótico del Renacimiento, Artificialia que evoca creaciones artísticas de oro y joyas renacentistas, y científica, dentro de una inmersión en la ciencia del mapa astronómico y cartográfico renacentista.
"Fantastic Nights" en Château Azay-le-Rideau (Francia)
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Del 4 de julio al 31 de agosto, durante 90 minutos, es un parque metamorfoseado y se convierte en una zona que se ofrecerá a los espectadores
un espectaculo único. Y para concluir, una proyección monumental sobre la fachada del castillo deja un recuerdo memorable debido a su belleza.
Gracias a una aplicación de móvil con realidad aumentada disponible en todo el parque, los espectadores podemos sumergirno s en un mundo de ensueño, que puedes seguir el ritmo gracias a su dispositivo. Esta tecnología inmersiva lleva al público a fronteras soñadas, y te hace viajar.
A las 23,00 horas se produce en la fachada del castillo el espectáculo final. Se proyectan diversas pinturas donde nos cuentan el pasado renacentista del monumento y abren un libro de curiosidades que abundan en la proyección.
Hacen un repaso sobre diferentes obras de arte míticas, mecanismos aprendidos que reinventan el monumento todas las noches.
"Fantastic Nights" en Château Azay-le-Rideau (Francia)
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Es un guiño al cumpleaños número 500 de Leonardo da Vinci, donde se puede ver la Mona Lisa hace una aparición notable.
"Fantastic Nights" en Château Azay-le-Rideau (Francia)
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Aquí damos por concluido este intenso día, marchamos hacia el área de autocaravanas con la esperanza de coger el sueño lo más urgentemente posible.
Este blog continúa en la parte III....
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A. López
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