PARA LEER LA PARTE I I DEL BLOG

INTRODUCCIÓN

Estamos ante el viaje del año, en su diseño hemos depositado todas nuestras ilusiones, esta vez casi nos tenemos que quedar en casa. Durante los meses anteriores hemos contemplado diferentes posibilidades, habíamos pensado que este año sería el viaje definitivo a Italia, pero teníamos serias dudas por si el tiempo en agosto era muy caluroso, preparamos otra alternativa que era por los monasterios de Cataluña y sur de Francia por si no podíamos alejarnos demasiado, y la final, el viaje que realizamos en teoría contemplaba pasar desde Suiza hasta la república de Chequia.

Hemos cambiado de autocaravana y nos entregaron la nueva unos días antes a la salida, esto nos impide salir con la seguridad de conocer la herramienta de trabajo. Además de otros problemas que casi dan al traste con el viaje.

Con todas las rutas que teníamos preparadas para este año decidimos por una de ellas casi en el mismo momento de la salida, como no tenemos nada previsto cogemos las maletas y nos marchamos al súper Mercadona para llenar todo el frigorífico y parte del garaje con todo tipo de víveres porque conocemos que Suiza es un país muy caro.

Para ser prácticos somos conscientes que este año los horarios no podremos cumplirlos a rajatabla y será mejor tomar el itinerario con más calma, al final, no llegamos a Praga como teníamos pensado y el viaje se resume entre Suiza y Austria, además de la aproximación por Francia y el regreso visitando Venecia en Italia.

EL VIAJE

Día 12 de Agosto (martes)
Ruta: Madrid- La Almunia de Doña Ondina Km. 262; tiempo estimado 3h02'

Hemos tenido un día muy intenso, sin ninguna antelación hemos aprovechado la tarde para hacer la compra antes de partir, entre unas cosas y otras salimos de Madrid pasadas las 18,00 horas.

La salida de Madrid por A-2 es con un tráfico fluido, no tiene ningún problema, poco a poco nos vamos abriendo camino hasta que nos vence el cansancio. Paramos para repostar y nos damos cuenta que no podemos seguir, estamos muy lejos de donde teníamos previsto pernoctar pero decidimos que enfrente de la estación de servicios hay un amplio parking que pertenece a un restaurante, pedimos consejo al encargo de la gasolinera y nos dice que podemos dormir en ese parking y que nadie nos dirá nada. Hacia allí nos dirigimos, enseguida llega otra autocaravana y se pone a nuestro lado, juntos pasamos la primera noche del viaje.

El parking de autocaravanas que utilizamos para la pernocta en la Almunia de Doña Godina esta situado en la entrada de la ciudad en la carretera A-121, es el parking del hotel restaurante La Bodega , es gratuito. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N41.48242//W1.38012 .

Día 13 de agosto (miércoles)
La Almunia de Doña Godina-Avignon Km 769 ; tiempo estimado 7h 06'

La noche ha sido tranquila aunque un poco calurosa, enseguida nos levantamos para tratar de ganar un poco de tiempo al que perdimos ayer.

Continuamos el viaje por la A-2 hasta pasado la localidad de Fraga donde abandonamos la autopista de peaje para continuar por la autovía A-2 gratuita.

A medio camino empezamos a darnos cuenta de la compra que hemos hecho tan precipitada y lo que nos falta para pasar las vacaciones, decidimos para a la hora de la comida en la ciudad de Igualada para terminar de llenar nuestra despensa. Vemos que el parking del Mercadona es subterráneo y decidimos parar enfrente en el parking de Carrefour, donde compramos y aprovechamos para comer.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Igualada (Barcelona) se encuentra situada en la avenida de los Paisos Catalans, en el centro comercial Carrefour, no tiene limitaciones de gálibo y no tiene problemas para poder pernoctar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N41.59056//E1.615596.

Nos ponemos en marcha y cuando llegamos a la Frontera de Portbou hay un enorme atasco, toda la zona esta colapsada y nos demoramos más de una hora en hacer poco más de 10 km .

Cuando llegamos a nuestro primer lugar de destino cerca de la frontera, se trata de Salses-le-Château (Francia), esta es la localidad que deberíamos de haber llegado ayer, son pasadas las 19,00 horas, ya han cerrado las visitas al Castillo.

Decidimos proseguir el viaje y dejar la visita al castillo aprovechando nuestro regreso del viaje por la misma zona. Conducimos hasta bien entrada la noche con la intención de ganar kilómetros, hasta el paso por la localidad de Avignon, aprovechando que conocimos la ciudad, sabemos que hay un área/parking de autocaravanas. Llegamos cerca de las 22,00 horas y el área de Avignon esta cerrada por obras, vemos que las autocaravanas están situadas debajo de uno de los puentes, intentamos hacernos hueco pero vemos que no es posible, la ciudad esta en fiestas y hubiera sido una buena noche pero tenemos que buscar una mejor opción. Nos dirigimos a la salida de Avignon a un centro comercial que anteriormente habíamos visto.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Avignon se encuentra situado en el centro comercial Les Angles de E. Leclerc, en la avenida de la 2é División Blindée. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N43.95962//E.4.74826 .

Este aparcamiento esta bien asfaltado, tiene una ligera inclinación, no tiene limitaciones de gálibo y es un sitio ideal para pernoctar antes o después de visitar la ciudad de Avignón.

Día 14 de agosto (jueves)

Ruta: Avignon-Annecy Km 328; tiempo estimado 3h33'

Nada más levantarnos y para agradecer la hospitalidad de la cadena E. Leclerc, hacemos una compra rápida de lo más necesario que nos faltaba por comprar, nos dejamos más de 50 euros, además, echamos gasoil, una forma de mostrar nuestra fuerza como colectivo es dejar nuestro dinero que compense la utilización del parking, en total dejamos 110 euros.

Nuestro primer destino de las vacaciones es Annecy, donde llegamos pasado las 16,00 horas, la ciudad esta colapsada por vehículos, durante horas damos vueltas por la ciudad con la intención de hacernos un hueco, intentamos aparcar en algunos de sus parking públicos, lo intentamos en una de las áreas de autocaravanas y en un pequeño camping, sin conseguirlo. Un policía local nos recomienda el parking del centro comercial de Carrefour situado a las afueras, hacia allí nos dirigimos.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Annecy (Francia) se encuentra situado en el centro comercial Carrefour Market, a unos 7 Km. de Annecy en la localidad de Le Brouillet. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N45.84493//E6.14982.

El aparcamiento es gratuito, no tiene gálibo, ni ninguna limitación a nuestros vehículos. Esta comunicado con Annecy por un servicio de autobuses. Tiene estación de gasolinera con buenos precios.

Una vez aparcados en el centro comercial nos marchamos hasta la parada del autobús y vemos que el último autobús que regresa desde Annecy-Le Brouillet es a las 19,00 horas, por lo que no nos compensa acercarnos hasta Annecy sin posibilidad de regreso en transporte público.

Cambiamos de opinión, y decidimos movernos del parking y ante la cantidad de camping que hay a lo largo del lago intentaremos pernoctar en uno de ellos para dejar el resto del día dedicado al descanso.

Visitamos al menos cuatro de ellos estando todos completos, ponemos en el tom-tom uno lo más alejado posible, este esta a 14 Km . de Annecy. Cuando llegamos hay plazas libres pero nos indican que antes de asignarnos una parcela veamos el firme de las plazas porque ha llovido mucho y están en muy mal estado. La dueña nos indica que en caso de quedarnos embarrados el sacarnos del camping tiene que ser por nuestra cuenta y el tractor cobra 70 euros. Comprobamos una a una todas las alternativas y nos decidimos por una de las plazas que dejando la rueda de tracción fuera del césped, esto nos garantiza salir al día siguiente.

No somos personas de camping, pero en principio parecía la mejor opción pero como siempre son tantos los inconvenientes que una vez más nos equivocamos el pasar la noche en estos establecimientos.

Citaré la publicidad del camping para que todo el mundo que vaya a la ciudad de Annecy sepa donde no tiene que acudir y por qué no. Se llama camping Champs Fleuris, se encuentra en la localidad de Bordon (Francia). Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N45.82673//E6.18887 .

Día 15 de agosto (viernes)

Ruta: Annecy (Francia)-Ginebra (Suiza)

La noche la pasamos muy tranquila, toda la noche lloviendo, pero siempre como el come.. come.. en la cabeza de si mañana podremos salir del firme embarrado.

Nada más levantarme me voy directamente a la recepción para pagar y que me explicarán donde llenar el agua potable y donde vaciar las aguas grises. Me dice la dueña que han puesto una máquina en el exterior y que tiene un coste económico de 2 euros llenado y dos euros el vaciado. Le digo que no hay derecho que he pagado 30,90 euros y que esos servicios deben de estar incluidos en los servicios del camping. Al parecer aquí no, no se como lo hacen para la caravanas.

Enseguida encuentro la solución, antes de salir del camping vaciamos en una arqueta de los baños y aprovechamos uno de los grifos de agua potable del camping para llenar, a la espera de ver si nos quiere llamar la atención.

Entretanto, una autocaravana a nuestro lado se ha quedado enterrada en el césped sin posibilidad de salir, poco a poco nos vamos sumando gente hasta que entre más de 10 personas y mucho esfuerzo, conseguimos sacarla de su parcela.

En definitiva, otra razón más que me confirma que los campings son en todas partes iguales, solamente piensan en la tarifa pero no en los servicios que deben dar a los clientes de las autocaravanas que se resumen en tres: agua potable, seguridad y eliminación de residuos.

Como debemos de abandonar el camping antes de las 12,00 horas y ante la falta de transporte publico, decidimos acercarnos a Annecy en la autocaravana con la esperanza de encontrar un aparcamiento, nos da igual que sea de pago o gratuito que nos permita visitar la ciudad.

Pronto nos damos cuenta que estamos como ayer, solamente vemos autocaravanas por todas partes buscando un hueco para aparcar, en todos los parking están repletos, durante varias horas damos vueltas por la ciudad, decidimos tirar la toalla y dejar Annecy para otra ocasión. Un poco antes de salir de la ciudad ante nuestros ojos aparece un hueco lo suficiente grande para dejar la autocaravana, en un lugar relativamente cerca, en un aparcamiento en plena ciudad nueva.

La ciudad tiene muchísimos parking pero en todo ellos hay un gálibo que impide que las autocaravanas podamos aparcar, los automóviles lo consiguen pero las autocaravanas se encuentran vagando por la ciudad como una verdadera plaga.

El parking para autocaravana en la ciudad de Annecy (Francia) se encuentra situado en la Avenida de France, enfrente de la iglesia Sainte Bernadette, que tiene parking pero también con gálibo. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N45.90584//E6.14221 .

La ciudad de Annecy esta llena de monumentos pero en esencia es una ciudad para pasear por sus espacios abiertos sobre el lago y para perderse por el interior de la ciudad medieval, disfrutar de sus calles, de sus comercios, de la arquitectura de sus casas.

La ciudad esta edificada sobre el margen del lago Annecy, rodeada de montañas prealpinas, esta atravesada del río Thiou que vierte sus aguas al lago; todo esto la confieren una ciudad de un valor con un alto grado paisajístico.

Su configuración y su asentamiento podíamos decir que es el típico de las ciudades Suizas, rodeada de montañas. asentada a lo largo de un gran lago y atravesado por un río de aguas puras procedente de las montañas. Efectivamente, en su pasado histórico se confirma que la ciudad formó parte del condado de Ginebra, se separo por la religión al triunfar en Ginebra el Calvinismo y al refugiarse en la zona de Annecy el obispo católico cristiano se produjo la separación, pero no es hasta la llegada de Napoleón en que pasa a formar parte de Francia.

La primera imagen que nos llega de Annecy es el famoso Palacio de l'Isle, dicen que es el segundo monumento más fotografiado de Francia después de la Torre Eiffel en París. Y verdaderamente tiene un inmenso atractivo fotográfico, se trata de un edificio de piedra con forma de barco anclado en la corriente del río Thiou.

Son pasadas 12,30 horas, esto es Francia significa que debemos de ponernos a buen recaudo si queremos comer, miramos la multitud de restaurante que ofrecen menús en la zona más céntrica de la ciudad y los precios sobrepasan los 20 euros por persona, nos vamos alejando hasta que llegamos a la zona de la catedral donde vemos que podemos comer unos bocadillos y bagettes en un banco de la ciudad.

Seguimos la visita a la ciudad y subimos hasta la parte más alta donde se encuentra el Chateau d'Annecy, las entradas al castillo y las exposiciones son 20 euros.

El castillo esta construido sobre un promontorio de roca, iniciándose la construcción en la parte más alta con la torre de la Reina en el siglo XIII y se va aumentando hasta terminar con la plaza de armas del castillo, luego el castillo durante los dos siglos siguientes va tomando forma hasta nuestros días.

La torre de la Reina es la parte más imponente, se eleva a treinta pies de altura y un espesor de las paredes en la base de más de cuatro metros. Constituye uno de los pocos ejemplos que ha sobrevivido de la arquitectura militar de la Edad Media tardía. La leyenda indica que sirvió no para el disfrute de la reina sino como prisión.

En el lado norte del recinto se construyó la «Casa Antigua» en el siglo XIII y sirvió como Palacio para las siguientes cinco generaciones de los Condes de Ginebra, hasta la desaparición de la dinastía en 1394. Su interior se ha convertido en museo, donde se puede ver las enormes cocinas, las chimeneas y horno de pan en la planta baja. El gran salón tiene catorce columnas que sujetan el piso superior.

El nivel superior tiene la habitación grande dedicada a los asuntos de Estado, utilizada para las reuniones, grandes eventos, pero también donde se tomaron decisiones importantes que afectaban al condado. El consejo de Estado dictaba resoluciones que afectaban a la guerra, la paz, la justicia, y los asuntos más importantes. En el mismo nivel y encima de la cocina se encuentra la Casa Roja , se llama así al apartamento privado de los condes de Ginebra.

El conjunto del castillo esta formado por dos torres que aseguraban la defensa de la Casa Antigua , la Torre de San Pedro, se identifica en la portada por el nicho con su corona, y las almenas de la Torre de San Pablo. El castillo sufrió un terrible incendio en el siglo XV y tuvo que reconstruirse por Amadeo VIII de Saboya.

La casa de Nemours es un edificio del siglo XVI fue construido por la familia de Ginebra-Nemour. Charlotte d'Orléans, se casó con Felipe, hermano del duque de Saboya. La dote es otorgada por el rey de Francia que les nombra el inicio de la Casa de Saboya. Charlotte se queda viuda muy joven y da orden para la construcción de esta parte del palacio en estilo renacentista que se manifiesta en la fachada principal.

El interior es de tres pisos, en cada lado hay tres habitaciones comunicadas por sendas chimeneas con ventanas hacia el sur.

La sala más impresionante se llama de las Columnas, esta situada en la planta baja, tiene catorce pilares. Antiguamente tenia dos hornos de ladrillos. En el siglo XV se utilizaba como la sala de la guardia.

El techo de la Gran Sala está formado por once vigas que se apoyan sobre arcos debajo donde se levantan los artesonados. Era la sala más prestigiosa del palacio y era utilizada para la recepción de los grandes señores, por ella pasaron los reyes franceses Enrique IV en 1600 y Luis XIII en 1630.

Otro de los edificios es la casa nueva, fue construida a finales del siglo XVI, no tiene una arquitectura tan rica y es empleado como edificios subalternos.

Pasamos al interior del museo donde se exponen muchas de las decoraciones religiosas procedentes de iglesias de la zona de Annecy.

Lo primero que nos fijamos es una talla de “San Juan Bautista”, esta datada en el siglo XVI, fue manda elaborar en la época de los Saboya.

Es una talla de madera muy elaborada, san Juan Bautista lleva en su brazo izquierdo el cordero de Dios, en la mano derecha llevaba una cruz, ahora desaparecida. Destaca por su mirada y la elaboración del traje.

La siguiente talla “ La Virgen y el niño”, esta datada en el siglo XIV, es de estilo gótico, procede de la antigua abadía de Cluses, Haute-Sovoie.

La siguiente talla es un relicario “Santa Bárbara” esta datada en el siglo XVI, realizada en madera. Es un busto de la santa que lleva un hueco en el pecho para colocar las reliquias.

La siguiente talla “San Antonio”, atribuida al maestro escultor de Bourguignon, elaborada en madera policromada, esta datada entre 1455 y 1460, procede Saint Jorioz (Haute-Savoie).

Otra de las tallas “San Santiago el Mayor”, realizada en madera, esta datada en el siglo XV, procede de Chambéry, Savoie.

La siguiente talla “Virgen con el niño”, esta datada del siglo XV, realizada en madera policromada, obra de estilo gótico. La virgen lleva un vestido azul con estrellas doradas y una túnica roja, la cara es redondeada, el niño lleva en su mano un ave que representa la divinidad.

La pintura “ La Virgen y el niño entre un donante y un ángel”, esta datado entre finales del siglo XV y principios del siglo XVI, realizado en óleo sobre madera, pertenece a la escuela flamenca.

La talla de “San Sebastián en la columna”, esta datada a finales del siglo XVI y principios del siglo XVII, realizada en madera, procede de Lanslebourg, Savoie.

La siguiente pintura “Gólgota”, es de un autor desconocido, esta datada a principios del siglo XVII, realizada en óleo sobre madera, pertenece a la escuela flamenca.

La siguiente pintura díptico “La Virgen y Cristo bendiciendo”, esta datada en el siglo XV, es de un autor desconocido, realizado en óleo sobre madera.

La siguiente talla “Milagro de san Hubert”, obra del maestro de la Pietà des Antonins, realizada en madera policromada, esta datada en el siglo XV.

El siguiente retablo tiene dos caras “La coronación de la Virgen ”, en el reverso “San Francisco recibe las estigmas”, obra del Pintor de Saboya, esta datado entre 1470-1480.

Mas adelante esta el cuadro “Grupo costumbrista vestido de Saboya”, obra de Charles Coppier (1867-1948), realizado en óleo sobre lienzo.

El siguiente cuadro “El torrente, Valle de Drance”, obra de Andre Giroux (1801-1879), esta datado en 1864.

El siguiente cuadro “Mujer con traje de Beaufort”, obra de autor desconocido, aunque se sabe que fue hecho en la zona de Cernix, esta datado en 1872, realizado en óleo sobre lienzo.

Más adelante podemos ver el cuadro “La salida de la mujer de Manigot”, obra de Eugène Burget (1844-1911), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1893.

La siguiente talla “San Juan de Arves, Saboya”, obra de escultor desconocido, esta datado en el siglo XIX, formaba parte de un retablo, elaborado en madera policromada.

Las siguientes salas están dedicadas a una exposición de muebles antiguos de la región, donde podemos ver diferentes camas, escritorios, baúles con unos diseños muy propios de la zona.

El siguiente cuadro “Monjes dentro de un paisaje”, obra anónima, esta datado en el siglo XVIII, realizado en óleo sobre lienzo.

Después de disfrutar de las vistas de Annecy desde la parte más alta del castillo volvemos a bajar y nos vamos directamente para visitar la catedral.

La catedral de San Pedro de Annecy formaba parte de la capilla anexa del convento franciscano.

El edificio fue construido a principios del siglo XVI por Jacques Rossel. Durante la Revolución Francesa , fue un templo dedicado al culto de la razón, y en 1822 se convirtió en la capilla de la catedral de la ciudad.

El interior esta construido en tres naves de cinco vanos, la central desemboca en un coro poligonal cuya decoración data del siglo XVIII. El conjunto es una verdadera joya del arte gótico de Saboya. Las vidrieras ilustran la historia de San Francisco de Sales.

El resto de la tarde paseamos por la pujante ciudad que tiene un turismo muy activo, sus comercios son muy exquisitos y variados.

Damos por terminada nuestra visita a la ciudad Annecy, lamentamos no poder ver la ciudad con la iluminación nocturna porque es un verdadero espectáculo visual.

Nuestra siguiente parada es la ciudad de Ginebra en Suiza, el recorrido es de 41 Km ., y dado la cercanía decidimos hacerlos fuera del peaje. Hacer ese recorrido nos demora más de una hora. A la llegada a Suiza el tom-tom nos mete por un paso fronterizo que en esa hora estaba cerrado, pedimos un recorrido opcional y llegamos a otra calle que indica el paso fronterizo pero no hay ningún gendarme a ambos lados de la frontera.

Estamos preocupados con sacar la viñeta, aunque es verdad que no hemos tocado ninguna autopista, poco antes de llegar al parking vemos una estación de servicios donde paramos y sacamos la viñeta, como no llevamos francos suizos pagamos con tarjeta de crédito, en total son 40 FS unos 33 euros, válido durante 2014.

En Suiza existe obligación de usar la viñeta en todas las carreteras nacionales de la categoría 1 y 2. Hay una sola viñeta anual que cubre el periodo desde el 1 de diciembre del año anterior hasta el 31 de enero del año siguiente.

La colocamos en el lado izquierdo según indica el plano que nos facilitan, además leemos todo lo relacionado con la viñeta y nos llama la atención que las autocaravanas que pesen más de 3,5 toneladas pagan como camión una tasa especial de 3,25 francos por día, afortunadamente nosotros somos de las chiquititas.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Ginebra se encuentra situado en la ribera del lago Leman en la zona de Chambésy, es gratuita y publica esta limitada a 24 horas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N46.24541//E6.15257 .

El aparcamiento en Ginebra esta bien comunicado, se halla cerca del tren de cercanías, hay que andar unos 500 metros y cruzar la autovía, para llegar hasta el centro hay que recorrer dos estaciones del tren de cercanías en la parada Chambésy, las siguientes estación son: Genéve-Sécheron para finalizar en la Estación Central , el precio del billete es de CHF 3,40 (2,80 euros) y sirve para una hora en todos los transportes públicos.

Día 16 de agosto (sábado)

Ruta: Ginebra-Montreux- Km. 93; tiempo estimado 1 h 14'

La noche en el parking de Ginebra es excepcional, sentimos como ha llovido copiosamente pero a la mañana el sol es radiante, puedo ver como la zona del lago es un lugar de esparcimiento para los ciudadanos de Ginebra. El parking esta muy cercano a un club náutico, rodeado de mesas y barbacoas dentro de un inmenso césped. También hay una escuela de vela “Force 5” donde alquilan distintos tipos de barcos y barcazas.

En estos momentos debemos de ser unas ocho o diez autocaravanas, además hay varios coches de distintos servicios públicos. Un cartel muy grande nos advierte que estamos en zona de silencio desde las 22,00 horas. El lago esta totalmente en calma se acaba de disipar la bruma diaria matinal que desdibujaba la costa, el agua fría solamente es alterada por los patos y cisnes altivos que a esas horas de la mañana pasean por el agua.

Para llegar hasta el centro urbano de Ginebra debemos de ir andando desde la zona donde esta el parking, lo llaman Le Vengeron por el lateral de la Route de Lausanne, cruzamos por un paso subterráneo por el Chemin de Chambésy, para llegar a la estación de Chambèsy.

Ginebra aparentemente no es muy grande su población asciende a 180.000 habitantes, es como una ciudad pequeña española, del tipo de León o Burgos. Es una ciudad cosmopolita y un gran centro de negocios, esta totalmente rodeada por Francia, esto ha dado su idioma mayoritario sea el francés, además son mayoritariamente de religión calvinista, una paradoja. Mundialmente se ha hecho famosa por acoge la sede europea de las Naciones Unidas y de la Cruz Roja Internacional.

La ciudad se extiende, como la mayoría de Suiza, a lo largo de un lago, en este caso es el lago Leman, ocupa la Rive Gauche , orilla izquierda.

Históricamente la ciudad estuvo unida al Sacro Imperio Romano desde el siglo IX para pasar al dominio de los Saboyas, dinastía de la que se independizó en 1536, posteriormente los Saboyas trataron de recuperar la ciudad en 1602 pero fueron derrotados. De este hecho se conmemora el festival llamado L'Escalade. Paso a llamarse la Roma Protestante con la llevada de Calvino porque atrajo a ciudadanos de todo el mundo que querían practicar esta religión libremente, en 1815 se unió a la Confederación Suiza.

Dicen que una de las cosas que mejor funcionan en Suiza son sus trenes, aunque cogemos una línea de tren suburbano que tiene servicios frecuentes y puntuales.

En quince minutos estamos en la Estación Central de Ginebra, seguimos las indicaciones para llegar a la oficina de turismo donde recabamos información de los lugares que queremos visitar.

El primer sitio que queremos ver es el edificio de las Naciones Unidas, estamos en la estación de la Gare Cornavin y tenemos que llegar a la estación de Nations. El billete es valido durante una hora por todos los transportes públicos: Enseguida llega el tranvía nº 15 con el indicativo de Nations.

Nada más llegar a nuestro destino lo primero que llama la atención es la Silla Rota o Broken Chair, la gente se arremolina a su alrededor haciéndose numerosos Selfies delante de la escultura monumental obra del artista suizo Daneil Berset y realizada por el carpintero Louis de Genève, representa una silla gigante de 5,5 toneladas y doce metros con una pata rota.

En 1997 fue puesta enfrente del edificio de las Naciones Unidas como una reivindicación en contra de las minas unipersonales durante un periodo de tres meses hasta la firma de la Convención de la Prohibición de la minas antipersonas.

Fue tal éxito que se decidió dejarlo en el lugar pero debido a los trabajos de remodelación de la plaza fue retirada en el año 2005. Dos años más tarde fue nuevamente colocada en la campaña para conseguir eliminar por la Naciones Unidas las minas de racimo.

El acceso al Palacio de Naciones Unidas es un poco complicado, hay una larga cola y una cantidad de trámites, hay que acreditarse mediante el carnet de identidad, te hacen una fotografía y un carnet para la visita. Después hay que inscribirse en alguno de los grupos que hacen la visita guiada al palacio, solamente en francés o ingles, aunque según indicaba la página web se puede hacer en quince idiomas pero la verdad es que en este día solamente se hace en esos dos idiomas. Lo de Naciones Unidas es menos unidas cuando el español no figura entre los idiomas oficiales para la visita guiada siendo la segunda lengua más hablada del mundo.

Entre grandes medidas de seguridad comenzamos la visita guiada, la primera de las salas de deliberaciones del museo, es un gran espacio presidido por el escudo de las Naciones Unidas.

Seguimos los pasos de nuestra guía a través de un gran Hall que nos conduce a la gran sala de deliberaciones de los Derechos Humanos y la Alianza de Civilizaciones, destaca el techo que fue decorado por Miquel Barceló.

Se le ha llamado la capilla Sixtina del siglo XXI de la ONU , en sus principios la sala tenia una simple cúpula blanca, ocupa 1400 metros cuadrados y según las propias palabras del artista Barceló representa una cueva que es barrida por olas y con miles de afiladas estalactitas que resume su idea del mundo: un planeta-cueva que reúne a los hombres y que viaja al futuro. La sala ocupa el espacio de reuniones llamada “ Los Derechos Humanos y la Alianza de Civilizaciones”.

El propio autor Barceló la define como: “Se asemejará al oleaje del mar, dará una impresión de algo inacabado, de un espacio que construye la mirada a medida que uno va transitando por él”.

La sala fue una donación de España ante la petición de las Naciones Unidas de colaboración para la renovación del edificio de Ginebra, entre las que participaron: Gobierno español, Fundación ONUART, el Gobierno de Baleares y la Confederación Empresarial de Madrid (CEIM).

La cúpula de la sala se incorporó una estructura metálica capaz de soportar los 30.000 Kg. de pintura con un universo abstracto de pintura barroca chorreante de color con una paleta de más de 200 colores para crear un mar en movimiento sobre las cabezas de los delegados de las Naciones Unidas. Comenzó creando una serie de estalactitas de color verde luego fue coloreando en azul.

Luego pasamos a otra de las salas de deliberaciones de las Naciones Unidas, es muy sobria y solamente destaca por el símbolo de la organización sobre un panel de madera.

Pasamos a un enorme mirador sobre el lago Leman donde podemos contemplar las numerosas esculturas de bronce que han sido donadas a esta organización y que crea un museo al aire libre.

En los pasillos se hallan numerosas obras de arte que hablan de la historia de las Naciones Unidas, por ejemplo el

retrato de Ralph J. Bunche, fue un diplomático americano que consiguió el alto el fuego entre palestinos y judíos en 1941 y le otorgaron en 1950 el Nobel de la Paz.

Una placa conmemorativa en honor de los fallecidos durante el atentado contra el edificio de las Naciones Unidas en Bagdad el 19 de agosto de 2003 qué se cobro un saldo de 22 personas muertas.

Una replica del código de Hammurabi del rey de Babilonia, datada entre 1792 al 1750 a .C.; el original se encuentra en el Louvre de París. Donada por la misión de Irak el 25 de junio de 2013.

Un replica de la escultura Cycladic Idol es una de representaciones más tempranas y mas conocidas en el arte griego de mujeres desnudas hasta el siglo IV a.C. Fue donada por Grecia el 5 de marzo de 2014.

En uno de los pasillos se encuentra los numerosos lienzos donados entre los que destacan “Malos tiempos”, obra de M. Eduardo Kingman, fue donado por Ecuador en 1997.

A su lado el cuadro “Meditación VIII”, obra de Trento Longaretti, fue donado por Italia en 1999.

El siguiente cuadro “Reunión (23 Street Cycle)” obra de Kazimeras Lazoromski, esta datado en 1987, fue donado por la República de Lituania en el 2008.

Pasamos por el pasillo de los Pasos Perdidos donde podemos admirar la sala principal del edificio y sobre el jardín la famosa Esfera Armilar ante el lago Leman.

En el Hall del edificio principal de la ONU se halla en estos momentos una exposición titulada “Energía y Transformación” donde se exponen una serie de cuadros de Pedro Trueba de Méjico.

El artista Pedro Trueba es un gran colorista, emplea en cada punto, línea y trazo, para conseguir una superficie hecha de pintura en aceite, acrílicos, pasteles, materiales diversos, suelen ser meros pretextos para integrar aleaciones y colisiones como el big-bang y dar génesis a nuevas constelaciones y superficies terrestres.

Sobre las paredes un relieve hace mención en el honor de Robert Cecil (1865-1958), fue uno de los encargados de la redacción de los estatutos de la Sociedad de las Naciones –antigua precursora de las Naciones Unidas– fue galardonado con el Nobel de la Paz en 1937.

Visitamos la Cámara del Consejo, donde se han tomado muchas negociaciones históricas importantes, está decorada con murales de José María Sert uno de los más prestigiosos muralistas del siglo XX.

La Sociedad de las Naciones –precursora de la ONU – de Ginebra decidió construir un edificio como sede de sus actividades. Entre sus necesidades debía de ser un edificio para albergar las reuniones de todos los países miembros.

Los estados miembros que participaban de la organización se encargaron de una serie de donaciones para la construcción y para su ornamentación, el gobierno de la República española ofreció la decoración de su salón principal por el artista español José María Sert.

El ministro de asuntos exteriores de la República , Salvador de Madariaga plasmo los acuerdos para decorar la sala que se llamaría Francisco de Vitoria dejaría un toque de español y un nombre para la posteridad en la gran Sala de los Consejos.

Las pinturas de Sert producen una visión escenográfica de color monocromo donde el tamaño de sus figuras se mueven dentro de un escenario titánico y apocalíptico creando un universo muy parecido a la realidad de aquellos tiempos.

El pintor solamente utiliza tres colores para pintar toda la sala, el fondo es de color oro, las figuras son de color sepia, y el mármol son las grisallas. Es conocido que el color no es el fuerte de la pintura de Sert, su visión cromática es abandonada para centrarse en los volúmenes y en el dibujo.

Frente a los ventanales de la sala el pintor hace una grisallas que representan: La justicia, la fuerza, la trilogía de la paz; a la izquierda: La paz muerta; a la derecha, la paz insurgente; en el centro: evocación de la paz, la ley y la inteligencia.

Por encima de estas grisallas se extienden los seis tapices cuyos títulos evocan el sentimiento general de la sala que se identifica con la idea: lo que separa y lo que une a los hombres.

Se pintan seis grandes tapices, el situado frente a las grandes ventanales de la sala se divide en dos que se relacionan y se oponen entre si: “Los vencedores” con su desfile de la victoria, unos ciclópeos portan un gran ataúd, marchan los soldados victoriosos vestidos con uniformes franceses; a su lado “Los vencidos” están de pie entre los muertos, estos claman venganza.

Sobre los muros de la sala representan la victoria del hombre sobre todos los males del mundo, capaz de alcanzar la paz: “la esperanza” después de la guerra los soldados vuelven a casa con la esperanza de recuperar la armonía; “el progreso de la ciencia”, es la necesidad de la apuesta por el futuro siempre basado en el estudio y la investigación; “el progreso social”, habla de la libertad y la victoria de la esclavitud; “el progreso técnico” hace referencia a la liberación del hombre de los trabajos más pesados gracias a la técnica; “la lección de Salamanca”, el hombre puede llegar al estado de paz y concordia, lugar donde en el siglo XVI se pusieron las bases para establecer el Derecho Internacional, gracias a su cátedra en dicha universidad de Francisco de Vitoria. Con el paso del tiempo el nombre cayó en el olvido y nunca se materializo.

En la actualidad la sala sirve para las reuniones de la Conferencia del Desarme, órgano de las Naciones Unidas que trabajan por la paz en el mundo, siguiendo el tema central de los murales que muchos años antes había diseñado José María Sert en defensa de la paz.

Desde aquí pasamos a la sala más grande del Palacio de las Naciones, se trata del gran salón de actos, esta dentro de un edificio neoclásico que se encargo a los arquitectos: Carlo Broggi (Italia), Julien Flegenheimer (Suiza), Camille Lefèvre, Henri-Paul Nénot (Francia) y Joseph Vago (Hungría) para poder elaborar un proyecto común.

Desde los ventanales del Palacio de las Naciones hay una magnifica vista del Jardín de Ariana, en el fondo hay una preciosa imagen del lago Leman y las montañas de los Alpes.

Finalizada la visita al complejo de las Naciones Unidas paseamos por el parque aledaño que forma parte del Jardín de Ariana, esta decorado con numerosas esculturas representativas de todas partes del mundo. Nos llama la atención un estupendo palacete, en la actualidad alberga el Restuarant Vieux-Bois, en estos momentos como es sábado y nadie trabaja en la ONU esta totalmente vacío, es la sede actual de la escuela de hostelería de Ginebra, esto nos anima a mirar la carta de precios, el menú más barato son 70 FS más impuestos y servicios, esto nos echa para atrás, decidimos regresar al centro de la ciudad para encontrar un menú más acorde con nuestro poder adquisitivo.

Un poco más adelante encontramos una enorme escultura con un epitafio que dice: “Mi vida es mi mensaje”, estas palabras dicen todo del personaje, se trata de Mahatma Gandhi (1869-1948). Es quizás el personaje más representativo del que merecería estar más cerca de la puerta de las Naciones Unidas, su tozudez sirvió de inspiración a los movimientos para la no violencia, los derechos civiles y la libertad en todo el mundo. La obra es del escultor Gautam Pal (1949), escultor de Calcuta, India.

Otra de las esculturas cercanas que nos llama la atención “La prière”, obra del escultor Jean-Daniel Guerry, donde se representa una mujer en estado de oración, fue construida en hierro fundido, esta datada en 1968; tiene unas dimensiones de 55x107x48 cm.

Desde aquí cogemos el tranvía y nos bajamos en pleno centro de la ciudad, comemos en un restaurante de comida rápida y después de un merecido descanso queremos descubrir la obra del arquitecto Le Corbusier en Ginebra. Caminamos hasta en el barrio de Villereuse y la calle rue Saint Laurent 2-4 donde se encuentra el edificio “Casa de Cristal” o también conocido como Clarté Building, esta dividido en 48 apartamentos con diferentes tamaños y terminaciones, en ocho pisos y 16 dúplex.

Le Corbusier diseño el edificio con ayuda de su primo Pierre Jeanneret, era un encargo del industrial de Ginebra Edmond Wanner, fue terminado en 1932 y podemos imaginar que en aquella época era una innovación. El arquitecto no se limito a diseñar el edificio y su estructura también pensó en el diseño de su interior, desde las puertas hasta los accesorios de los baños.

En la actualidad goza de una especial protección por su aspecto vanguardista y porque es uno de los dos edificios que le Corbusier realizó en Suiza y esta declarado como Patrimonio Nacional.

El edificio destacaba en su época por tener una estructura metálica soldada eléctricamente y por el uso generalizado del vidrio en sus dos fachadas. El edificio dispone de agua caliente centralizada, trasteros individuales, una docena de garajes y aparcamientos destinados para bicicletas. Tiene dos portales de entrada con un acceso abovedado de baldosas de vidrio, el hall conduce al ascensor, la policromía del edificio se reduce al uso de dos colores, el azul claro y el marrón oscuro.

El espíritu innovador de Le Corbusier lo transmite en este inmueble con un único objetivo: ofrecer a sus inquilinos una libertad individual, rompiendo con las ataduras que tenían en ese tipo de viviendas en la Ginebra tradicional, disponiendo en los apartamentos de una flexibilidad de volúmenes, la transparencia que les hace que la luz entre por las ventanas con mayor libertad, cada apartamento tiene su terraza individual acristalada que recientemente se ha restaurado.

Desde aquí marchamos hasta la parte de la Ville Vieille , se encuentra sobre un promontorio de la orilla del río Rodano. Son los restos de un hermoso barrio, cuya calle principal es la peatonal Grand Rue, todavía conserva las calles empedradas donde se levantan las casas con historia, las fachadas son de piedras calizas, el edificio más importante es la Catedral de Ginebra.

La catedral de Ginebra fue levanta para la veneración de San Pedro, su construcción empezó en 1110 y finalizó en 1230, aunque luego a los largo de su historia sufrió numerosas modificaciones, en el siglo XVIII se añadió el pórtico neoclásico. El avatar más importante es que en 1536 se convirtió en templo protestante perdiendo su espléndida decoración. Solamente sobrevivió la sillería y las vidrieras del presbiterio, convirtiéndose su interior en un templo sencillo y sobrio, especialmente diseñado para escuchar la palabra y no para disfrutar de la imagen, siguiendo el espíritu calvinista.

La catedral de San Pedro es un testimonio vivo de la influencia que tuvo en Ginebra el mundo protestante como un lugar de refugio, así como la formación académica de pastores de toda Europa.

La llevada de Calvino a Ginebra en 1535 huyendo de la persecución de los reformados franceses iniciada por el rey Francisco I, supuso la ruptura con el papa, la expulsión del obispo Jean de la Baume. Después de tres años introduce un gran número de tensiones entre la población que acaban con el destierro de Calvino.

En 1541 Calvino regresará a Ginebra para acabar con la iglesia católica, sus reformas no acaban en la iglesia se abren paso entre toda la sociedad, se proclama la igualdad de hombres y mujeres y se legaliza el divorcio, el matrimonio ya no es considerado un sacramento.

Con la llegada de protestantismo aumenta la relación entre Calvino y el capitalismo. Es cierto que el reformador autorizó el préstamo con interés, aunque él no había inventado el sistema, ya se practicada por los lombardos y los banqueros venecianos. El diseño del dinero está muy condicionado por el Talmud donde los comerciantes y prestamistas, expresa mejor la esencia del capitalismo, esta filosofía aparece de nuevo ante los cristianos, para los protestantes indican que es muy favorable para la prosperidad económica, siempre que el bien común no se pierda. Ginebra se convierte en una ciudad con rígidos horarios comerciales, se legalizan los altos intereses por los préstamos, pues el dinero es fruto del trabajo y el trabajo es el camino para elevar y para honrar a Dios.

Una de las frases que Calvino hizo suyas en el siglo XVI fue: “El que no trabaje que no coma” aunque su verdadero autor era san Pablo. En su ideario era dedicar la vida al trabajo con una pequeña tregua para dedicarla a la oración, era lo que Calvino aconseja a sus fieles y exigía a los ciudadanos de Ginebra.

Aunque Calvino no dejó buenos recuerdos en la mente de Ginebra. La Reforma fue un periodo marcado por la intolerancia. En Ginebra, es obligatorio ser un calvinista y numerosos ciudadanos fueron condenados por su propia inquisición, donde la gente debía de expresar y no dudar de los principios de la reforma y no dudar para apoyar a la doctrina de Calvino se pagaba con la excomunión. Entre sus reglas se encontraba desde la obligación de acudir a la iglesia hasta no bailar en las celebraciones de las bodas, se reglamentaba la manera de vestir, se multaba a quien jugaba con dardos y organizaba representaciones teatrales. Entre 1542 y 1561 fueron ejecutados cincuenta y ocho personas, entre ellas el médico y teólogo español Miguel Servet, descubridor de la circulación de la sangre.

Calvino predicaba un extremado concepto de la predestinación: Dios elige un reducido numero de seres humanos destinados a salvarse, pero nadie puede saber si esta entre los elegidos, por lo que la vida transcurre bajo el temor de la duda.

Con respecto a la catedral la revolución iconoclasta devastó el edificio, rompiendo estatuas y dañando las imágenes que no estaban de acuerdo con el nuevo culto reformado.

El interior, esta formado por tres naves, la central mucho más alta y ancha que las dos colaterales, está cubierta por bóvedas de arista, presenta una combinación de elementos románicos y góticos tempranos, sobre la arquería se encuentra el triforio. Los arcos góticos están apoyados en capiteles de estilo románico y gótico constituyen el más amplio conjunto de todas las iglesias suizas. En la entrada a la derecha se encuentra adjunta la capilla de Notre Dame, se convierte en la Capilla de los macabeos, debido a la posible presencia de las reliquias de los Macabeos, de estilo flamígero, data de principios del siglo XV, su decoración con frescos y vidrieras contrastan con la austeridad de la nave.

Una de las capillas laterales es donde se encuentra la tumba de Henri de Rohan, su epitafio indica: “Aquí yace Henri, duque de Roan, cabeza de la iglesia reformada de Francia en los siglos XVI y XVII”.

Uno de los elementos que han llegado a nuestros días es la espléndida sillería, se encuentra cerca del coro. Los paneles posteriores y el baldaquín están decorados con intrincadas tallas policromadas.

De regreso hacia el lago Leman pasamos por una de la antiguas construcciones que ha sobrevivido se trata de la Torre de la Isla , era una parte de un antiguo castillo que protegía el puente sobre le río Ródano, en el siglo XVII fue demolido quedando solamente es única torre. La torre se convirtió en un lugar de reclusión donde Philibert Berthelier, patriota de Ginebra es acusado falsamente en 1517 de participar en un complot contra la vida del obispo, fue encarcelado y decapitado.

Antes de coger el tren de regreso podemos echar un vistazo a uno de los iconos de la ciudad es Jet d'Éau, es la fuente de agua más alta de Europa y se puede ver desde cualquier punto de la ciudad. Despide un chorro de 140 metros de altura, a una media de 500 litros por segundo y a una velocidad de 200 kilómetros por hora.

Su creación fue un accidente porque a finales del siglo XIX se instaló una fuente funcional para aliviar el exceso de presión de unas tuberías, tal fue el éxito que se decidió hacer una fuente permanente.

Regresamos al parking donde tenemos la autocaravana en Ginebra y seguimos nuestro viaje hasta la vecina población de Montreux, se encuentra situada a una distancia de 93 Km . y esperemos llegar en poco más de una hora.

Durante el trayecto la carretera recorre el litoral del lago Leman con magnificas vistas atravesando la llamada “ruta de los viñedos”, donde las vides se suceden sin interrupción desde las laderas del Jura hasta la parte baja del lago. Pasamos por pequeñas poblaciones como Coppet –con excelentes vistas sobre el Petic Lac–, Nyon con su magnifico castillo de Pragins, rodeado de un magnifico parque que domina el lago y Mont-sur Rolle, donde se producen unos magníficos vinos blancos. Más adelante pasamos por la ciudad de Morges, famosa por su iglesia románica de Saint Sulpice, hasta llegar a la ciudad de Lausanne, una de las ciudades más antiguas de Suiza, pero no tenemos tiempo de parar para visitarla. El paisaje cambia, se abren extensas plantaciones de vid que desciende en terrazas y bancales desde las montañas hasta el mismo lago. Las parras están alineadas, todas las cepas están puestas en su sitio, no hay un centímetro de tierra sin cultivar. El vino de la región de Lavaux, nombre que recibe esta zona, goza de un reconocido prestigio en todo el mundo. Los siguientes 25 Km . hasta Vevey están llenos de viñedos y pequeñas villas con mucho encanto, podemos ver las numerosas bodegas les caveaux puedes parar para hacer una degustación de sus vinos blancos.

Cuando llegamos a Montreux es totalmente de noche y estamos muy cansados por lo que aprovecharemos para hacer las labores de mantenimiento. Enseguida divisamos el área que esta un poco más abajo de la estación de tren. En este momento la mayoría de las plazas marcadas para autocaravanas están ocupadas por turismos por lo que no nos queda otra que ocupar dos plazas de coche, aunque el parking dedicado a coches esta más inclinado pero tendremos que adaptarnos hasta que alguna de las plazas de autocaravanas sea desocupada.

El área de autocaravanas en la ciudad de Montreux se accede por la Rue du Lac hasta Quai des Villes du Bochet, es un área publica, esta dentro de los limites de la ORA. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N46.44017//E6.88990 .

El aparcamiento esta limitado a 12 horas hay que sacar un ticket entre las 7 horas y las 19,00h, el resto del día es gratuito, hay una estación con una torre de servicios donde se puede cargar agua, luz eléctrica y vaciar las aguas grises, todo gratuitamente.

Día 17 de agosto (domingo)

Ruta: Montreux-Berna Km. 89; tiempo estimado 1h 15'

La noche ha sido perfecta y a la mañana siguiente han desaparecido todos los turismos del parking y algunas de las autocaravanas por lo que nos movemos hasta nuestra zona para pasar el resto del día, hoy es domingo y el parking es gratuito.

La zona del área tiene unas vistas preciosas del lago y de las montañas que lo rodean, es utilizada por la juventud de Montreux como zona de esparcimiento para tomar el sol y con una pequeña playa para darse un chapuzón en las heladas aguas del lago Leman.

Sobre una pradera hay una estatua de bronce que conmemora Volley Master de Montreux que desde 1984 se viene celebrando todos los años en la ciudad. Donde se dan cita los mejores equipos femeninos del mundo de Voliebol.

Aquí hay dos amplias canchas de Voley playa donde se puede disfrutar de esta disciplina.

La ciudad de Montreux es considera como la joya de la Riviera suiza, forma parte de un elegante centro turístico, estamos en una zona con una combinación del lujo y la naturaleza, aquí podemos ver como florecen los narcisos y las mansiones señoriales, las vides y el secreto bancario, los prados de los llanos alpinos y las nieves perpetuas de las montañas, las aguas transparentes del lago Leman y los reflejos de castillos y palacios versallescos construidos en su margen y que se reflejan en sus aguas. El turismo en la zona comenzó en 1815 y se fama se prólogo hasta 1914 coincidiendo con la Primera Guerra Mundial, su encanto cultivo a los famosos de la época. En la ciudad son numerosos los hoteles de la belle époque , el más famoso es el Montreaux Palace, situado en la Grand Rue , además se levanto un casino. En la actualidad todo este tipo de instalaciones parecen del pasado y aunque todavía tiene atractivo pasar las vacaciones en esta zona pero no deja de tener un espíritu del pasado.

Nos informamos de cómo visitar el mayor atractivo de Montreux, es su castillo medieval, hay tres posibilidades, esta a 4 Km . por un bonito paseo andando por la ribera del lago; hay un autobús que te deja en la puerta, y el otro es ir en la autocaravana y aparcar en un parking habilitado para la visita, hoy es domingo y es gratuito, optamos por esta última posibilidad.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Montreux para visitar el castillo de Chillon es de pago y esta dentro de la O.R .A. hay que sacar un ticket en una máquina expendedora, se puede permanecer un máximo de cuatro horas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N46.41294//E6.93017 .

El castillo de Chillon fue construido en el siglo XIII, supone una excepcional combinación de palacio y fortaleza, se levanta sobre un islote a orillas del lago Leman. Si miramos al castillo desde Montreux podemos imaginar un barco apunto de salir hacia el lago Leman.

La historia del castillo se puede dividir en tres periodos que corresponden con su arquitectura: periodo de los Saboya (siglo XII-1536), periodo bernés (1536-1798) y el período de valdense (desde 1798). La primera mención del castillo corresponde en 1150 y nos indica que los Condes de Saboya controlaban la anterior fortaleza y con ello el paso natural por el margen del lago Leman. El castillo de Chillon aumenta su importancia desde 1214, cuando Tomás I de Saboya fundó la ciudad de Villeneuve y organizó otros pueblos mediante la creación del Pays de Vaud. Para poder pasar por el margen del lago se estableció un canon sobre los tráficos comerciales entre Italia y el resto de Europa. Gracias a la creciente importancia del castillo, Tomás I comenzó la expansión de Chillon, seguido por Pedro II desde 1255 hasta 1268 y por Felipe de Saboya, el hermano de Pedro. Este último asignó la ampliación del castillo a Jacques de Saint George, un arquitecto y constructor especializado en arquitectura militar. Dado que no era la residencia de los Condes, ellos van ocasionalmente para controlar el territorio. Amadeo VI de Saboya, llamado el Conde Verde hizo etapa en 1359, mientras que los condes siguientes se desinteresaron en la gestión de la región y no iban al castillo por húmedo, frío e incómodo. En 1436 después de ser nombrado Papa con el nombre de Félix V, Amadeo VIII, se refugió en el castillo y empezó nuevas obras que no se continuaron, después el castillo fue abandonado.

Los suizos de Vaud ocuparon Chillon en 1536 durante más de 260 años el castillo sirvió de fortaleza, arsenal y prisión. En este periodo fue liberado François Bonivard después de 6 años de prisión. En 1627 Chillon fue equipado con más artillería, armas y municiones y en 1566 se convirtió en el principal puerto en el Lago Lemán de la marina Suiza. Durante el período bernés, el castillo se convirtió en el centro administrativo de Vevey hasta 1733 cuando se trasladó definitivamente a la comuna Suiza de Vevey porque el castillo era aislado e incómodo.

En 1798 durante la revolución de Vaud, los revolucionarios ocuparon el castillo y los berneses abandonaron el castillo al crearse el cantón de Vaud. Después de un período de enfrentamientos con las tropas francesas, hasta 1802, el castillo perdió su función como fortaleza y fue utilizado como almacén de artillería y cárcel. En 1887 fue fundada una Asociación para mantener y restaurar el castillo, de modo que en 1891 fue declarado monumento histórico y es visitable, exhibe objetos históricos y puede alojar ceremonias y conferencias.

La fachada que da a la parte de la tierra firme tiene una doble muralla, almenas y un foso. En el interior hay tres patios: el patio inferior, el patio del castellano y el patio de honor. Se puede llegar al castillo por un puente que una vez fue levadizo donde se pueden ver los restos de su mecanismo.

La entrada al castillo se accede por un puente construido en el siglo XVIII que atraviesa un foso natural. Se han hecho excavaciones en el siglo XX donde se encontraron restos pertenecientes a la historia de Chillón: azulejos de estufas, fragmentos de cerámica, cuero, cristal, etc.

Accediendo al castillo a la izquierda hay una torre, fue construida en el siglo XV, era donde se encontraba el cuerpo de guardia para defender el puente y la entrada al castillo.

La chimenea tiene una campana decorada con pinturas que datan desde 1898 y 1899, esta decoración fue pintada al temple con cola, una técnica de la Edad Media que consistía mezclar los pigmentos de color con agua y cola.

El primero de los tres patios estaba ocupado por la servidumbre del castillo. Al principio era un elemento mucho más pequeño pero fue ampliado como lo vemos en este momento después del terremoto del 1584.

En las antiguas caballerizas y establos del siglo XVI, esta actualmente ocupados por una enorme maqueta que nos da una idea de la magnitud y de la belleza de este castillo.

En los bajos de uno de los edificios de la izquierda se encuentra la bodega, era el lugar que servia de bodega y almacén desde el siglo XI, más adelante fue ampliado y acondicionado. El estado actual de esta bodega data del siglo XIII, las amplias columnas sujetan unas grandes bóvedas con arcos apuntados góticos una de las características de este periodo arquitectónico.

Siguiendo por los bajos que comunica la bodega con el siguiente edificio se llega al almacén data del siglo XIII. En sus orígenes servia para almacenar mercancías y para alojar a la guarnición. En los siglos XVII y XVIII, se transformó en arsenal para la flotilla bernesa. Desde aquí se puede ver el enorme peñón sobre el que esta edificado el castillo.

La siguiente sala de los bajos era dedicada a prisión, antiguamente se encerraba en esta pequeña sala a los prisioneros.

El siguiente sótano era la poterna, anteriormente estaba dedicada a bodega con posterioridad se levanto la poterna con su puerta incluida en la muralla de castillo, es una puerta secundaria, –particularmente en una fortificación como en una muralla o en los muros de un castillo. Normalmente se localizan en lugares disimulados u ocultos, permitiendo a los ocupantes del recinto interior salir o entrar sin llamar la atención ni ser vistos– en este caso esta localizada en la zona del lago y servia para introducir mercancías o para escaparse en caso de que el castillo fuese sitiado. Este escape fue utilizado por la guarnición saboyana en 1536, durante la toma del castillo por los Berneses.

En el siglo XVI sufre una adaptación para convertirse en una sala para la ejecución de los presos condenados a muerte en el castillo.

Los bajos de la sala más grande era la prisión de Bonivard, en sus comienzos era la sala dedicada almacén de provisiones y armas pero debido a la necesidades se convirtió en una gran prisión en 1290.

Esta cárcel si hizo famosa gracias al poeta inglés Lord Byron que en 1816 escribió el poema The Prisoner of Chillon (El prisionero de Chillon) basado en el cautiverio de François Bonivard (1493-1570).

El texto abreviado indica:

“Mis cabellos son grises, pero no por la edad, y no se volvieron grises en una sola noche, como ocurre a veces como consecuencia de un súbito pavor. Mi cuerpo esta encorvado, pero no por el trabajo, pues su entumecimiento fue provocado por un innoble reposo. Soy el habitante de una fosa. Mi destino es el de los desgraciados para quienes el espectáculo de la naturaleza y el aire que desciende del cielo son bienes prohibidos ya que murallas y rejas se interponen.”

“Hay siete pilares góticos en los viejos y profundos calabozos de Chillon, siete columnas macizas y grisáceas, entre las cuales se filtra una macilenta luz, como un rayo de sol perdido que, pasando a través de la rendijas y grietas, hubiera caído allí…”

“No habían encadenado, cada uno en una columna. Éramos tres, pero cada uno separado de los otros dos. No podíamos dar ni un solo paso y no nos podíamos ver más que a través de esta débil y lívida claridad, que nos deformaba como si fuéramos desconocidos…”

“Las aguas del lago Lemán baña las murallas del castillo de Chillon. Desde lo alto de las almenas blancas como la nieve, la sonda se hunde mil pies en la profundidad de las olas que envuelven el calabozo por todos lados. De este modo, la doble barrera de la piedra y el agua convertía nuestra celda en una tumba en vida. La sombría mazmorra donde yacíamos está construida baja el nivel del lago. Día y noche oíamos el batir de las olas por encima de nuestras cabezas..”.

“Los vi, y seguían igual, su aspecto no había cambiado como yo. Vi en las laderas las nieves perpetuas de miles de años, cayendo a plomo sobre el vasto lago que se extiende a lo lejos y el Ródano azul de impetuosa corriente. Oí el ruido de las olas que se precipitaban, mugiendo, entre las rocas los árboles arrancados…”

“Los meses pasaron..o los años…a los días..No lo sé. Había perdido la esperanza de que mis ojos, una vez quitada la venda de las tinieblas, pudieran volver a ver la luz del día. Unos hombres vinieron y me pusieron en libertad. En el castillo vivíamos en paz. Incluso mis cadenas acabaron por resultarme familiares. Lo cual demuestra que la costumbre acaba por hacernos lo que somos. Fue suspirando como recobré la libertad…”

Subiendo por las escaleras llegas al segundo patio en sus bajos se encuentra la cripta, fue descubierta durante las excavaciones a finales del siglo XIX. Corresponde con la antigua capilla del siglo XI, era utilizada por los vecinos de la aldea de Chillon, estaba ubicada en el islote entre el acantilado y el pequeño castillo. Se abandono en el siglo XIII cuando se construyó la iglesia en la parte superior de la isla. Solamente han llegado a nuestros días algunos vestigios del altar y parte de las escaleras.

Continuando con la visita pasamos a la parte más antigua del castillo formado por la muralla que fue levantada en el siglo XIII.

El segundo patio era el lugar donde se alojaba la administración del castillo en la época saboyana. En el centro se levanta un torreón levantado en el siglo XI, es la construcción más antigua de todo el castillo.

En el centro del patio se encuentra el comedor castellano, fue rehabilitado en el siglo XX y se ha devuelto el aspecto medieval, se han pintado las paredes siguiendo los modelos del siglo XIII. La decoración corresponde con las tapicerías medievales. Todavía podemos contemplar en la sala las antiguas columnas de roble que son originales del siglo XIII, bajo la bóveda se encuentra un artesonado y la chimenea que datan del siglo XV.

La sala se encuentra en la parte residencial del castillo tiene grandes ventanas que datan del siglo XIII. Fue dividido en dos habitaciones en la época bernesa, destinándose una parte a cocina y otra a comedor.

La siguiente sala que visitamos es la llamada Aula Nova, corresponde con la sala de gala de la época castellana, tiene un arco de medio punto. La decoración de las paredes fue restaurada en el siglo XX y esta inspirada en otra de las salas del palacio llamada Cámara Domini. Podemos ver el escudo de armas de los condes de Saboya que datan en el siglo XV.

Siguiendo por el pasillo del mismo piso se llega a las habitaciones, era la parte privada del castillo y corresponde con el palacio de los condes de Saboya. Estas salas solamente eran utilizadas por los condes cuando visitaban el castillo.

La antecámara es la sala que servia de ante sala al dormitorio bernés. Debía de estar utilizado por la servidumbre. El techo tiene estilo bernés y fue restaurado en 1931.

El dormitorio fue utilizado como la gran sala dormitorio durante la Edad Media y después le sucedió el periodo bernés que se siguió utilizándose en la misma función. La ornamentación fue pintada sobre fondo blanco con formas vegetales y animales que datan del siglo XVII.

La siguiente sala corresponde con la habitación de invitados durante la época saboyana. Las paredes están pintadas de color gris sobre fondo blanco, data del siglo XVI. Encima, podemos ver amplios motivos de las pinturas del siglo XIII.

Pasamos a la sala que durante la Edad Media servia para recibir a los invitados y se llamaba sala de los Blasones, se halla encima de la sala Aula Magna, dispone de una chimenea y un artesonado del siglo XV. Destaca por la policromía del friso donde se ven los blasones de los gobernadores berneses que residieron en el castillo entre 1536 y 1733

La siguiente sala es la Cámara Domini dedicada a la habitación del señor, estuvo ocupado por los condes y duques de Saboya. Se creó en el siglo XIII bajo Pedro II de Saboya, fue remodelada en el siglo XIV. Esta decorada con frescos, en no muy buen estado, donde se muestra animales en medio de un bosque. Sobre el techo se aprecia la flor de lis y cruces, estas hacen alusión a la casa de los Saboya, además podemos ver hojas de castaño.

La siguiente sala es un pequeño saloncito, servia como guardarropa para los condes. Tiene una ventana, una chimenea y sobre las paredes están decoradas con pinturas murales del siglo XIII, el techo es del siglo XV.

Las letrinas fueron construidas en el siglo XIII, se utilizaba para la eliminación de los residuos humanos o de otra clase. Tiene un doble orificio por lo que podía ser utilizado por dos personas a la vez.

La siguiente estancia es la Sala Artesonada , fue construida en el siglo XIV, fue utilizada por las mujeres de la Casa de los Saboya. El techo y el artesonado es el original y procede de Villeneuve, se colocó en Chillon en 1931. Es la sala más bonita del palacio por las vistas al lago, la ciudad de Montreaux y los campos del viñedo de Chillon.

En la parte más alta del palacio hay un patio que se llamo Antiguo Pelium (estufa), allí estuvo instalada una gran estufa entre el siglo XIII y XIV, además servia como taller para la servidumbre. Fue rehabilitado durante el periodo berlinés, en el siglo XVI, para convertirlo en un patio.

Pasamos a la capilla dedicada a la veneración de San Jorge, era de utilización privada por los condes y duques de Saboya, estos eran católicos, durante la Reforma protestante fue abandona y se convirtió en el granero y luego durante el periodo bernés en polvorín. En el siglo XIX se rehabilitó dotándola de su función religiosa y era destinada para ser utilizada por los presos cuando el castillo tenía la función de cárcel.

Los arcos de la entrada son apuntados góticos del siglo XIII, sobre las paredes quedan fragmentos de los frescos originales del siglo XIV, el centro de la imagen esta dedicado a la figura de Cristo, fue una petición del conde Amadeo V, la división coincide con la arquitectura de la propia iglesia donde se pueden ver figuras del antiguo testamento y la pared del nuevo testamento.

Saliendo y cruzando el patio de honor es el lugar donde se encontraban la dependencias privadas de los duques de Saboya.

La sala más importante era el Aula Magna, fue construida en el siglo XIII, era utilizada como sala de recepción, para fiestas y banquetes, además de sala de juzgado para administrar la justicia.

Durante el periodo Bernés se convirtió en molino de grano y se doto con una prensa de vino. En 1839 se adapta a la antigua función como sala de justicia.

El interior, se pueden ver unas columnas de mármol negro en las paredes, amplios ventanales apuntados del siglo XIII que dejan ver un paisaje bonito del lago. La techumbre y la chimenea fueron añadidas en el siglo XV.

La siguiente estancia es la habitación de Allinges fue construida en el siglo XIII y era una estancia convertida en dormitorio. Después se adapto como polvorín y también fue utilizada como prensa de vino durante el periodo bernés. En el siglo XIX fue destinada como almacén de artillería.

Le da el nombre a la sala una poderosa familia que vivió en el castillo durante el siglo XII, fecha que coincide con la construcción de la torre destinada a la defensa del castillo.

Pasamos a la cámara de la tortura, es la sala contigua al dormitorio, anteriormente era un pequeño salón o bien era utilizado como guardarropa del dormitorio. En el siglo XVII se utilizó como sala de los interrogatorios o de tortura. En el techo podemos ver los restos de los frescos del siglo XIII.

Más adelante hay una sala destinada como letrinas era un espacio muy avanzado para su tiempo porque data del siglo XIII.

La siguiente estancia se denomina Camera Nova, era una estancia como salón en época de los Saboya a finales del siglo XIV. Se le llamaba Camera Nova Juxta Magnum Pelium, traducido: la sala nueva junto a la gran estufa.

Después en el siglo XX paso a ser la sala de reuniones de la asociación encargada de la restauración de Chillon.

Más adelante llegamos a la sala llamada Domus Clericorum, data del siglo XIII, corresponde con la casa de los clérigos, alojaba en sus dos plantas pertenecía a la administración castellana de Chillon, el piso inferior fue restaurado en el siglo XX.

Los vestigios de su decoración datan del siglo XIII y durante su restauración se copiaron siguiendo el modelo al de los vestigios que se encontraban en las paredes de la sala de la tortura.

Seguimos hasta la Sala de las Maquetas, se encuentra situada bajo la capilla privada de los Saboya, es anterior al siglo XIII. Las maquetas que se exponen datan del siglo XX. Fueron realizadas sobre la base de los resultados de los descubrimientos en la evolución constructiva del castillo y de los años de investigaciones dirigidas por el arqueólogo Albert Naef.

La siguiente sala corresponde con el recinto defensivo, también servia como almacén. En el siglo XIV fue empleado como cárcel. Esta zona se derrumbó en el siglo XV y no fue rehabilitada hasta el siglo XX.

Pasamos al cuarto patio, llamado como el patio de la cocina, esta diseñado para la defensa y control de la antigua ruta, construido con anchos muros y aberturas muy estrechas para la defensa como: saeteras y troneras, además de otros elementos defensivos como los matacanes y el glacis o suave pendiente.

La torre de la defensa esta constituidas por tres torres semicirculares fueron construidas en 1230 durante varias etapas. Durante este tiempo fueron adaptadas siguiendo las necesidades defensivas del castillo. En estos momentos se exhiben una espléndida colección de armaduras de época.

Más adelante llegamos a la sala denominada Logia Parlamenti, entre los siglos XIII y XV era un espacio descubierto utilizado como locutorio, de ahí viene su nombre de logia Magna Parlamenti. Era el espacio donde los príncipes de Saboya y los castellanos concedían audiencia y se impartían la justicia.

A finales del siglo XV sirvió de cocina. En el siglo XVI fue parcialmente destruida y transformado en un puesto de mando para la vigilancia del primer patio. En el siglo XVII se instaló una forja, y después del siglo XIX se dedica a almacén de artillería.

Desde aquí llegamos a una de las torres de la defensa era el lugar acondicionado por los soldados como cuerpo de guardia y servia para vigilar la entrada al castillo, desde el siglo XVI al XVII, esta tercera torre defensiva es igual a la anterior.

Al otro lado de la entrada se encuentra la torre de vigilancia o también llamada como torre del reloj, se construyó para defender el puente y la entrada al castillo.

El camino que discurre a continuación se llamo Camino de Ronda y es el lugar con mejores vistas del paisaje sobre el lago Lemán, enfrente los Alpes y Villeneuve y los patios interiores del castillo.

Al final del camino hay una pequeña sala que se llamo Pabellón del Tesoro, era la parte menos expuesta y mejor guardada del castillo, fue construida en el siglo XIII y era el lugar donde se guardaban los objetos de valor, los títulos de propiedad y otros documentos importantes sobre todo los archivos de la Casa de Saboya.

Encima se levanta el Torreón esta construido en el centro del castillo, también es llamado como Torre del Homenaje, es una de las estancias más antiguas porque esta data en el siglo XI.

Era el símbolo del poder y servia como observatorio y defensa, también como residencia provisional y almacén, después se utilizó como cárcel y polvorín. Se levantaron unas medidas de seguridad y solamente se podía acceder a la torre gracias a una escalera o a un puente levadizo. Se hizo más alta hasta llegar a los 25 metros .

Saliendo de la torre se llega hasta el segundo y el primer nivel que nos conduce a la salida del castillo.

Es la hora de la comida, e intentamos buscar un sitio cerca del castillo donde pudiéramos comer próximo al lago Leman, en cualquiera de los sitios habilitados como zona de picnic, pero no encontramos un sitio donde dejar la autocaravana, por lo que decidimos regresar al área de autocaravanas de Montreux para quedarnos a comer en la misma playa.

Ya he descrito como es la zona cercana al área de autocaravanas, es una zona de ocio y para el disfrute de la población local, un lugar habilitado para el picnic o simplemente para tomar el sol.

Sobre el mismo césped abrimos nuestras mesas al lado de otra gente de la ciudad y dentro de unas vistas impresionantes tenemos ocasión de saborear nuestra propia comida. Hacemos una copiosa y reposada digestión y nos da mucha pereza recoger y continuar nuestro camino.

Nos quedan poco más de 80 Km. para llegar al siguiente destino es la ciudad de Berna. El recorrido lo hacemos en algo más de una hora.

Enseguida el tom-tom nos sitúa en un amplio parking a la entrada de la ciudad y que teníamos como una buena referencia, corresponde con una zona cercana a la estación central de trenes. Es una zona bastante degradada y nos da un poco de yu..yu.. sobretodo comparándolo con cualquier lugar que hemos visto de Suiza, no nos corresponde su imagen, edificios abandonados, con grandes pintadas. Este parking es la mejor opción de aparcamiento en Berna pero por su mala imagen lo despreciamos.

Tenia otras referencia de los parking de pago en la ciudad, en unos no cabe la posibilidad de meter una autocaravana de nuestras dimensiones y en otros no había plaza libre. Cuando las referencias escritas fallan, solamente nos queda nuestra propia intuición, seguimos los carteles que indican la dirección a la universidad y allí encontramos en una calle no muy ancha, donde podemos encontrar un hueco de aparcamiento de 8 metros de largo. Un vecino de una casa cercana nos indica que debemos de poner un cartón con la hora de llegada y que podemos estar tres horas hasta las 19,00 horas, a partir de ese momento pasa a ser un aparcamiento libre. Como no tenemos el dichoso cartón circular, indicamos en una hoja en blanco la hora de llegada, son las 18,00 horas, el vecino nos indica que hay veces que la policía hace ronda por la calle para comprobar si todos están cumpliendo las normas, esperemos que en la siguiente hora no lo hagan y se vea con claridad nuestra hora de llegada.

En concreto, estamos en la calle Blumenbergstrasse, es una zona residencial de Berna, sobre el asfalto esta pintado en zona azul, esto hace referencia a que solamente se puede permanecer tres horas seguidas sin mover el coche hasta las 19,00 horas. Las coordenadas del lugar corresponden con N 46.95611 // E 7,45611 .

Desde aquí andando al centro hay como uno 20 minutos, caminamos hacia la parte antigua por la calle Viktoiastrasse hasta llegar a la plaza Viktoriaplatz, allí vemos un hotel casino y pasamos a cambiar algo suelto en francos suizos, por lo menos para tomar algo y poder regresar en el autobús.

Accedemos al casco antiguo de Berna por el puente Kornhausbrücke que salva el valle que forma el río Aare; nos damos cuenta que el puente tiene una alta protección para evitar que se haga puenting y imaginamos que también para evitar los suicidios.

Llegamos a la plaza Kornhausplatz o plaza del Granero donde se encuentra una de las primeras fuentes con esculturas policromadas que forman uno de los iconos de la ciudad de Berna. Se trata de la fuente llamada Kindlifresserbrunnen o fuente del niño.

Esta fuente fue construida entre 1545-1546 por Hans Gieng, sustituyendo a una fuente de madera del siglo XV. En 1666 se la dio el nombre de Kindli esta palabra corresponde en alemán suizo del diminutivo de la palabra alemana Kind, que significa niño. Una traducción literal del nombre Kindlifresserbrunnen, sería “Fuente del Devorador de Niños Pequeños”.

La escultura de la fuente es un ogro que devora a un niño desnudo. A su lado tiene una bolsa y el cinturón donde tiene atrapados más niños. Debido a que el ogro lleva un sombrero puntiagudo se asemeja al antiguo sombrero judío, se ha especulado sobre la posibilidad de que el ogro pudiera ser la representación de un judío como una expresión de libelo de sangre contra los judíos. Otra teoría es que la estatua se parece a la imagen de Krampus, la criatura bestial del folclore de los países alpinos, pensada para castigar a los niños durante la temporada de Navidad que se habían portado mal. Según otras teorías es una representación del dios griego Cronos antes de comer a sus hijos o el romano Saturno comiendo los meses del año, aunque Cronos debe tener seis hijos más y Saturno doce más que de las ocho de la escultura. Otra teoría es que representaba el cardenal Schiner quien dirigió la Confederación Suiza con varias derrotas sangrientas en el norte de Italia. Una última teoría es que es sólo una figura del carnaval con la intención de asustar a los niños desobedientes.

Alrededor de la base de la fuente corre un friso que muestra como los osos armados van a la guerra. El friso puede haber sido diseñado por Hans Rudolf Manuel Deutsch.

Estamos en el Atstadt o casco antiguo de Berna, discurre sobre unas calles empedradas que contienen unos armoniosos edificios de tejados rojos con pintorescos soportales y bellamente decorados. El trazado se organiza sobre tres largas calles salpicadas de fuentes con hermosas policromías, fueron construidos en el siglo XV y han permanecido prácticamente inalterados. De esa época son los principales edificios de la ciudad: la catedral y el ayuntamiento. La ciudad se divide en la parte occidental, es mas bulliciosa llena de tiendas y mercadillos, y la oriental, la parte más antigua, tiene un ambiente más tranquilo.

Llagamos a la calle Kramgasse que es una de las arterias principales de la ciudad, atravesamos la puerta del reloj Zytglogge, era la puerta principal de entrada a la ciudad durante el siglo XII. Es uno de los iconos de la ciudad, fue reconstruida después del incendio de 1405 y se utilizó como cárcel para prostitutas. El reloj de su fachada es uno de los más grandes de toda Suiza, fue construido por Gaspar Brunner entre 1527 y 1530. Las figuras mecánicas que desfilan a las horas son los símbolos de la ciudad, el oso y el gallo que cacarea para anunciar la hora. Su precisión se puede ver desde la cara este y comienza cuatro minutos antes de cada hora en punto.

Se puede visitar el museo y poder contemplar el mecanismo del reloj, así como, poder subir hasta la salas de la torre para contemplar unas estupendas vistas de la parte antigua de la ciudad.

La calle Kramgrase es una de las más largas de la ciudad y constituye la vía que une la parte oriental con la occidental, su trazado corresponde al siglo XII. Tiene unos hermosos edificios con fachadas a ambos lados de la calle, son de estilo barroco y se levantan sobre sendas galerías porticadas que permiten a los peatones resguardarse de las inclemencias del tiempo durante la época de lluvias y nieves. Estas galerías formaban en la época medieval el mercado cubierto más grande del mundo. La calle tiene en el centro una zanja por donde discurre el agua de un antiguo manantial que llevaba agua natural a las fuentes, es un tanto peligrosa y en algunas zonas se ha cubierto con una malla metálica para evitar caerse. Y solamente se abre ante la proximidad de las fuentes.

Históricamente el edificio más destacado de la calle esta en el número 40 Einsteinhaus, es la casa donde el gran físico alemán Albert Einstein vivió y había alquilado entre 1903 y 1905 y donde comenzó a desarrollar su teoría de la relatividad mientras trabajaba en la oficina de patentes. El interior hoy en día es un museo donde se expone la obra. Está decorado en el estilo de la época, documentando como fue su vida en Berna

La primera fuente de la calle Kramgasse fue colocada en homenaje a Berchtold Zähringen, se llama Zahringerbrunnen y conmemora al fundador de la ciudad de Berna. Fue construida en 1535, la estatua representa a un oso con una armadura militar, a sus pies tiene un cachorro de oso. Según la leyenda representa el oso que tuvo que matar mientras buscaba el lugar más idóneo para levantar la ciudad. La figura esta policromada lleva un escudo y una bandera con un blasón con el oso de Zähringen (castillo situado en Friburgo).

La siguiente fuente llamada Simsonbrunnen rememora la historia de Sansón y la lucha con el león. La historia cuenta que Sansón era un muchacho fuerte que se enamora de una filistea, durante su viaje para la boda se cruza con un león al que vence con sus manos. en el interior de cuerpo de león se instala un nido de abejas.

La siguiente fuente se llama Kreuzgassbrunnen, fue construida en 1778 con un obelisco neoclásico por Erasmus Ritter.

La fuente es una copia a escala reducida de la fuente situada enfrente del Panteón de Roma (Italia). El obelisco esta decorado con osos y con delfines entrelazados alrededor de los tubos de agua, recuerda el mercado de pescado, que se celebraba anteriormente en este lugar.

Más adelante pasamos por Gerechtigkeitsbrunnen o fuente de la Justicia , se encuentra en calle Justicia de la ciudad, fue creada en 1543 por el escultor suizo Hans Gieng.

La estatua de la fuente representa a la figura de la Justicia con los ojos vendados, en la mano derecha lleva la espada del verdugo, en su mano izquierda lleva una balanza, signo del equilibrio.

Al final de la calle llegamos al puente que salva nuevamente el río Aere, se llama Nydeggbrücke, nos devuelve a la parte nueva de la ciudad. Estamos ante otro de los iconos de Berna, su parque de Osos o Bärengraben. Estos animales han estado siempre ligados a la ciudad desde su fundación en 1191 y por eso se llamo a la ciudad Bärn (oso)

El parque de osos actual es mucho más grande que el anterior en respuestas a las protestas de los defensores de los animales que piden la clausura de la atracción, aunque los osos siguen siendo muy populares.

El antiguo foso de osos fue construido en 1513 y siempre ha tenido algún ejemplar, se trataba de mantener la leyenda viva para evitar los ataques a la ciudad. La leyenda indica que mientras que en Berna haya un oso vivo estarán a salvo.

Después de ver como corretean los osos, como juegan y como se bañan en su especial río nos marchamos caminando hasta nuestro especial aparcamiento para pasar la noche.

La noche en esta calle de la ciudad es bastante tranquila hasta que deja de serlo, aparecen varios camiones que no se como pueden circular por esta zona de la ciudad, uno de ellos es tan grande y largo que esta midiendo nuestros espejos retrovisores para saber si puede pasar, poco a poco va avanzando hasta que consigue pasar por la calle, esto nos hace pensar que nunca estas a salvo y que quizás deberíamos haber pernoctado en el parking que vimos ayer.

Día 18 de agosto (lunes)

Ruta: Berna-Zurich

Antes de desayunar decidimos salir pitando de esta calle y llegar al parking situado en las inmediaciones de la estación de ferrocarril central de Berna.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Berna se llama Schützmatte. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N46.95243//E7.44160 .

El aparcamiento esta marcado con rayas y es complicado no atravesarlas pero hay mucho espacio libre y con un poco de suerte podemos estacionar sin mucho agobio, es un parking público con máquinas expendedoras de ticket para un máximo de 4 horas, horario de pago de 7,00 a 19,00 horas, pero el centro de Berna no es muy grande y te permite regresar para cambiar el ticket y estar hasta las 19,00h, a partir de ese momento el aparcamiento es gratuito.

Marchamos para seguir visitando el casco antiguo, desde aquí tardamos apenas 10 minutos, es una zona de mucho ajetreo por la cantidad de comercios que tiene y por la entrada y salida de ferrocarriles cargados de pasajeros que llegan a la ciudad.

La primera fuente que vemos se llama Pfeiferbrunnen fue creada en 1545 por el escultor renacentista Hans Gieng, que copio al gaitero del grabado de Albrecht Dürer. Originalmente, estuvo colocada frente a la Gasthaus (hotel y restaurante), era una pensión para los juglares. En 1594 el edificio fue rebautizado en Gasthof zum Storchen lo que hizo que también se cambiase el nombre de la fuente por Storchenbrunnen. En 1919 la fuente fue rehabilitada y cambiada a su actual ubicación

El centro de la ciudad esta tomada por un mercadillo ambulante de frutas y verduras, nos paramos para ver la calidad y los precios que anuncian y son verdaderamente preocupantes, los ajos están el Kg. a 19,8 Francos Suizos; los nísperos 6,90 Fs. los 500 grs; las ciruelas: verdes, rojas o amarillas están a 4,90 FS los 500 gramos ; las fresas, moras y frambuesas están 5,80 FS los 250 gramos . Pero esto no es nada para los precios de las frutas grandes: los kiwis a 0,80 Fs pero la unidad; los mangos a 2,70 Fs la unidad; lo aguacates a 2,60 Fs la unidad.

A su lado un puesto de quesos con un precio general de 39 Fs el Kg., en algunas variedades el precio es superior y llegan hasta 4,30 Fs los 100 gramos . A su lado hay algunas piezas de queso manchego español de la marca Hidalgo pero no tiene cartel y nos da miedo y vergüenza preguntar el precio; pero los quesos franceses e italianos varían entre 4,90 y 5,90 Fs los 100 gramos .

En el apartado de verduras nos llama la atención el precio de los tomates suizos, están a 2,75 Fs pero los 500 gramos . Y que decir de las barras de pan 4,5 Fs unidad.

Más adelante pasamos ante otra de las fuentes de la ciudad se llama Bärenplatzbrunnen. Esta fuente fue construida en 1840 y erigida en la esquina de la plaza en frente del Palacio Federal. En 1901, se trasladó a Bärenplatz, a unos 150 metros de distancia. No tenía estatua en la parte superior de la columna. En 1904 se puso una escultura con un grupo de osos, éstos fueron reemplazados por la estatua actual en 1935. Es un mercenario medieval con un joven oso, la estatua fue hecha por Walter Linck.

En la misma plaza encontramos el edificio con el nombre rotulado en su portada “Curia Confederationis Helvéticas” La conocida comúnmente como la “Casa del Parlamento”, este edificio fue construido por el arquitecto Hans Wilhelm Auer 1894-1902 e inaugurado el 1 de abril 1902 por la Asamblea Federal de los Estados.

El edificio es una combinación del Parlamento entre el Palacio West Federal (1852-1857) y la Federal Palacio del Este (1888-1892). La unión de estas dos almas forman la la joya arquitectónica para la construcción del Palacio Federal. Fue construido de piedra arenisca, ofrece varios aspectos de la arquitectura de Suiza que están físicamente y estilísticamente asociadas con el historicismo.

En la misma zona podemos contemplar la fuente llamada Anna-Seiler-Brunnen, fue construida en 1545 sustituyendo a una anterior del siglo XIV. La estatua de la fuente representa una figura femenina que sostiene un cuenco con una mano, mientras que con la otra sujeta una jarra de agua mientras llena el cuenco. La escultura es obra del mismo taller de Hans Gieng y simboliza probablemente la virtud cardinal de la moderación. La fuente se encuentra cerca de la Torre de la Jaula , una vez, fue utilizada como prisión, se llamaba originalmente con prisión Kefibrunnen.

Siguiendo por la calle del mercado pasamos ante otra de las fuentes se llama Schützenbrunnen, en este momento esta tapada su el interior por un andamiaje porque esta sometida a un proceso de restauración para intentar salvar su policromía.

La fuente representa la energía, lleva en su mano derecha un estandarte y en su mano izquierda una espada, entre sus piernas esta protegiendo a un cachorro de oso.

La calle esta repleta de tiendas exclusivas, chocolaterías con precios inalcanzables, floristerías con diseños y precios por las nubes.

Pasamos antes otra de las fuentes este debía de ser un abrevadero para el ganado, más adelante se modernizo con la colocación de un obelisco coronado por un ánfora, se llama Herrengassbrunnen.

Siguiendo la estela de la torre de la Catedral llegamos a Münstergasse, además del edificio religioso, en la plaza hay otra de sus fuentes, se llama Mosesbrunnen, representa la figura de Moisés con las tablas de la ley en las manos y con sus dedos señala el segundo mandamiento, prohibiendo la idolatría, uno de los principios básicos de la Reforma. Fue colocada en 1791, tiene una especial policromía.

Enfrente se encuentra la Münster o catedral, destaca la imponente torre única central de más de 100 metros de altura, es un magnifico exponente del estilo gótico tardío. Su arquitecto fue Mattäus Ensinger, de Estrasburgo.

En el frontispicio, dentro del pórtico principal destaca el tímpano donde se representa el Juicio Final, donde los impíos serán separados de los justos, los condenados ocupan la mitad izquierda y los redimidos la mitad derecha, obra del siglo XV.

Las esculturas del Juicio Final fueron las únicas estatuas en la Catedral que pudieron sobrevivir a la Reforma Protestante iconoclasta. Las 47 grandes estatuas exentas son réplicas (los originales están en el Museo de Historia de Berna), y las figuras más pequeñas 170 son todas originales. El Juicio Final era el trabajo de un escultor, Erhard Küng que da a la colección una unidad de diseño. La escultura de la Justicia fue la única ejecutada por otro artista, está firmada por Daniel Heintz, quien fue el maestro de obras de la catedral después de 1571. El resto de las estatuas fueron talladas entre 1460 y 1501, muy probablemente entre 1460 y 1480.

La fachada nos revela con sus tres pórticos de distintas medidas y alturas que la iglesia dispone de tres naves. La torre en el centro de forma rectangular sufrió numerosos añadidos, en el siglo XIX se añadió la torre octogonal siguiendo el estilo original gótico del resto de la catedral.

La primera iglesia era de estilo románico destinada a la veneración del patrono de la ciudad San Vicente de Zaragoza, mártir del siglo IV. El nuevo edificio fue sufragado con el dinero de las donaciones de los gremios y de las familias ricas de la ciudad bajo los auspicios de la Orden Teutónica.

De la mano de Thomas Wyttenbach llegó la Reforma Protestante a la ciudad y se iniciaron las platicas en la catedral, un año más tarde 1522 la catedral fue atacada y no es hasta 1528 en que el Consejo de la Ciudad decreta que los cristianos sean retenidos y los iconos sean derribados y en ese año se celebra la primera misa protestante en la catedral

El interior, dispone de tres naves, la central mucho más ancha que las colaterales, sobre los muros se levantan las numerosas capillas laterales, en sus ventanas se instalan unas enormes vidrieras. La decoración es un signo del poder creciente de esta ciudad que se había declarado como un Estado, diseñada para aterrorizar a los ciudadanos como a los visitantes extranjeros.

El interior de la catedral esta dispuesto como una iglesia protestante, los grandes bancos están dirigidos para escuchar la palabra del púlpito no para escuchar el sermón de obispo desde al ábside.

Las capillas laterales fueron ocupadas por numerosos altares y retablos que fueron financiadas por ricas familias locales, creando una catedral con gran cantidad de arte y escultura. Sin embargo, en 1528 se eliminaron los 43 altares laterales durante la iconoclasta de la Reforma Protestante. Casi todas las pinturas y decoraciones interiores fueron retiradas y abandonadas en la vecina Münsterplattform. Los huecos de las capillas laterales vacías se llenaron con bancas adicionales. Desde ese momento, el interior de la catedral se ha mantenido relativamente vacío y austero.

Las vidrieras de la catedral son consideradas las más valiosos en toda Suiza. Un buena parte esta datada entre 1441 y 1450. Las ventanas de la derecha fueron dañados durante una tormenta de granizo en 1520 y reemplazado en 1868. Muchas de las vidrieras incluyen ambos símbolos heráldicos e imágenes religiosas colocados a cada lado.

En la actualidad hay siete vidrieras en el coro de la catedral. Algunos de los paneles se han movido o reemplazado donde fueron construidas originalmente. De izquierda a derecha, las ventanas actuales son: El molino de acogida, Tres Reyes, Escenas Bíblicas, La Pasión Diez mil mártires, Cristo, San Esteban y escudo de armas de ventanas. Solamente las partes de las vidrieras de la Pasión y de los diez mil mártires permanecen, por lo que se combinaron en una sola ventana. La vidriera de Cristo reemplaza la ventana de diez mil mártires que fue dañada. San Esteban y del escudo de armas fueron sustituidas.

El vitral llamado Hostienmühle o el Molino de acogida fue construido entre 1448-1453 y fue financiado por la ciudad de Berna. El vitral de los Reyes Magos fue construido entre 1447 y 1455 por Rudolf von Ringoltingen, posiblemente en Constanza o la región de Oberrhein. El vitral con Escenas de la Biblia originalmente iba a ser dedicado a la juventud de Cristo, pero se cambió después de 1447. Fue construido entre 1448 y 1451 y fue financiado por tres miembros de la Corporación pública del León. El vitral de la Pasión fue construido entre 1438 y 1441. Solamente conserva 21 paneles de la ventana original. El vitral de los diez mil mártires originalmente hablaba de la “Resurrección de Jesús”, pero se cambió después de 1447. Fue construido entre 1447 y 1449 y financiado por donaciones de los ciudadanos de Berna, diseñado por el Maestro Pintor Bernhart y el cristalero Niklaus Magerfritz en Berna. La ventana de diez mil mártires fue sustituida en 1868 por la ventana de Cristo. El vitral de San Esteban sustituye una ventana anterior en 1868. El tema de la ventana original se desconoce, pero fue construido en 1449-1451 por Kaspar von Scharnachtal, probablemente por Niklaus Magerfritz en Berna. El escudo de armas de la ventana fue construido en 1820-1830 para reemplazar un vitral desconocido.

El vitral con la Danza de la Muerte describe las imágenes de la muerte en las personas en de todos los ámbitos de la vida, eran muy comunes durante la Plaga Negra en Europa. El vitral muestra la muerte bajo la forma de un esqueleto, alegando a la gente en su posición en la vida. La danza de la muerte sirvió para recordar al espectador que la muerte nos va a pasar a todos, independientemente de la condición o de la riqueza.

Una de las obras de arte de la catedral es la sillería del coro, en el lado oriental de la Catedral entre la nave y el santuario, contiene la primera sillería renacentista de Suiza. Hay 21 sillones en el lado de los evangelios y 27 en el lado de la epístola. Están ricamente decorados con tallas de animales y las imágenes de la vida cotidiana.

Seguimos nuestro viaje por la ciudad de Berna hasta la siguiente fuente que vemos es la llamada Bubenbergbrunnen corresponde a una de las familias patricias más antiguas de la ciudad de Berna. Sobre un pedestal se levanta la figura de un león sostiene sobre su mano izquierda un escudo y sobre la derecha una lanza .

Paseamos por el centro de Berna, por la calle Junkerngasse en el número 22 hay un curioso edificio con una grisalla en su fachada pertenece al pintor y ilustrador Friedrich Traffelet y en su mural nos habla de la línea de la vida, desde el nacimiento hasta la muerte.

Seguimos caminando en dirección al río hasta que vemos una torre que nos llama la atención, se trata de la iglesia Nydeggkirche, es el segundo edificio más antiguo de Berna, fue construido entre 1341 y 1346 y ocupa una parte del terreno del castillo de Nydegg que fue demolido en el siglo XII.

En la plaza situada a la entrada esta la estatua que inmortaliza al Duque Bertoldo V de Zähringen (Berchtold V. de Zähringen), nació 1160 y murió 1218, como se indica en la inscripción Zähringerdenkmal (monumento Zähringer) de Berna (Suiza). Esta representado con todos sus atributos de caballero, en sus espaldas un oso juguetea con su casco de combate.

La iglesia tuvo un enorme cambio al llegar la Reforma Protestante en 1529 pasó a convertirse en un almacén de grano y madera. No es hasta 1566 en que pasó a ser definitivamente un espacio de culto del protestantismo.

En el exterior destaca la portada principal con los relieves de bronce que fueron ejecutados en 1956 por Marcel Perincioli. En la puerta principal se puede ver escenas de la vida y obra de Jesús, en la banda izquierda, de arriba a abajo:

y en la banda derecha:

Y la portada que tiene entrada Brückentüre donde podemos ver los relieves, en la banda izquierda, de arriba hacia abajo siguiendo escenas:

y en la banda derecha:

El interior es de una sola nave con un ábside que forma parte del coro con un arco triunfal de media punta. La iglesia esta dispuesta al modo protestante con todos los bancos dirigidos hacia la oratoria. Solamente se conservan las ventanas y los arcos interiores. Todo su interior esta totalmente reformado, desde el suelo y el techo de madera hasta los vitrales modernistas de las ventanas.

Desde aquí marchamos otra vez para ver el parque de los osos, tienen un foso donde se les da de comer varias veces al día y desde donde se puede se les puede apreciar de una forma más cercana. En estos momentos están dispuestos por el parque, dedicando el día a investigar su zona de dominio. El calor del día les agobia y corretean y se bañan en las distintas piscinas construidas para ellos.

Estamos en una de las zonas más bonitas de la ciudad, se puede apreciar el contorno de la parte antigua que se encuentra dentro de la isla que ha excavado a su paso el río Aare, los puentes, las casas blancas con entramados de madera y tejados de teja roja hacen un espectáculo pasear por sus calles.

El resto del día lo dedicamos a pasear entre las galerías comerciales de las calles más céntricas de la ciudad. Paseamos por la calle Aarbergergasse donde se encuentra la fuente Ryfflibrunnen representa la figura de un capitán de los ballesteros, fue esculpida por de Hans Gieng. El guerrero esta acompañado de un pequeño oso y porta un viejo fusil a la espalda.

Es un día soleado y esto se ve en el comportamiento de la gente abarrotando todas las mesas exteriores de las cafeterías. Enseguida nos damos cuenta que hemos sobrepasado el tiempo máximo permitido en el ticket del parking público, corremos rápidamente porque vemos como los controladores de la ORA se dirigen hacia el parking.

Decidimos poner punto y final a la visita a la ciudad de Berna antes de renovar el ticket del parking. Ponemos la dirección del parking de nuestro siguiente destino pero antes vamos hacer una parada en un Lidl en ruta para hacer unas pequeñas compras y aprovechamos para el almuerzo y el descanso.

El tom-tom nos saca a la altura de la pequeña localidad de Oensingen, no llegamos a entrar porque hay un pequeño polígono industrial donde se encuentra en pequeño Lidl. Optamos por este centro comercial porque el Lidl es quizás donde puedes encontrar en Suiza unos precios más cercanos a los europeos. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N47.29079 // E 7.72997 .

En media hora más llegamos a Zurich, directamente el tom-tom nos conduce hasta el parking que teníamos como referencia. Esta situado en el centro de la ciudad y es ocupado por la gente que va hacer sus gestiones al centro de la ciudad, en estos momentos son pasadas las 18,00 horas y hay algunos huecos en la parte central, es mas ancha y no tiene rayas que delimiten el espacio de aparcamiento, esta zona esta ocupada por pequeñas furgonetas y algún camioncillo, además de dos autocaravanas. Como hay espacio suficiente aparcamos.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Zurich se encuentra situado cerca de la desembocadura del río Limago y en uno de los márgenes del lago de Zurich, en el entorno del puerto deportivo, la zona se denomina Mythenquai. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N47.36019//E8.53567.

Son las 19,00 horas ya ha finalizado el periodo de pago del parking y podemos movernos sin ninguna dificultad por Zurich, hacemos una aproximación por la ciudad.

Pasamos ante la escultura de Ganímedes en honor de Hernrich Wolfflin, según la tradición Ganímedes fue llevado al Olimpo a lomos de un águila que era el mismísimo Zeus. Esta situada en la Burkliplatz , muy cerca del margen del lago Zurich. La estatua la realizó Hermann Hubacher en 1952.

Nos llama la atención porque la imagen esta medio vestida por lo que nos hace pensar que pudiera tener el mismo tratamiento que el Manneken Pis en Bruselas.

Nos quedamos a cenar en el restaurante Bauscänzli, se halla en la desembocadura del río Limago, dentro de una pequeña isla a la sobra de enormes castaños. Es el clásico sitio de esparcimiento para disfrutar de una noche de verano, es autoservicio, sin muchas pretensiones en la comida, hay una banda de música que ameniza con canciones de los años 70 y 80 y la gente lo agradece echándose unos bailes y unas risas.

Día 19 de agosto (martes)

Ruta: Zurich

La noche ha sido tranquila en el parking a la mañana siguiente estamos rodeados por los coches que acuden a trabajar a las oficinas cercanas, es la primera vez en mi vida que me veo rodeado de Porches, no eran ni uno ni dos eran cuatro de la misma marca y modelo.

El parking tiene una dificultad es que es de la ORA y se necesita poner el ticket para un máximo de 4 horas, lo que hemos decidió sacarlo antes de marcharnos y aprovechar el tiempo lo máximo posible, volver a comer y poner otro ticket por otras cuatro horas para el resto del día.

Durante este primer periodo de 4 horas vamos a visitar el museo de pintura más importante de Suiza es el Kunsthaus, se encuentra andando a uno 15 minutos a pie. El parking esta situado en un lateral del lago que ellos llaman Zürisee, enfrente al embarcadero del puerto deportivo. Caminamos por el lago hasta atravesar el jardín Arboretum, pertenece al antiguo jardín botánico, entre sus árboles hay especies de América, Japón y de Europa, es una zona llena de esculturas, de paseos para hacer deporte o simplemente para evadirse del ruido de la ciudad. Enseguida llegamos a la amplia avenida del General Guisn-Quai y más adelante el puente de Quaibrucke, si sigues a la izquierda pues llegas a Altstadt (barrio antiguo), nosotros seguimos todo recto por la calle Ramistrasse hasta llegar a un plaza donde se encuentra el Museo Kunsthaus.

Antes de visitar el museo dejamos todos los bártulos en la consigna porque no dejan entrar con nada. Esta permitida la fotografías de la exposición principal, claramente, sin flash y sin trípode. Pagamos la entrada 22 FS por adulto, los niños gratis. La audio-guía es en alemán y el catalogo de la exposición esta también en alemán.

El Kunsthaus, es el mayor museo de arte de toda Suiza, sus obras de pintura abarcan desde pintura medieval, obras de la Edad de Oro holandesa pasando por los impresionistas hasta llegar a los postimpresionistas. Los fondos disponen de obras de los principales movimientos artísticos del siglo XX.

Destaca por la espléndida colección de cuadros de Ferdinand Hodler y Albert Anker, artistas suizos del siglo XIX, contiene la mayor colección de Edvard Munch fuera de Escandinavia, además, con pinturas de Marc Chagall y cuadros y esculturas de Alberto Giacometti.

Comenzamos la visita por la segunda y última planta dedicada al movimiento de los impresionistas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

El primer cuadro que vemos es “Retrato de Berbert Esche” obra de Eduard Munch (1863-1944), esta datado en 1905, realizado en óleo sobre lienzo.

El retrato pertenece al periodo de la obra cumbre de Eduard Munch, pintor noruego impresionista que trata de encontrar en su obra el interior del hombre moderno: el amor y el odio, el deseo y la angustia, las pasiones y las emociones. De su obra la califican los especialistas como una búsqueda del alma.

Fue un artista que trabajó mucho e hizo muchos cuadros, a su muerte legó más de 1.000 cuadros, 15.400 grabados, 4.500 dibujos y acuarelas y seis esculturas a la ciudad de Oslo, esto nos da una idea de su obra.

El siguiente cuadro “El ascenso de Piz Duam”, obra de Augusto Giacometti (1877-1947), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1912.

Es una obra abstracta, es un mosaico con manchas de color. Corresponde al trabajo del artista suizo en época experimental como correspondía a las vanguardias, es una obra llena de luz y de color.

Una obra de gran formato es “La charca y el lirio de agua con arco iris”; obra de Claude Monet (1840-1926), esta datado entre 1914-1922; tiene unas dimensiones de 200 x 600 cm .

Claude Monet describía como había pintado esta obra “He puesto mi caballete frente a este estanque que adorna mi fresco jardín: No tiene doscientos metros y al girar tengo la imagen que la idea ocupa esta lo infinito”.

El siguiente cuadro “Paisaje con cipreses y flores”, obra de Vicent van Gogh (1853-1890), esta datado en 1889, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones de 65 x 51.5 cm .

Vicent van Gogh esta escribiendo a su hermano, Theo, desde el asilo de Saint-Rémy el 2 de julio de 1889, Van Gogh describe como esta realizado su última serie de cuadros en aquel mes de junio: “Tengo un lienzo de cipreses con espigas de trigo, amapolas, un cielo azul, que es como una manta escocesa multicolor”. Van Gogh consideraba este paisaje bañado por el sol como uno de sus mejores lienzos entre los que había pintado ese verano y repitió la composición tres veces.

Del mismo autor “Las casas rurales de Chaponval”, obra de Vicent van Gogh, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1890; tiene unas medidas de 65 x 81 cm .

Pintor holandés que se está recuperando en Auvers-sur-Oise en 1890, siguiendo el consejo de su hermano Theo. Durante ese tiempo pintó varios cuadros en el barrio Chaponval. Le gustaba ir hasta Chaponval porque se hizo amigo del dueño del restaurante.

Las casas en la actualidad están numeradas con el 7 y 9, en la Rue du Gre de Chaponval. La casa de la derecha, que mantuvo sus persianas azules en 2011, sigue aún siendo reconocible. Era el hogar de Auguste Lacroix, (albañil) en 1890.

La imagen del cuadro son unas casas grandes techos de paja cerca de Auvers es uno de los muy últimos cuadros que pinto Van Gogh; se menciona en la última carta que le envió a su hermano Theo, tres días antes de suicidarse, el artista presenta una composición con sus líneas atrevidamente exagerados con una gran fuerza. El cuadro es analizado psicológicamente simbólica la preponderancia sin límites donde la caída de las diagonales es abrumadora. Los niños que aparecen en el cuadro –el chico de pelo pelirrojo se ha interpretado como una referencia al propio Van Gogh– parecen estar atrapados en una situación completamente desesperada

Del mismo autor “Albaricoqueros en el flor”, obra de Vicent van Gogh (1853-1890), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1888.

Vicent van Gogh sentía una especial inclinación por la pintura japonesa y una de sus especialidades eran los paisajes con estampas de los árboles en flor, es uno de los principales motivos en la decoración de la casas japonesas. Van Gogh a su llegada a Arles pudo contemplar como en ese momento estaban en plena floración los frutales y se sirvió de fuente de inspiración para por medio del impresionismo acercarse al realismo. Hizo números cuadros con diferentes visiones del huerto lleno de albaricoqueros en flor para convertir el paisaje en una sinfonía de luz y de color que sólo puede ser interpretada por la mano maestra de Van Gogh, transmitiendo con sumo realismo lo que sus ojos observan.

Del mismo autor “Autorretrato con oído vendado y pipa”, obra de Vicent van Gogh (1853-1890), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1989; tiene unas dimensiones de 51 x 45 cm .

Vicent van Gogh había realizado durante su vida muchos retratos por lo que podemos saber como evoluciono su imagen física, se conocen más de 35 retratos, era un recurso empleado por su bajo poder económico y ante la imposibilidad de contratar a figurantes.

Esta pintura retrata el dramatismo de la vida de Van Gogh cuando estaba en Arles (Francia), corresponde con los hechos sucedidos el 23 de diciembre de 1888. Al día siguiente la policía lo encontró en la cama cubierto de sangre, según el informe de la policía se había automutilado y había entregado la oreja en un burdel de la ciudad con esta frase: “tenga cuidado con este objeto”.

Unos días más tarde y después del alta hospitalaria realizo dos autorretratos donde aparece con el oído vendado, se pinta asimismo en invierno con una expresión normal aunque le falta la oreja pero el rojo y naranja del fondo nos indica qué esta pasando por su cabeza y no es otra cosa que el dolor de su corazón.

Del mismo autor el cuadro “Retrato de Patience Escalier”, obra de Vicent van Gogh (1853-1890), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1988; tiene unas medidas de 69 x 56 cm .

Paciencia Escalier era un jardinero y conductor de profesión, y la realización del retrato es el resultado del deseo de Van Gogh a pintar al campesino más viejo que conocía y además se parecía a su padre.

Hay dos versiones de este retrato. Uno en poder del Museo Norton Simon de Pasadena, California, y el otro este del Kunsthaus.

El siguiente cuadro “Am Waldrand”, obra de Henri Rousseau (1844-1910), realizado en óleo sobre lienzo.

Henri Rousseau fue uno de los primeros precursores del arte naif, es un pintor de oficio tardío, aprendió a pintar a los cuarenta años, a cada cuadro le dedicaba mucho tiempo por lo que su obra es muy escasa.

Su pintura tiene unas intenciones realistas pero también busca ciertos matices poéticos y una búsqueda de lo exótico con una tendencia hacia la pintura infantil o naif, muy propio de los pintores con poca academia. Su obra no es muy reconocida hasta que es descubierto por Picasso en 1908 elevando su pintura al máximo grado.

El siguiente cuadro “El faro en Honfleur”, obra de Claude Monet (1840-1926), óleo sobre lienzo, esta datado en 1864.

Claude Monet se traslada en 1864 a la localidad de Honfleur (Francia), pertenece al región de la Baja Normandía , en el departamento de Calvados. Allí se alquila una granja desde donde se podía contemplar la desembocadura del río Sena.

En este lugar realiza algunas obras jugando con la luz, en los cuadros emplea la línea del horizonte muy baja como los maestros del barroco holandés para resaltar el movimiento de las nubes.

Más adelante podemos ver el cuadro “Rotterdam, La Meuse ”, obra de Paul Víctor Jules Signac, realizado en óleo sobre lienzo, está datado en 1906.

Paul Víctor Jules Signac es un pintor neoimpresionista francés que desarrollo una pintura empleado una técnica puntillista. El cuadro nos presenta de forma difuminada el camino que conduce a la localidad belga de La Meuse.

El siguiente cuadro “El Palacio Ducal, visto desde San Jorge el Mayor”, obra de Claude Monet (1840-1926), óleo sobre lienzo, esta datado en 1908.

Claude Monet es uno de los pintores más importantes del impresionismo y dentro de sus pinturas hace una reflexión sobre la antigua pintura veneciana adaptada a la visión de un pintor de primeros del siglo XX.

Monet realizó en total 36 cuadros de la ciudad de Venecia trasladándose a Venecia en 1908, de las cuales, veintinueve fueron pintadas para una exposición que se tenia que celebrar en la galería Bernheim-Jeune de París del 28 de mayo y el 8 junio de 1912.

El siguiente cuadro “La calle” obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1885.

Alfred Sisley es un pintor paisajista de nacionalidad inglesa, encuadrado dentro del estilo impresionista, se traslada a Francia para entrar en contacto con las nuevas tendencias del arte. Cogía su caballete y se trasladaba en plena calle y al aire libre para pintar y adaptar a su mundo la realidad que pasaba por sus ojos.

El siguiente cuadro “Desembocadura del río Oise”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1877.

Jacob Abraham Camille Pissarro es un pintor impresionista francés y se le considera como uno de los fundadores de este movimiento. Su pintura es de paisajes, plasmando su obra la vida rural de los pueblos de Francia, aunque también dedico tiempo para pintar escenas de la vida en el barrio parisino de Montmartre.

Más adelante podemos ver la obra “El desayuno a la salida del baño”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1895.

Degas siempre pinto dentro de un estilo académico tradicional, que es particularmente evidente en las primeras de sus obras, fue un gran dibujante y un maestro en trasladar a la pintura las emociones. Como muchos de los pintores de su tiempo, Degas tenía una gran influencia de los grabados japoneses, que le inspiró a experimentar en la realización de composiciones asimétricas, añadiendo unos puntos de vista menos usuales. Por lo tanto, trabajó en una amplia gama de medios y técnicas, y lo que destaca es por el uso de la tabla de colores pasteles que dotan a su obra de una sensación escultórica.

Del mismo autor “Mujer peinándose”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo.

Degas se ocupa del desnudo en sus obras en el periodo que va desde de la década de 1850 hasta poco antes de la Primera Guerra Mundial. La pintura del desnudo le sirve para renovar su estilo y desarrollarse como pintor.

Degas estudió el desnudo en las fuentes de los clásicos aunque no sigue un solo modelo prefiere estudiar diferentes enfoques que le permitan encontrar su propio camino. Este examen exhaustivo de la obra artística de sus predecesores era de gran importancia para el desarrollo de su arte único.

El siguiente cuadro “En el café: el patrón y la cajera anémica”, obra de Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), realizado en guache sobre cartón.

Henri de Toulouse-Lautrec nos muestra la vida en un café del barrio de Montmartre de París con sus personajes que gracias a los pintores se hicieron famosos. Era la zona mágica del París del siglo de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, lugar donde acudía gente de todo el mundo para aprender de la nueva revolución, eran los años en que la vida en la colina de Montmartre, atrae a los miembros de todas las clases sociales, encontrándose vendedores de periódicos, las prostitutas, los gerentes de cabaret, actrices, artistas y aristócratas, payasos y bailarines, de clase media o de clase alta, convirtiéndose en uno de los lugares de culto en la capital de Francia.

El siguiente cuadro “Mujer sentada con sombrero” obra de Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1921.

La elaboración de este cuadro esta en una fase de cambios en la pintura, son pinturas con pocos detalles aunque el personaje es reconocible, crea una figura colosal que más bien parece una escultura, fue una fase de la vida pictórica después del viaje de Picasso a Italia de 1917.

El siguiente cuadro “La española”, obra de Edouard Manet (1832-1883), realizado en pastel sobre lienzo, esta datado 1879; tiene unas medidas de 56x46 cm.

Manet fue un enamorado de España y de la cultura española, vino a nuestro país para conocer la pintura y declaro su admiración por Goya, y queda maravillado de los colores vivos, los contrastantes en los tonos, y pasa a imitar el toque libre y ardiente.

Más adelante podemos ver el cuadro “Mar de Engadiner”, obra de Giovanni Giacometti (1868-1933), esta datado entre 1906 y 1907.

Giovanni Giacometti es un pintor postimpresionista suizo, estudio en Francia donde conoce el impresionismo, posteriormente marcha a Italia visitando Roma y Nápoles.

Es considerado como un pintor colorista, está calificado como un mediador entre los pintores modernos franceses e italianos, haciendo así una contribución sustancial a la renovación de la pintura suiza en el siglo XX.

Del mismo autor “Retrato de Alberto Giacometti”, obra de Giovanni Giacometti (1868-1933), esta datado en 1928.

Alberto Giacometti es hijo del pintor suizo Giovanni, durante su vida poso varias veces para su padre que hizo algunos retratos, en este caso tiene 27 años.

Del mismo autor “Mujer doliente” obra de Giovanni Giacometti (1868-1933), esta datado en 1916.

Giovanni Giacometti fue el padre de una dinastía de pintores sus hijos Alberto y Bruno fueron sus seguidores, el padre fue uno de los principales artistas suizos de primeros de siglo pero fue cayendo en el olvido.

En su vida de pintor tuvo varios hechos clave al trasladarse a Francia donde estudio de las pinturas de Van Gogh y su visita a la retrospectiva de Cézanne (1907) fueron experiencias que determinaron su obra. París fue seguido por una estancia en Italia. Esto tuvo un impacto menor sobre Giacometti, sin embargo: la mayor influencia italiana en su obra fue extraída de su amistad con Giovanni Segantini.

Del mismo autor podemos ver el cuadro “El escultor” obra de Giovanni Giacometti (1868-1933), esta datado en 1923.

Un aspecto importante de la obra Giacometti es en la orquestación brillante y vibrante de la luz. Reproduce las cambiantes condiciones de luz en sus obras y ofrece al espectador con una intensa experiencia de los efectos de luz y color. El pintor tiene éxito una y otra vez en la captura de los magníficos estados de ánimo que impregna en su obra, la creación de un cuerpo de trabajo que es de gran energía colorista.

Del mismo autor “La madre y el niño (Anetta y Alberto)”, obra de Giovanni Giacometti (1868-1933), esta datado en 1903.

Giovanni Giacometti se casó con una mujer de una familia del valle de Bergell (Suiza) muy respetada. Annetta Stampa le dio al artista cuatro hijos, ella también le dio un grado de seguridad financiera. En sus retratos el pintor nos muestra muchas imágenes de la armoniosa vida familiar.

Del mismo autor “Autorretrato”, obra de Giovanni Giacometti (1868-1933), esta datado entre 1913 y 1914.

En esta ocasión Giacometti se representa a su mismo en la edad madura, es un autorretrato realizado rápidamente con pocos trazos y efectivos, donde nos presenta su propia imagen vestido con un traje de principios de siglo XX.

Del mismo autor “Annetta”, obra de Giovanni Giacometti (1868-1933), esta datado entre 1908 y 1910.

En la obra de Giacometti se queda patente en muchos cuadros la vida familiar, de su mujer hizo varios retratos pero el más famoso es este titulado Annetta, resalta el vestido negro y su pelo, destacan porque utiliza el mismo color para ambos, la distingue por la joya en su cuello. Lo más llamativo son sus ojos saltones y su mirada perdida. Se trata de un cuadro muy personal porque el pintor puso el nombre de su mujer en letras destacadas en la parte derecha del cuadro.

Más adelante podemos ver el cuadro “Signac con sus amigos en barco”, obra de Pierre Bonnard (1867 y 1947), esta datado en 1924.

Pierre Bonnard, además de pintor fue ilustrador y litógrafo francés. En su obra tardía se decanto por una de las variedades es el precursor de la corriente abstracta. Aunque también empleo naturalismo y el simbolismo, siempre movido por su interés por la magia y las ciencias ocultas.

Del mismo autor “Paisaje al atardecer”, obra de obra de Pierre Bonnard (1867 y 1947), esta datado en 1927.

Pierre Bonnard pasó mucho tiempo en Le Cannet en la Costa Azul , que inspiró al artista en sus paisajes y la luz del Sur de Francia. Fue durante este período que él realizó sus mejores obras pictóricas. Este vínculo entre Bonnard y Le Cannet da profunda legitimidad al museo de pintura.

Del mismo autor “Paisaje de tormenta”, obra de obra de Pierre Bonnard (1867 y 1947), esta datado entre 1915 y 1916.

Pierre Bonnard en 1910 se marchó de París para trasladarse a vivir al Sur de Francia pero también viajo al Norte de África. Su longevidad le permitió conocer la etapa del Cubismo y del Surrealismo, aunque no se aproximó a ninguna de ambas estéticas.

Del mismo autor “Puesta de sol”, obra de obra de Pierre Bonnard (1867 y 1947), esta datado entre 1912 y 1913, realizado en óleo sobre lienzo.

En este lienzo Pierre Bonnard presenta un momento de una puesta de sol en el Sur de Francia, fue uno de los momentos del día que el pintor salía con su caballete para plasmarlo.

El siguiente cuadro “La señora Hessel y la manicura”, obra de Eduard Vuillard (1868-1940), esta datado en 1906.

Eduard Vuillard fue uno de los pintores de la Belle Epoque parisina (1880-1914), un período de refinamiento intelectual y artístico.

La señora del cuadro llamada Madame Hessel, representa en realidad a Lucie Hessel, era la esposa del marchante de arte de Vuillard, Jos Hessel. Ella era una amiga íntima del pintor y, a menudo servia de modelo y posaba para él. Esta estrecha relación entre el artista y su modelo se materializa en numerosos cuadros del pintor.

Del mismo autor “Gran interior con seis personajes”, obra de Eduard Vuillard (1868-1940), esta datado en 1897, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 90 x 194,5 cm .

Este es un gran lienzo de Eduard Vuillard, impresiona el rojo dominante de la escena y este color sugiere que la escena se esta celebrando en una gran tensión. La decoración del ambiente cuenta con una profusión de telas y patrones en los que algunos personajes terminan fusionandose y convirtiéndose a sí mismos en manchas de color. Las flores, las rayas y las figuras geométricas saturan la superficie pintada.

Del mismo autor “Brazos desnudos”, obra de Eduard Vuillard (1868-1940), realizado en óleo sobre lienzo.

Eduard utiliza en este caso tonos ocres para casi todo el cuadro empleando trazos largos y rápidos, excepto el vestido de la mujer que emplea el azul y con puntos. Es una escena donde una mujer esta pensante con los brazos desnudos, se encuentra en el salón de una casa con chimenea.

El siguiente cuadro “ La Dordoña en Carenac”, obra de Felix Vallotton (1865-1925), esta datado en 1925; realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 73 x 60 cm .

Felix Vallotton es un pintor Suizo nacido en Lausana, a su diecisiete años se traslada a París para aprender pintura en una academia, enseguida ingreso en la escuela de Bellas Artes.

Se integro en una corriente pictórica que se llamo los “nabis” (profetas) retomaban las enseñanzas de Gauguin, Toulouse-Lautrec y Van Gogh, autores que habían trabajado por separado, y las fundieron en un estilo definido que se transmitiría a la generación posterior de Cézanne, Matisse.

Del mismo autor “El camino de las Landas”, obra de Felix Vallotton (1865-1925), esta datado en 1917, realizado en óleo sobre lienzo.

Es un paisaje de la campiña francesa que representa el horizonte, una línea del camino nos lleva ante un horizonte imaginario que representa el infinito.

Del mismo autor “Interior fatal rojo y figuras”, obra de Felix Vallotton (1865-1925), esta datado en 1899, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 46,5 x 59,5 cm .

Del mismo autor “Gabrielle Vallotton en su mesa de baño”, obra de Felix Vallotton (1865-1925), esta datado en 1899.

El pintor se casó con Gabrielle Vallotton Rodrigues-Henriques, una joven viuda rica con tres hijos. Fue una musa para el pintor que la retrato en numerosas ocasiones. La obra ofrece un sobrio realismo aunque con un sabor amargo.

Del mismo autor “Mujer desnuda con un libro en la mano”, obra de Felix Vallotton (1865-1925), esta datado en 1924; tiene unas medidas de 105 x 81 cm .

Esta mujer desnuda es una obra tardía, esta llena de melancolismo, nos ofrece la imagen desnuda de una mujer que lleva la cara pintada, en su mano descansa un libro, su mirada nos parece indicar que piensa en alguna frase del libro, la habitación esta descrita por el autor con verdes y rojos fuertes, en sus pies descansa un vestido de tul negro transparente.

Del mismo autor “Autorretrato”, obra de Felix Vallotton (1865-1925), esta datado en 1906, realizado en óleo sobre lienzo.

Este es uno de los ocho autorretratos que Vallotton se hizo. Los autorretratos del pintor se caracterizan por un realismo agudo, una fina precisión gráfica y una gran sobriedad en la composición. Como en cada ocasión, son sus ojos, su mirada escrutadora, que expresan la profundidad psicológica del ejercicio. El artista se pinta con una gran objetividad en cada momento de su vida.

El siguiente cuadro “Malas madres”, obra de Giovanni Segantini (1856-1899), esta datado en 1897.

Giovanni Segantini es un pintor italiano del siglo XIX, en 1886 dejo Italia y se traslado a Suiza al cantono de Grisones donde se aproximó al movimiento divisionista con una temática de paisajes alpinos y escenas religiosas.

Del mismo autor “Muchacha tejiendo a mano con ovejas”, obra de Giovanni Segantini (1856-1899), realizado en óleo sobre lienzo.

Segantini se marcha y regresó a la gran altitud de las montañas cerca de Schafberg. El ritmo de su trabajo, junto con la gran altitud, afectó su salud, ya mediados de septiembre enfermó con aguda peritonitis.

Del mismo autor “Prados altos”, obra de Giovanni Segantini (1856-1899), esta datado entre 1893 y 1894, realizado en óleo sobre lienzo.

Segantini representa la transición por excelencia del arte tradicional del siglo XIX a los estilos y los cambiantes intereses del siglo XX. Él comenzó pintando escenas simples de personas comunes que viven fuera de la tierra –los campesinos, agricultores, pastores– y se dirigió hacia un estilo temático simbolista que continuó personificando los paisajes a su alrededor mientras se entrelazan panteístas –es una creencia o concepción del mundo y una doctrina filosófica según la cual el Universo, la naturaleza y Dios son equivalentes– imágenes que representan “una Arcadia primigenia”.

Del mismo autor “Naturaleza muerta”, obra de Giovanni Segantini (1856-1899), esta datado entre 1889, realizado en óleo sobre lienzo.

En la actualidad alguna de sus obras se ven como una exaltación de la vida bucólica, lo cierto es que para Segantini identifica que la relación entre animales y hombres en sus cuadros era su manera de decir que ambos compartían un mismo destino , que todos estaban sometidos a las leyes de la naturaleza .

Pasamos a una sala donde se sitúan la mayoría de los cuadros del mismo autor “Música en la calle”, Edvard Munch (1863-1944), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1889; tiene unas dimensiones de 102 x 141,5 cm .

El cuadro nos muestra la calle Karl Johan, fue una de las primeras obras donde se le reconoce su valor como artista. Con su estilo relajado y brillante la escena llama inicialmente la atención por las imágenes de la calle son típicas del impresionismo francés. Sin embargo, a pesar de la gran multitud al lado de las casas y la banda militar, la perspectiva de barrido de las grandes figuras que asoman en el primer plano crea una escena en la calle extraña y un desconcertante vacío que expresa un estado de tensión psicológica.

Del mismo autor “Paisaje de invierno, Kragero”, Edvard Munch (1863-1944), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1925-1931.

Edvard Munch es un pintor noruego que refleja la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que llenaron su infancia y su juventud como la gran mayoría de sus obras. Entre 1894 y 1897 crea sus primeros aguafuertes mientras continúa realizando exposiciones en Estocolmo, Berlín y Oslo, son unas de sus exposiciones con más éxito. Con el estudio de Toulouse-Lautrec, Bonnard y Vuillard creó una serie de bocetos mediante una técnica que puede considerarse un invento común de ambos, como eran los bocetos de óleo sobre papel o bien sobre tableros unidos con cola en el que no se trabajaba el fondo.

Del mismo autor “Manzano”, Edvard Munch (1863-1944), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1921.

Edvard Munch se inscribe en una corriente pictórica expresionista que surgió en el mundo del arte como reacción al impresionismo: así como los impresionistas plasmaban en el lienzo una “impresión” del mundo circundante, un simple reflejo de los sentidos, los expresionistas pretendían reflejar su mundo interior, una “expresión” de sus propios sentimientos.

Del mismo autor “Retrato Elsa Glaser”, Edvard Munch (1863-1944), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1913.

Durante su estancia en Alemania Edvard Munch conoció a Curt Glaser, este le pidió que retratase a su esposa Elsa Glaser (1878-1932) era hija del Embajador Hugo Kolker, se convirtió al cristianismo protestante, y recibió considerables ingresos de las propiedades de la familia. El Glasers también se convirtió en una importante coleccionistas y mecenas de arte moderno, entre ellos el artista Edvard Munch.

Del mismo autor “Puerto de Lübeck”, Edvard Munch (1863-1944), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1907.

Lienzo marcadamente expresionista porque en su concepción emplea la línea y el color de un modo temperamental y emotivo, de fuerte contenido simbólico. Esta reacción frente al impresionismo supuso una fuerte ruptura con el arte elaborado por la generación precedente, convirtiendo al expresionismo en un sinónimo del arte moderno durante los primeros años del siglo XX. El expresionismo supuso un nuevo concepto del arte, entendido como una forma de captar la existencia, de traslucir en imágenes el sustrato que subyace bajo la realidad aparente, de reflejar lo inmutable y eterno del ser humano y de la naturaleza.

Del mismo autor “Los niños”, obra de Edvard Munch ( 1863 a 1944), realizado en óleo sobre lienzo.

El amor, la inocencia y el deseo están estrechamente relacionados en la obra de Munch, en este caso la pintura representa dos niños de la clase alta de su tiempo. No solamente el pintor trata de pintar su imagen, en este caso además trata de retratar su alma.

Durante su estancia en la casa de los Esche pinta los hijos del gran mecenas alemán Erdmute y Hans Herbert Esche.

Del mismo autor “Retrato de Albert Kollmann”, obra de Edvard Munch ( 1863 a 1944), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1901 y 1902; tiene unas medidas de 81,5 x 65,6 cm .

El retrato muestra a un empresario y gran coleccionista de arte alemán, se dedico a viajar por toda Europa dando a conocer a grandes artistas desconocidos. Llegó al taller de Munch donde entablo amistad y fruto de esta relación fueron algunos de los retratos que le hizo el pintor.

Del mismo autor “Casa en Aasgardstrand”, obra de Edvard Munch ( 1863 a 1944), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1905, tiene unas medidas de 100 x 130.5 cm .

En 1888, Munch había descubierto Asgardstrand, un balneario situado a unos 50 kilómetros de Oslo, allí alquiló una cabaña al año siguiente. Era un sitio sencillo donde pasaba muchos veranos. En 1897, finalmente compró la casa y la estableció como su base de operaciones y dedico algunos de sus cuadros para mostrarla al público, aunque él continuó viajando extensivamente.

Del mismo autor “Paisaje de Chemnitz”, obra de Edvard Munch ( 1863 a 1944), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1905,

En octubre de 1905, el artista era un vagabundo inquieto viajando por Europa llegó a la Villa Esche en la ciudad alemana de Chemnitz. La casa del señor Herbert Esche no fue sólo el fabricante de calcetería alemán de mayor éxito, sino también un defensor y mecenas del arte moderno.

Cambiando de autor podemos ver “Árbol en el lago Walchensee”, obra de Lovis Corinth (1858 – 1925), esta datado en 1923; tiene unas medidas de 22,7 x 31,4 cm .

Lovis Corinth, fue un pintor, grabador y escultor alemán cuyo trabajo en el campo de la pintura fue madurando y realizó una síntesis desde los orígenes del impresionismo hasta convertirse en un autor expresionista.

Del mismo autor “Autorretrato con modelo”, obra de Lovis Corinth (1858-1925), esta datado en 1903.

La vida de Corinth fue un exceso de todo tipo, se casó con una de las primeras estudiantes de su academia de pintura, Charlotte Berend, mujer que retrató en numerosas ocasiones, haciendo de sus retratos una obra con formas transgresoras, sin ningún tapujo moral. Su mujer fue la musa de toda su obra y la conexión con el mundo real para enfrentarse el desenfreno de su vida.

Del mismo autor “Último retrato”, obra de Lovis Corinth (1858-1925), esta datado en 1925; tiene unas medidas de 80,5 x 60,5 cm .

Lovis Corinth tenia un carácter muy especial, rayando lo paranoico, Corinth realizo autorretratos en todos sus cumpleaños, a partir del comienzo del siglo XX, gracias a estos cuadros podemos ver la evolución del hombre de la misma forma que vemos la evolución de sus pinceles. En su obra siempre esta buscando romper las tradiciones estéticas, ya sean estas relacionadas con todo lo del arte o de la belleza humana.

Más adelante “Roca en el bosque”, obra de Paul Cézanne (1839-1906), esta datado en 1893.

Paul Cézanne fue un pintor francés postimpresionista que recupera la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. La trascendencia de su pintura para la evolución del arte, es considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente.

Del mismo autor “Los cinco bañistas” obra de Paul Cézanne (1839-1906), esta datado en 1880.

A la llegada de Cézanne a París realiza las visitas al Museo del Louvre donde conoce las obras de Caravaggio o Velázquez. Conoció a Pisarro con quién entabló gran amistad y juntos comenzaron a pintar plain air; éste le introdujo en los circuitos y exposiciones de los impresionistas pero las críticas que levantaron sus óleos hizo que Cezanne decidiera retirarse a un ambiente más íntimo.

El tema del baño estuvo presente en la pintura de Cézanne realizaría un total de siete lienzos y un buen número de dibujos y apuntes .

Más adelante “La puerta de Londres”, obra de André Derain (1880-1954), esta datado en 1905,

André Derain fue un pintor francés que forma parte de una corriente que trataba de llegar a la expresión por medio del color, admiradora de Vincent Van Gogh y a Paul Cézanne. Realizó una serie de pinturas de este estilo, primero en Collioure, en 1905, y luego en Londres en 1906, entre las que pintó “Una Esquina de Hyde Park”, “El Puente de Westminster” y “El London Bridge”. A principios de 1908, sin razón ni explicación, destrozó sus obras, y se dedicó a pintar paisajes similares a los de Cézanne.

El siguiente cuadro “Naturaleza muerta: buffet y mesa”, obra de Henri Matisse (1869-1954), esta datado en 1899.

Henri Émile Benoît Matisse, fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su estilo original y fluido del dibujo. Las pinturas expresan emoción con colores salvajes y disonantes.

En el centro de la sala se encuentra la escultura “Muchacho Elevándose”, obra de Wilhelm Lehmbruck (1881-1919), esta datado en 1913.

El museo alberga algunas obras del escultor, pintor y dibujante Wilhelm Lehmbruck ha dejado una obra abrumadora, a menudo muestra el dolor y la triste belleza, mostrando unas personas de temprana edad haciendo una continua búsqueda de la perfección.

El siguiente cuadro “Chica Bretona”, obra de Cuno Amiet (1868-1961), esta datado en 1893.

Cuno Amiet, fue un escultor y pintor suizo del movimiento simbólico: enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva, iniciador del movimiento llamado: la nueva pintura suiza.

Más adelante “La barrera”, obra de Paul Gauguin (1849-1903), esta datado en 1889.

Eugène Henri Paul Gauguin fue un pintor postimpresionista. Formo parte de la Escuela de Pont-Aven cuyo movimiento fue inspirador de los Nabis, desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía (Polinesia Francesa), volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en la cultura occidental.

El siguiente cuadro “Niebla de invierno”, obra de Giovanni Giacometti (1868-1933), esta datado en 1910.

El cuadro nos muestra en su totalidad un paisaje brillante, vibrante y audaz por su su forma de interpretar la luz. El artista se refería principalmente a la prestación y la intensificación de los efectos de luz y color que logró por la yuxtaposición de pinceladas que en su mayoría de las veces se hace sin mezclar los colores complementarios. Es una emocionante muestra de la dialéctica entre la imagen de la luz, es decir, la naturaleza, y la creación de la luz a través del color.

Sobre la pared un mural “Ver el infinito”, obra de Ferdinand Hodler (1853-1918), esta datada en 1916; tiene unas medidas 176 x 352 cm .

Ferdinand Hodler fue uno de los principales artistas suizos del siglo XIX. Sus primeras obras fueron paisajes, composiciones figurativas y retratos, tratados con un vigoroso realismo. Sus obras muestran obras figurativas, imbuidos de ricos colores, contrastantes y un sutil simbolismo.

Del mismo autor “Retirada de Marignano”, obra de Ferdinand Hodler, esta datado en 1897.

La Batalla de Marignano tuvo lugar los días 13 y 14 de septiembre de 1515 en torno a la actual localidad de Melegnano, 16 Km . al sur de Milán (Italia), y opuso a los ejércitos aliados de Francisco I de Francia y los venecianos contra las fuerzas del Milanesado, apoyadas por fuerzas de la Confederación Helvética. A las 11 de la mañana, los suizos se retiran ordenadamente hacia Milán con sus heridos, estandartes y cañones, dejando 12.000 muertos en el campo de batalla.

Bajamos un piso en el museo para llegar a las salas del arte medieval, el primer cuadro que podemos contemplar “San Jerónimo”, obra de Paolo Veronese (1528-1588), esta datado en 1580.

Sofronio Eusebio Hieronymus , San Jerónimo esta considerado como el padre de la iglesia católica y es una de las figuras más recurrentes dentro de la pintura religiosa. En esta ocasión se le pinta como estudioso aunque fue un escritor prolífico. Además de su traducción de la Biblia , él escribió comentarios sobre varios escritos bíblicos y una geografía de Palestina.

El siguiente cuadro es “Sagrada Familia”, obra de Jacopo Palma Vecchio (1480-1528), esta datado en 1525.

El nombre original del pintor Jacopo Negretti, es un pintor renacentista veneciano especializado en una pintura contemplativa religiosa.

El siguiente cuadro “Cristo en la Cruz ”, obra de Bartolomeo Montagna (1449-1519), esta datado en 1515.

Bartolomeo Cincani, más conocido como Bartolomeo Montagna, fue un pintor y arquitecto italiano que vivió y trabajó durante el Renacimiento.

Más adelante “El Papa Gregorio el Grande”, obra de Paolo Veronese (1528-1588), esta datado en 1580.

Gregorio I el Grande fue Papa entre 590-604. Se le considera uno de los más grandes papas y es el más joven de los cuatro grandes Padres de la antigüedad tardía, fue canonizado en 1295.

El siguiente cuadro “Retrato de una joven dama”, obra de Cornelis de Vos (1585-1651), esta datado entre 1623 y 1624.

Cornelis de Vos es un pintor flamenco del periodo barroco, fue considerado como pintor de retratos individuales y de grupo. Se especializa en retratar a la burguesía de Amberes con una elegancia y demostrando una gran capacidad de observación. En particular, representa muy bien a los niños, por su frescura y espontaneidad, por la expresión despierta de los rostros y la atrayente coloración.

Más adelante “Retrato del Cardenal Tommaso Ruffo”, obra de Giuseppe María Crespi (1665 y 1747), esta datado en 1721.

Tommaso Ruffo era hijo de Carlo Ruffo, el tercer Duque de Bagnara. Fue educado en la Universidad la Sapienza, para licenciarse como médico de derecho canónico y civil. Fue diplomático papal, elegido arzobispo titular de Nicea en 1698.

Uno de los cuadros más importantes del museo es “Retrato de Charles de Guise, Cardenal de Lorraine”, obra de Domenico Theotocopoulos “El Greco” (1541 y 1614), esta datado en 1572.

Retrato del cardenal Lorraine, representa a uno de los eclesiásticos más influyentes del siglo XVI –nombrado arzobispo de Reims a los trece años y cardenal a los veintidós, denominado «il secondo Papa» por Pío IV–, la autoría del cuadro ha estado muy discutida, tradicionalmente atribuido a Tintoretto, este lienzo conservado en la colección Koetser (Zurich) ha sido incluido en el catálogo del Greco en varias ocasiones desde 1978. Apuntarían en esta dirección por la decoración y los cortinajes del fondo, las calidades de las vestimentas cardenalicias y la propia composición de la escena.

El Greco y el cardenal se conocen en Roma mientras Lorrain esta confabulando sin éxito que el Papa se opusiera al matrimonio entre Margot Valois con el protestante Enrique IV de Borbón, heredero del trono de Francia, en ese momento recibió con gran satisfacción la noticia de la matanza de cristianos hugonotes de la noche de San Bartolomé, en agosto de aquel año, por lo que le decidió volver a Francia, esperando recuperar su posición anterior, pero Catherine de Médicis le hizo saber que no sería bien recibido. Murió en Aviñón cuando regresaba.

En este cuadro se aprecia el abandono del estilo manierista para tomar unas pinceladas más realistas. El Greco nos muestra un personaje en estado puro, la mirada lo dice todo, es un hombre frío y calculador que mientras esta posando su cerebro no deja de moverse, su barba y su expresión es de una personas con grandes formas, su mano derecha no descansa, atrapa un libro entre abierto, su forma de sentarse es de una persona distante, la mano izquierda rasga el habito de cardenal, con seguridad el cuadro no gusto al cardenal porque lejos de idealizarle le retrato como no le hubiera gustado pasar a la historia.

El siguiente cuadro “Retrato de Vittorio Michiel”, obra de Giovanni Battista Moroni (1520-1579), esta datado en 1561; tiene unas dimensiones de 64 x 49 cm .

Morini emplea unas categorías estilísticas de uso frecuente para definir el carácter de sus retratos, donde se aprecia muy destacadamente la similitud y la naturalidad, le permitieron destacar la pintura de Moroni como parte de las últimas instancias de un realismo que rechaza cualquier tendencia a idealizar, siempre basa los preceptos de conciliar.

El siguiente cuadro “Retrato de un señor con perro”, obra de Callisto Piazza (1500-1562), esta datado en 1540.

Callisto Piazza pintor italiano del siglo XVI, se especializó principalmente en pintura religiosa, dedicándose a pintar frescos para muchas de las iglesias de Italia.

Más adelante “Naturaleza muerta: gabinete con platos y copas para beber”, obra de Sebastian Stoskopff (1597-1657), esta datado entre 1625 y 1630.

Sebastian Stoskopff, pintor de origen alsaciano, al quedarse huérfano de padre y dado de sus dotes para la pintura ingreso en el taller de Albert Durero, Sus trabajos, que fueron redescubiertos después de 1930, realiza naturalezas muertas donde retrata copas, tazas y especialmente los vidrios

El siguiente cuadro “María y el niño”, obra de Pier Francesco Fiorentino (1444-1497), esta datado en 1460.

Pier Francesco Fiorentino, pintor italiano recibió su formación a través del taller de su padre que también era pintor, trabajo para la iglesia recibiendo algunos encargos, el más importante fue la decoración de la iglesia San Gimignano.

Más adelante “San Sebastian”, obra de Ferraresisch, esta datado en 1475.

La figura de San Sebastian es uno de los temas más recurrentes por todos los pintores medievales y que estaba más enraizado en la cultura religiosa al ser venerado por todos los católicos.

El cuadro nos muestra una imagen con una cara de dolor estremecedora, se encuentra atado en un árbol, sus cuerpo esta atravesado por flechas. Al fondo nos muestra un paisaje de la muralla de Roma.

El siguiente cuadro “San Cosme y San Damian sanan al diácono Justino” obra de Zanobi Strozzi (1412-1468) y de Matteo di Giovanni (1430-1495), esta datado en 1445.

El cuadro es atribuido de Zanobi Strozzi aunque en el mismo taller trabajaba y participaba Matteo di Giovanni, por lo que cualquiera de ambos pude ser el pintor.

La obra muestra la escena con los dos Santos Cosme y Damian, eran especialistas en medicina y sus curaciones se les otorgaban como un milagro, fueron martirizados y declarados santos.

El siguiente cuadro “María Magdalena y Cristo”, obra de Matteo di Giovanni (1430-1495), esta datado en 1475.

Matteo di Giovanni di Bartolo es un pintor italiano renacentista de la escuela de Siena. Su pintura alcanza la máxima atención durante su periodo de madurez en que comenzó a pintar escenas idílicas y naturales del paisaje, empleando delicados colores líricos derivados de la escuela de pintura de Umbría.

Más adelante podemos ver “Crucifixión”, obra de Giuliano di Simone (1475-1577), esta datado en 1400.

Giuliano di Piero di Simone Bugiardini es un pintor italiano de estilo renacentista. El artista nos presenta una visión particular de la Crucifixión en el monte Gólgota, destaca la división de los personajes, en el lado izquierdo están los relacionados con la iglesia y en el lado derecho los relacionados con los verdugos. Los dos crucificados que acompaña a Cristo están acompañados de un ángel y un dragón. Destaca en bonito colorido de los ropajes sobre un fondo dorado.

El siguiente cuadro es de un periodo posterior “Carretera de regreso a casa”, obra de Jan Brueghel el Viejo (1568-1625), esta datado en 1611.

Jan Brueghel el Viejo es uno de los pintores flamencos más destacados del siglo XVII, comenzó pintado naturalezas muertas pero evoluciono hacia el paisaje que demandaba la sociedad burguesa del momento.

El cuadro nos ofrece el brillo pálido del cielo brumoso opaco, el pintor ya no define el cielo como una luz divina que ilumina el mundo y las cosas, como aquí en que Jan Bruegel se ha apartado de una visión religiosa para expresar una vida mundana, nos presenta los caminos de la vida real donde las casas y las posadas ofrecen protección a los viajeros.

Del mismo autor “El diluvio con el Arca de Noel”, obra de Jan Brueghel el Viejo (1568-1625), esta datado en 1601.

El cuadro famoso de Brueghel y que luego su hijo reinterpretaría en otro que esta expuesto en el museo del Prado de Madrid. En este caso el pintor nos muestra una gran riada donde en una orilla llegan las personas y animales que se refugian en el Arca de Noel, mientras en la otra orilla esta la desolación.

Del mismo autor “Interior del bosque”, obra de Jan Brueghel el Viejo (1568-1625), esta datado en 1605; tiene unas medidas de 18,2 x 25.8 cm .

En este caso Brueghel pinta una de sus escenas en el bosque, es posible discernir la importancia de su trabajo para la exploración poética del paisaje y de la creación de la unidad atmosférica que emerge en la pintura de paisajística de principios del siglo XVII.

El siguiente cuadro “Vista desde las dunas hasta el mar”, obra de Jacob van Ruisdael (1628-1682), esta datado en 1655, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 26x35,2 cm.

Jacob van Ruisdael es uno de los pintores paisajistas holandeses más importantes del siglo XVII. Sus temas favoritos eran cuadros boscosos.  Destaca como pintor de árboles, y su representación del follaje, en particular, de la edad de los robles y de sus hojas, lo caracteriza con una gran precisión. También pinto, como en este caso, escenas marinas con una clara influencia de los pintores ingleses.

Más adelante “Naturaleza muerta: frutas y flores”, obra Isaak Soreau (1604-1645)

Isaak Soreau es un pintor barroco del siglo XVII. Marcho a vivir a Amberes donde aprendió el oficio, se especializo en naturalezas muertas:   con frutas, flores e insectos.

El siguiente cuadro “Granja con el hijo perdido”, obra de Abraham Bloemaert (1566-1651), esta datado en 1619.

Abraham Bloemaert fue un pintor holandés, es un artista que tiene un estilo entre el manierismo y los comienzos del barroco aunque evolucionó hacia el naturalismo tenebrista de los maestros italianos. Fue un gran paisajista pintando cuadros bucólicos con pastores, animales y flores.

Más adelante “Dunas con roble y río”, obra de Jacob van Ruisdael (1628-1682), esta datado en 1650.

La composición esta dominada por la imagen de un inmenso roble, en el lado contrario se encuentra las dunas con un hombre que esta intentando vadear un pequeño riachuelo.

Del mismo autor “Vista de Haarlem con campos de blanqueo”, obra de Jacob van Ruisdael (1628-1682), esta datado entre 1670 y 1675, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 62,2 x 55,2 cm ..

El cuadro representa un paisaje donde podemos ver al fondo la ciudad de Haarlem, en los primeros planos nos muestra extensos campos al lado del río empleados para lavar y secar la ropa al sol. El pintor le da más importancia al cielo que a la propia escena ocupando las dos terceras partes de la imagen. La imagen de la ciudad destaca la iglesia de San Bavón o el propio Ayuntamiento.

El siguiente cuadro “La danza de las cuatro estaciones”, obra de Claude Lorrain (1604-1682), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1662.

El cuadro esta basado en la mitología donde se puede ver a la derecha los restos de una edificación, el paisaje con animales: cabras y ovejas, el pastor es un ángel con un arpa que incita a la danza de las cuatro estaciones.

Del mismo autor “Paisaje con cascada y cazadores”, obra de Claude Lorrain (1604-1682), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1630-1635.

La especialización del pintor en paisajes fue un éxito importante, causaba furor tener colgado uno de sus cuadros, enseguida le llegaron peticiones de papas, príncipes, burgueses. El artista no tenía un gran taller de pintura, ni tampoco muchos ayudantes por lo que todo lo que pintaba salía de sus paletas, se estima que a lo largo de su vida llegó a pintar: 250 pinturas, 1.200 dibujos, y 44 grabados.

Más adelante “Venus durmiendo sorprendida por un sátiro”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625; tiene unas medidas de 77 x 100 cm .

Nicolás Poussin es un pintor francés que se traslado a Roma para estudiar los nuevos estilos de la antigüedad clásica y las obras renacentistas. Se marcho a Venecia y enseguida la salieron mecenas y recibió algunos encargos pero no era lo que esperaba. Abandona los encargos públicos y se inspira principalmente por la antigüedad en una serie de obras de tema mitológico tratadas de forma melancólica e idílica. Son estas obras las que mejor atestiguan su originalidad, su carácter de creador genial.

El siguiente cuadro “Paisaje”, obra de Nicolaes Berchem (1620-1683), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663.

Nicolaes Berchem es un pintor imaginativo que se dedica principalmente a pintar paisajes que quiere identificar con los climas del sur de Italia. Es una tierra de fantasía y que debía existir en la conciencia cultural colectiva de la época. En esos días de Berchem, la sociedad estaba más familiariza con los pastores y los rebaños que pueblan el Antiguo Testamento que con la Arcadia de poetas clásicos y contemporáneos.

Berchem pronto aprendió cómo configurar grupos expresivos y tomó los componentes que funcionaron bien en sus pinturas religiosas y mitológicas para utilizarlos de nuevo en sus paisajes, en los que los pastores y viajeros dan vida a las colinas y los prados, es un paisaje que atraen al espectador en su universo acogedor.

Del mismo autor “Pastora y pastor en el campo”, obra de Nicolaes Berchem (1620-1683), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1663-1675.

La escena es una de las más cotidianas en los campos, dos pastores conducen el rebaño de vacas, cabras y ovejas están acompañados de sus perros. Este tipo de pintura era muy demandada en las casas de la clase media porque acercaba la vida soñada del campo.

Del mismo autor “Paisaje de invierno”, obra de Nicolaes Berchem (1620-1683), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1652.

Este paisaje evocador de Holanda donde el molino esta completamente helado, la nieve y el frío se extiende por todo el paisaje, las bajas temperaturas se reflejan en las vestimentas de las personas y en el humo de las casas.

El siguiente cuadro “Pastores ante el arco de Constantino”, obra de Claude Lorrain (1604-1682), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1648.

En este paisaje Lorrain incluye los monumentos arquitectónicos de la ciudad de Roma. El pintor trata de fusionar el color de la luz del atardecer presentando un rebaño de vacas y un gran árbol. En el fondo las montañas se tornan de color naranja-rojo es el inicio del resplandor de la noche.

El siguiente cuadro “El placer del hielo en Dordrecht”, obra de Salomón van Ruysdael (1600-1670), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1653.

Este lienzo es un ejemplo de paisaje holandés dotado de luz y color. El pintor encontró en la naturaleza, sobretodo en las vistas boscosas y en las caídas de agua, el eco de sus más íntimos sentimientos, que lo hacen aparecer como un prerromántico.

Más adelante podemos ver el cuadro “Autorretrato a los doce años”, obra de Anna Waser (1678 y 1714), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1691.

Anna Waser demostró desde una temprana edad su talento como artista, en este caso es un autorretrato temprano ejecutado con gran habilidad técnica fue pintado cuando sólo tenía doce años. Su reputación como experta miniaturista le permitió recibir trabajos de toda Europa.

El siguiente cuadro vuelve sobre anteriores autores “Paisaje costero con Apolo y Sibila”, obra de Claude Lorrain (1604-1682), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1665.

El tema está tomado de las Metamorfosis de Ovidio. Nos muestra el deseo de Apolo para vivir tantos años como Sibila, ella sostuvo granos de arena en la mano. Como no había un millar de granos de arena, vivió mil años.

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato de un hombre joven”, obra del llamado Maestro de la Leyenda de Santa Ursula (1480-1510), esta datado en 1485.

Maestro de la Leyenda de Santa Ursula fue un pintor alemán. Destaco entre los pintores del gótico tardío de Colonia a través de su talento colorista infrecuente. Recibe el nombre por el ciclo de 19 pinturas al óleo que representan la leyenda de Santa Úrsula.

Su técnica de la pintura es relativamente seca, débil en aceite, para conseguir una débil imprimación, el ciclo combina una concepción pictórica negrita con una reproducción detallada de los trajes, los edificios y las diversas formas de paisaje. Son característicos los tonos de piel claros de algunas figuras, con énfasis en ideales de la belleza extrema, una atmósfera seria, en la cual hay una melancolía hasta ahora inusual en la zona de la escuela de Colonia.

El siguiente cuadro “San Jerónimo”, obra de Hans Memling (1435-1494), estilo gótico flamenco.

Hans Memling es uno de los mas grandes pintores, su pintura destaca por el rigor, una suavidad aterciopelada de pigmento, una delicada transparencia de colores, y dando gracia a las formas delgadas. Su fama como pintor se extendió por Italia y los grandes y pudientes aficionados a la pintura quisieron tener un cuadro de este pintor: cardenal Grimani y el cardenal Bembo en Venecia, y los jefes de la casa de los Medici en Florencia.

Más adelante podemos ver el cuadro “Representación del Cristo enfrente de Pilatos (Ecce Homo)”, obra del Maestro del tríptico de Morrison, esta datado en 1510.

El Maestro del Tríptico de Morrison da el nombre a un pintor primitivo flamenco desconocido pintaba en Amberes hacia 1500-1510. El nombre de Tríptico Morrison, viene por la obra con forma de tríptico en un retablo con de tres paneles, fue pintado alrededor de 1500. La obra lleva el nombre de un propietario anterior, el coleccionista británico Alfred Morrison, y ahora está en el Museo de Arte de Toledo en Toledo, Ohio.

El siguiente cuadro “Lucrecia”, obra de Joos van Cleve (1485-1540), esta datado entre 1515 y 1518, pintura de estilo renacentista flamenco.

Lucrecia es un personaje perteneciente a la historia de la antigua Roma, coetánea del último rey romano Lucio Tarquinio el Soberbio. Hija del ilustre romano Espurio Lucrecio Tricipitino, contrajo matrimonio con Colatino.

Joos van Cleve nos representa en el cuadro la violación y suicidio de Lucrecia, ha sido objeto de numerosas representaciones en las artes plásticas. En contra de la mentalidad actual, el propósito de dichas obras no era denunciar el delito de violación sino satisfacer la demanda de imágenes eróticas, de desnudo, bajo un argumento histórico.

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato de un hombre joven”, obra de Hans Memling (1435-1494), estilo gótico flamenco.

Hans Memling estudio posiblemente en el taller de Rogier van der Weyden, cuyos influjos se aprecian en la obra del discípulo. Las obras de Memling son elegantes y refinadas e introduce en ellas elementos procedentes de Italia. Tuvo gran influencia en otros artistas, de la talla de Gerard David o Juan de Flandes.

El siguiente cuadro “Lamentación de Cristo”, obra de Jan Provost (1465-1529), esta datado en 1490.

Analizando la obra Jan Provost se puede indicar que mantuvo estrechas relaciones con círculos literarios y humanistas. Esta demostrado que conoció a Alberto Durero en Amberes en 1520. La influencia de éste, así como la de Quintin Massys, El Bosco y Gérard David, se aprecia en su obra, aunque se permitió licencias iconográficas y formales. De las cien pinturas atribuidas a Provost ninguna está firmada y solo tres de ellas están datadas.

El siguiente cuadro “Retrato de un señor”, obra de Hans Holbein el Viejo (1465-1524), esta datado en 1520.

Hans Holbein el Viejo fue un pintor y dibujante de origen alemán, muy influenciado por el arte holandés (especialmente por Van der Weyden) y por la pintura italiana, su estilo gótico tardío se caracterizó por el equilibrio compositivo y los colores luminosos. Pintó retratos, entre ellos, varios eran de mujeres y de sus hijos Ambrosius y Hans.

Más adelante podemos ver el cuadro “Paisaje con san Jerónimo”, obra de Joachim Patinir (1480-1524), esta datado en 1520.

Los paisajes de Patinir destacan por las inmensas perspectivas donde combinan la observación de detalles naturalistas con imaginación lírica. Las rocas en sus paisajes son espectaculares versiones de quienes los rodean su casa de Dinant. Los otros elementos del paisaje se pintan con una paleta de colores verde y azul que expresa la atenuación causada por la distancia. La referencia religiosa del paisaje con género es una pequeña figura como si se tratase de una diminuta anécdota, donde nos muestra la imagen de san Jerónimo en el interior de un pequeño chamizo.

El siguiente cuadro “La huida a Egipto”, obra de Adriaen Isenbrandt (1490-1551), realizado en óleo sobre panel de madera, esta datado en 1525; tiene unas medidas de 128 x 100 cm .

El cuadro es una de las muchas variaciones que Isenbrandt realizo sobre la huida a Egipto. La historia esta basada por el temor al rey Herodes de matar a su hijo, José y María acompañados de su recién nacido Jesús se marchan a Egipto. Sólo después de la muerte del rey la sagrada familia regresa a Nazaret. Esto es lo que leemos en el Evangelio de Mateo. A través de los siglos, se han añadido algunos detalles a la historia. A partir de finales de la Edad Media fue el tema en la pintura muy popular.

Aquí vemos durante el camino a Egipto y el momento en que María alimentando a su hijo montada en una mula. El niño agarra con fuerza al manto azul suave drapeado de María para mantener el equilibrio.

El fondo de este tipo de lienzos lo realizaban oficiales en el taller del pintor, Isenbrandt solamente añadía los detalles de los primeros planos, la calidad de la terminación final dependía del trabajo de sus ayudantes.

Más adelante podemos ver otra de las obras de arte del museo “María con el niño mamando”, Obra de Joos van Cleve (1485-1540), esta datado entre 1515-1520.

El cuadro nos muestra una de las escenas de la Sagrada Familia , cuando la Virgen María esta dando de mamar al niño, destaca de la escena el ropaje de la Virgen con uno finos velos transparentes y el pañuelos con sus pliegues en la cabeza. También la figura al fondo de san José, ligeramente difuminada para no sacarle de la escena y mantener el interés.

La siguiente obra “Tríptico adoración de los Reyes entre Santiago y Sebastián”, obra Jan Provost (1465-1529), esta datado entre 1500-1510.

El tríptico nos muestra en la tabla central una de las imágenes religiosas más tratadas durante la Edad Media la adoración de los Reyes Magos. La virgen recibe a los reyes en la puerta del templo, esta vestida de azul y sobre una sabana muestra al niño desnudo. En la tabla de la izquierda se representa al apóstol Santiago, vestido con su atuendo de viajero porque fue uno de los elegidos para la predicación en el Mediterráneo. A la derecha se encuentra Sebastián, se le representa vestido y con flechas para indicar su martirio.

Una de las pocas esculturas del museo “Virgen Inmaculada”, obra de Tilman Riemenschneider, esta datado en 1505, pertenece al estilo gótico flamenco.

Tilman Riemenschneider fue un escultor alemán que trabajo a finales del gótico tardío y comienzos del renacimiento. Su trabajo se caracterizó por la expresividad que muestran las caras de sus esculturas (a menudo de mirada introspectiva, sobre todo en los autorretratos) y por el rico detalle en la representación de los vestidos, dotados de movimiento por los trabajados de los pliegues. El énfasis en la expresión humana, dejó una clara influencia en sus inmediatos seguidores.

El siguiente cuadro “Encuentro de Ana y Joaquín en la Puerta Dorada ”, obra del Maestro de la Pasión Darmstädter (1450-1480), esta datado en 1460.

El Maestro de la Pasión Darmstädter pintor del sur de Alemania que trabajó bajo una clara influencia flamenca. Sin embargo, desarrolló un lenguaje visual independiente con un colorido peculiar recreando multitudes en movimiento. La obra del Maestro de la Pasión Darmstadt también se caracteriza sobretodo porque muestra el efecto de la luz y el trabajo para mejorar el color.

Del mismo autor “San Onofre”, obra del Maestro de la Pasión Darmstädter (1450-1480), esta datado en 1460.

San Onofre es un santo muy venerado y recordado hoy en día por los cristianos coptos, y respetado también por los católicos. Es conocido como uno de los Padres del yermo –los mojes, eremitas y anacoretas que en el siglo IV tras la paz constantiniana abandonaron las ciudades del Imperio Romano para ir a vivir en las soledades de los desiertos de Siria y Egipto–, una luminaria le acompañó en el itinerario hacia lo que sería su ermita. Sólo comía dátiles y agua. Como vestimenta únicamente poseía sus propios cabellos y hojas de palma o hierbas del desierto entretejidas. Un ángel le daba pan a diario y los domingos también la comunión. Sobrevivió de esta forma durante 60 años.

El siguiente cuadro “El Arcángel Rafael con Tobías”, obra de Giovanni Mazone (1453-1510), esta datado en 1466, realizado en temple sobre tabla.

El cuadro es un tanto arcaico y es fruto de la colaboración con su padre, también pintor. Nos muestra idealizados al Arcángel Rafael de la mano de Tobías niño, aunque según la leyenda Rafael fue enviado por Yaveh para acompañar a Tobías, hijo de Tobit, en un largo y peligroso viaje para conseguirle una esposa piadosa al joven.

Más adelante el díptico “Anunciación a María el nacimiento de Cristo y la Natividad ”, obra atribuida al Maestro de los paneles de Munich, realizado en temple sobre tabla, esta datado entre 1445-1450.

Se desconoce el verdadero autor del díptico pero es un gran artista consagrado de la pintura, tiene una clara influencia gótica flamenca y destaca por el color y los detalles. A la izquierda la Anunciación del Arcángel, destaca la enorme melena rizada de la Virgen María , además, de la ornamentación que completa el cuadro; a la izquierda, la Natividad , destaca por los pliegues y el tratamiento en la vestimenta de los personajes.

Del mismo autor “Entierro de Cristo en el Monte de los Olivos” obra atribuida al Maestro de los paneles de Munich, realizado en temple sobre tabla, esta datado entre 1445-1450.

En este caso el cuadro destaca por la variedad cromática que ha plasmado el pintor en el cuadro, consiguiendo originar el dramatismo de la escena.

Los siguientes cuadros pertenecían al cuadriplico del retablo de San Michael, aquí se expone el díctico “El descenso a los infiernos de San Michael y El tribunal que juzga a las almas”, obras atribuidas a uno de los Maestros denominados Nelkenmeister, están datados en 1495.

Los maestros Nelkenmeister corresponden con un grupo de pintores de Suiza que trabajan en grupo o bien formaban parte de un taller, se caracterizan porque no firmaban sus cuadros, pero en todas las obras aparecen un clavel rojo y otro blanco o a veces una flor de la vid. En total hay atribuidos 30 cuadros todos ellos con motivos religiosos.

El símbolo de los claveles viene dado quizás por la devoción del grupo hacia la Virgen María o incluso para indicar una hermandad de pintores, en esta caso significaría una simple marca al agua de su obra.¨

El otro díctico esta formado por las tablas de: “Adoración al niño Jesús por los tres Reyes Magos” y “La fiesta de Pentecostés con el Espíritu Santo”. También estas obras fueron atribuidas a uno de los Maestros denominados Nelkenmeister, están datados en 1495.

La siguiente escultura “María y el niño” obra de autor desconocido aunque se la atribuye al Maestro de los altares de Churwaldner, esta datada en el siglo XV.

La escultura destaca por su policromía de estilo gótico. El escultor ha marcado unos amplios pliegues en las vestimentas, además ha añadido al niño Jesús sentido de movimiento como si se fuese a caer de sus manos, se aprecia el contraste con otras obras donde el niño se encuentra muy estático.

El siguiente cuadro “San Juan Bautista y la Virgen María ”, obra de Han Leu el Joven (1490-1531), esta datado en 1521.

Han Leu el Joven fue un pintor suizo, poco se conoce de la vida del artista aunque se sabe que trabajo en los talleres de Durero y de Baldung Grien.

El siguiente díctico “Cristo en la Cruz y la Crucifixión , obra de autor desconocido, procede de algún altar de una iglesia, es una obra gótica, esta datado en 1490.

Más adelante podemos ver el cuadro “La entrega de llaves a Pedro”, obra de Niklaus Manuel, apodado el Alemán (1484-1530), esta datado entre 1516 y 1518.

Niklaus Manuel había nacido en Suiza pero tenia un apellido alemán que se había cambiado por eso viene el nombre de su apodo, fue un gran reformista por su pasado dentro de un destacado grupo de protestantes alemanes y en sus pinturas pretende satirizar algunos aspectos de la iglesia católica.

El siguiente cuadro “Decapitación de un santo joven”, obra atribuida a uno de los Maestros denominados Nelkenmeister, está datado en 1485.

Más adelante el cuadro “ La Adoración de los Reyes Magos”, obra de Hans Fries (1460-1523), esta datado en 1490.

Hans Fries fue un pintor suizo que pinto principalmente obras religiosas. Durante su vida pintó muchos altares. Alrededor de 1510 se trasladó a Berna, donde vivió hasta su muerte. Estuvo muy relacionado con la iglesia, su pintura acusa la influencia de Hans Holbein el Joven y de Hans Burgkmair, así como de los maestros holandeses.

Más adelante “Presentación de Cristo”, obra atribuida a uno de los Maestros denominados Nelkenmeister, está datado en 1495.

Aquí damos por terminada la visita a estas salas dedicada a los maestros de la pintura medieval. La siguiente sala contigua esta dedicada a los pintores europeos del siglo XIX.

Comenzamos con la obra “Gurka de la armada india”, obra de Eugêne Delacroix (1798-1863), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1830.

Eugêne Delacroix fue un pintor francés que encarna el romanticismo, su obra esta basada en los primeros planos, el gusto por el color y las imágenes exóticas, fruto de sus ya citados viajes por África y a Inglaterra le da la oportunidad de conocer la obra de Constable y Turner cuyas obras le sugieren el uso de barnices, gracias a los cuales se obtienen nuevos tonos más vibrantes que aportan una magnífica luminosidad a las composiciones.

El siguiente cuadro “Retrato de Victor Jacquemont con paraguas”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1865 y 1867. Cuadro de estilo impresionista.

Monet retrata a Victor Jacquemont era un naturalista y botánico francés, su vida fue anterior al pintor por lo que es de imaginar que fue pintado siguiendo indicaciones de su familia o de alguien relacionado con el naturalista como una obra póstuma.

El siguiente cuadro “Retrato de Albert Volff”, obra de Edouard Manet (1832-1883), realizado en óleo sobre lienzo, pertenece al estilo impresionista francés, esta datado en 1877; tiene unas medidas 89 x 77 cm .

Albert Abraham Wolff es un periodista de origen inglés que se estableció en Francia, escribió como crítico de arte para el periódico Le Figaro, donde describe las exposiciones de los impresionistas y más en concreto a Manet como un artista incompleto.

Del mismo artista “Evasión de Henry Rochefort”, obra de Edouard Manet (1832-1883), realizado en óleo sobre lienzo, pertenece al estilo impresionista francés, esta datado en 1881.

Henry Rochefort fue un periodista y escritor, tuvo muchas controversias cuando se dedico a la política, fue condenado a cadena perpetua y expulsado a Nueva Caledonia para cumplir su condena. En 1874 escapa a bordo de un barco americano de donde procede esta escena.

Manet dedico algunos cuadros a conmemorar la pintura histórica de Francia. El héroe que se muestra apenas es reconocible con su pelo rubio alborotado, se representa aquí en la popa de un pequeño bote flotando entre las olas. Junto a él están sus cómplices, Pain, Grousset y Jourde. El cuadro nos describe el sentido de la soledad y el peligro se hace palpable por el tamaño de la nave dentro de un mar pintado con pequeños golpes.

Manet eligió una técnica imprecisa para representar un evento que no conoció porque tenía solamente seis años y nunca lo había presenciado. Pero su imaginación le hizo pintar el mar infinito donde se aprecia el peligro y drama.

El siguiente cuadro “La fuente del Loue” obra de Gustave Courbet (1819-1877), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1863.

Courbet pinto en algunas ocasiones la fuente del nacimiento del río Loue, estaba situada en su pueblo natal Ornans, se halla en la región de Franche-Comté, en el este de Francia. De este paisaje el pintor realizo cuatro cuadros similares.

Del mismo autor “ La Trucha ” obra de Gustave Courbet (1819-1877), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1872.

Gustave Courbet fue un pintor francés que se metió en política, pidiendo la eliminación de la columna Vendôme, símbolo del primer y segundo imperio de Napoleón, fue dañada y se responsabilizó de sus actos de vandalismo, tuvo que exiliarse a Suiza donde pinto este tipo de cuadros intrascendentes.

Más adelante “Rosas” Henri Fantin-Letour (1836-1904), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1883.

Henri Fantin-Letour aunque trabaja en el taller de Coubert y Manet se mantuvo al margen del arte impresionista siguiendo una concepción de la pintura basada en un realismo lírico. Hizo muchos retratos femeninos, de algunos colectivos pero lo que más le gustaba eran los bodegones de flores.

El siguiente cuadro “Pan y cordero”, obra de Paul Cézanne (1839-1906), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1865; tiene unas medidas de 27x35,5 cm.

El pintor esta experimentando con bodegones, variando algunos aspectos de las líneas de diseño y por las masas, para buscar la belleza plástica, pero sin perder la verdadera razón de este patrón inicial que son las capturas desnudas en sus bocetos y acuarelas, donde indicaba que lo primero era su ojo.

Algunos historiadores han descrito qué Paul Cézanne se inspiro en el cuadro “Flayed Buey ” de Rembrandt que fue adquirido por el Louvre en 1857 y Cézanne pudo haberla visto en sus visitas al museo.

Más adelante podemos ver el cuadro “Trabajos en el campo”, obra de Vicent van Gogh (1853-1890), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado 1885.

Vicent van Gogh tenia mucho contacto con el mundo rural, hizo varios lienzos similares donde estudia los trabajos en el campo; en este caso nos muestra la recolección de la patata que realizó el pintor durante su estancia en Nuemen (Holanda).

El siguiente cuadro “Entrada de los cruzados en Constantinopla”, obra de Edger Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1860; tiene unas medidas de 38 x 35 cm .

Degas era un gran admirador del pintor Delacroix, a su llegada a París se puso a copiar cuadros Delacroix en uno de ellos aparece el Conde de Flandes entrando al frente de sus cruzados en la ciudad de Constantinopla.

El cuadro nos muestra como a los pies del caballo del triunfador se agolpan mujeres, niños y ancianos suplicantes, intentando evitar el consabido saqueo y la destrucción que acompañaba a la toma de una ciudad.

Del mismo autor “La enfermera”, obra de Edger Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre tabla, esta datado entre 1872 y 1873; tiene unas medidas de 90 x 71 cm .

Se cree que el cuadro fue pintado durante la visita a la ciudad de Orleans (EE.UU) realizada en 1872 para conocer a su familia americana.

La llegada coincide con el momento decisivo en la reconstrucción de Nueva Orleans, como la ciudad, bajo control federal y siempre bajo la amenaza constante de la ocupación militar, para tratar de recuperarse de los estragos de la Guerra Civil.

El siguiente cuadro “El herrador”, obra de Theodore Gericault (1791-1824), realizado en óleo sobre tabla, esta datado entre 1813-1814; tiene unas medidas de 122x102 cm.

Theodore Gericault fue un pintor romántico pero en esta ocasión pinta a un herrero en el exterior de su establecimiento con un caballo, combina la pasión barroca con el sufrimiento revolucionario de las mejores obras de Géricault para crear una de las primeras representaciones de un humilde artesano como individuo heroico.

Más adelante el cuadro “Campiña romana”, obra de Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1827.

Camille Corot es uno de los grandes paisajistas franceses que tuvo una notable influencia en el impresionismo

Viaja a Italia entre 1822 y 1825, descubre fascinado los efectos de la rotunda luz meridional en Roma y su campiña. Los temas pintados en Italia son, con frecuencia los restos de monumentos de la Antigüedad romana tantas veces pintados por artistas de toda Europa que acudían a Roma a completar su formación.

El siguiente cuadro “Milton dicta a sus hijas el poema “El paraíso perdido”, obra de Eugène Delacroix (1798-1863), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1827 y 1828; tiene unas medidas de 79x63 cm.

El cuadro representa al poeta inglés John Milton dictando a sus hijas los poemas del libro: El Paraíso Perdido”. El libro es el poema de una epopeya acerca del tema bíblico de la caída de Adán y Eva. El poema trata, fundamentalmente, sobre problema del mal y el sufrimiento en el sentido de responder a la pregunta de por qué un Dios bueno y todopoderoso decide permitirlos cuando le sería fácil evitarlos.

Más adelante “Un camino en un paisaje boscoso”, obra de Wilhelm Trubner (1851-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1909; tiene unas medidas de 75,5 x 61,5 cm .

Wilhelm Trubner es un pintor alemán de estilo realista, su pintura no era nada academicista porque utilizaba la técnica alla prima –a la primera, es una técnica de pintura directa consistente en modelar las formas y figuras mediante pinceladas de color aplicadas directamente sobre el lienzo, sin un boceto inicial o dibujo previo detallado– su obra la dedico principalmente a los paisajes y retratos.

El siguiente cuadro “Noche en el bosque”, obra de Adolph von Menzel (1815-1905), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1851.

Adolph von Menzel fue un pintor alemán de una corriente pictórica realista dedicado principalmente a pintar hechos históricos, algunos de ellos llenos de propaganda política.

Más adelante podemos ver el cuadro “Brutus encuentra los nombres de sus hijos en la lista de conspiradores y los condena a muerte”, obra Johann Heinrich Wilhelm Tischbein (1751-1829), esta datado en 1785.

Johann Heinrich Wilhelm Tischbein fue un pintor y maestro grabador alemán trabajo una temporada en Berlín como retratista, marchó a Roma donde cambio su estilo del rococó al neoclasicismo. Pintó paisajes, escenas históricas y bodegones.

El siguiente cuadro con temas clásicos “Cupido y Psique”, obra de Angelika Kaouffmann (1741-1807), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1792.

Más adelante “Autorretrato”, obra de Anselm Feuerbach (1829-1880), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1878; tiene unas medidas de 83x67cm.

El siguiente “Tocando el Laúd”, obra de Hans Thoma (1839-1924), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1895.

Más adelante podemos ver el cuadro “Baño de muchachos”, obra de Ludwing von Hofmann (1861-1945), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1908.

Ludwing von Hofmann es un pintor alemán próximo al movimiento uranista –es un término del siglo XIX que se atribuyó a las personas del Tercer sexo, originalmente, alguien “con una psique femenina en un cuerpo de varón”–. Su obra pictórica es todavía un referente dentro del arte homoerótico, aunque se desconoce si esta fue realmente su intención. El desnudo masculino aparece en gran parte de su obra, generalmente jóvenes imberbes.

En 1933, el Partido Nacional Socialista de Adolf Hitler llegó al poder. Al igual que otros artistas alemanes de la época, sus pinturas y grabados originales fueron censurados y no recibieron la aprobación para su exposición en público. Se les puso la etiqueta de “arte degenerado” y la obligación de su destrucción.

El siguiente cuadro “Naturaleza Muerta”, obra de James Ensor (1860-1949), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1906.

James Ensor fue un pintor belga que participó en los movimientos de vanguardia de comienzos del siglo XX y que influyó en el expresionismo y en el surrealismo.

Del mismo autor el cuadro “Playa de Ostende”, obra de James Ensor (1860-1949), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1915.

Preciosa degradación de colores para crear los efectos de la playa de Ostende, el cielo en blanco permite distinguir algunas embarcaciones a vela. Ostende es una de las ciudades situadas en la costa belga.

En na de las salas redondas del museo es el lugar donde se muestra la obra de unos de los artistas suizos por excelencia Albert Welti.

El siguiente cuadro “Noche de Walpurgis”, obra de Albert Welti (1862-1912), realizado en tempera, esta datado entre 1896 y 1897; tiene unas medidas de 93x69 cm.

Albert Welti fue un pintor y grabador de origen suizo, marchó a estudiar a la Academia de Bellas Artes de Munich. Su pintura es un tanto interiorista donde nos muestra escenas de sueños y pesadillas.

Del mismo autor “La avaricia”, obra de Albert Welti (1862-1912), esta datado entre 1900 y 1902.

Del mismo autor “Retrato de los padres de Welti”, obra de Albert Welti (1862-1912), esta datado en 1899.

Del mismo autor “Salida de los penates”, obra de Albert Welti (1862-1912), esta datado en 1905.

Del mismo autor “Paisaje de montaña con ángeles de la muerte, ermitaños y diablos” obra de Albert Welti (1862-1912), esta datado en 1908.

Albert Welti odiaba a los impresionistas en todas sus formas. De hecho, no le gustaba exponer sus obras en colores pastel por temor a ser considerado un impresionista y la mayoría de ellas se mantuvieron escondidas en su estudio durante toda su vida. Ni siquiera enseñó estos trabajos a sus amigos más cercanos al considerarlos “bocetos de colores pastel de la naturaleza”.

Del mismo autor “Las hijas reales” obra de Albert Welti (1862-1912), esta datado en 1900.

Del mismo autor “ La Virgen ” obra de Albert Welti (1862-1912), esta datado en 1890.

Anteriormente, sobre el vestíbulo de la última planta pudimos ver algunas de las obras monumentales del pintor suizo Ferndinand Hodler, ahora en esta planta podemos ver otra de las salas dedicadas a la obra de este pintor suizo.

El primero de los cuadros que vemos se titula “Glaciar Grindelwald”, obra de Ferndinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1914; tiene unas dimensiones de 94 x 81 cm .

El cuadro nos muestra el paisaje sobre el glacial Grindelwald, se encuentra en el corazón de los Alpes suizos de Interlaken. Describe su la lengua de hielo desde la parte más alta donde nace el glacial, este agua alimenta el torrente Schwarze Lütschine, el pintor con detalle nos muestra las acumulaciones rocosas forman las morrenas del glacial

Del mismo autor el cuadro “El día”, obra de Ferndinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1900, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones de 163x358 cm.

Con este cuadro Ferndinand Hodler se presenta en la Exposición Universal de París de 1900, Hodler recibido la medalla de oro por tres de sus obras expuestas. Se convierte en un pintor famoso y concierta más de 200 exposiciones.

Del mismo autor “Autorretrato”, obra de Ferndinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1916, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones 40,5 x 31,5 cm .

Este autorretrato fue realizado dos años antes de morir y se presenta a si mismo como una persona más mayor de lo que debería de ser, se expresa con trazos firmes donde trata de simbolizar su propia realidad.

Del mismo autor “Arroyo del bosque en Leissigen”, obra de Ferndinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1904, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones 488,5x101,5 cm.

El paisaje nos muestra un arroyo en el interior del bosque en Leissigen, es un paisaje sencillo situado en la zona de Interlaken, es una zona rocosa con escasa vegetación.

Del mismo autor “Paisaje en Caux con nubes ascendentes”, obra de Ferndinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1917, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones 88,5x101,5 cm.

El paisaje esta realizado sobre el lago de Ginebra es muy indiferenciado porque está plagado de pequeñas formaciones de nubes vistas desde la imagen flotante de un ojo a través del espacio.

Del mismo autor “Noche en el lago de Ginebra”, obra de Ferndinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1895, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones 100 x130 cm.

Del mismo autor “Joven admirado por mujeres”, obra de Ferndinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1903, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones 206x244 cm.

El cuadro esta lleno de simbolismos, tres mujeres vuelven la cabeza para mirar el cuerpo desnudo de un hombre joven, es una obra representativa del art Nouveau.

Del mismo autor otra de las versiones “Por la noche en el lago de Ginebra”, obra de Ferndinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1895, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones 100 x130 cm.

Del mismo autor “Retrato de Louise-Delphine Duchosal”, obra de Ferndinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1885, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas dimensiones 55x46 cm.

El retrato pertenece a los comienzos de Hodler en la pintura todo transmite el enorme realismo de una mujer. La relación con el poeta Duchosal le llevará a introducir en su obra sugerencias literarias, conduciéndole a una pintura colorista, definida por ritmos simétricos

Del mismo autor “Retrato de Helena Weigie”, obra de Ferdinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1889, realizado en óleo sobre lienzo.

Obra de enorme realismo gracias a las influencias que tuvo desde 1878 cuando realizó un viaje a Madrid, donde estudió a los grandes maestros del Museo del Prado.

A su regreso a Suiza, entró en contacto con los simbolistas franceses, siendo fuertemente influido por estos, a partir de entonces su pintura se centró en la representación de estados mentales y las más frecuentes preocupaciones filosóficas del ser humano.

Del mismo autor “Mujer y niño”, obra de Ferdinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1888, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 45x55,5 cm.

Del mismo autor “Autorretrato”, obra de Ferdinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1892, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 45x55,5 cm.

Obra realista donde se muestra tal como era con 39 años, joven, fuerte con la barba bien cuidada.

Del mismo autor los dos siguientes cuadros “Retrato Mile Lechaud” y “Autorretrato de estudiante”, obra de Ferdinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1874, realizados en óleo sobre lienzo; tienen unas medidas de 113x73 cm.

Las dos obras están realizadas en el mismo año y aunque los personajes son diferentes pero la luz es calcada, ofrece la visión de los comienzos de su pintura donde nos ofrece un extraordinario realismo.

Del mismo autor “Mujer en el arroyo”, obra de Ferdinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1903, realizado en óleo sobre tabla; tiene unas medidas de 129x118 cm.

El pintor nos muestra un pequeño arroyo con la imagen desnuda de una mujer que dirige su atención hacia el ruido de un arroyo, en realidad es su esposa Hodler Berthe.

Del mismo autor “La verdad I”, obra de Ferdinand Hodler (1853-1918), esta datado en 1902, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 196x273 cm.

El cuadro esta lleno de simbolismos donde nos presenta a una mujer desnuda rodeada de extraños personajes, son misteriosos “hombres oscuros”, están dispuestos simétricamente y lejos de la mujer, alguno de ellos deja ver alguna parte de su cuerpo.

Los siguiente cuadros son del mismo autor “Triste mensaje”, obra de Albert von Keller (1844-1920), realizada en óleo sobre lienzo, esta datado en 1871; tiene unas medidas de 62,5 x 53,5 cm .

El pintor nos muestra una mujer burguesa dentro de uno de sus amplios salones, parece desvanecerse de un suspiro en el lecho de un sofá es una de las escenas retratadas en los finales del siglo XIX.

Del mismo autor “Comedor”, obra de Albert von Keller (1844-1920), realizada en óleo sobre tabla, esta datado en 1891; tiene unas medidas de 42,5x82 cm

Keller pintó interiores y la vida de la sociedad del momento, obras con retratos y desnudos, pinturas grandiosas donde se muestra la realidad del momento. Su tema preferido era el reino de lo femenino, en una época en la que las actrices, bailarines y medios estaban liberando a sí mismos de las limitaciones sociales.

Del mismo autor “La resurrección de la hija de Jairo”, obra de Albert von Keller (1844-1920), realizada en óleo sobre lienzo, esta datado en 1885; tiene unas medidas de 213 x 353,5 cm

El cuadro se reproduce el episodio de la sanación de la hija de Jairo, oficial de la sinagoga, que es narrado detalladamente en el Evangelio de San Marcos.

Pero Jesús dijo a Jairo: “No tengas miedo, solamente ten fe”. Dicho lo cual, se dirigió a la casa del oficial, acompañando, tan sólo, de Pedro, Juan y Santiago. Al llegar, oyó los gritos y lamentos por la muerte de la niña, e increpó a los presentes para que cesaran en sus manifestaciones de dolor, afirmando que la niña no estaba muerta, sino dormida, ante lo cual se burlaron de él.

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato del escritor Gottfried Keller”, obra de Karl Stauffer (1857-1891), esta datado en 1886.

Karl Stauffer-Bern es el nombre de un conocido pintor, nació en Alemania y estudio en la Academia de Bellas Artes de Munich, alcanzó fama como un gran retratista. En este caso nos presenta el retrato del poeta suizo Gottfried Keller representado cuatro años antes de su muerte

El siguiente cuadro “El beso” obra de Frank Buchser (1828-1890), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1878.

Frank Buchser es un pintor suizo de ascendencia campesina y en sus obras representa escenas que había vivido en su juventud. Se alisto a la guardia suiza del papa lo que le permitió estudiar pintura en Roma. Es un artista que pinto muchos cuadros en los que destacan la luz y el color.

Más adelante podemos ver el cuadro “Diligencia en el paso de San Gotardo”, obra de Rudolf Koller (1828-1905), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1874.

Estamos ante una gran obra del artista Rudolf Koller que muestra el dramatismo de una diligencia de caballos ante el choque con una vaca, este pintor suizo se especializa en la pintura de animales pero más en concreto pinta caballos.

Del mismo autor “La vaca en el jardín de la hierbas”, obra de Rudolf Koller (1828-1905), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1857 y 1858.

Rudolf Koller en 1862 compro una casa de Kollera Horna cerca de la ciudad de Zurich y tenia una hermosa vistas sobre el lago de Zurich. Allí vivió hasta su muerte, trabajó y llevó a cabo un estudio de una gran variedad de animales con el fin de pintarlos con la mayor precisión posible.

El siguiente cuadro “La sopa Kappler”, obra de Albert Ankar (1831-1910), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1869.

Albert Ankar es un pintor suizo especializado en pintura de niños. En esta ocasión nos cuenta un hecho histórico de Suiza como fue en 1529 la guerra entre católicos y protestantes. En este momento los dos frentes en lugar de luchar lo celebran con una sopa de leche.

Del mismo autor “El matrimonio civil” obra de Albert Ankar (1831-1910), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1887.

Albert Ankar es un pintor costumbrista y nos cuenta algunas de las historias relacionadas con la vida en Suiza. En este caso es la firma en un enorme libro sobre una boda civil donde participa el matrimonio y los testigos.

Del mismo autor “Chicas durmiendo en un banco frente al horno”, obra de Albert Ankar (1831-1910), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1895.

Albert Ankar nos muestra con pleno detalle y realismo una escena cotidiana familiar como es el sueño de unas chicas ante el calor de un horno. Podemos ver el realismo del cabello, los vestidos y los ornamentos.

El siguiente cuadro “Bosque de robles”, obra de Robert Zünd (1827-1905), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1882.

Robert Zünd es un pintor suizo que para estudiar la pintura holandesa del Siglo de Oro se traslada a París donde en el Louvre puede verla con detenimiento y llamo su admiración por pintores como Claude Lorrain y Ruisdael.

Más adelante “Glaciar del Rodano”, obra de Johann Henrich Wüest (1741-1821), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1775.

Henrich Wüest es un pintor suizo pre-romántico que le gustaba pintar paisajes. En este caso nos muestra con toda la intensidad el valle del Glacial donde nace el río Rodano, tiene unos ocho kilómetros de largo por dos kilómetros de ancho, en esa época el glacial era un gran atractivo turístico.

El museo tiene una colección de gran valor de uno de los pintores suizos más importante Johann Heinrich Füssli.

El siguiente cuadro “Bodmer y Füssli ante el busto de Homero”, Obra de Johann Heinrich Füssli, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1778 y 1780; tiene unas medidas de 163 x 150 cm .

Johann Heinrich Füssli es un pintor suizo de difícil clasificación porque realizó cuadros neoclásicos, neomanieristas y prerrománticos. Entre 1770 y 1778 se traslada a Roma, donde se concentró más que nunca en el arte, ya que en esas fechas decidió definitivamente dedicarse a la pintura de forma profesional. En Italia alcanzó su estilo definitivo, basado en el manierismo y abandonando totalmente el realismo, con un estilo más abstracto, imaginativo, monumental, severo y esquemático, con predilección como hasta entonces por escenas dramáticas y violentas, e inspirándose, como había hecho hasta entonces, en temas literarios.

Del mismo autor “Las sirenas de Danubio ante Hagen”, obra de Johann Heinrich Füssli, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1800 y 1815; tiene unas medidas de 181 x 142 cm .

La obra muestra una escena del Cantar de los Nibelungos donde aparece el personaje de Hagen –un personaje especialmente severo, implacable, violento y, en dos de las susodichas narraciones germanas, tuerto– no era completamente humano, habiendo sido concebido por un duende que dejó en cinta a la esposa del rey.

El siguiente cuadro es uno de los iconos del museo “Tatania se despierta con las hadas y acaricia a Bottom con la cabeza de burro”, obra de Johann Heinrich Füssli (1741-1825), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1793 y 1794; tiene unas medidas de 169 x 135 cm .

Johann Heinrich Füssli durante su juventud estudio teología bajo la tutela de Johann Jacob Bodmer, se familiariza no sólo con la idea romántica del genio con su elevación de lo fantástico y lo sublime a una nueva forma estética.

Titania, la reina de las hadas, se despierta y le dice a Oberon de su sueño en el que ella estaba enamorada. Oberon explica que ella la han encantado. Un grupo de hadas buenas aparece a la izquierda. Esta fue la primera pintura que ilustra El sueño de Shakespeare una noche de verano (1595-1596) encargado por John Boydell al pintor Füssli.

Del mismo autor “Cupido y Psyque”, obra de Johann Heinrich Füssli (1741-1825), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1810; tiene unas medidas de 125 x 100 cm .

El cuadro representa la sutileza de la historia de Psique y Cupido, esta era la menor y más hermosa de sus tres hermanas, hijas de un rey de Anatolia. Afrodita, celosa de su belleza, envió a su hijo Eros (Cupido) para que le lanzara una flecha que la haría enamorarse del hombre más horrible y ruin que encontrase.

Del mismo autor “Las damas de Hastings”, obra de Johann Heinrich Füssli (1741-1825), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1798 y 1800; tiene unas medidas de 111 x 86 cm .

Cuadro sorprendente que nos muestra el despertar de un hombre, su mirada se dirige a unas mujeres que representan el despertar de la naturaleza con unos vestidos azotados por el viento.

Del mismo autor “Oberon echa pétalos de flores en los ojos de Tatania para dormir”, obra de Johann Heinrich Füssli (1741-1825), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1793 y 1794; tiene unas medidas de 111 x 86 cm .

La imagen corresponde a la obra El sueño de una noche de verano Titania y Oberon interpretado como Füssli imaginó la obra de Shakespeare. El pintor concibe la escena para recrear un espectáculo operístico describiendo unas formas sobrenaturales poblado con fantásticas elfos, hadas, y duendes.

El siguiente cuadro “Ninfa”, obra de Arnold Böcklin (1827-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1866.

Arnold Böcklin es un pintor suizo del siglo XX que se caracteriza por una tendencia al simbolismo aunque luego su obra se dirigió hacia el surrealismo. Comenzó su carrera pintando paisajes, viajó por toda Italia, Alemania y Bélgica donde se vio influenciado para pintar figuras mitológicas tema que demandaba la burguesía del momento.

El recorrido por su obra se centra en escenas con figuras fantásticas, mitológicas, bajo construcciones provenientes de la arquitectura clásica (que revelan a menudo una obsesión con la muerte), creando un mundo extraño de fantasía.

Del mismo autor el siguiente cuadro “La guerra”, obra de obra de Arnold Böcklin (1827-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1896; tiene unas medidas de 222x170 cm.

Los cuadros de Böcklin vivieron en la época del realismo y en consecuencia su obra también representa una realidad tridimensional, aunque no ofrece un retrato del mundo visible es más bien se expresa como un romántico, se esfuerza para evocar realidades internas. Los temores y los sueños en los paisajes evocadores y fantásticas formas míticas.

Del mismo autor el siguiente cuadro “Niña y niño recogiendo flores”, obra de Arnold Böcklin (1827-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1866; tiene unas medidas de 62x50 cm.

Böcklin es un pintor tradicional por su devoción por los paisajes, la naturaleza y su sentido expresivo. En su obra transmite una sensibilidad especial dentro de un espíritu moderno. Aunque sitúa su obra dentro de un contexto personal en el que las criaturas mitológicas se encuentran dentro del folclore tradicional alemán.

Del mismo autor el siguiente cuadro “Centauro en el agua, el juego de los peces”, obra de Arnold Böcklin (1827-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1878; tiene unas medidas de 43 x 70 cm .

Böcklin en sus obras consigue una unión extraordinaria entre el naturalismo y el expresionismo, dos tendencias que algunas veces se convierten en opuestas. Es muy colorista y termina siendo un pintor destacado del movimiento simbolista.

Del mismo autor el siguiente cuadro “Retrato de Gottfried Keller”, obra de Arnold Böcklin (1827-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1889; tiene unas medidas de 81,5 x 55,5 cm .

Un ejemplo del simbolismo de Böcklin es este retrato, movimiento paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el impresionismo. Tanto el impresionismo, como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales.

Del mismo autor el siguiente cuadro “Pensamiento de otoño”, obra de Arnold Böcklin (1827-1901), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1886; tiene unas medidas de 64 x 80 cm .

En este cuadro Böcklin recrea un sentimiento intimista dentro de uno de sus paisajes dotando de un color especial en un día oscuro de otoño como un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma.

Del mismo autor el siguiente cuadro “Despierta la primavera”, obra de Arnold Böcklin (1827-1901), realizado en óleo sobre lienzo montado en tabla, esta datado en 1880; tiene unas medidas de 130 x 66 cm .

El cuadro muestra una reinterpretación simbolista de la famosa Primavera de Botticell. En este caso el dominio del color queda patente. Sus obras se convirtieron en objetos de un electrizante esplendor, la sociedad burguesa del momento demandaba este tipo de pinturas que convertían al pintor en uno de más coloristas y poéticos del siglo.

El cuadro nos muestra en el centro la diosa de Venus genitrix, ensalzada como una virgen que esta tocando un triángulo musical, lleva un vestido azul que la hace parecerse a la Virgen María , con un pecho descubierto que la hace identificarse con la diosa Venus. En ambos lados escenas familiares que entremezclan la religión y la mitología.

Del mismo autor el siguiente cuadro “En la casa de verano”, obra de Arnold Böcklin (1827-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1891; tiene unas medidas de 99 x 75 cm .

Durante su traslado a Florencia por motivos personales Böcklin aplica a sus pinturas ligeros matices religiosos mezclados con su simbolismo místico, mientras que su estancia en Italia mejora su apariencia física y se siente más fuerte para seguir con la pintura.

Del mismo autor el siguiente cuadro “San Antonio predicando a los peces”, obra de Arnold Böcklin (1827-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1892.

Dentro del mismo periodo es este San Antonio predicó a los peces, y por este milagro convirtió a los herejes “Peces hermanos míos: estáis muy obligados a dar gracias, según vuestra posibilidad, a vuestro Creador, que os ha dado tan noble elemento para vuestra habitación” eran las palabras del propio santo y que el pintor plasmo en el lienzo.

En el centro de la sala dedicada al pintor suizo Arnold Böcklin y que corresponde con el mismo periodo artístico, se encuentra decorada con una escultura “Venus” obra de Carl Burckhardt, realizada en mármol de colores; tiene unas medidas de 192 cm .

El siguiente cuadro “Interior de la iglesia de San Pedro en Roma”, obra de Giovanni Paolo Panini (1691-1765), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1734.

Giovanni Paolo Panini fue un pintor italiano y además arquitecto, en su obra plasma los paisajes urbanos donde la arquitectura tiene un importante papel, dedicando una parte de sus lienzos a plasmar los restos de la antigüedad.

Más adelante podemos ver “El triunfo de Baco niño”, obra de Anthonis van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1626.

Anthonis van Dyck es uno de los principales pintores flamencos de la Edad de Oro, se centro principalmente el pintar retratos, marcho a Italia para conocer a los pintores clásicos y sobre todo la obra de Tiziano y luego a Inglaterra convertirse en el pintor de la corte inglesa. Murió muy joven a los 41 años por lo que su obra se considera inacabada.

El siguiente cuadro “Despedida de Rinaldo a Armida”, obra de Giovanni Lanfranco (1582-1647), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1614; tiene unas medidas de 43 x70 cm.

Perteneció a la colección del cardenal Giacomo Sannesi, representa a Rinaldo a bordo de una barcaza antes de abandonar a Armida en una playa, esta imagen perdurará durante toda su vida en su memoria, la abandona para seguir su principal deber que era servir al ejército.

Más adelante podemos ver dos cuadros de la misma familia “Retrato de Balthasar Keller y Susanne de Bourbers de Bernätre”, obra de Hyacinthe Rigaud (1659-1743), realizados en óleo sobre lienzos, están datados en 1685.

Hyacinthe Rigaud fue un pintor hispano-francés especializado en retratos, fue retratista de la corte de Luis XIV donde conoce a los dos personajes de los cuadros Balthasar Keller y su esposa, era un escultor y fundidor que trabajo para la decoración del Palacio de Versalles.

El siguiente cuadro “Recepción del embajador ante el palacio Ducal”, obra de Giovanni Antonio Canaletto (1697-1768), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1730; tiene unas medidas de 152 x 222 cm .

Canaletto nos muestra una de sus mejores obras de arte, es un paisaje urbano de Venecia, es una perspectiva lineal de carácter casi fotográfico. El pintor trata de unir la arquitectura y la pintura, aunque lo hace dentro de una imagen ficticia pero logra capturar el mundo representado en tres dimensiones, dando una imagen de paz y de libertad, influenciado por la cultura y el carnaval muy de moda en el siglo XVIII.

Uno de los cuadros más importantes del museo “La sagrada familia”, obra de Peter Paul Rubens (1577-1640), esta datado en 1630.

Dicen que Rubens era un genio y además y probablemente era el hombre más culto de la época, hablaba varios idiomas como el griego y el latín, inglés, francés, italiano y español, y por supuesto, holandés y alemán.

Para entender la obra de Rubens hay que conocer los acontecimientos políticos y históricos que le toco vivir, llegó al mundo en una época del conflicto entre el catolicismo y el protestantismo.

Los siguientes dos cuadros pertenecen a la misma familia “Gracia, condesa de Clanbrassill y James Hamilton, segundo conde de Clanbrassill”, obra de Jean-Etienne Liotard (1702-1789), están datados en 1774; tiene unas medidas de 63 x 48,5 cm .

Los condes de Clanbrassil eran un titulo nobiliario creado en Irlanda, fue miembro de la cámara de los comunes irlandesa, era un titulo creado por los ingleses para premiar a los nobles irlandeses.

El siguiente cuadro “Naturaleza muerta con flores y frutas”, obra de Simon Pietersz Verelst (1644-1721), realizada en óleo sobre lienzo.

En el siglo XVII los bodegones con flores son muy comunes y se muestran de diferentes maneras, era una forma de acercar la vida rural a la ciudad para disfrute de las familias burguesas.

Siguiendo con la misma temática “Naturaleza muerta con flores, frutas y un pequeño mono”, obra David de Coninck (1644-1700), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1685; tiene una medidas de 131,5 x 97,5 cm .

Los bodegones de la pintura del barroco destacan por: naturaleza muerta con flores, frutas y monos.

Las frutas significan fertilidad, la abundancia y la riqueza. La variedad de las frutas explica la abundancia, colgar una naturaleza muerta no solo es una forma de expresar en el estilo de vida, sino también en las representaciones artísticas del mundo antiguo, un sinónimo de abundancia.

El siguiente cuadro “Vista desde la Piazzetta a Santa María de la Salud ”, obra de Bernardo Bellotto (1721-1790), esta datado entre 1740 y 1742.

Bernardo Bellotto conocido como Canaletto era un pintor veneciano, era un paisajista que viajó por toda Europa pintando su arquitectura, marchó a Dresde para pintar sus calles y en Varsovia retrato sus edificios que sirvieron de ayuda para la reconstrucción de la ciudad destruida después de la Segunda Guerra Mundial.

Del mismo autor es el cuadro “Ruinas de la iglesia de la Cruz en Dresde”, obra de Bernardo Bellotto (1721-1790) es conocido como Canaletto, esta datado entre 1765; tiene unas medidas de 84,5 x 107 cm .

Canaletto marcha a la ciudad alemana de Dresde para servir como pintor de la corte, se ganó el favor de Augusto III que tenía una inclinación por la pintura veneciana. Hasta 1754 hizo un importante numero de obras en la ciudad, en total fueron 14 pinturas que marcan la arquitectura de Dresde.

Del mismo autor es el cuadro “El pueblo Gazzada”, obra de Bernardo Bellotto (1721-1790) es conocido como Canaletto, esta datado entre 1744.

En su viaje por Italia Belloto parte de Vaprio y se traslada al pueblo de Gazzada, probablemente como invitado en la casa de José y Gabrio Perabo, dos nobles de Varese que estaban en estrecho contacto con el cardenal Pozzobonelli, del que había llegado a Bellotto el encargo en Milán para realizar una serie de pinturas para las iglesias de Sant Eufemia y San Paolo Converso.

Más adelante podemos ver el cuadro “Cristo y María Magdalena”, obra de Sebastiano Ricci (1659-1734), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1715.

Sebastiano Ricci pintor italiano, fue discípulo en Venecia de Mazonni, comienza a trabajar en el taller del Rialto, deja embarazada a una chica, no quería casarse e intenta envenenarla, es encarcelado y sacado de la cárcel gracias a un mecenas de Bolonia.

El siguiente cuadro veneciano “Vista desde la Laguna el fuerte San Nicolás”, obra de Francesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1765 y 1770.

El pintor en su madurez, y probablemente tras la muerte de su hermano mayor, es cuando Guardi comenzó a pintar vedute de la ciudad de Venecia. El estilo de estas vistas es el de su predecesor, Canaletto, cuya producción estudió con detenimiento y fue fuente de su inspiración.

Del mismo autor cuadro veneciano “Capriccio, vieja casa en la Laguna ”, obra de Francesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1781.

Entre las obras más famosas posteriores de Guardi son sus evocaciones, tenian una forma muy personal de interpretar el paisaje y la atmósfera de su Venecia natal y sus alrededores.

El siguiente cuadro “Cristo y la Adúltera ”, obra de Domenico Tiepolo (1727-1804), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1759.

El cuadro representa el episodio bíblico de Cristo y la adúltera es el momento que aparece en el Evangelio de Juan, capítulo 7:53 a cap. 8:11, en el que Jesucristo se encuentra con una adúltera a la que llevan ante los fariseos y escribas. Semejante crimen se castigaba en aquella época con la lapidación Jesús, se detiene para escribir la famosa frase “aquel que esté libre de pecado entre vosotros, que tire la primera piedra” lo escribe en el suelo ante los pies de ella.

El siguiente cuadro veneciano “El Gran Canal entre el Palacio Grimani y el puente Rialto”, obra de Francesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1755 y 1760.

Otro de los buenos ejemplos de los cuadros que seguían la corriente de Vedutismo, movimiento desarrollado principalmente en la ciudad de Venecia. Enmarcadas dentro del paisajismo, las vedute son vistas generalmente urbanas, en perspectiva, llegando a veces a un estilo cartográfico, donde se reproducen imágenes panorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales, monumentos y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana, generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Fueron concebidas como recuerdos –casi como postales– destinadas a los viajeros extranjeros, las vedute tuvieron mucho éxito, llegando su influencia a casi todos los rincones de Europa.

Más adelante el cuadro “Capricho con ruinas romanas”, obra de Marco Ricci (1676-1730), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1720.

El poder de la imaginación humana depende de la época de la historia humana, como se define el concepto de la belleza de la poesía en el siglo XVIII. Marco Ricci impone una estética en sus cuadros basados en una arquitectura y en unos paisajes marcados por las ruinas clásicas: El Capricho es una pieza utilizando pintura visualizada sacada de la poesía. El telón de fondo son escenarios ilustrativos con monumentos antiguos que recuerdan a escenografías y tienen una experiencia temprana de Ricci como artista de la ópera y el teatro.

El siguiente cuadro “San Máximo y San Oswaldo”, obra de Giovanni Battosta Tiepolo (1696-1770), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1742.

El cuadro nos muestra de pie, situado a la izquierda, a San Máximo Vitalianus, segundo obispo de Padua. Sentado a la derecha, probablemente San Oswaldo, el rey de Northumbria, (alrededor de 605 a 642), que participan en la evangelización de los reinos del norte de Inglaterra. El culto a San Oswald tenía una larga tradición en Venecia; declarándose el santo protector que fue invocado contra la peste.

Una de las obras más importantes del museo “Orfeo y Eurídice ante Plutón y Proserpina” obra de Peter Paul Rubens (1573-16401), esta datado en 1636.

Orfeo y Eurídice se casaron pero su matrimonio no duro mucho porque una serpiente mordió a la bella muchacha provocándole la muerte. Orfeo no lo dudó y bajó a los dioses del inframundo para recuperar a su esposa, encantando con su música a Plutón y Proserpina. Los dioses de los Infiernos le devolvieron a su esposa, imponiéndoles una condición: no mirar hacia atrás antes de llegar al mundo de los vivos. Sin embargo, Orfeo dirigió su mirada hacia atrás cuando Eurídice todavía no había salido de la caverna que conducía a los infiernos, por lo que la bella esposa volvió de nuevo al mundo de los muertos.

El siguiente cuadro “Venus bajo el signo de los gemelos”, obra de Filippo Lauri (1623-1694), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1675.

Filippo Lauri es un pintor italiano de estilo barroco que trabajo activamente en Roma, aprendió pintura de su padre que era un paisajista flamenco y de otros miembros de la familia que también estaban relacionados con este oficio.

Más adelante “La familia de Darío ante Alejandro", obra de Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1743.

El cuadro nos muestra una parte de la historia extraída de los clásicos, según el cual, tras la batalla de Issos, el joven Alejandro quiso visitar con su amigo Hefestio a la familia del derrotado Darío. Puesto que Hefestio era un hombre corpulento y de aspecto impresionante, la madre de Darío, confundiéndolo con el emperador, se arrodilló ante él para rendirle pleitesía. En un alarde de cortesía Alejandro la indicó que Hefestio era también emperador.

El siguiente cuadro “El nacimiento de Cristo”, obra de Giovanni Battista Pittoni (1687-1767), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1735.

Giovanni Battista Pittoni es un pintor italiano que comenzó pintando barroco y termino bajo el estilo rococó. Trabajo durante muchos como pintor para las cortes de Austria, Suecia y Alemania sin salir de Italia. La pintura destaca por temas religiosos, mitológicos e históricos.

Más adelante “Bodegón con caracolas de mar”, obra de Jacques Linard (1600-1645), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1638.

Jacques Linard pintor francés de estilo barroco, se especializó en naturalezas muertas caracterizadas por la precisión naturalista en las que introduce en ocasiones significados morales en la forma de vanitas –termino que designa un bodegón de altor valor simbólico– con un mensaje que pretende transmitir es la inutilidad de los placeres mundanos frente a la certeza de la muerte.

El siguiente cuadro pertenece a uno de los grandes pintores “Fiesta de boda en un establo de una granja”, obra de Jan Steen (1626-1679), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1665.

Jan Steen es un pintor perteneciente a la Edad de Oro de la pintura holandesa del siglo XVII, sus padres tenían una taberna en Leiden y las vivencias en dicho negocio quedaron reflejadas en la obra del pintor.

La vida cotidiana era uno de los temas principales de Jan Steen. Muchas de las escenas que pintó son animadas y bulliciosas hasta el punto de llegar a mostrar una diversión muchas veces caótica. Las sutiles indirectas que muestran en algunas de sus pinturas parecen sugerir al espectador que imite este comportamiento lúdico, aunque también se detectan mensajes moralizantes.

Más adelante el siguiente cuadro “Naturaleza muerta con caracoles de mar”, obra de Willem Kalf (1619-1693), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1678.

Willem Kalf es un pintor neerlandés del siglo XVII que se especializó en grandes bodegones. A lo largo de su vida como pintor sus bodegones pasan por distintas etapas hasta alcanzar la madurez, para ello emplea muy pocos objetos, pero selectos, destacan sobre fondos oscuros encima de una mesa. La iluminación produce sobre estas piezas, ordenadas de pie o de canto, un efecto misterioso, y los juegos lumínicos de reflexión y refracción que crean se estudian con gran cuidado, casi bajo el prisma de un científico.

El siguiente cuadro “Niños jugando a las cartas”, obra de Jan Miense Molenaer (1610-1658), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1635.

Jan Miense Molenaer pintor de la Edad de Oro holandesa, era un artista de genero y uno de los maestros de Jan Steen, su obra representa la vida en Holanda desde los interiores, pintando escenas de taberna, actividades de juegos de cartas o juegos tradicionales, también representa historias bíblicas adaptadas a su propio tiempo.

Más adelante otro bodegón “Naturaleza muerta con una jarra y una gran langosta”, obra de Abraham van Beyeren (1620-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1645 y 1650.

El cuadro representa un aspecto moralizante. La mesa esta preparada con platos de pompa, langosta y frutas caras que muestran el lujo de la cultura de la mesa. Pero este lujo es transitorio porque en cualquier momento puede llegar la muerte. Con esta escena van Beyeren quiere recordar que nuestra vida es limitada. ¡Así que mejor es vivirla!.

El siguiente cuadro “Bauernfest”, obra de Adriaen Brouwer (1605-1638), obra realizada en óleo sobre lienzo, esta datado en 1628.

La escena llamada Bauernfest es una fiesta que celebran los colonos alemanes que hacen todos los años a finales del mes de julio. La música procede del folclore con bandas tradicionales y corales, la bebida es la cerveza de barril y la comida es la típica de Alemania.

El siguiente bodegón “Naturaleza muerta con langosta”, obra de Cornelis de Heem (1632-1695), obra realizada en óleo sobre lienzo, esta datado 1655.

Cornelis de Heem es un pintor barroco holandés especializado en bodegones cuyos temas más numerosos y característicos en sus obras fueron obras con frutas, platos de metal, y copas de vino, composiciones de libros e instrumentos musicales, y ejemplos del tema popular "la vanidad de la vida", con artículos tales como cráneos simbólicos y relojes de arena.

El siguiente cuadro “Retrato familiar tocando música”, obra de Jan Verkolje (1650-1693), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1671.

Jan Verkolje es un pintor barroco holandés del siglo XVII especializado en retratos, cuadros mitológicos y moralizantes.

El cuadro esta pintado para retratar a una familia burguesa en el rellano de su palacio, por el amplio ventanal se imagina un paisaje nuboso, algunos los hijos ensayan una banda de música, mientras que los otros se dedican a sus actividades.

El siguiente cuadro “Vista del interior de una iglesia barroca”, obra de Emanuel de Witte (1617-1692), realizada en óleo sobre lienzo, esta datado en 1685.

Emanuel de Witte era un excelente pintor holandés especializado en la arquitectura que pintó sobre todo el interior de las iglesias reformadas y católicas de Holanda, vistas raras de calles y plazas. Sus cuadros parecen fotografías en cuyo principal atractivo radica en el efecto de una sutil iluminación.

Más adelante podemos ver el cuadro “Dos jaguares”, obra Jacob Gerritsz Cuyp, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1639; tiene unas medidas de 43,5x55 cm.

Jacob Gerritsz Cuyp es un pintor barroco holandés que se especializó en retratos y paisajes, además hizo algunos cuadros históricos y estudios sobre animales.

Destacó como un retratista, con gran veracidad psicológica. Su paleta se limitó bastante a negros, blancos y grises.

El siguiente cuadro “Naturaleza muerta con frutas, crustáceos e insectos”, obra de Baltasar van der Ast (1593-1657), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625.

Balthasar van der Ast se especializó su pintura sobre todo en cuadros de flores, fruta y caracolas, que habitualmente reproducía en cuadros de pequeño formato. Añade a sus composiciones insectos e incluso lagartos como en esta ocasión.

Los insectos, los escarabajos, las moscas y otros pequeños animales tienen en parte una función simbólica. Así indicaba una delicada mariposa el carácter efímero de las flores, mientras que otros insectos debían indicar la facilidad con la que la fruta se estropeaba.

El siguiente bodegón “La vida es verso y comida”, obra de Jan Davdsz de Heem (1606-1684), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado 1650; tiene unas medidas de 42,5 x 56,5 cm .

Esta pintura de Jan Davidsz de Heem puede conmemorar el invierno y la cuaresma. Una nota en la parte superior izquierda del cuadro, dice así: “Recordatorio: Esto es lo que nos permite el ayuno. Pero no es nada porque hay que abstenerse del pecado, el mal, su propio deseo”.

Así que el ayuno por sí solo no es suficiente, tiene un mensaje moral de advertencia. Sin embargo, Jan Davidsz de Heem establece los alimentos permitidos aunque tienen una imagen muy tentadora, tales como galletas, que se ven en el extremo derecho de la imagen, o las nueces, almendras y frutos secos, especialmente los higos. También se incluyen aquí los peces y mariscos. Izquierda sobre la mesa esta la rama de un árbol de cítricos. La yuxtaposición puede verse frutas y brotes maduros e inmaduros y flores.

El siguiente bodegón “Naturaleza muerta con taza, bandeja y reloj de bolsillo en oro”, Obra Piter Claesz (1597-1660), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1632.

Claesz es considerado uno de los máximos exponentes del género de las naturalezas muerta. Sus pinturas son tablas compuestas con mucho cuidado y exuberante cubiertos.

El cuadro más adelante “Paisaje con pastores y taberna”, obra de Jon Wijnants (1631-1684) y de Adrian van de Velde (1631-1684), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1660.

El paisaje esta realizado en el taller de Jon Wijnants, no se sabe si fue terminado por él o bien por van de Velde porque estudiaba pintura en el mismo taller. El cuadro representa a pastores y animales situados en paisajes montañosos, a menudo próximos a las ruinas clásicas, e iluminados por la clara luz mediterránea.

El siguiente cuadro “Dos soldados y una mujer sirviendo con un borracho”, obra de Piter Hooch (1629-1684), realizado en óleo sobre madera, esta datado entre 1650 y 1655; tiene unas medidas de 76x66 cm.

La guerra contra los Países Bajos por los españoles, numerosos soldados, muchos de ellos eran mercenarios, pasaron meses en las Provincias Unidas simplemente ocupando las zonas fronterizas y en espera de órdenes para venir desde La Haya. La interacción soldados con la población local fue de robo y extorsión.

El siguiente cuadro “Botes en el estuario de la Escalda ”, obra de Jan van Capelle (1626-1679), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1651.

Más adelante “Una pastora”, obra de Paulus Moreelse (1571-1638), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1622; tiene unas dimensiones de 65,3x 58,3 cm .

El siguiente cuadro “Interior con tres mujeres y una niña”, obra de Quirinus Gerritsz Brekelenkam (1662-1669), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663.

Más adelante “Retrato de un hombre moreno en edad avanzada”, obra de Frans Hals (1581-1666), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1657.

El siguiente cuadro “Apóstol Simón”, obra de Rembrandt Harmensz van Rijn, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1661.

Más adelante podemos ver el cuadro “Muchacha con un pequeño perro en el brazo”, obra de Govaert Flinck (1615-1660), esta realizado en óleo sobre madera, datado en 1645.

Después de esta borrachera de pintura de casi cuatro horas, salimos a la calle para regresar hasta el parking, allí comemos y cambiamos el ticket que nos permitirá estar hasta el día siguiente.

La tarde la dedicamos a ver el centro de la ciudad, pasamos ante las tiendas con marcas más exclusivas del mundo, como la tienda de diamantes de Graff; la tienda con ropa y bolsos de Dior, la confitería de la marca Sprüngli, la tienda de Gucci, o los diseños exclusivos de La Perla , cualquiera de ellas esta fuera de nuestro alcance por lo que solamente nos queda echar un vistazo al escaparate sin fijarnos mucho en los precios.

Llegamos hasta la iglesia de Fraumünster, se encuentra situada en Am Münsterhofplatz, es actualmente la Catedral de Zurich.

La catedral esta dedicada a la veneración de Nuestra Señora, su construcción se remonta al año 853, cuando el rey alemán Ludwig nombró a su hija Hildegard abadesa de un convento situado en el mismo lugar donde podían vivir solamente las mujeres nobles. El convento se disolvió durante la Reforma protestante y el solar quedó ocupado por la Stadthaus , un edificio neogótico que se utilizó como sala de exposiciones.

La iglesia se conservo y la parte más antigua estaba construida con tres naves un crucero grande y tres ábsides pequeños. En los siglos siguientes, en la primera mitad el siglo XII se van añadiendo construcciones como la torre sur y en el siglo XIII se levanta la torre norte, además del claustro y loe edificios conventuales.

En 1250 bajo el mandato de la abadesa Judenta von Hagenbuc se empieza la construcción del coro y del crucero en estilo gótico por lo que se combinan elementos románicos y góticos, bóveda se decora con estrellas de oro y medallones de los evangelistas, en la pared sur se levanta un nicho divido en tres partes para se inhumación de los fundadores, esta decorado con frescos que representan la leyenda de ciervos durante el traslado de las reliquias de Felix y Regula, es una copia, el original destruido durante el blanqueo de la paredes.

En el siglo XVIII se demuele la torre sur y la torre norte se hace mucho más esbelta y bella con la colocación de chapitel que alberga el actual campanario.

En el interior, el siglo XX se ponen las actuales vidrieras que decoran la catedral, detrás del órgano de Clemente Heaton (1914), el vitral llamado “Paraíso Celestial” es obra de Augusto Giacometti (1945) y en el en el transepto norte, las vidrieras del coro de Marc Chagall (1970) y la roseta en el transepto sur, también por Marc Chagall (1978).

La vidrieras de Chagall utiliza los colores simbólicamente con el azul y el verde representa la tierra y el rojo y el amarillo representa los cielos.

Comenzando en el lado norte, a la izquierda, el color utilizado es el rojo anaranjado y se titula “Los Profetas” el vitral representa a Eliseo viendo la ascensión de Elías en un carro de fuego. Más arriba hay una zona azul en la que Jeremías se encuentra por encima, la cabeza en las manos, lamentando la destrucción de Jerusalén. En la parte superior esta Dios en un cielo multicolor, el envío de haces de iluminación a sus profetas. Esta ventana está iluminado artificialmente, ya que corresponde con una pared interior.

El extremo izquierdo de las tres ventanas del este esta representado por color azul, se llama el vitral “Jacob”, nos muestra el combate de lucha entre el patriarca con un ángel del Señor y el sueño de la escalera lleno de ángeles de color rojizo.

En el extremo derecho esta representado por el color amarillo, se llama el vitral “Sión” nos habla del fin del mundo, hay un ángel está tocando una trompeta en la Nueva Jerusalén (con paredes multicolores, cúpulas y torres) esta desciendo de los cielos. A continuación se presentan el rey David y su amante Betsabé.

En el centro está representado por el color verde, se llama el vitral “Cristo”, es el de mayor tamaño, se ve un árbol de Jesé (árbol genealógico de Jesús) en la parte inferior. En el arte medieval, el árbol generalmente brota desde las entrañas de Jesse; aquí está al lado de él. En la parte superior del árbol esta la Virgen y el Niño. Más arriba se pueden ver escenas de la vida de Jesús, donde se combinan escenas de la Crucifixión con la Ascensión. Los brazos de Cristo están extendidos como en la crucifixión, pero prácticamente no hay rastro de la cruz y parece flotar sin esfuerzo hacia arriba dentro de una gran burbuja.

Finalmente, la pared sur se representa el color el azul y se titula el vitral “ La Ley ”, se puede ver como Moisés tiene los Diez Mandamientos y mira con desaprobación los jinetes que se dirigían a la guerra. En la parte inferior, un ángel de color rojo inspirado en Isaías anuncia la venida del Mesías.

Seguimos caminando por la parte medieval de la ciudad, tiene numerosas pequeñas tiendecitas con pequeños negocios muy refinados, son tiendas exclusivas de marcas poco conocidas pero que también tienen unos precios desorbitados.

Llegamos hasta la parte más alta, sobre un promontorio se encuentra la iglesia de San Pedro, pertenece en la actualidad a la iglesia Protestante Reformada.

La iglesia fue el primer edificio levantado en Zurich después de la Reforma Protestante , utilizando los restos de una antigua iglesia románica y gótica de las que se conservan algunos fragmentos, destaca por su enorme torre y por estar instalado en la misma el reloj más grande de toda Suiza y de las iglesias de toda Europa con cuatro cuadrantes de 8,64 metros cada uno.

El interior esta construida con una sola nave con unos palcos suspendidos en los extremos que permiten subir a un segundo nivel. Es de estilo barro con un blanco inmaculado, tiene unas columnas de mármol rojo que sujetan las balconadas del segundo nivel. En las paredes todavía se pueden ver los restos de antiguos frescos.

Bajamos hasta las inmediaciones del río y nos llama la atención una curiosa señal con un gran tiburón en amarillo, indica en alemán “No hay tiburones en el río Limago”, luego, hemos sabido que esto obedece a una amplia campaña publicitaria de las autoridades. Todos sabemos que en los ríos suizos no hay tiburones pero para evitar que algunas zonas de los ríos sean utilizados para nadar en sitios peligrosos con graves accidentes: en lugares donde hay transito de barcos, para saltar desde los puentes al río, donde hay corrientes o remolinos peligrosos, en aguas frías que pueden causar hipotermia, en estos lugares está desaconsejado el baño mediante esta señal.

Atravesando las calles más estrechas, rodeado de los edificios más antiguos de la ciudad, se levantan las dos torres de la Grossmünster , es la gran Catedral de la iglesia Evangélica Reformada, dedicada a la veneración de Félix y Regula. La palabra Münster viene del alemán y significa catedral y la palabra gross significa grande. Grossmünster quiere decir por tanto Gran Catedral, sobretodo si se compara con otras de iglesias de la ciudad.

Cuenta la leyenda que fue Carlomagno quien fundo la iglesia entre finales del siglo VIII y comienzos del siglo IX sobre la tumba de los mártires: Félix y Régula, que fueron decapitados en los ahora ocupa la Wasserkirche y llevaron sus cabezas hasta lo que ocupa ahora la Grossmünster.

El actual edificio de estilo románico gótico comenzó su construcción en 1100, las obras se prologaron hasta la terminación de las torres occidentales en el siglo XV.

En el exterior destaca el pórtico de estilo románico, con tres columnas en cada extremo y tres arcos de media punta. Las columnas tienen capiteles, en el de la izquierda se reconoce la figura del rey David, custodiado por dos leones, enfrente tiene otro capital donde dos leones se muerden su propia cola, los arcos están decorados con cenefas de colores, la decoración del parteluz fue eliminado durante la reforma, en la actualidad hay un vitral moderno, la puerta de bronce es obra de de Otto Münch, contiene un programa teológico ilustrado por historias de personaje bíblicos. En las filas superiores se representan los Diez Mandamientos; las tres filas de en medio, la confesión trinitaria: Padre, Hijo y Espíritu Santo. La siguiente fila hace alusión al Padrenuestro y la de más bajo: las mujeres del árbol genealógico de Jesús.

A la derecha del pórtico principal, sobre el muro, hay una escultura de Heinrich Bullinger, fue el sucesor de Zwingli, verdadero impulsor de la iglesia Reformada

En el interior de la catedral fue construido con tres naves divididas en seis tramos con un falso transepto y el ábside o coro. Tiene unas sólidas columnas que sujetan la bóveda con arcos de media punta románicos, en la separación de la nave principal y el coro se levanta el gran arco triunfal.

En la nave central destaca el púlpito de madera desde donde el humanista Ulrico Zwinglio predicó la Reforma religiosa, que después se extendió a otras ciudades como Berna o Basilea. Siguiendo los principios reformistas la catedral fue despojada de toda su ornamentación quedándose completamente desnuda. Sin embargo, se han conservado los restos de frescos góticos y los hermosos capiteles de la nave, en la parte de la izquierda todavía se puede ver un capitel de la época románica. Reúne en si las dos leyendas que dio origen a la formación de la catedral. Félix y Régula habrían pertenecido a la legión de Tebas, fue masacrada en San Mauricio por su fe cristiana a finales del siglo III. Ellos consiguieron venir a Zurich donde padecieron el martirio. Cinco siglos después, en tiempos del emperador Carlomagno, estaba de cacería en la zona persiguiendo un ciervo desde Aachen hasta Zurich. Pasó en su caballo por encima de las tumbas, este se cayó de rodillas, inmediatamente mando levantar las lápidas funerarias y levantar la iglesia anterior al Grossmünster.

A la derecha de la nave se puede ver otro de los capiteles historiados que habla del asesinato de Abner por Joab. La escena sin embargo permite otro tipo de interpretación: siguiendo el principio bíblico de no hacer a nadie el mal por el mal, se puede ver como un guerrero que esta atacado levanta su espada para devolver el golpe, pero un hombre con barba se lo impide.

El coro tiene tres vidrieras son obra de Augusto Giacometti realizadas en 1933, con colores muy vivos, nos cuentan la historia de la Navidad. Es un poco paradójico que en estos vitrales se destaque tanto la figura de María y que el niño Jesús llegue casi a desaparecer bajo el manto de su madre para los ventanales de una iglesia Protestante Reformada. La mayoría de los frescos están irreconocibles, excepto uno que nos muestra a Santa Verónica con el sudario que tendió a Cristo para que se seque el sudor y la sangre. Sobre el arco de la puerta, en el muro sur, se puede ver a Cristo resucitado con el distintivo de los mártires. Esta pintura esta sorprendentemente bien conservada debido a que con la revolución iconoclasta de 1524 se oculto detrás de un muro.

Al final de la nave central hay unas escaleras que descienden a la cripta donde podemos contemplar restos de los frescos mal conservados, datan de 1500, relatan el martirio de Félix y Régula y de las legiones de Tebas. En el muro occidental se encuentra la estatua de Carlomagno, obra del siglo XV. Originalmente se encontraba sobre la torre sur, fue realizada una copia y expuesta en esta cripta.

En su interior se aprecia la ausencia de todo elemento ornamental, es una de las consecuencias de la Reforma en 1559 con la eliminación de los altares, imágenes, esculturas: Se ordenó que todo lo que podía distraer la atención de la palabra de Dios fuera eliminado.

Saliendo a la calle por el portal principal se puede acceder al Claustro, fue construido en 1185 en estilo románico, fue reconstruido y rehabilitado en 1851 utilizando como modelos de los elementos primitivos.

Las cuatro galerías que forman el claustro se abren al jardín central mediante una serie de arcos de media punta románicos con capiteles ricamente decorados con motivos vegetales y figuras zoomorfas, contiene figuras grotescas y figuras humanas, siguiendo los dictados de las gentes medievales. Se pueden apreciar figuras de monos, leones, serpientes, dragones, monstruos, centauros y figuras semi-humanas. Toda esta simbología representa la persecución del alma humana con toda la energía y la violencia.

Aquí damos por finalizado la visitas del día, regresamos al parking y tenemos ocasión de ver una de las motos más asombrosas, es una BMW GG Taurus, se trata de una combinación de moto-sidecar que fabrica una compañía suiza haciendo 30 unidades al año completamente artesanales, emplea como propulsor el tetracilíndrico de la BMW K 1300 retocado en sus taller para llegar a impulsar con una potencia de 175 CV a 9250 rpm que transmite el movimiento a través de un cardan a la rueda posterior. La caja cambios tiene seis velocidades y una marcha atrás. Tiene un manillar aunque no es una moto por lo que en su conducción no se inclina, se conduce más como un coche, como indican las ruedas que tienen un perfil rectangular en lugar de redondeado de las motocicletas. Puede llegar a coger una velocidad de 220 km/h .

La noche en este lugar es muy tranquila, como la anterior, se ve alterada a las 7 de la mañana con la llegada de los vehículos que aparcan para acudir al trabajo en las oficinas cercanas.

Día 20 de agosto (miércoles)

Ruta: Zurich-Vaduz Km 109; tiempo estimado 1h 18'

Antes de abandonar la ciudad de Zurich queremos hacer una visita a la zona cercana del lago de Zurich, es un lugar de esparcimiento donde hay dos citas especiales, la casa de Le Corbusier LCZH y el jardín chino de Zurich.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Zurich en el museo de Le Corbusier, se encuentra situado en la calle Höschgasse, 8. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N47.35635//E8.55060.

Aparcamiento regulado en zona azul con pago mediante máquinas expendedoras de ticket. No tenemos problema para aparcar en batería dejando la parte trasera sobre una amplia zona ajardinada.

Cuando llegamos a la casa de Le Corbusier, hoy convertida en el Museo Heidi Waber, nos damos cuenta que tienen un horario de visitas un tanto especial de 12,00 a 18,00 horas.

Hacemos tiempo, muy cerca se encuentra el Jardín Chino de Zurich tiene una horario de 11,00 horas a 19,00 horas. Su construcción obedece como agradecimiento por la ayuda técnica y científica prestada por la ciudad de Zurich a la ciudad China de Kunming durante el proceso de modernización de las redes de aguas potables y de evacuación de las aguas residuales. La construcción fue ejecutada bajo la dirección de la Oficina municipal de parques y jardines contó con la ayuda de artesanos, jardineros y paisajistas llegados desde Kunming.

El jardín imprime uno de los conceptos esenciales de la cultura china, llamado “Tres amigos en invierno”, es el momento que tres plantas desafían los rigores del invierno: El pino en chino song y el bambú en chino zhú atraviesan el frío y la noche invernal sin apenas inmutarse. El tercer amigo que forma el trío es el albaricoquero en chino méi, se suma ahora a sus dos compañeros. Lo hace en un momento muy preciso del año, a la salida del invierno, cuando marzo quiere ser abril pero todavía parece febrero.

El Jardín esta separado del mundo profano mediante un amplio muro rojo coronado con tejas ocres. Las tejas de los aleros y los frisos están adornados con pequeñas figuras modeladas que representan el dragón de las nubes. Por encima del portón principal de entrada resplandece una placa dorada con la inscripción caligrafiada «Jardín Chino» , tiene una pequeña viga en el suelo que nos permite accederla interior, no son muy altas porque ese tipo más altas están solamente reservadas para los jardines imperiales.

Nada más traspasar la puerta de entrada vemos una montaña artificial, es una de las características de los jardines chinos, la combinación de dos ideogramas «montaña» y «agua» nos lleva a un significado amplio para hablar del «paisaje», esto refleja el antagonismo entre el yin y el yang. Las rocas de la montaña proporcionan una cierta estabilidad y sirven para estructurar los espacios y dirigir la mirada del visitante.

El jardín cuenta con una isla donde se llega atravesando puentes, según la tradición, recuerda a la isla de los inmortales. La isla tiene en el centro un pabellón redondo y simboliza el punto cardinal de la filosofía china. Sus epígrafes se refieren al agua como símbolo de la amistad entre las ciudades de Kumnming y de Zurich. Los puentes en arco y en zigzag rememoran las formas tradicionales de la arquitectura china: Dicen que los espíritus no saben caminar nada más que en línea recta, al diseñar la entrada en zigzag se garantizan que los malos espíritus no entraran nunca en la casa.

Los pabellones hexagonal y cuadrangular están construidos en madera y en su unión no se emplean clavos, la madera esta tallada y la decoración con pinturas siguiendo la rica tradición del sur de China.

El Jardín esta presidido por el gran Palacio rodeado de agua y terraza con una decoración taoísta, presidido por la imagen del Fenghuang, un símbolo de buena suerte que protege la parte sur del Palacio.

El último de los edificios que diseño el arquitecto Le Corbusier esta en Zurich, son las 12,00 horas y ya han abierto. Fue encargado al famoso arquitecto por el galerista Heidi Weber en 1960 y fue inaugurado en 1967 dos años después de la muerte de Le Corbusier, se titulo a la casa como « La Maison de l'Homme».

Llama la atención la orientación del edificio que lo hace en diagonal al lago mientras todos los edificios que la rodean miran paralelamente al lago, seguramente porque pretendía tener una luz que dialogase entre sus dos aplicaciones: arquitectura y arte.

Llama la atención que el edifico esta realizado en dos partes, el propio cuerpo y un soporte o techo a modo de paraguas que cubre todo su cuerpo. Fue concebido en hormigón armado pero al final Le Corbusier cambio los planes para ejecutarlo mediante una estructura metálica compuesta de planchas de 5mm de espesor sobre la base de dos cuadrados de 12 x 12 metros de lado y se sostiene con nueve pilares de acero colocados a 9 metros de altura que sostienen las 40 toneladas de peso de la cubierta, están dispuestas en el centro del edificio y no en los ángulos como se hacia tradicionalmente son rectangulares para soportar las cargas oblicuas y se diferencian de los redondos porque estos solamente soportan las cargas verticales del tejado.

La techumbre fue construida en una fábrica de acero y transportada en la mayor medida posible al lugar de construcción, donde fueron ensambladas y soldadas, fueron izadas mediante una grúa y soldadas a los pilares.

Se hizo una plancha de hormigón donde descansaría toda la estructura del cuerpo y la techumbre y Le Corbusier hizo su filosofía de que la casa se comienza por el tejado, siguiendo el método contrario al habitual, las casas se comienzan por los cimientos.

El tejado es una pieza autónoma casi es una escultura que resguarda el edificio de la lluvia y de la intemperie pero además se separa del edificio no para crear la tradicional buhardilla, en este caso, es para crear una terraza plana donde poder disfrutar del paisaje que ofrece el lago Zurich.

La techumbre lleva una abertura triangular que permite pasar el sol a través de unas planchas metálicas por lo que se convierta en la casa es “La hija del sol”, es una especie de chimenea que une el cielo y la tierra y que permite desde la terraza ver las estrellas del cielo. Sobre la terraza en el lado oeste se diseña un amplio banco curvo lo que indica que la terraza se convierta en un lugar habitado al aire libre, un lugar para la meditación.

El cuerpo del edificio se organiza mediante módulos cúbicos “alveolares” de 2,26 x 2,26 metros de lado con un espesor de 3 mm . que fueron ensamblado “in situ”, este tipo de construcción se patento y se llamo Modulor y que anteriormente había previsto en 1949 en un construcción de un sistema de viviendas Roq a Rob que recibió el nombre de 226x226x226, medida perfecta para este tipo de construcciones. Su disposición refleja la teoría del crecimiento infinito algo que el arquitecto había propuesto en sus museos en Tokio y Chandigarh y pretendía que el interior del edificio pudiera crecer siguiendo las necesidades expositivas de los museos sin necesidad de hacer costosas ampliaciones.

Posteriormente se añadieron las paredes, las ventanas, aberturas y pisos a continuación se atornillaron a la estructura de acero. Las paredes se componen de paneles esmaltados en varios colores que miden 1,13 x 2,26 m .

El ensamblaje de los módulos del edificio se hace mediante 20.000 pernos metálicos para formar dos plantas y las divisiones en cinco habitaciones por piso donde quedan atornilladas ventanas, techos, suelos. El edificio esta dividido en un sótano con un amplio salón de actos y dos niveles con un amplio mirador.

El pabellón fue concebido como una sala de exposiciones aunque en la planta baja se puede ver que también aparece la dedicación residencial con la cocina y el gran salón comedor, aunque como puede apreciarse en los planos originales carecía de baños por lo que su uso como residencia estaba muy limitado.

El diseño de Le Corbusier obedece a unos amplios postulados que ofrecía los avances tecnológicos en la fundición del metal para el montaje en seco y la prefabricación para conseguir la unión entre la arquitectura y la industria con el fin de crear unas casas asequibles para todas las capas sociales y lograr erradicar la falta de vivienda entre la humanidad.

Le Corbusier creó, además de arquitectura, también: pintura, escultura, muebles, esmaltes, tapices, litografías y libros. La ciudad de Zurich quiere que el edificio este protegido para asegurar y sostener como un museo público. Empezará a operar como tal en el año 2016 dirigido por una fundación aún no se ha establecido de conformidad con el derecho público. Durante el período de transición, la ciudad abrirá el Centro Le Corbusier durante los meses de verano para la población y los turistas.

El diseño interior viene formado por la propia estructura metálica, la zona este se articula en dos pisos unidos entre si por una pequeña escalera de hormigón armado; la zona oeste es un espacio único de altura doble sin forjado intermedio. En la planta baja se levanta un amplio comedor que conecta las dos zonas, hacia el sur, mediante una puerta pivotante a un espacio abierto pero cubierto por el tejado, este corredor puede cerrar también mediante una segunda puerta pivotante interior.

La segunda planta tiene compuesto el núcleo central por la escalera de hormigón y un pequeño espacio dedicado a oficinas que separa la zona del oeste mediante una sala pensada como biblioteca y con vistas sobre esta sala a doble altura y, al este, una habitación dedicada a exposiciones de una sola altura.

La combinación de dos tipos de alturas mediante la composición a base de la unión de modulaciones cúbicas se manifiesta como la más adecuada para conseguir un pabellón de exposiciones versátil.

El espíritu de la construcción es que debe de cumplir la doble función casa-museo destinada a presentar al público las obras de escultura y de pintura realizadas por Le Corbusier, además de sus diseños de muebles, sus libros, la obra gráfica. Le Corbusier consideraba que no quería un museo grandilocuente a una escala como una catedral, quería un sitio a una escala humana por eso diseño junto con una vivienda, evitando así lo que se llamaba como sala de exposiciones de arte.

Se accede al edifico por una especie de porche creado por un hueco en la doble altura que deja un hueco en el nivel inferior esta protegido por la estructura metálica, la puerta por sus dimensiones nos recuerda las escotillas de los grandes barcos, este tipo y diseño de puerta se repite en la salida a la terraza al tejado. Comunica directamente con la cocina que en realidad esta incorporada al amplio salón. En el diseño de la cocina se emplea una arquitectura persistente donde todo esta fuera, simplemente es un modulo corrido de acero inoxidable que discurre por todo el lado de la casa y se une al salón constituyendo una mesa corrida. Los desagües, las llaves de corte, los enchufes y los interruptores todos están a la vista formada un diseño integrado, utilizando el mismo espíritu industrialista que posteriormente utilizó Richard Rogers en el Centro Pompidou, a gran escala, para conseguir un espacio diáfano y que recibió posteriormente el nombre de arquitectura high-tech, estos conceptos ya habían sido puestos de manifiesto por Le Corbusier a una escala inferior.

El salón es un gran espacio abierto casi se puede llamar una terraza cerrada por la sensación que te envuelve con amplios ventanales que hacen penetrar el verde del césped en su interior y desde donde los grandes árboles que rodean el edificio se pueden casi tocar. El suelo es negro llamado suelo Pirelli, fue un acuerdo con la casa francesa para desarrollar un proyecto innovador. Una mesa con tres pequeñas sillas es su mobiliario colocadas en ambos extremos, en uno de ellos esta acompañado de un banco corrido con un simple cojín color verde.

En las paredes del salón esta colgado una litografía de estilo picasiano se titula Taureu 1963, esta firmado a lápiz por Le Corbusier, tiene unas dimensiones de 110 cm x 0,75 cm . esta fechado como L-C 17/2/63.

A la salida del salón hay una puerta pivotante que comunica con el jardín o con la siguiente sala, esta decorada con una copia de la litografía titulada “CAP MARTIN, 1930- 1959” marcada LC 1930-59.

En la pared hay colgada una litografía titulada “Balilarina” fue ejecutada en ocho colores en el taller de litografías más famoso de París taller Mourlot en 1963 a partir del collage original de Le Corbusier en 1954, tiene unas medidas de 108,8 x 67.9 cm .

La siguiente estancia es otro amplio salón que nos indica la doble función del edificio como casa-museo, ya hemos visto la anterior estancia que nos indicaba de su carácter residencial, esta nos indica que es un espacio expositivo. Podemos ver una silueta de una persona con el brazo levantado, era utilizada por le Corbusier para comprobar según se iba construyendo el edificio, el efecto sobre una persona, si las dimensiones corresponden para una utilidad humana, se iba cambiando para que el arquitecto pudiera comprobar las distintas perspectivas.

Sobre las paredes distintos cuadros de Le Corbusier sobre ideas, plantas alzados que le sirvieron para definir el edificio. Más adelante un tapiz con la obsesión de Le Corbusier sus mujeres desnudas marcado con el numero L-C 60. En una urna de cristal se expone una maqueta a escala de la casa, en otra de las paredes una amplia colección de las distintas partes de la casa comparada con los planos y las fotografías durante su construcción. Fotografías que documentan los procesos de soladura y las grandes grúas utilizadas para la elevación de los distintos volúmenes. Y fotografías de las visitas del arquitecto para comprobar las fases de construcción. Esta sala sirve de distribución para la escalera que nos permite subir o bajar al nivel contiguo.

La escalera esta ejecutada en hormigón armado excepto los pasamanos en hierro fundido, del tipo ida y vuelta en dos tramos. Tiene en el peldaño recubierto de goma antideslizante.

En otra de las paredes hay una litografía titulada “Totem” también fue ejecutada en el taller parisino de Mourlot, esta datada por el propio pintor 18/10/63.

Subiendo por la escalera hasta la primera planta esta dedicada como sala de estudio, tiene un mueble de madera corrido, la pared esta decorada con una colección de grabados con cinco dibujos titulada “Cinco mujeres”, están datados en 1953 y fueron tituladas por el artista como: «coquillage», «les: NON!», «l'allegresse», « ne le sait pas…» y «possibilité de survie».

En otra de las paredes de la sala se encuentra otra de las litografías famosas de Le Corbusier titulada “Ariane et Pasiphaé", esta datada 1961, lleva la inscripción L-C 32 6/6/61.

La parte de la sala tiene un amplio ventanal que nos muestra el lago, el solado es de planchas de caucho Pirelli, hay una pequeña exposición con los muebles diseñados por el arquitecto como el Diván L-C 4, la silla basculante L-C 1, el sofá L-C. En 1925 el arquitecto se lanzara al diseño de muebles. Los primeros muebles fueron realizados en colaboración con Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand . Las sillas y sillones eran realizados en términos de confort, tras realizar estudios antropométricos, consiguiendo unos acabados sumamente cómodos.

Si salimos por la escalera exterior a través de una puerta de barco, subiendo por una rampa accedemos a la terraza, diseñada con vocación de permanencia, tiene un sillón corrido de una sola pieza que abarca dos de los lados.

Bajamos por la escalera exterior hasta la planta sótano, esta construida bajo la rasante con muros de hormigón y pintado en gotéele blanco, en su interior se cuelgan una amplia exposición de litografías originales de Le Corbusier. La luz exterior penetra a su interior por las grandes aberturas en el forjado. Una enorme puerta acorazada comunica con una sala donde se encuentran la sala de contadores.

Aquí damos por terminada nuestra visita a la ciudad de Zurich, salimos por la autopista A-3 hasta nuestro siguiente destino la capital de Liechtenstein, Vaduz. Nos separan 109 Km . y tenemos un tiempo estimado del recorrido en poco más de una hora y cuarto.

En la ruta pasamos por la localidad de Wändenswil, sin salir de la autopista, nos encontramos con una señal de parking de descanso con una preciosa autocaravana, decidimos parar a comer y hacer nuestras necesidades, dispone de amplios y limpios toilettes, además es un punto limpio como estación para el llenado de agua potable y el vaciado de aguas grises y negras, esta en un sitio inmejorable para poder pernoctar sin ningún problema. Las coordenadas del lugar corresponden con N 47.21168 // E. 8.67174.

Indicamos al tom-tom que nos lleve hasta el parking para visitar el castillo de Vaduz, se encuentra en la parte más alta de la ciudad, pondo las coordenadas N47.13818 // E 9.52605, informo aunque lo mejor es no hacer lo que nosotros hicimos.

Enseguida entramos en Liechtenstein, durante algunos kilómetros se intercambian las señales de Suiza, Liechtenstein o Austria, lo que indicaba es que la frontera estaba muy cerca y en pocos minutos estamos en Vaduz.

Las vistas de la ciudad son un tanto decepcionantes nos esperábamos encontrarnos un país más parecido a Mónaco pero la verdad es que no vemos esos grandes barcos porque el país no tiene salida al mar, tampoco vemos ningún casino porque el país tiene tan solo 36000 habitantes, tampoco vemos grandes bancos aunque el país vive de los servicios financieros, tampoco vemos grandes coches, ni tampoco comercios exuberantes, por no tener no tiene ni grandes gasolineras sin impuestos ¿entonces donde esta la fama de este país?.

En ese estado de frustración seguimos los consejos del tom-tom que nos quiere subir hacia el castillo por las calles más céntricas y estrechas del principado. Rodeamos toda la ciudad hasta que encontramos un acceso directo a la carretera que conduce hasta el promontorio del castillo. Aparcamos como podemos en las coordenadas que he citado anteriormente y nos disponemos a visitarlo. Indicar que aquí no se puede pernoctar porque hay una señal con una caravana y autocaravana entre las 21,00 y las 6,00 horas.

Las imágenes del exterior del castillo son maravillosamente bellas con las altas montañas a sus espaldas y la gran llanura marcada por el valle en el frente. El castillo tiene un aspecto excepcional y tiene recuerdos del castillo de Montraux, sin lago ¡claro!, con una combinación de piedra, madera y tejas.

Llegamos a la puerta y un cartel indica: Pribat Kein Zutritt –privado no entrar– y nos informan que el castillo no se puede visitar porque es la residencia oficial del príncipe de Liechtenstein, nos parece increíble porque quien vigila el castillo no es la policía es un miembro de una compañía de seguridad privada, esos si, con muchas cámaras de vigilancia.

Decidimos regresar hasta Vaduz para ver la ciudad, acudimos al parking para autocaravanas en la ciudad de Vaduz que teníamos en todas las referencias, se encuentra situado en el estadio de fútbol Reheinpark, en la calle Leftstrasse. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N47.13825//E9.51114.

El aparcamiento es de pago, tiene distintas zonas según el tamaño del vehículo, el precio es barato porque pagamos al día siguiente 1,20 euros. Tiene un w.c. donde se puede vaciar las aguas negras, en el exterior hay una parada de autobuses que te deja en el centro de la ciudad, pero la verdad no es necesario porque andado son poco menos de 10 minutos.

El camino hasta la ciudad podemos ver las huertas mejor cuidadas del mundo y en otra de las fincas las mejores cabras del mundo disponen de una especie de caravana para subirse y poder comer y todo rodeado de unos viñedos mejor cuidados que en Burdeos. Por un momento pensé en que el país pueda vivir ruralmente dedicado al cultivo de vegetales o a la cría de cabras. Es un espejismo porque enseguida vemos algún cochecito mejor que otro, algún banco sin mucho escaparate, etc.

Prácticamente la ciudad de Vaduz es una calle peatonal con pequeños comercios de buen diseño, algún pequeño restaurante y oficinas. Sobretodo vemos tiendas de relojes.

Pasamos por delante de Rathaus o Ayuntamiento, esta decorado con tres esculturas que marcan la evolución de una especie de centauros de bronce modernistas. Es una obra de Nag Arnoldi, muestran unas claras influencias de Marino Marini y también de Pablo Picasso, así como de arte precolombino. El tema de la obra de arte es la controversia del caballo y lo humano, representado entre la alegría y el dolor.

En muchos de los escaparates se puede ver la bandera del país y el escudo de la dinastía real sin ningún otro articulo.

Entre las muchas esculturas que hay a lo largo del paseo podemos distinguir la “Mujer reclinada”, obra de Fernando Botero, realizada en bronce 1933, se encuentra en la fachada del museo de Bellas Artes. La escultura muestra una figura femenina desnuda reclinada como símbolo del alma dormida en estilo figurativo, sigue la tradición de la escultura monumental y esta destinada a su contemplación.

Un poco más adelante podemos ver la escultura llamada “Phoenix”, obra de Doris Bühler, escultor suizo, esta datado en el 2003. Representa el ser humano en si, como si se tratase el Phoenix o El pájaro de fuego simboliza la vida eterna, la resurrección y la vida después de la muerte.

Caminamos hasta la gasolinera situada al final de la calle con el fin de ver el único supermercado abierto y conocer el precio final del gasóleo, descubrimos que los precios de los combustibles son aún mas caros que en Suiza y que el precio de los alimentos son preocupantes, una baguette 4 euros ¡No es país para pobres!.

Desde aquí marchamos a dormir, estamos en un sitio muy tranquilo y apenas durante la noche hemos notado ruidos, solamente una importante lluvia continuada.

Día 21 de agosto (jueves)

Ruta: Vaduz-Innsbruck 169 Km .; tiempo estimado 2h 18'

Nada más levantarnos decidimos marchar en dirección a Austria, enseguida llegamos a la misma frontera, paramos para comprar la viñeta obligatoria, el precio 8,50 euros, válida para 10 días.

Seguidamente vemos una pequeña gasolinera, nos sorprende el precio 1,29 euros litro, también nos llama la atención que no había ninguna coche de Liechtenstein, ni tampoco de Suiza, por lo que nos hace pensar que les gusta echar combustible más caro en sus respectivos países, nosotros aprovechamos para llenar el tanque.

Hemos atravesado toda Suiza de oeste a este sin haber repostado gasóleo una sola vez, la última ocasión en que lo hicimos en este viaje fue en Francia justo antes de entrar en Suiza y nos hemos ahorrado un dinero porque allí el gasóleo no bajaba de 1,80 euros litro.

El trayecto desde la frontera hasta la ciudad Innsbruck lo hacemos sin pararnos y por una correcta autopista. El trayecto discurre por un valle rodeado de altas montañas. En poco más de dos horas estamos en nuestro destino. No teníamos muchos datos de donde pernoctar en esta ciudad pero nada más entrar vemos un cartel que indica P+R, hasta allí nos dirigimos

El parking para autocaravanas P+R en la ciudad de Innsbruck (Austria). Se encuentran situado en la calle Olympiastrabe, en el parking de lo que fue el estadio olímpico. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N47.25697//E11.40832.

El aparcamiento es de pago de 8 euros pero se denomina Park-Ride+Plus Bus, esto quiere decir que con el pagó del parking tienes derecho para viajar gratuitamente por la ciudad de Innsbruck desde las 6,00 horas hasta las 21,00 horas de lunes a viernes. Los sábados domingo y festivos en horario de 6.00 horas a 19,00 horas.

Las instrucciones para su utilización:

*A la entrada al parking retiré la tarjeta para que se abra la barrera.

*Aparque en cualquiera de los sitios no señalizados como para discapacitados.

*Acuda a la máquina de pago

*Inserte la tarjeta de entrada al parking en la máquina automática.

*Pulse el botón P+R.

*Pague el importe de 8 euros IVB-P+R.

*La máquina extenderá una nueva tarjeta denominada IVB-P+R

*Enseñe la tarjeta a la entrada del autobús de cualquier línea de los autobuses IVB de la zona central de Innsbruck sin límites.

*Al regresar al auto acuda directamente.

*A la salida insertar el billete IVB-P+R y la barrera se abrirá

* Puede salir.

Salimos del parking con nuestras tarjetas y vamos hasta la plaza Burgenlandstrabe donde se encuentra la parada donde el autobús en diez minutos nos lleva hasta el mismo centro de Innsbruck.

Nos damos cuenta que hemos llegado al centro porque las calles están repletas de personas, además, vemos coches de caballos con turistas. Nos bajamos en la calle Markgraben, enseguida vemos la calle peatonal más famosa de la ciudad se trata de Herzog-Friedrich-Strabe.

Al fondo de la calle esta el edificio más conocido de Innsbruck se llama Goldenen Dachl o Tejado de Oro, fue construido en 1420 con 2657 tejas de cobre doradas al fuego para servir de residencia a los príncipes del Tirol en la época de Friedrich IV, y más tarde habitado del emperador Maximiliano I que añade el magnifico mirador gótico para fines de representación y para la demostración de su poder político y económico.

En la parte más baja se encuentran los relieves con seis escudos sobre la portada principal: de izquierda a derecha podemos ver el escudo de Austria coronada con la Erzherzogshut –corona real de la casa de los Habsburgo–; el siguiente escudo pertenece a Ladislaus Posthumus von Ungar duque de Austria y Rey de Bohemia y Hungría; el tercero de los relieves pertenece al escudo de armas del emperador Maximiliano I empleado en sus posesiones de Austria y Borgoña; el siguiente también es de Maximiliano I pero en esta ocasión representa el Sacro Imperio Romano donde se ve el águila negra de una sola cabeza; el quinto representa Escudo de armas del duque Felipe el Bueno de Borgoña, el fundador de la Orden del Toisón de Oro; el sexto y último de la derecha representa el escudo de armas del Ducado de Milán. En los laterales hay dos relieves que representan los territorios de Maximiliano I.

Por encima de los escudos de armas hay frescos de Jörg Kölderer, fueron pintados en 1500, y representan a dos caballeros que portan sendas banderas heráldicas del Sacro Imperio Romano y el Tirol.

En el segundo piso y sobre la balaustrada podemos ver otros ocho relieves, seis frente a la plaza y dos en los laterales, en ellos se representa la vida del emperador Maximiliano I: Los dos relieves centrales, el de la izquierda, representa a su segunda esposa Bianca María Sforza; el de la derecha, a su primera esposa María de Borgoña; el siguiente relieve central muestra el emperador con su bufón de la corte y su canciller; los relieves que flanquean los extremos son bailarines árabes que participan en “El baile acrobático y grotesco”, era una forma de entretenimiento popular de la época; los dos relieves de los laterales son bailes de origen andaluz.

En el interior de la balconada esta decorado con frescos que también fueron pintados por Jörg Kölderer y muestran escenas de la vida aristocrática de la época.

El interior del palacio se ha convertido en museo donde se muestra la historia del edificio y la vida del emperador Maximiliano I.

El museo abre en horario de lunes a domingo de 10,00 horas a 17,00 horas, el precio con ticket familiar de 8 euros, incluye audio guía en español.

En el interior se pueden ver varias esculturas del emperador, planos del edificio y de su fachada, puedes asomarte a la ventana por donde lo hacia el emperador ante el pueblo desde la misma por medio de espejos se pueden admirar distintos trozos de los frescos del exterior, hay una gran sala gótica donde en sus vitrinas se guardan objetos que hacen referencia a la vida de Maximiliano I, relieves con sus esposas, cuadros con retratos del emperador, relieves de plata, pequeñas figuras decorativas de plata, pergaminos con el sello lacrado del emperador.

Desde aquí continuamos andando por las estrechas calles del casco antiguo hasta la iglesia de la Corte. En su interior se encuentra el Mausoleo del Emperador Maximiliano I, es uno de los monumentos más importantes del Tirol y la tumba más grandiosa del mundo occidental. Es uno de los testimonio del arte imperial europeo, diseñado en vida por el emperador que para su realización contrato a los mejores artistas de su época como Alberto Durero, Peter Vischer, Alejandro Colin, etc.

Maximiliano I elige la ciudad de Innsbruck y esta iglesia para levantar el mausoleo que acoja su cuerpo para ello hace confeccionar 28 estatuas de bronce en tamaño superior al real que le acompañen como cortejo fúnebre en el momento de su muerte. El motivo era representar el prestigio del Imperio y de la casa de los Habsburgo. Los bustos de los emperadores deberían testimoniar la legitimidad del Sacro Imperio Romano.

Los trabajos en la construcción del mausoleo se inician en 1502, diecinueve años antes de la muerte del emperador, los esbozos del proyecto se encarga al pintor de la corte Gilg Sesselschreiber que hará unas pinturas de los antepasados de Maximiliano. La primera figura se realiza en el taller de Peter Löffler siguiendo el modelo del pintor en el año de 1509.

En 1510 Maximiliano deja el taller de la corte de Mühlau en manos de Sesselschreiber para que tenga toda la responsabilidad del proyecto. Las figuras del pintor no están sujetas a un estilo en concreto, solamente deben de representar de la forma más fiel posible los antepasados del emperador: el duque Ernesto el Ferrero, abuelo de Maximiliano; Felipe el Bello, hijo de Maximiliano; Rodolfo de Habsburgo, en 1723 elegido como rey romano; María de Borgoña, primera esposa del emperador, Zimburgis de Masovia, abuela de Maximiliano, que se identifican con el estilo imperante del gótico tardío y que se refleja en los pliegues de sus atuendos.

Ante la imposibilidad de los avances en la confección del programa de estatuas llega a la ciudad Stefan Godl. A quién se le encarga la fundición de las estatuas accesorias que se colocaran en la iglesia con referencias a los santos.

Más adelante Maximiliano pide la ayuda y colaboración del mejor fundidor de Alemania establecido en Nuremberg.

A la muerte de Maximiliano en la ciudad de Wels en 1519 durante un viaje a Viena, entre sus bártulos en los viajes, el emperador siempre llevaba consigo en sus viajes un ataúd.

A su muerte solamente once estatuas se habían fundido pero la calidad de la imágenes, el ideario del proyecto marcaron un estimulo para que sus sucesores terminaran con la idea.

Los trabajos continuaron bajo la supervisión de Stefan Gold y se crearon las ultimas obras: el Duque de Felipe el Bueno de Borgoña, el abuelo de María de Borgoña, aparece en su cuerpo la Orden del Toison de Oro, fundada por él también con la ayuda de su padre; Carlos el temerario, padre de María. La última imagen se fundió en 1550 en los talleres del fundidor de campanas Gregor Löffler.

La parte principal del monumento es la propia tumba de Maximiliano, fue ejecutada siguiendo los esbozos del pintor de Praga, Florian Abel. Esta rodeada de relieves de mármol de los hermanos Bernhard y Arnold Abel y de Alexander Colin, donde se muestran escenas famosas en la vida del Emperador.

En total se colocaron 24 relieves:

1.-La boda Maximiliano con María de Borgoña celebrada en 1477. Mediante este matrimonio con la heredera de los territorios de Borgoña, además de Brabante, Limburgo, Lhotier, Luxemburgo y Güeldres, era Marquesa de Namur, Condesa de Artois, Charolais, Flandes, Hainaut, Holanda, Mâcon, Zelanda y Zutphen..

2.- La Victoria sobre los franceses en Guinegate en 1479. Esta guerra comienza para defender los territorios de la herencia de su esposa María de Borgoña.

3.- Asalto de Arras 1492. Ciudad perteneciente al ducado de Borgoña en Holanda.

4.- Coronación de Maximiliano como Rey Romano 1486. Fue elegido como rey de los romanos 16 de febrero 1486 en Frankfurt-am-Main, a iniciativa de su padre y coronado el 09 de abril 1486 en Aquisgrán.

5.- Victoria de Segismundo del Tirol en Cagliano 1487. Emprende una guerra suicida contra la república de Venecia.

6.- Entrada triunfal de Maximiliano en Viena 1490. Establece en la capital del Sacro Imperio Romano en el que nunca se ponía el sol.

7.- Conquista de Stuhlweissenburg 1490. Maximiliano invade Hungría con 20.000 hombres y saquea la ciudad y la tumba del rey Matías.

8.- Regreso de Francia de su Hija Margarita. Según los términos establecidos en el Tratado de Arras en 1483. Margarita fue comprometida al delfín de Francia, luego pasa a ser Carlos VIII de Francia, y enviada a Francia bajo el cuidado del rey Luis XI, aportando como dote Artois y el Franco Condado.

Margarita vivió diez años en Francia, donde primero recibió el título de delfina y luego, en la corte francesa y crónicas contemporáneas, de reina de Francia, aunque nunca se casó con Carlos VIII. En 1493, Carlos VIII renunció al Tratado de Arras y se casó con otra heredera, Ana de Bretaña, volviendo Margarita con su padre.

9.- Retirada de Croacia de los turcos en 1493. El papa nombro a Croacia como la vanguardia de la cristiandad dado la defensa de la religión por Maximiliano I a favor cristiano en contra el imperio otomano.

10.- Alianza contra Francia 1495. Las políticas matrimoniales de Maximiliano I consiguen crear un eje que anule la influencia de Francia.

11.- Investidura del ducado de Milán de Ludovico Sforza 1495. En 1494 a la muerte de su sobrino es cuando Gian Galeazzo Sforza, Ludovico recibió la corona del ducado de Milán por los nobles milaneses y la investidura.

12.- Bodas de Felipe con Juana de Castilla 1496. La política de alianzas entre España y el emperador del Sacro Imperio Romano Maximiliano I intenta aislar políticamente a Francia, se concierta el matrimonio de la infanta Juana y el príncipe Juan con los hijos del emperador Felipe y Margarita. Los acuerdos para celebrar el matrimonio fueron firmados el 20 de enero de 1495 y las negociaciones concluyeron el 5 de noviembre del mismo año, tras la firma del contrato matrimonial.

13 Batalla de Regensburgo 1504. Se produce por la guerra de sucesión al ducado de Baviera-Landshut.

14.- Conquista de la Fortaleza de Kufstein 1504. Población del Tirol conquistada por Maximiliano I para añadirla al Sacro Imperio Romano.

15.- Sometimiento del duque de Gerldern 1505. Condado histórico y ligado al Sacro Imperio Romano y enclavado en los Países Bajos.

16.- Liga de Cambray 1508. Fue una gran coalición para tratar de adueñarse de la República de Venecia.

17.- Sometimiento de Padua y Vicenza 1509. Una de las consecuencias de la guerra de Cambrai fue la toma por parte de Maximiliano de las dos ciudades en poder de la República de Venecia bajo las órdenes del papa, fue una posesión muy corta porque fueron recuperadas meses después.

18,- Entrada triunfal de Maximiliano en Milán de los Sforza 1512. Con la alianza entre el Sacro Imperio Romano y mercenarios Suizos se produce la conquista de Milán.

19.- Segunda victoria en Guinegate contra Francia 1513. Victoria de los ingleses a los franceses en el Paso de Calais dentro de la liga de Cambrai.

20.- Unión de los ejércitos de Maximiliano y Enrique VIII en 1513.

21.- Batalla de Vicenza en 1513. Fue un choque armado que se produjo en el borde de la ciudad de Vicenza el 7 de octubre de 1513 durante la Liga de Cambrai entre las fuerzas catalana-aragonesa.

22.- Derrota de Marano 1514. Fortaleza que partencia a la República de Venecia y que fue derrotada y tomada por el ejercito imperial de Maximiliano I.

23.- Compromiso matrimonial entre Austria y Bohemia de 1515.

24.- Defensa de Verona 1516

Todos estos relieves de Alejandro Colin supone la llegada a Innsbruck del estilo renacentista flamenco. El mausoleo esta coronado con la estatua de Maximiliano I arrodillado, le rodean en las esquinas las estatuas de las cuatro virtudes cardinales, que fueron fundidas en 1584: rodea este conjunto la reja de hierro forjado obra del cerrajero de la corte de Praga, Jörg Schmiedhammer, esta datado sobre 1570, siguió los esbozos del pintor de Innsbruck Paul Trabel. En el frente de la reja se puso grabado el escudo de armas de Maximiliano I con las banderas de todas las regiones que era emperador como rey, duque, archiduque, principados, etc.

El emperador quería estar rodeado por sus antepasados al igual que los faraones en Egipto o los reyes de la dinastía Ming en China:

En la cabecera del frente derecho encontramos dos imágenes:

A la derecha, Juana la Loca (1479-1555) reina de Castilla, Aragón y Navarra, se casó con Felipe el Hermoso Archiduque de Austria, con esta unión dio comienzo la dinastía de los Habsburgo en España, sus padres los reyes católicos Isabel y Fernando. La escultura fue fundida en los talleres de Sesselschreiber, Kölderer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en Bronce y datada en 1528.

A la izquierda, Fernando II el Católico de Aragón (1468-1516), sus padres Juan II y Juan Enriquez, se caso con Isabel de Castilla, fue el padre de Juana la Loca. La escultura fue fundida en los talleres de Polhaimer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1530-1531.

En el pasillo de la izquierda hay doce figuras dispuestas en tres grupos de cuatro en cuatro:

La primera del primer grupo es Cunigunda de Austria (1465-1520), era la hermana del emperador Maximiliano, se casó con Alberto IV de Baviera, sus padres el emperador Federico III y Leonor de Portugal. La escultura fue fundida en los talleres de Polhaimer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada entre 1516-1517.

La segunda del primer grupo Elisabeth de Gorizia (1262-1312), fue la esposa de Alberto I de los Habsburgo y uno de los fundadores de la dinastía, fue elegida para estar en la tumba de Maximiliano I por su talento. La escultura fue fundida en los talleres de Sesselschreiber, elaborada en bronce y datada en 1516.

La tercera del primer grupo María de Borgoña, fue la primera esposa de Maximiliano I. Era hija de Carlos el Temerario y Isabel de Borbón, tuvieron dos hijos Margarita y Felipe el Hermoso. La escultura fue fundida en los talleres de Sesselschreiber, elaborada en bronce y datada en 1516.

La cuarta del primer grupo Elisabeth de Luxemburgo (1409-1442), fue la esposa de Alberto II Hungría. Hija del rey Segismundo y Bárbara de Hungría. La escultura fue fundida en los talleres de Polhaimer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1530.

La primera figura del segundo grupo es Godofredo de Bouillon (1061-1100), creador y rey de Jerusalén, vendió todas sus posesiones para unirse a la santa Cruzada que predicó Urbano II, fue nominado como uno de los Nueve de la Fama que era como uno del nueve representantes del ideario de Caballería. La escultura fue fundida en los talleres de Polhaimer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1533.

La segunda figura del segundo grupo es de Alberto I (1255-1308), hijo primogénito de Rodolfo de Habsburgo y Gertrudis de Hohenberg, murió asesinado por su primo el duque de Juan Suabia. La escultura fue fundida en los talleres de Polhaimer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1527.

La tercera figura del segundo grupo Federico IV de los Habsburgo llamado con “El bolsillo vacío” (1382-1439), era el hijo menor de Leopoldo III de Austria y de Viridis Visconti, se caso con Isabel del Palatinado con la que tuvo una hija Isabel, en segundas nupcias con Ana de Brunswick con la que tuvo cuatro hijos Margarita (1424-1427); Eduviges (1424-1427);Wolfgang (1426) y Segismundo (1427-1496), duque de Austria y el Tirol también conocido como el rico. La escultura fue fundida en los talleres de Tiefenbrunn, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1534.

La cuarta figura del segundo grupo Leopoldo III el piadoso (1351-1386) hijo de Alberto II y de Juana. La escultura fue fundida en los talleres de Kölderer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1519.

La primera figura del tercer grupo Conde Alberto IV de Habsburgo (1200-1240), padre de Rodolfo de Habsburgo. La escultura fue fundida en los talleres de Leinberger con la participación de Durero, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1517.

La segunda figura del tercer grupo Leopoldo III el santo (1073-1136), fue canonizado en 1485 y se convirtió en el santo patrón de Austria. La escultura fue fundida en los talleres de Kölderer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1520.

La tercera figura del tercer grupo Federico III (1415-1493), llego a ser emperador de Sacro Imperio Romano Germánico padre de Maximiliano. La escultura fue fundida en los talleres de Kölderer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1524.

La cuarta figura del tercer grupo Alberto II (1404-1439), fue el segundo hijo del Duque Alberto IV de Austria y de Juana Sofía de Baviera. La escultura fue fundida en los talleres de Polhaimer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1526.

En la cabecera del frente izquierdo encontramos dos imágenes:

Felipe III el bueno de Borgoña (1396-1467), era hijo de Juan Sin Miedo y de Margarita de Baviera. La escultura fue fundida en los talleres de Sesselschreiber, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1521.

Carlos el temerario de Borgoña (1433-1477), padre María de Borgoña, esposa de Maximiliano I. La escultura fue fundida en los talleres de Sesselschreiber, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1525.

La primera figura de primer grupo Zimburgis de Masovia (1394-1429), fue la segunda esposa de Ernesto el férreo, hija del duque Siemovit IV Mazoviana y de Alexandra de Lituania. La escultura fue fundida en los talleres de Sesselschreiber, elaborada en bronce y datada en 1525.

La segunda figura del primer grupo Margarita (1480-1530), hija de Maximiliano I y María de Borgoña, se caso con Juan de Aragón, hijo de los Reyes Católicos. La escultura fue fundida en los talleres de Tiefenbrunn, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1522.

La tercera figura del primer grupo María Blanca Sforza (1472-1510), segunda esposa de Maximiliano I, se caso con tan solo dos años, es casada con su primo hermano Filiberto I de Saboya. La escultura fue fundida en los talleres de Tiefenbrunn, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1525.

La cuarta figura del primer grupo Segismundo el rico (1427-1496), hija de Federico con el bolsillo vacío y tío de Maximiliano. La escultura fue fundida en los talleres de Kölderer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1523.

La primera figura del segundo grupo Arturo rey de Inglaterra (VI), se le representa como el ideal de un monarca tanto en la guerra como en la paz. La escultura fue fundida en los talleres del escultor Peter Vischer, diseñada por Durero, elaborada en bronce y datada en 1521.

La segunda figura del segundo grupo Fernando de Portugal (1345-1383) el hermoso, antepasado de la madre de Maximiliano I, era hijo de Pedro I y la infanta de Castilla Constanza. La escultura fue fundida en los talleres de Sesselschreiber, diseñada P. Löffler, elaborada en bronce y datada en 1525.

La tercera figura del segundo grupo Ernesto el férreo (1377-1424) o el duque de Hierro, es el abuelo de Maximiliano I, era hijo de Leopoldo III de Austria y de Viridis Visconti. La escultura fue fundida y diseñada en los talleres de Sesselschreiber, elaborada en bronce y datada en 1516.

La cuarta figura del segundo grupo Teodorico el grande (474-526), rey de los Godos, llego a considerarse como el heredero de los emperadores romanos. La escultura fue fundida en los talleres del escultor Peter Vischer, diseñada por Durero, elaborada en bronce y datada en 1521.

La primera figura del tercer grupo Alberto II el sabio (1298-1358), hijo de Alberto I e Isabel del Tirol, abuelo de Ernesto el Férreo. La escultura fue fundida en los talleres de Polhaimer, diseñada por Stefan Godl, elaborada en bronce y datada en 1520.

La segunda figura del tercer grupo Rodolfo I de Habsburgo (1218-1291), hijo del Conde Alberto IV de Habsburgo y de Ediviges, se casó dos veces con Gertrudis de Hohenberg y luego con Isabel de Borgoña, hija de Hugo IV. La escultura fue fundida en los talleres de Sesselschreiber, diseñada por Sesselschreiber, elaborada en bronce y datada en 1516.

La tercera figura del tercer grupo Felipe el bello (1478-1506), hijo de Maximiliano I, esposo de Juana la Loca. La escultura fue fundida en los talleres de Gilg Sesselschreiber, diseñada por Sesselschreiber, elaborada en bronce y datada en 1516.

La cuarta figura del cuarto grupo Clodoveo (481-511), rey de los francos, hijo del rey Childerico I y de la princesa Basina de Turingia. La escultura fue fundida en los talleres de Amberger, diseñada por G. Löffler, elaborada en bronce y datada en 1550.

Maximiliano I no fijo el lugar donde instalar su cenotafio, no fue hasta la llegada de su nieto Fernando I quien decidió levantar el mausoleo en la ciudad de Innsbruck, para lo cual ordeno levantar una iglesia. El edificio fue construido entre 1553-1563 para llamarse la iglesia Imperial o Hofkirche, y se incorporó al convento de los Franciscanos.

El interior de la iglesia es de tres naves fue construida siguiendo los planos del arquitecto Andrea Crivelli, ejecutado por el maestro constructor Nikolaus Türing de Memmingen. En la actualidad el interior ha perdido parte de la decoración del siglo XVII, momento en que fueron añadidos estucados barrocos en los coros y las galerías, todavía se pueden ver los originales arcos de piedra de arenisca de Mittenwald. Las altas columnas fueron revestidas de mármol.

El altar mayor fue concluido en el siglo XVIII siguiendo el proyecto del arquitecto de la corte Nicolás Pacasi, esta presidido por el cuadro de la Crucifixión , obra de J.C. Auerbach, a ambos lados y sobre un pedestal dos estatuas de plomo, obra de Balthasar Moll. En las paredes a ambos lados del coro una magnifica sillería de una sola bancada, sobre la sillería de la derecha se encuentra el órgano de Jörg Ebert de Ravenburgo del siglo XVI decorado en las alas con las pinturas de Domenico Pozzo. En la entrada hay una magnifica rejería a juego con la del cenotafio de Maximiliano con el escudo de los dos águilas y la corona de Austria.

Anexa a la iglesia de la corte se encuentra la capilla de Plata, fue mandado ampliarse por el Archiduque Fernando en el siglo XVI como capilla mortuoria. Esta presidida por un altar con relieves de plata del maestro orfebre Antonio Ort, esta presidida por la imagen de María rodeada de sus símbolos marianos, tomados de las letanías alemanas.

La capilla contiene los restos mortales del archiduque Fernando y su esposa la plebeya Philipe Welser. La tumba de archiduque con una estatua postrada se encuentra en el muro sur y la tumba y los relieves de su esposa en el muro norte con un sarcófago, son obras de Alejandro Colín.

A través de la Capilla de Plata y un corredor situado al norte la iglesia de la Corte se comunica con el Palacio Imperial. Sobre la bóveda florida con caras de ángeles se decora con frescos que representan escenas de la pasión de Jesús.

Antes de salir hay una puerta que comunica la iglesia con el claustro del monasterio de los Franciscanos, el claustro tiene las galerías corridas que distribuyen por las estancias de los monjes y en el jardín una fuente.

En la actualidad el monasterio de los Franciscanos constituye en Museo de Arte Popular del Tirol. El horario de visita es de lunes a sábado de 9-17 horas, los domingos y festivos de 12,30 a 17 horas, el precio de ticket familiar combinado de la iglesia de la Corte y el museo es de 20 euros.

En el interior del museo se presenta una magnifica colección de arte religioso procedente de las iglesias del Tirol, abre las salas la imagen de Lucifer, destacan algunos cuadros del arte religioso popular con numerosos exvotos, uno en concreto, nos representa la santa Notburga del siglo XVIII, otro se representa a Cristo en el lagar, esta datado 1766.

En el centro de la sala una colección de mascaras de madera y de cerámica para carnavales, además de una con plumas para las festividades tirolesas.

Un magnifico relieve donde se representa la Asunción de María, esta datado en el siglo XVII, es una obra de carácter popular.

Una escultura realizada en madera policromada con la figura del busto de la Virgen en brazos el niño Jesús y sentada Santa Ana, obra popular, esta fechada en el siglo XVI.

Un poco más adelante St. Kummernis realizada en madera policromada en el siglo XVII, es una representación de una mujer barbuda vestida y crucificada Santa Librada o Wilgefortis.

Según algunas versiones de la leyenda, Wilgefortis dejó de comer porque no quería casarse. En esa época era común que las niñas se volvieran anoréxicas para evitar casamientos arreglados económicamente por el padre. A medida que la enfermedad avanzó, sus uñas se empezaron a romper y en el rostro y el cuerpo de la niña empezó a crecer vello o pelusa, un síntoma del desequilibrio hormonal causado por una desnutrición gravísima. Por ello Wilgefortis es conocida actualmente como la «santa barbuda». Se la venera porque atiende una solicitud muy particular: deshacer casamientos indeseados.

A su lado hay un cuadro de carácter popular donde se vuelve a representar la figuras de Santa Kummernis en este caso su cuerpo es normal, viste un traje tirolés y esta rezando la figura del donante, esta datado en el siglo XVIII.

Las siguientes salas nos muestran el mobiliario de algunas casas del Tirol donde destacan las grandes estufas de cerámica que calentaban las casas de los palacios, casas burguesas y monasterios.

El revestimiento de madera de las paredes de las casas y el mobiliario es con el mismo tipo de muebles, con formas sencillas, las estancias se juntan en salón y habitación para aprovechar el calor.

A la salida del museo caminamos en dirección al palacio imperial siguiendo la imagen de las torres de la Catedral de Innsbruck dedicada a la veneración de Santiago.

La entrada es libre y el horario de visitas es:

Del 2 de Mayo hasta el 25 de Octubre: Durante la semana de 10:15 a 19:30 horas y los domingos de 12:30 a 19:30 horas.

El antiguo edificio de la catedral fue la primera iglesia levantada en Innsbruck en la Alta Edad Media, se encuentra situada en el cruce de caminos de dos rutas de peregrinación al camino de Santiago de Compostela, por esa razón se elogio el templo para la veneración a la figura de Santiago el Mayor como patrón de la iglesia.

La catedral fue levantada a partir de 1438 con planta de salón y tres naves. En 1650 se amplia con cuatro capillas laterales a lo largo de la nave central, aunque debido a un terremoto sufrió importantes daños.

En 1712 se encargan los planos del nuevo edificio al arquitecto Johann Jakob Herkomer, participando el maestro de obras de la Corte Georg Anton Gumpp en la elaboración de un proyecto similar, aunque este ultimo fue descartado por el elevado coste. Las obras comezaron en 1717, aunque el arquitecto Herkomer falleció ese mismo año, las obras continuaron gracias a su sobrino Joham Georg Fischer hasta su finalización en 1722. Aunque su decoración no termino hasta 1732.

La Segunda Guerra Mundial supone un periodo irreparable para la catedral al sufrir unos ataques aéreos que daño irreparablemente una gran parte de la iglesia, sobretodo los frescos de la bóveda, durante su proceso de restauración se devolvió el aspecto original. En 1964 la iglesia adquiere el titulo de catedral dedicada al apóstol Santiago.

La fachada exterior se levanta entre dos torres en los extremos dejando un cuerpo cóncavo, en el centro hay una hornacina con la estatua de la Virgen , sobre la cornisa se levanta la figura ecuestre de Santiago. Las figuras de las hornacinas de los muros y las torres representan a santos y bienaventurados del Tirol.

El interior, la planta es de una sola nave con capillas adosadas a los muros, el tercer tramo de la nave es un poco más ancho haciendo las funciones de transepto, se abre al ábside del coro mediante un arco del triunfo, es de planta cuadrada esta abovedado con una cúpula con linternas. En los dos laterales se levantan varios oratorios accesibles desde el pasillo que conduce a la sacristía que se levanta detrás del coro. Todos los oratorios están acristalados con bellas vidrieras que dejan pasar la luz al interior.

Las bóvedas están pintadas con frescos de estilo ilusionista, obra de Cosmas Damian Asam que nos hace pensar que el techo representa al cielo. El ciclo de pinturas dedicado a Santiago, esta diseñadas para ser contempladas caminando lentamente por la nave de oeste a este. Las pechinas de la nave se decoran con escenas de la vida de Santiago: el llamamiento de Cristo, la conversión del mago Hermógenes, el bautizo del escriba Josías y la revelación de la tumba de Santiago en una visión de Carlomagno. El fresco de la falsa cúpula cuenta la historia de la Virgen María se presenta ante Santiago sobre un pilar pidiéndole su tarea evangelizadora. Las pechinas del crucero se decoran con una representación alegórica de las virtudes de la Virgen.

Los altares laterales y el suelo se levantan en mármol, construidos con complejos geométricos y que fueron rehabilitados siguiendo los planos del proyecto original.

El altar mayor fue una donación del príncipe obispo Gaspar Ignacio conde de Künigl. El retablo del altar esta entre columnas de mármol negro y su techumbre también es de mármol negro, rojo y amarillo, donde las esculturas de mármol destaca del conjunto.

En el centro del altar se encuentra el retrato de la Virgen María con el Niño, es un busto de medio lado que esta girado hacia un lado, esta pintado al óleo sobre tabla, su cabeza esta cubierta por un finísimo velo y donde el niño busca los mimos y la protección de su madre, el cuadro esta atribuido a Lucas Cranach el Viejo, fue pintado para la capilla privada de Bárbara Jagellón, princesa de Polonia y duquesa de Ajonia, en 1517. Se colgó en la iglesia de la Santa Cruz de Dresde, fue trasladada a la colección de arte del electorado de Sajonia con motivo de la Reforma. Neopoldo V obispo de Pasau realizó una visita con carácter diplomático al elector protestante Juan Jorge I de Sajonia y le regalo esta pequeña pintura. Cuando llegó a Passau y se hizo una copia de mayor tamaño. Con la elección de Leopoldo V de Habsburgo fue nombrado gobernador del Tirol y se traslado a la capital imperial de Innsbruck. En el traslado se trajo la imagen de la Virgen en 1630. Se expuso por primera vez en la capilla del palacio Hofburg y se llevaba a la catedral en ocasiones especiales, el archiduque Fernando Carlos de Habsburgo-Medici redacto un contrato para el traslado definitivo el 3 de julio de 1650. En 1712 Carlos II Felipe del Palatinado dono el altar de plata que rodea al cuadro.

La madonna es la Virgen Milagrosa esta pintada sobre un fondo oscuro que resalta el colorido del cuadro, lleva un vestido azul y la cubre una capa roja, su pelo es rubio echado para atrás con una gran trenza que se abre por su lado izquierdo, el pelo lo abriga con una diadema, la cabeza le cubre con un velo transparente que cae sobre la cabeza del niño. Jesús mira a la Virgen y acaricia con su mano derecha la mejilla de la madre. Solamente se reconoce a la Virgen por el color de sus vestiduras porque no lleva ningún otro atributo.

Lucas Cranach se convirtió en un protestante hasta el punto de que Lutero fue testigo de la hija mayor de Cranach, mientras que este asistió con su esposa a la boda de Lutero, sus creencias le obligo a tenerse que exiliar en Weimar y su obra artística estuvo centrada en sus creencias religiosas.

La unión de Cranach con el protestantismo lleva al pintor a ser uno de los principales creadores de la iconografía protestante. Algunos de sus temas originaron una tradición interpretativa, por lo que podemos considerar como Cranach el origen de la iconografía Luterana.

A diferencia de otros artistas de la Reforma , aunque con profundas convicciones religiosas Luteranas, no le impidió continuar creando imágenes o haciendo negocios con personas que permanecieron fieles a la Iglesia Romana. Así Cranach sigue llevando a cabo trabajos para los patrocinadores católicos, especialmente para uno de los opositores más virulentos de Lutero, el cardenal Albrecht, arzobispo de Maguncia y Magdeburgo, y para el príncipe Jorge de Sajonia. Su condición de artista reconocido por los más grandes personajes del Imperio es más fuerte que sus creencias religiosas.

La pintura de la Virgen y el Niño, esta pintada hacia 1537, cuando el pintor ya era protestante, se convirtió en una imagen de la piedad católica. Esta tabla es la fuente de intensa devoción en el Tirol, en el sur de Alemania y en los Alpes.

La Madonna de Cranach está en principio realizada donde la totalidad del cuadro es compatible con las ideas protestantes. La Virgen María se representa de una manera muy humana: líneas jóvenes y delgadas, se encuentra jugando con su niño que abraza tiernamente; en su largo cabello suelto y un velo transparente evocan un toque de feminidad y erotismo. Todos los signos devoción mariana desaparecen: no se representa con la aureola, tampoco con el típico manto estrellado, ni hay ángeles, ni tampoco el cielo. Cranach transforma la imagen de la Virgen compatibilizándolo con una maternidad elegante. Del mismo modo que el niño se presenta de la misma forma que cualquier otro niño, regordete, y tampoco aparece ningún signo de halo en su cabeza.

Ante el altar de la Ascensión se levanta el sepulcro del archiduque Maximiliano III único duque del Tirol que eligió la catedral para que sirviera como sepulcro, fue realizado en bronce, es una obra de Hubert Gerhard y su aprendiz Kaspar Gras, fue fundida en los talleres de Heinrich Reinhart. En un principio la sepultura tenía un baldaquín. En 1728, se dividió la sepultura del baldaquín en dos partes que se depositaron en los dos portales de la sacristía. En 1950 se levanto un zócalo con una placa en bronce con la cruz de la Orden de los Caballeros Teutones.

El sepulcro se representa al archiduque en arnés, arrodillado y con la cabeza descubierta, en actitud orante, mientras que su mirada se dirigía a una virgen que había junto al altar mayor, a su lado esta San Jorge, era el patrón de la orden Teutónica y de los Habsburgo, ofreciendo su protección al hombre arrodillado, apoya su mano en su hombro. Mientras el archiduque que ha depositado su yelmo y el escudo a su lado, a su derecha se encuentra un dragón, representa el atributo de San Jorge, en las esquinas hay cuatro genios.

Aquí damos por concluida la tarde, regresamos hasta el parking P+R+bus para pasar la noche, para ello cogemos uno de los autobuses de línea que pasan por la zona, en menos de 10 minutos hemos llegado, se puede hacer el trayecto andado en menos de media hora.

El parking se levanta en la Olympiaworld una serie de edificios para uso deportivo para celebrar el mundial de Hockey del 2005 y también utilizados en grandes eventos musicales de cine o teatro.

La pernocta en el Parkplatz West es perfecta, no hay mucha afluencia de gente, lo hacemos un clima de seguridad y de silencio.

Día 22 de agosto (viernes)

Ruta: Innsbruck- Berchtesgaden -Nido De Las Águilas Km. 157; tiempo estimado 2h 15

Nos levantamos temprano para salir en dirección a las afueras de las ciudad, queremos visitar es el castillo de Ambras, cogemos el autobús que pasa por la misma puerta del parking y en 10 minutos estamos en el castillo.

El castillo palacio de Ambras esta situado sobre una de las colinas. Fue construido en estilo renacentista y sirvió como residencia del Archiduque Fernando II.

El horario de entrada es de 10 a 17,00 horas, el precio del billete familiar es de 18 euros. y el precio de la audio guía (imprescindible para comprender la historia) es de 6 euros y su archivo esta documentado con más de 600 objetos de castillo.

El castillo se constituye en un verdadero museo porque el archiduque Fernando II logró atesorar una extensa colección de obras de arte, desde pintura, artesanía, orfebrería, etc.

La colección de armaduras tenían como objeto enseñar al mundo la historia y las hazañas de la dinastía de los Habsburgo. Se dedico a coleccionar, armas, armaduras y retratos de famosos generales. Por primera vez en la historia el propio archiduque es consciente de que quiere realizar un museo, se ocupa de la presentación, de la luz y de otras consideraciones estéticas.

El recorrido comienza en la primera sala zona dedicada a armería donde esta el cuadro de Fernando II (1529-1995) vestido con una armadura de la época en 1556, el recorrido sugiere a través de cientos de armaduras como era el hombre de la época, como se celebraban las fiestas principescas, y cual era la participación de los héroes en las batallas.

La exposición nos muestra gran número de armaduras de diferentes tipos, algunas son muy básicas de quita y pon, otras de difícil colocación con infinitos elementos y complementos, protección de brazos, de caballos, de niños, etc.

La armadura preferida del Archiduque Fernando II se llamaba “La armadura del Águila” creada por Konrad Seusenhofer – fue un inventor y constructor de armaduras. Su técnica, que combinaba el uso del metal, de los remaches y del cuero, hizo de sus creaciones estructuras muy resistentes contra espadas, mosquetes y otras armas de la época. Además, resalta el uso de técnicas insuperables para el templado del acero, que le hicieron famoso, tanto para las armaduras de combate como para las de torneos y desfiles – lleva grabados dorados con la imagen del águila y fue realizada ensamblando 87 elementos diferentes.

La siguiente sala nos muestra la vida de Fernando II, era un perfecto cortesano y en sus fiestas representaba la historia de la dinastía de los Habsburgo.

En las paredes se encuentra el cuadro “Los ganadores de la Batalla de Lepanto”, obra de un artístico italiano desconocido, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1571.

La batalla de Lepanto fue uno de los hechos más importantes la vida del archiduque Fernando II. Después de la victoria de la unión de la Liga Santa : Vaticano, Venecia, Génova, Toscana y España sobre la armada turca celebrada en Lepanto en el Golfo de Corinto, en 1571. En esta batalla dio al trate con 150 barcos de los turcos, reduciendo su supremacía en el Mediterráneo e impidiendo su avance por Europa.

El cuadro representa Don Juan de Austria, Marco Antonio Colonna y Sebastiano Venier. En el fondo se puede ver, entre las espadas, el Golfo de Corinto con las galeras de las flotas.

Otro de los lienzos de la historia “ Hayreddin Barbarossa”, su autor es desconocido, esta datado en Italia en 1580, realizado en óleo sobre lienzo.

Se representa al Hayreddin nombre dado por el sultán Turco cuyo significado en árabe es: bondad, este marinero era el pánico para los europeos porque atacaba las bases de su comercio que era las mejores plazas en el Mediterráneo

Sobre las paredes de las salas entremezcladas con las formaciones de ejércitos con armaduras hay numerosos retratos de los principales actores de la época, Andrea Doria, Andreas von Sonmenberg, en la bóveda un estupendo artesonado de cuarterones castellano.

La siguiente sala destaca por los frescos, en la bóveda, el titulo “Alegoría del cielo”. Obra del pintor italiano Giovanni Battista Fontana, tiene unas dimensiones de 21 metros x 9,30, realizado en óleo sobre madera.

Fernando II nombro a Battista como pintor de cámara y su mejor obra de arte es la bóveda de la sala donde se muestran 48 constelaciones. El cuadro se divide en tres partes un gran rectángulo y dos más pequeños en los extremos. En el centro el rectángulo integra un gran óvalo señalando sus cuatro esquinas que hace referencia a los cuatro elementos: agua, fuego, aire y tierra; han sido representados por Neptuno, Vulcano, Juno y Minerva. El cuadro esta inspirado en la obra de Albert Durero del Hemisferio de 1515.

La siguiente sala constituye el Gabinete de las Curiosidades, donde Fernando II exponen todos los objetos que llegaron a sus manos como una representación del saber de la época.

La colección abarca desde esculturas medievales hechas en todo tipo de maderas, piezas de marfil donde se ven los grandes tallista de la época hasta objetos que tratan de temas cientificos, también le apasionan las piezas procedentes de países y culturas lejanas, instrumentos musicales y todo lo relacionado con los milagros como los retratos de los hombres lobos con todo la cara de bello.

Una de las mejores obras de la colección es la escultura titulada “Tödlein”, realizada en madera de peral, obra de Hans Leinberger, esta datada en 1520.

La talla representa la Muerte con un arco en la mano izquierda y flechas en la mano derecha. El cuerpo deja ver las costillas y los huesos que están expuestos parcialmente, en algunos sitios aparece la piel y la ropa queda descolgados en jirones en el esqueleto. Es un magnifico escultor que nos transmite el verdadero estado de la materia y el movimiento dinámico del cuerpo, estos hechos han ayudado a atribuir la autoría de la escultura al escultor Landshut Hans Leinberger, uno de los imagineros de finales del estilo gótico y de principios del renacimiento en la Baja Baviera.

Otra de las piezas de la colección se llama “Liberación de Andrómeda”, obra de Hans von Achen, datado en 1600, pintado sobre una hoja de alabastro traslucido.

El cuadro personifica hechos de la mitología, en la parte delantera se representa la liberación de la hermosa Andrómeda en el momento que Perseo esta atacando y los monstruos marinos para liberarla.

La sala expone un raro instrumento musical llamado en alemán “Glasglockenklavier”, es un piano de campanas de vidrio, esta realizado con una caja de diferentes tipos de maderas que contiene un teclado y una tapa. El exterior esta decorado con el escudo de armas de archiduque, en la parte frontal del teclado se representa a Minerva y Marte. El teclado acciona las campanas de cristal produciendo vibraciones sonoras.

La siguiente sala esta preparada especialmente siguiendo las indicaciones del archiduque y es llamada “el anticuarium” donde se abren 85 nichos semicirculares para exponer todas las estatuas con cabezas de la antigua roma y de escenas mitológicas.

La siguiente sala esta ocupada con una copia realizada a la misma escala del Cenotafio de Maximiliano I pintada con grisallas, fue realizada como un pergamino enrollable que estuvo en la librería del Archiduque Fernando II.

Pasamos a la verdadera sala que da nombre a la colección “Sala de las Curiosidades” donde se exponen todas las rarezas humanas que llegaron hasta la colección del archiduque. Es una exposición de la naturaleza en el museo

El primero de los cuadros destacados se titula “El gigante y el enano”, de autor desconocido, pintado en Alemania, en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVI.

El cuadro representa al gigante tenia una altura de 2,40 metros , a su lado un enano de 65 centímetros de altura, se decía en la época que representaban al hombre más grande del mundo.

El siguiente de los cuadros de la cámara de los horrores “Retrato de un hombre con discapacidad”, de autor desconocido, datado en el siglo XVI; tiene unas medidas de 135x 110 cm .

El retrato de un hombre con un gola en su cuello y un gorro rojo en su cabeza, esta sobre un sofá, el cuerpo lo manifiesta desnudo las brazos están apoyados paralelos al cuerpo, los músculos se muestran atrofiados, las piernas están cruzadas y los pies están deformes. Investigaciones recientes le han diagnosticado con la enfermedad artrogriposis, rigidez congénita de las articulaciones.

Otro de los cuadros nos presenta la rareza de “Retrato de Gregor Baci”, obra de pintor desconocido, esta datado en el siglo XVI, realizado en óleo sobre lienzo.

El retrato representa al noble húngaro Gregor Baci, que fue sanado después de tener clavada una lanza su ojo derecho después de un torneo. La herida le produce una lesión después de una batalla contra los turcos.

A su lado hay una maqueta que reproduce a escala por la Universidad de Medicina de Innsbruck en el 2012. Traza con exactitud la ubicación de la lanza dentro de la cabeza y sus posibles daños que pudo sufrir Gregor Baci.

El siguiente cuadro es uno de los lienzos más famosos “Petrus Gonzalvus”, de autor desconocido, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1580; tiene unas medidas de 190 x 80 cm .

Su nombre es Pedro González, era natural de la isla de Tenerife, hijo de un jefe guanche, su cuerpo como indica el lienzo esta cubierto de pelo y esta enfermedad se llamo “hipertricosis universalis congénita” o también conocida con el nombre del castillo: “Síndrome de Ambras” porque es el primer caso documentado de esta enfermedad.

Con la llegada de los españoles a Canarias se conoció el caso de este niño, su fama creció y con 10 años el rey de Francia Enrique II se interesó por su enfermedad, llevándoselo a la corte de París donde causo verdadera sensación.

Los nobles de la época lo describen:

“Su cara y su cuerpo esta recubierta por una fina capa de pelo, de unos cinco dedos de largo ( 9 cm .) y de color rubio oscuro, mas fina que la de una "marta cibellina" y de olor bueno, si bien la cubierta de pelo no es muy espesa, pudiéndose apreciar bien los rasgos de su cara”.

El rey de Francia renuncia a la idea de tener en su corte la faceta de un animal, abandonando la idea del hombre salvaje que vivía en una isla y es tratado como una persona con una verdadera rareza en su cuerpo. Es educado en la corte con todo el refinamiento y de acuerdo a las costumbres sociales de la época, fue instruido en humanidades y latín que se consideraba la mayor expresión de la cultura. El rey le dota de un cargo de sommelier con un sueldo fijo, además le otorga el derecho a poner en su nombre el Don por su procedencia como hijo de un rey guanche.

Se caso con una bella mujer de París Catherine que era mujer de compañía de la reina Catalina de Medecis. De este matrimonio tuvieron seis hijos, tres niños y tres niñas: Madeleine, Enrique, Françoise, Antonietta, Horacio y Ercole. En cuatro de sus hijos se repitió la enfermedad y hay constancia que en algunos de sus nietos tan bien desarrollaron la enfermedad.

A la muerte de la reina de Francia la familia es cedida al duque de Parma donde comienza su vida en Italia, la vida de la familia transcurre de la misma forma con parecidos privilegios.

Pedro muere a los 80 años en Campodimonte, aunque hay constancia documental que la familia vivió en otros lugares de Italia.

El siguiente cuadro “Magdalena González”, de autor desconocido, esta realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1580.

Magdalena era una de las hijas de Pedro González también desarrollo la enfermedad del síndrome de Ambras. Los nobles de la época decían de ella que su pelo era suave de aspecto gatuno, su tocado y su vestido son de seda y su comportamiento como la más refinada de la corte. Se bello cubría su nariz, frente, orejas y el resto de la cara, oscureciéndose en las axilas, cabeza y cejas; en la frente y las mejillas era muy largo.

A su lado esta el cuadro de “Enrico González”, de autor desconocido, esta realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1580.

Enrico era otro de los hijos de Pedro González que desarrolla la enfermedad, en Italia es conocido con el nombre de Arrigo piloso, para satisfacer las curiosidades de las cortes europeas se hizo un cuadro con un enano y un bufón que se expone en Nápoles y se titulo “Arrigo Peloso, Pietro Matto e Amon Nano”, él va desnudo y su cara esta cubierta de pelo, lleva una capa de piel, en sus brazos un perro y un mono y que más parece un animal a un humano.

El siguiente cuadro “La mujer del hombre salvaje”, de autor desconocido, esta realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1580.

Catherine González era muy joven cuando se caso con el cortesano de la corte Pedro González, le doblaba en la edad, no sabemos si el enlace se hizo por amor o bien para que el rey pudiera contemplar el resultado genético de la unión del hombre con más pelo del mundo con una jovencita rubia con la tez clara y sonrosada.

El cuadro describe a una mujer hermosísima con un precioso vestido de terciopelo negro con el escote abierto y el cuello engolado, en su cabeza un tocado negro, apoya sobre una mesa un delicado pañuelo.

A su lado se encuentra el cuadro “Alla donna di buon gusto”, de autor desconocido, realizado en Italia en la segunda mitad del siglo XVI, en óleo sobre lienzo.

El cuadro representa a una mujer compuesta con una gran variedad de frutas y vegetales, su cabeza es una gran calabaza, sus pechos son dos naranjas, su pelo son uvas, en sus rostro aparecen limones y manzanas.

Representa una verdadera curiosidad que más bien parece un anuncio para consumir frutas y verduras que una rareza anatómica, representa una síntesis del verdadero significado de la naturaleza para el arte. Aunque el pintor es desconocido el estilo de la pintura obedece al estilo de pintura que hacia el famoso pintor italiano Giuseppe Arcimboldo, corresponden a un estilo surrealista que fue redescubierto en el siglo XX.

Continuando la visita al castillo se hace saliendo de este ala derecha, atravesando el jardín se llega hasta la parte que deja de ser castillo para convertirse en un verdadero palacio. Esta situado sobre un promontorio y se define como las Estancias del emperador y la Sala Española.

Un pasillo con vestigios romanos nos adentra en una de las partes más fascinantes del Castillo de Ambras en Innsbruck antes de poder presenciar la sala más fascinante del palacio y que se llamo a Sala Española.

Tengo que manifestar mi admiración de cómo en Austria se gestiona el patrimonio cultural, aquí los edificios forman algo vivo y no son solamente un monumento estático, aquí cualquier rincón del patrimonio puedes servir para que un cuarteto de música toque una obra barroca en la capilla, o en el salón español se puede ver una representación de un pasaje de cualquier opera; puede haber una charla sobre fotografía acompañado del fresco de Fernando II, puede escucharse una serenata bajo la arboleda del jardín. Todo esto puede suceder en Ambras y en cualquier parte de un edificio histórico de Austria.

La Sala Española es una de los más importantes grandes salones construidos durante el renacimiento. Fue construido en el periodo de 1569-1572 siguiendo las ideas que tenia el archiduque Fernando II como una sala de representación.

Destaca por su decoración, en la entrada a la sala hay frescos estucados de los doce emperadores romanos: Cesar, Augusto, Tiberio, Calígula, Claudio, Neron, Galba, Oton, Vitelio, Vespasiano, Tito y Domiciano. En el interior con 43 metros de largo hay diez retratos de los sucesores de Fernando II como el Príncipe de Tirol, empezando por el emperador Rodolfo II y terminando con el emperador Carlos VI. En total tiene 27 retratos de cuerpo entero de los príncipes tiroleses, en el periodo que va desde Alberto I del Tirol hasta Fernando II. En el lado contrario, entre las ventanas, se representan numerosos paisajes. Sobre la pared oriental y occidental se simbolizan las virtudes y las artes liberales. En las bases de la pared sur la historia de Rómulo y Remo, y en la pared norte el mito de Hércules.

En las paredes destacan las ventanales y sobre el techo un magnifico artesonado de estilo español elaborado en combinaciones de varias maderas con detalles dorados que da el nombre a la sala.

Desde esta sala accedemos al gran patio central del edificio, es uno de los más bonitos del mundo, esta pintado con grisallas que convierten el espacio en un elemento arquitectónico único consiguiendo emitir una halo de ilusionismo.

Las imágenes son las típicas de la época con representaciones de las virtudes de los Señores y las Musas, donde aparecen héroes masculinos y femeninos, y sobretodo los hechos heroicos por lo que se deben distinguir un príncipe. También hay una representación de la mitología con Orfeo, que hace música para los animales domésticos y exóticos, se encuentra situada en la parte occidental. En el lado estrecho del este muestra una escena del Viejo Testamento donde Judith esta con la cabeza de Holofernes.

La primera estancia que vemos del palacio es la Capilla de San Estanislao, destaca los frescos de las paredes del siglo XVI aunque en el siglo XIX el gobernador del Tirol, el archiduque Karl Ludwig, mando cortarlas y rediseñar la decoración de la capilla.

La capilla expone numerosos vestigios históricos y artísticos como un libro de indulgencias del siglo XIV, una colección de casullas religiosas de época del siglo XVI, o la colección de orfebrería de plata de la dinastía de los Habsburgo del siglo XVI.

Después pasamos por una sala muy curiosa los baños de Philippine Welser –hija del archiduque Fernando II–, hizo construir una habitación con el baño más sofisticado de la época, es una enorme bañera empotrada enfrente de una ventana que más parece una piscina con 1,6 metros de profundidad, el hueco esta recubierto de laminas de cobre y estaño, tiene dos descansillos que sirven como escalera y para sentarse. En el fondo se ponían piedras calientes para calentar el agua y se añadían hierbas para aromatizar el agua, sobre las paredes un friso de madera y por encima una línea de frescos con representaciones mitológicas con desnudos que hacen referencia a los beneficios de los baños.

Las estancias del Palacio se encuentran la Galería de los Retrato de la casa de los Habsburgo para la que el archiduque Fernando II realizó grandes esfuerzos. La mayoría de los retratos representan personajes que han jugado un papel importante en la vida desde sus inicios.

La colección se inicia con personajes del siglo XIV y termina en el siglo XVIII, abarca cinco siglos de la historia mucho más que cualquier otra dinastía europea. También ha determinado la historia con otras dinastías europeas con las que consiguieron relacionarse.

La colección comienza con el personaje más importante el emperador Maximiliano I, el emperador Carlos V, el rey Felipe II de España y la joven María Teresa, sino también con los miembros de otras familias gobernantes como la reina Isabel I de Inglaterra, la familia Wittelsbach, los Medicis, Valois, etc.

El recorrido por la galería es un viaje por la historia de Europa, donde aparece muy destacado el papel de la historia de España en el concierto europeo y demuestra, pese a estar tan lejanos, la cercanía que siempre ha tenido Austria y España.

La pintura de tales personajes están en los pinceles de los más firmados pintores de la época, desde Peter Paul Rubens al que se le atribuye a la imagen Eleonora Gonzaga con tres años hasta otros pintores famosos como: Lucas Cranach. J., Giuseppe Arcimboldo, Jacob Seisenegger, Hans von Aachen, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Diego Velázquez y otros.

El primero de los cuadros se titulo “Retrato de Lorenz Anton Bordogna von Taxis, obra de autor desconocido, esta realizado en óleo sobre lienzo.

Lorenz Anton era el hijo del jefe de correos Peter Paul Bordogna von Taxis (1671-1744), eran los encargados del servicio postal y el nombre de su apellido da origen a la palabra actual para designar a los Taxis.

El siguiente cuadro “Retrato de Ferdinang Philipp Freiherr von Taxis-Bordogna, obra de autor desconocido, esta realizado en óleo sobre lienzo.

Ferdinang Philipp es el hijo de Lorenz IV sigue con la explotación familiar del servicio de correos hasta que en 1769 se produce la nacionalización de este servicio, aunque el rey le nombro como nuevo Director de Correos.

El siguiente cuadro “Retrato del duque Louis-Philippe von Orléans”, obra de Nicolás Debbel, esta datado en 1737, realizado en óleo sobre lienzo.

Louis-Philippe era el hijo de Louis de Orleans, era el duque de Chartres, hizo una importante labor en la marina francesa. El cuadro le representa con el modelo de la época en el interior de uno de los jardines con un perro y unos vistosos pájaros.

El siguiente cuadro “Retrato de la emperatriz María Teresa”, obra de Andreas Möller, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1727.

El lienzo representa a la emperatriz María Teresa (1717-1780) a los once años de edad, fue la primera mujer y única que como mujer tuvo todos los dominios de los Habsburgo con su matrimonio con Francisco I paso a ser la emperatriz del Sacro Imperio Románico Germánico.

El cuadro la representa mucho mayor de su edad, con un vestido azul y un gran escote, a su lado están las flores que lleva sobre su mano y en su vestido representan la fertilidad y la expectativa de engendrar hijos en la edad adulta.

Consideraba a nivel religioso que los protestantes y los judíos eran peligrosos para el Estado, de estos últimos llega afirmar en 1777: «No conozco mayor plaga que esa raza debido a que su falsedad, su usura y su avaricia nos está llevando a la ruina. Por lo tanto, en la medida de lo posible, los judíos deben ser aislados y evitados.»

El siguiente cuadro “Retrato de la archiduquesa María Amalia”, obra de Andreas Möller, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1727.

María Amalia (1724-1730) fue la cuarta hija del emperador Carlos VI con la princesa alemana Isabel Cristina de Brunswick-Wolfenbüttel, se la representa con tres años de edad y murió a los seis años.

El siguiente cuadro “Retrato de la archiduquesa María Anna”, obra del pintor Andreas Möller, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1727.

María Anna (1718-1744) fue la tercera hija del emperador Carlos VI con la princesa alemana Isabel Cristina de Brunswick-Wolfenbüttel, tampoco vivió mucho tiempo pero se caso. No fue muy bien recibido porque el emperador esperaba el nacimiento de su primer hijo varón después de la muerte de su primogénito.

El siguiente cuadro “Retrato de Louise Margarethe princesa Arenberg”, obra del pintor Französische Maler, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1748; tiene unas medidas de 89 x 72 cm .

Louise Margarethe (1730-1820) era hija del Conde Ludwing Engelbert, se casó con el Duque Carlos de Arenberg. Se la representa a la edad de 18 años con flores en el tocado y con flores en ambas manos en un claro deseo de fecundidad.

El siguiente cuadro “Retrato de la archiduquesa María Anna”, obra de José Carreño de Miranda, estada datado en 1677, realizado en óleo sobre lienzo.

María Anna (1635-1696) hija del emperador Fernando III y María Ana Margarita de Austria, fue la segunda esposa de Felipe IV rey de España.

El siguiente cuadro “Retrato de la emperatriz María Teresa”, obra de un pintor español desconocido, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1662.

Se representa la emperatriz María Teresa de España (1651-1673), fue la emperatriz de Alemania, hija del rey Felipe IV y la reina Mariana de Austria, fue segunda esposa de Leopoldo I y además prima carnal.

Extraño retrato donde la emperatriz se la representa con un pelo largo y dos trenzas decoradas con innumerables lazos rojos que conjuntan con su vestido que la tapa los brazos y las manos.

El siguiente cuadro “Retrato de la Archiduquesa María Elisabeth”, obra de Charles Brandel, esta datado en 1684, realizado en óleo sobre lienzo.

María Elisabeth von Österreich (1680-1741) era hija del emperador Leopoldo I y Eleonor Magdalene of Pfalz-Neuburg. Recibió una gran educación escribió el libro Chronologia augustissimae Domus Austriacae en sinopsis collecta, que hablaba de la dinastía.

El siguiente cuadro “Retrato de Anna de Medeci”, obra Justus Sustermans, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1630.

La archiduquesa Anna de Medici (1616-1676) se la representa con un retrato de tres cuartos, viste sus mejores galas con un vestido negro corto de mangas con el cuello engolado, sobre su pelo lleva un tocado haciendo juego, en su mano izquierda un libro de oras y en su mano derecha un abanico sobre un mueble, a la misma altura un perro faldero.

El siguiente cuadro “Archiduque Segismundo Franz”, obra de Giovanni María Morandi, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1665.

Segismundo Franz (1630-1665) fue el segundo hijo de Leopold V y la etrusca Princesa Claudia de Medici.

Sin estar ordenado como sacerdote fue elegido como obispo de Augsburgo aunque era frecuente que la iglesia otorgara estos beneficios.

El siguiente cuadro “Galileo Galilei”, de autor desconocido, escuela italiana, realizado en óleo sobre lienzo esta datado en 1610; tiene unas medidas de 57x40 cm.

Galileo Galilei (1564-1642) relacionado estrechamente con la revolución científica que se produjo durante el renacimiento. Toco casi todas las ciencias y artes (música, literatura, pintura). Sus logros incluyen la mejora del telescopio, gran variedad de observaciones astronómicas, la primera ley del movimiento y un apoyo determinante al copernicanismo.

El siguiente cuadro “Francesco de Medeci”, de autor desconocido perteneciente a la escuela italiana, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 161 x 114 cm .

Francesco de Medici (1614-1634), fue el cuarto hijo de Granduque Cosme II de Toscana. Se convirtió en un oficial del ejército imperial, murió de la peste durante el asedio de Regensburg.

El siguiente cuadro “Retrato de María Leopoldine”, obra de Lorenzo Lippi, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1649.

María Leopoldine (1632-1649) fue archiduquesa de Austria y por el matrimonio con el emperador de Sacro Imperio Romano y Germánico fue emperatriz y reina de Bohemia y Hungría.

Casada con el emperador Fernando III, el 07 de agosto 1649 María Leopoldina dio a luz a un hijo en Viena. Las consecuencias de este nacimiento ella murió a los 17 años en el mismo día, después de 13 meses de matrimonio.

El siguiente cuadro “Archiduque Carlos José”, obra de Cornelis Sustermans, esta realizado en óleo sobre lienzo, datado entre 1653 y 1654.

El retrato del Archiduque Carlos José (1649-1664) se le representa con ardillas y flores a la edad de cuatro a cinco años, fue el único hijo del emperador Fernando III y su segunda esposa María Leopoldina.

El lienzo del Archiduque en figura completa con un traje de gala. Lo llamativo es su peculiar ropa que presuntamente se ha comprado en París, como la ropa de un niño joven del estilo de Luis XIV. Las grandes botas con cordones embudo rellenas, Una profusión de encajes, lazos y rosetones con una cinta que adorna el vestido. No menos efecto decorativo el gran sombrero de copa, con su arco y plumas ondeando. Estaba destinado para trabajar en el clero y comenzó como un sucesor de 13 años de edad, del archiduque Leopoldo Guillermo como obispo de Passau.

El siguiente cuadro “El Rey Fernando IV y la Archiduquesa María Anne”, obra de Frans Luycx, esta datado en 1636, realizado en óleo sobre lienzo.

El Rey Fernando IV (1633-1654) y la Archiduquesa María Anne (1635-1696) son los hijos del emperador Fernando III y la emperatriz Mary Anne.

El siguiente cuadro “Emperatriz María Anna”, obra de Friedrich Stoll, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1634.

El cuadro representa a la emperatriz María Anna (1606-1646) con su hijo Fernando IV (1633-1654), era la hija del rey español Felipe III y su hija Margarita de Austria.

El siguiente cuadro “Retrato de la Infanta Anna ”, obra de Juan Pantoja de la Cruz , realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1604.

La infanta Anna (1601-1666), fue infanta de España por su descendencia de los reyes Felipe III de España y de Margarita de Austria-Estiria, y reina consorte de Francia y de Navarra por su matrimonio con Luis XIII.

El siguiente cuadro “Retrato de Felipe II”, obra de Alonso Sánchez Coello, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1568.

El pintor Alonso Sánchez Coello fue el primer pintor de la corte Juan III de Portugal, posteriormente trabajo con Felipe II de España. Este busto del rey es la variante del pintor a los que se exponen en el Museo del Prado en Madrid, donde también se puede ver las manos de la niñera.

Felipe II lleva un traje negro y un gorro sobre su cabeza, destaca la gola propia de la corte española en su cuello porta la Orden del Toisón de Oro. Era el hijo del emperador Carlos V e Isabel de Portugal.

El siguiente cuadro “Retrato del Infante Carlos y la Infanta María Anna”, obra de Bartolomé González y Serrano, esta datado en 1612; tiene unas medidas de 137 x 118 cm .

El retrato se puede ver al Infante Carlos (1607-1632) quinto hijo del matrimonio formado por Felipe III y Margarita de Austria-Estiria y su hermana la Infanta Maria Anna (1606-1646).

El siguiente cuadro “Retratos de Fernando, Alfonso y Margarita”, obra de Bartolomé González y Serrano (1564–1627), esta datado en 1612.

El cuadro representa a los hijos de Felipe III rey de España Fernando, Alfonso y Margarita a una temprana edad.

El siguiente cuadro “Margarita con Carlos II”, obra de Bartolomé González y Serrano, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1603 y 1607.

El retrato de la reina de España Margarita de Austria (1584-1611) casada con el rey de España Felipe III acompañada del archiduque Carlos II.

La reina esta embarazada y luce en su cuello El Joyel Rico de los Austrias es una de las joyas más famosas de la historia, que tiene su origen en la Casa Real Española, en la Casa de Austria, siglo XVI. Estaba formada por el diamante El Estanque y por la perla La Peregrina y perteneció en primer lugar a Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II, aunque existen pruebas pictóricas de que pudo haber sido ofrecido por Felipe II anteriormente a su segunda esposa, la Reina de Inglaterra, María Tudor, lo que contradice las fuentes históricas sobre el Joyel.

El siguiente cuadro “Retrato de la Archiduquesa María Cristina”, obra de pintor Cornelis Vermeyen, esta datado en 1577, realizado en óleo sobre lienzo.

María Cristina de Austria (1574-1621) es retratada a la edad de 3 años era Princesa de los Habsburgo, hermana menor del rey húngaro y emperador germánico Fernando II de Habsburgo. Desde 1575 fue esposa del conde húngaro Segismundo Báthory, Príncipe de Transilvania.

El siguiente cuadro “Retrato de Gregoria Maximiliana”, obra de Jakob de Monte, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1591 y 1593.

El cuadro representa la archiduquesa Gregoria Maximiliana (1581-1597) a temprana edad, entre 11 y 12 años. En su cara se aprecia como aparece mas desarrollado labio inferior se define como una herencia genética de los Habsburgo. Ella tiene un desarrollo excesivo de la mandíbula inferior y forma parte de la cara habitual de los Habsburgo.

El siguiente cuadro “Retrato de la Archiduquesa Katharina Renea”, obra de Cornelis Vermeyen, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1577.

Katharina Renea von Österreich (1576-1595) era una hija del archiduque Carlos II de Austria Estiria (1540-1590) de su matrimonio con María Anna (1551-1608), también desarrollo en la cara un exceso de la mandíbula inferior como parte de la dinastía de los Habsburgo.

El siguiente cuadro “Archiduquesa María Cristina”, obra de autor desconocido, esta realizado en lienzo, datado en 1595.

La Archiduquesa María Cristina (1574-1621) Princesa de Habsburgo, hermana menor del rey húngaro y emperador germánico Fernando II de Habsburgo. Desde 1575 fue esposa del conde húngaro Segismundo Báthory.

Se representa con un precioso vestido de brocados de oro con una decoración de flores y perlas, sobre su cuello una prominente gola y destaca los enormes pendientes de perlas.

El siguiente cuadro “Duquesa de Sybille Jülich-Clave-Berg”, obra de Lucas van Valkenborh, esta datado entre 1579 y 1580, realizado en óleo sobre lienzo.

Jülich-Clave-Berg (1557-1626) era hija de William V, llamado Guillermo el rico y Jeanne d'Albret de Jülich-Kleve-Berg, hija del rey Enrique II de Navarra.

El siguiente cuadro “Archiduque Matías”, obra de Lucas van Valdckenborch, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1579.

Matías de Habsburgo (1577-1619) era hijo de Maximiliano II de Habsburgo y de María de Austria y Portugal. Hermano y sucesor de Rodolfo II. Archiduque de Austria, fue gobernador de Austria desde 1593, rey de Hungría desde 1608 y de Bohemia desde 1611 por la incapacidad mental de su hermano, asumiendo el título imperial a la muerte de éste, el 13 de junio de 1612. Se casó en 1611 con su prima Ana de Austria (1585-1618), hija de su tío, el archiduque Fernando II de Austria, conde del Tirol.

El siguiente cuadro “Archiduquesa Konstantia, reina de Polonia”, obra de Joseph Heintz, realizado en óleo sobre lienzo, esa datado en 1604.

Archiduquesa Konstantia, reina de Polonia (1588-1631) casó con Segismundo III Vasa de Polonia, tuvieron siete hijos entre ellos Juan II Vasa de Polonia.

El siguiente cuadro “Eleonore Gonzaga”, obra del taller de Peter Paul Rubens, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1600 y 1601.

La obra pudo ser una de las primeras que había pintado Rubens para la corte de Mantua, aunque hay diferencias en las distintas obras que realizo algunos años más tarde. Peter Paul Rubens fue contratado inicialmente en el servicio del duque Vincenzo Gonzaga en Mantua, antes de convertirse en pintor de la corte de la regente de los Países Bajos.

El Eleonore Gonzaga nació en 1598 por lo que el cuadro la muestra a la edad de 3 años, Gonzaga nació en 1598 como la hija del duque Vincenzo I de Mantua y Eleonora de Medici. En el retrato, la pequeña princesa está equipada con un vestido rojo. Además lleva una larga cadena que le recorre desde el vestido hasta la manga donde termina con un esmalte de un mono.

El siguiente cuadro “Retratos de María Magdalena” obras de Pourbus Frans el joven, realizados en óleo sobre lienzos; están datados en 1604; tiene unas medidas de 116 x 108 cm .

María Magdalena von Österreich (1589-1631) es pintada por Pourbus Frans el joven como pintor se traslada a Italia, donde desde 1600 ingresa como retratista de la corte del duque de Mantua. Después de su estancia en Mantua, vivió en Innsbruck, Nápoles, en 1606 en París y Turín. María de Medici le nombró pintor de la corte en 1609. En 1610 se instaló en París, donde pinta para los reyes Enrique IV y Luis XIII.

El siguiente cuadro “Retrato de Maximiliano I de Baviera”, obra de Joachim von Sandrat, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1643.

Maximiliano I de Baviera (1573-1651) fue un gran reformador, reorganizó el país económicamente y lo hizo financieramente más eficiente, a través de la eliminación de los derechos feudales de la participación, fue el verdadero fundador de la regla absolutista en Baviera.

El siguiente cuadro “Retrato de María Anna”, obra de Joachim von Sandrart, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1643.

María Anna von Österreich (1610-1665) fue una archiduquesa de Austria y por el matrimonio electora de Baviera, se caso con Maximiliano I de Baviera.

La princesa viste en el retrato los famosos collares de perlas de la Tesorería de Munich; el gran colgante de diamantes en el pelo ya estaba en posesión de la primera esposa de Maximiliano I.

El siguiente cuadro “Retrato de Maximiliano I”, obra de la escuela alemana, antes B. Stringel, realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1508; tiene unas medidas de 77 x 45.5 cm .

Maximiliano I (1459-1519) era hijo de Federico III y Eleonor de Portugal fue nombrado emperador del Sacro Imperio Romano Germánico.

El retrato el emperador lleva una armadura fechada alrededor de 1500, probablemente construida en la fundición de Lorenz Helmschmied de Augsburgo (Alemania). Porta el cetro y a través de la ventana se puede ver una escena de caza.

El siguiente cuadro “Retrato de Blanca María Sforza”, obra perteneciente al taller de Bernhard Strigel, esta datado entre 1505 y 1510, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 76x43,5 cm.

Blanca María Sforza (1472-1510) fue segunda esposa del emperador Maximiliano I, su padre el duque de Milán, Galeazzo María Sforza. Con este matrimonio aumenta el imperio hacia el norte de Italia, y gracias a sus ingresos le permite al emperador emprender la lucha contra los turcos.

El retrato lleva un magnifico traje típico del siglo XVI de diseño italiano con un gran trabajo de confección en los finos brocados de oro, lleva un largo cordón de oro y de perlas, sobre su cuello una gargantilla con una enorme perla de lágrima.

El siguiente cuadro “Retrato del Duque Philibert II de Saboya”, obra de autor desconocido, pertenece a la escuela holandesa, esta realizado en óleo sobre madera, datado en 1500.

Philibert II de Saboya (1480-1504) era hijo de Felipe II “Sin Tierra”, duque de Saboya y Margarita de Borbón. Se caso con Yolanda Luise de Saboya y Margarita de Habsburgo, Princesa de Asturias. Era hermano de Luisa de Saboya, condesa d'Angoulême y Jérôme de Savoie.

El retrato de medio cuerpo lleva un precioso vestido con brocados y pieles en su cuello se puede leer la inscripción: PALMA 10 DE HERTOGE VE SOVOIEN LAET OVC.

El siguiente cuadro “Retrato de la Archiduquesa Margarita”, obra de autor desconocido, pertenece a la escuela holandesa, realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1506.

La archiduquesa Margarita (1480-1530) era hija del archiduque Maximiliano de Austria (luego fue nombrado emperador Maximiliano I del Sacro Imperio Romano Germánico) y de su matrimonio con María de Borgoña, duquesa de Borgoña.

Se casó con Juan de Aragón y Castilla, el hijo de los Reyes Católicos, heredero al trono de Castilla y Aragón con el título de Príncipe de Asturias.

El siguiente cuadro “Retrato del emperador Federico III”, obra de autor desconocido, pertenece a la escuela alemana, esta datado en el siglo XVI, realizado en óleo sobre madera.

El Emperador Federico III (1415-1493), era hijo de Ernesto duque de Austria y de de la princesa polaca Cimburgis de Marsovia, fue nombrado emperador de Sacro imperio el 2 de febrero de 1440 en la ciudad de Frankfurt.

El siguiente cuadro “Retrato del Rey Felipe I el Hermoso”, obra atribuida al maestro de Magdalenenlegende, esta datado en 1500, realizado en óleo sobre madera.

El rey Felipe I el Hermoso (1478-1506) era hijo del emperador Maximiliano I y María de Borgoña. Fue rey consorte de Castilla y de León (1506) por su matrimonio con Juana, hija y heredera de los Reyes Católicos después de la muerte de sus hermanos los infantes Juan e Isabel.

El siguiente cuadro “Retrato de la Reina Juana “la loca”, obra atribuida al maestro de Magdalenenlegende, esta datado en 1500, realizado en óleo sobre madera.

La reina Juana la loca (1479-1555) fue infanta de Castilla y Aragón. Desde joven mostró signos de indiferencia religiosa que su madre trató de mantener en secreto. En 1496 contrajo matrimonio con Felipe el Hermoso, archiduque de Austria, duque de Borgoña y Brabante y conde de Flandes. Tuvo con Fernando seis hijos:

Leonor (1498- 1558). Fue reina consorte de Portugal siendo la tercera esposa de Manuel I de Portugal y a la muerte de este contrajo matrimonio con Francisco I de Francia.

Carlos (1500-1558), rey de España, con el nombre de Carlos I, y Sacro Emperador Romano con el nombre de Carlos V y que se casó con Isabel, la hija de Manuel de Portugal. Isabel (1501-1526), reina consorte de Dinamarca y la Unión de Kalmar, esposa de Cristián II.

Fernando (1503-1564), Sacro Emperador Romano, con el nombre de Fernando I, al suceder a su hermano Carlos en el puesto tras la decisión de este de dividir el Imperio entre su hermano y su hijo.

María (1505-1558), reina consorte de Hungría y Bohemia, esposa de Luis II y a la muerte de este fue Gobernadora de los Países Bajos.

Catalina (1507-1578), fue reina consorte de Portugal, casada con Juan III, fue abuela del rey Sebastián I de Portugal.

El siguiente cuadro “Carlos I el temerario”, obra de Rogier van der Weyden, esta datado en el siglo XVI, realizado en óleo sobre madera.

Carlos el Temerario (1433-1477) fue duque de Borgoña y Luxemburgo desde línea lateral de Borgoña de la casa real francesa de Valois. Sus padres fueron Felipe III y Isabel de Portugal.

El siguiente cuadro “Retrato del Emperador Fernando I”, obra de autor desconocido aunque se sabe que fue pintado por un maestro austriaco, esta datado en 1520, realizado en óleo sobre madera.

Fernando I de Habsburgo (1503-1564) Era hijo de Felipe el Hermoso y de Juana I de Castilla y, por lo tanto, hermano de Carlos I de España.

El lema de Fernando fue « Fiat justitia et pereat mundus » (“Que se haga justicia, aunque perezca el mundo”). A la muerte de su abuelo Maximiliano I fue nombrado heredero de Sacro Imperio.

El siguiente cuadro “Rey Ludovico II de Hungría y Bohemia”, obra de autor desconocido, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 31.5 x 25 cm .

Luis II de Hungría (1506-1526) Hijo de Ana de Foix-Candale y de Vladislao II de Hungría, al que sucedió (1516-1526), su sucesor fue Fernando I de Habsburgo como emperador de Sacro Imperio.

El siguiente cuadro “Margarita de Parma”, obra de Anthonis Mor, realizado en óleo sobre lienzo.

La Duquesa Margarita de Parma (1522-1586) hija de Carlos V con Juana van der Gheist, era una de la hijas ilegítimas que tuvo el emperador Carlos V antes y después de su matrimonio con Isabel de Portugal, mantuvo varias relaciones amorosas con distintas mujeres que le dieron algunos hijos ilegítimos que terminaban en un convento. La duquesa Margarita fue la única hija a la que no relegó a un convento o a una vida alejada de la corte. Educada por otra Margarita de Austria, regente de los Países Bajos, su existencia transcurrió entre su tierra natal e Italia, fue nombrada duquesa de Florencia y de Parma y gobernadora de los Países Bajos.

Más adelante el cuadro “Retrato del Emperador Carlos V y sus dos hermanas”, obra del maestro de la cofradía de San Jorge, esta datado en 1502, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 36,5 x 18 cm .

El cuadro muestra en el centro al Emperador Carlos V a la edad de 2 años, está acompañado a la izquierda por su hermana Leonor y su otra hermana situada a la derecha Isabel.

El siguiente cuadro “Retrato del Emperador Carlos V”, obra de un maestro alemán, esta datado en 1515, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 60 x 42.5 cm .

Emperador Carlos V (1500-1558) se representa como un chico de 12 años. Lleva un conjunto de armadura como un regalo de su abuelo, el emperador Maximiliano I, que había encargado para él en Augsburgo.

Más adelante podemos ver el cuadro “Retrato de Felipe II rey de España”, obra de Alfonso Sánchez Coello, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1566.

Alfonso Sánchez Coello fue un gran pintor renacentista español, nombrado pintor de cámara de Felipe II. Entre su obra, se encuentran diversas escenas religiosas para la iglesia y los nobles de la corte, aunque su fama la debe a los retratos, todos ellos de la familia real o su entorno cercano. Son retratos de gran sencillez en los que refleja sin artificio a los personajes, casi siempre situados ante un fondo neutro.

El siguiente cuadro “Retrato de Isabel de Portugal”, de autor desconocido italiano, esta datado en el siglo XVI, realizado en óleo sobre lienzo.

Isabel de Portugal (1503-1539) también es nombrada como Isabel de Avís, fue la única esposa de Carlos I de España, emperatriz consorte del Sacro Imperio Romano Germánico y reina de España. Actuó como gobernadora de los reinos españoles durante los viajes por Europa de su marido.

El siguiente cuadro “Retrato del Emperador Carlos V”, obra de Francesco Terzio, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1550.

Emperador Carlos V (1500-1558), era retratado durante su viaje a Italia a los 50 años de edad. Era un hombre profundamente religioso en cuyo seno la inquisición organizaba la vida en España.

Carlos V estaba a favor del erasmismo y la Iglesia no. De manera que la Inquisición , en 1533, durante los cuatro años que se ausentó Carlos V de España (1529-1533), había conseguido asociar, a los ojos de la opinión pública, las enseñanzas de Erasmo con las herejías de Lutero, convirtiendo así a Erasmo en un hereje. 

El siguiente cuadro “Francesco Donato duque de Venecia”, de autor desconocido aunque pertenecía a la escuela veneciana de pintura, esta datado en el siglo XVI, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 93 x 75 cm .

Francesco Donato doge de Venecia (1488-1553) lleva las vestiduras oficiales, con capa Ducal blanca, capa con grandes botones dorados y cuello de armiño.

El siguiente cuadro “Retratos del Emperador Maximiliano II y sus dos hermanos”, obra de Jacob Seisenegger, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1539, tiene unas medidas de 49 x68 cm.

El cuadro esta el Emperador Maximiliano II. (1527-1576) con sus hermanos Fernando II. (1529-1595) y Johann (1538-1539).

Maximiliano fue coronado el 14 de mayo 1562 en Praga como Rey de Bohemia y después coronado el 24 de noviembre de ese año en Frankfurt, es elegido como rey romano-alemán. Tuvo lugar el 16 de julio 1563 en Presburgo (ahora Bratislava) su coronación como rey de Hungría y Croacia. El 25 de julio de 1564, sucedió a su difunto padre Fernando I en el reinado del Sacro Imperio Romano de la nación alemana.

El cuadro lleva las inscripciones: a la Izquierda , MAXIMILIAN ERZHERÖG ZV ÖSTERREICH WAR GEPORN AM ERSTN TAG AVGVSTI DES 1527 JARS; en el centro: FERDINAND ÖRZHÖRZOG ZV ÖSTERREICH WAR GEPORN AM 14: TAG IVNY DES 1529 IARS; a la derecha: IOHAN ÖRZHÖRZOG ZV ÖSTERREICH WAR GPORN AM X. TAG ABRILL DES 1538 IAR STARB AM XX. TAG MARCI DES 1539 IARS.

Más adelante podemos ver “Retrato de Ana de Dinamarca”, obra de Lucas Cranach el joven, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 215x104 cm.

Ana de Dinamarca (1532-1585), hija del rey Christian III, casada con Elector Augusto de Sajonia.

El siguiente cuadro “Retrato de Augusto de Sajonia”, obra de Lucas Cranach el joven, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 215x104 cm.

Augusto de Sajonia (1526-1586), fue un príncipe elector, un protestante con un papel decisivo en la conformación de la Paz de Augsburgo entre católicos y luteranos en 1555.

El siguiente cuadro “Archiduquesa Ana”, obra de Jakob Seisennger, cuadro realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 190 x 94.5 cm .

La archiduquesa Anna (1528-1590), hija del rey Fernando y su esposa, Ana de Hungría, se casó con Alberto de Baviera.

El siguiente cuadro “ La Archiduquesa Magdalena ”, obra de Jakob Seisenegger, realizado en óleo sobre madera, esta datado entre 1545 y 1550.

La archiduquesa Magdalena (1532-1590) era una hija de Fernando I de la Casa de Habsburgo. Así que ella era una sobrina del emperador Carlos V y una nieta de Felipe el Hermoso y Juana de Castilla.

El siguiente cuadro “Retrato del Emperador Maximiliano II”, obra de Nicolás Neufchatel, esta datado en 1566, realizado en óleo sobre madera.

El Emperador Maximiliano II (1527-1576) se le representa a la edad de 40 años. Durante su reinado trató de favorecer el entendimiento entre católicos y protestantes y fue durante toda su vida uno de los últimos ejemplos de monarca humanista del siglo XVI. Sus intentos se vieron frustrados por la desconfianza entre las dos confesiones. También atrajo ciertos recelos del Papado por su actitud tolerante con los protestantes, ya que se había educado entre luteranos.

El siguiente cuadro “Retrato de la Archiduquesa Eleonora ”, obra de Jakob Seisenegger, esta datado en 1536, realizado en óleo sobre madera.

La Archiduquesa Eleonora (1534-1594) nació como el octavo hijo del emperador Fernando I de Habsburgo y su esposa Anna Jagellónica.

El siguiente cuadro “Retrato del emperador Fernando I”, obra de Jan Vermeyen, realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1530.

El emperador Fernando I (1503-1564) tuvo una vida muy azarosa, los primeros meses de su vida estuvo alejado de sus padres, cuidado por su abuela Isabel que estaba moribunda, primero en fue a Alcalá, luego en Segovia y finalmente en Arévalo, siempre a merced de un grupo de servidores que le atendían. Su abuelo Fernando de cuando en cuando se acercaba a verle mitigando su soledad con el bálsamo de su compañía. A su padre, el Rey consorte Felipe el Hermoso, le conoció fugazmente cuando él tenía algo más de tres años ya que meses después el Monarca moriría en Burgos.

El siguiente cuadro “Retrato del Archiduque Karl II”, obra del llamado Monogramista con la marca LP, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1569.

El Archiduque Karl II (1540-1590) a diferencia de su hermano Maximiliano (II). Él era un católico devoto y condujo la Contrarreforma , como ejemplo, fue el que autorizo a la orden de los jesuitas para que se establecieran en el país.

Mas adelante “Retrato de la reina de Francia Elisabeth”, obra de Jakob Monte, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1580.

La Reina Elisabeth (1554-1592) procede de la casa de los Habsburgo porque fue la esposa del rey Carlos IX (1570-74) reina de Francia.

El siguiente cuadro “Maximiliano con su familia”, obra de Guiseppe Arcimboldo, esta datado entre 1553-1554, realizado en óleo sobre lienzo.

El cuadro simboliza al emperador Maximiliano II (1527-1576) con su esposa María de España (1528-1603) la reina Anna (1549-1580), Rudolf (1552-1612) y Ernst (1553-1595).

Este retrato de grupo se atribuye al pintor Giuseppe Arcimboldo, que llegó a Praga como pintor de la corte para Fernando I, Maximiliano II y Rodolfo II. Se le conoce principalmente por sus retratos humanos compuestos por flores, frutas o animales.

Se representa junto al emperador Maximiliano II a su consorte, María de España, y su hija mayor, Anna; detrás de ellos esta Rudolf y, en la cuna, Ernst.

El siguiente cuadro “Retrato Karl I de Inglaterra”, obra de Anthonis van Dyck, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1632.

El rey Carlos I de Inglaterra (1600-1649) fue el segundo hijo del rey Jacobo VI de Escocia y Ana de Dinamarca. Jacob se trasladó en 1603 como resultado de su entronización de Edimburgo a Londres. Carlos llegó a Inglaterra a la edad de tres años. El 06 de noviembre 1612 murió inesperadamente su hermano mayor Henry Frederick, y el 04 de noviembre 1616 Carlos fue nombrado el undécimo Príncipe de Gales.

El siguiente cuadro “Retrato del Rey Jacobo I de Inglaterra”, obra de John de Critz, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1605.

El Rey Jacobo I de Inglaterra (1566-1625) era hijo de María Estuardo, fue proclamado rey con un año de edad. Durante su minoría de edad tuvo una serie de regentes que gobernaron en su nombre y lucharon por el poder, hasta que ésta terminó oficialmente en 1578. Sin embargo, no obtuvo el verdadero control del aparato del Estado hasta 1581. En 1603 sucedió en el trono de Inglaterra e Irlanda a la última Tudor, Isabel I, que murió sin descendencia. Reino conjuntamente Inglaterra, Escocia e Irlanda por espacio de 22 años, hasta su muerte a los 58 años.

A lo largo de su vida Jacobo tuvo relaciones tan estrechas con los hombres de su corte, que muchos historiadores han especulado y debatido largo y tendido sobre su orientación sexual.

El siguiente cuadro “Retrato de Anna de Dinamarca”, obra de un autor desconocido de la escuela inglesa, esta realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1601.

Anna de Dinamarca (1574-1629) fue una princesa de la Casa de Oldenburgo y luego reina consorte de Inglaterra y Escocia al casarse con Jacobo VI de Escocia.

El siguiente cuadro “Retrato de Elisabeth I de Inglaterra”, obra de Nicolás Hilliard, esta realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1580.

La reina Elisabeth I de Inglaterra (1533-1603) fue reina de Inglaterra e Irlanda desde el 17 de noviembre de 1558 hasta el día de su muerte. Isabel fue la quinta y última monarca de la Dinastía Tudor. Hija de Enrique VIII, nació como princesa, pero su madre, Ana Bolena, fue ejecutada cuando ella tenía tres años, con lo que Isabel fue declarada hija ilegítima. Sin embargo, tras la muerte de sus hermanos Eduardo VI y María I, Isabel asumió el trono. La Reina de Inglaterra, María, era ferviente defensora de la religión católica, fallece dejando el trono a su hermana paterna Elizabeth como fue educada en el protestantismo impuso esa religión.

El siguiente cuadro “María de Inglaterra”, obra de Anthonis Mor, esta datado en 1554, realizado en óleo sobre madera.

La reina María Tudor de Inglaterra (1516-1558) fue reina de Inglaterra e Irlanda desde 1553, siendo la tercera mujer en acceder al trono inglés, después de Matilde de Inglaterra y de su prima segunda Juana Grey. Era hija de Enrique VIII y Catalina de Aragón.

El siguiente cuadro “Retrato de la Archiduquesa María Herzogin in Bayern de Bavaria”, obra de Hans Schöpfer, esta datado en 1564, realizado en óleo sobre lienzo.

La Archiduquesa María Herzogin in Bayern de Bavaria (1551-1608) fue la hija de Alberto V de Baviera y de la archiduquesa Ana de Austria (1528-1590). Sus abuelos maternos fueron Fernando I de Habsburgo, emperador del Sacro Imperio, y Ana de Bohemia y Hungría, hija del rey Ladislao II de Bohemia y Hungría.

María Ana contrajo matrimonio con su tío materno Carlos II de Estiria, con quien tuvo quince hijos.

Aquí damos por terminado la visita a la colección de cuadros históricos del Castillo de Ambras, bajamos por la torre del homenaje del siglo XIII y en la planta baja se encuentra una importante colección de esculturas góticas y pinturas Bajomedievales.

Altar de San Jorge, Castillo de Ambras en Innsbruck

Casi todos los objetos que forman la colección datan de la época del emperador Maximiliano I (1459-1519).

El altar de San Jorge es una obra central, probablemente como una pieza de Maximiliano I; que encontraba en la capilla de San Jorge en el jardín del castillo, que fue demolido durante en 1777. El emperador, que fundó una hermandad de San Jorge en 1493 y una sociedad de St. George en 1503, fue particularmente unido al santo caballero que simboliza los ideales de las cruzadas y la defensa contra los otomanos. Los santos en las alas pintadas del altar se cree que son retratos de los nietos de Maximiliano, los emperadores Karl V y Fernando I.

Terminada la visita al castillo de Ambras y después del atracón de cuadros históricos, todos ellos forman una colección única en el mundo. Nos damos cuenta de lo cerca que hemos vivido durante siglos y los lazos de unión entre Austria y España, pese a que vivimos en los extremos de Europa, pero dicen que los extremos en algunos casos se tocan y este nexo de unión fue la defensa religión católica frente a la dominación otomana y el ímpetu reformador de la iglesia protestante.

El nombre de la dinastía de los Habsburgo procede del castillo suizo Habichtsburg, fue la residencia familiar de la casa durante los siglos XI, XII y XIII en lo que fue el antiguo ducado de Suabia, hoy en día constituye Suiza. En una basta región que va desde el sudoeste de Alemania y donde la familia extendió su influencia y los asentamientos en los extremos del sudeste del Sacro Imperio Romano Germánico, aproximadamente lo que es hoy en día Austria. Esto se hizo en tan sólo dos o tres generaciones, los Habsburgo habían logrado obtener un alcance inicialmente intermitente en el trono imperial que duraría siglos (1273-1291, 1298-1308, 1438-1740 y 1745-1806).

Después del matrimonio del emperador Maximiliano I con María, heredera de Borgoña (que controlaba entre otros los Países Bajos) y el matrimonio de su hijo Felipe el Hermoso con Juana la loca, heredera de España y su recién fundado imperio, Carlos V heredó España, Italia del sur, Austria y los Países Bajos. En 1580 su hijo Felipe II  heredó Portugal y sus colonias.

Bajo Maximiliano II, los Habsburgo adquirieron primero la tierra donde después construirían el Palacio de Schönbrunn: el palacio de verano de los Habsburgo en Viena y uno de los símbolos más duraderos de la dinastía.

Después de la asignación el 21 de abril de 1521 de las tierras austríacas a Fernando I, por su hermano, el Emperador Carlos V (también Rey Carlos I de España) (1516–1556), la dinastía se dividió en dos; una parte será la austríaca y la otra la española. Los Habsburgo austríacos llevaron (después de 1556) el título de Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, así como de las tierras hereditarias de los Habsburgo y los Reinos de Bohemia y Hungría, mientras los Habsburgo españoles gobernaban sobre los reinos españoles, los Países Bajos, las posesiones españolas en Italia provenientes de la Corona de Aragón, y durante un tiempo, Portugal. Aunque Hungría estuvo bajo el reinado de los Habsburgo desde 1526 pero en su mayor periodo fue bajo ocupación turca otomana durante 150 años, fue reconquistada en 1683–1699.

Los Habsburgo españoles desaparecieron en 1700 por causa de un rey completamente disminuido e incapaz de gobernar, Carlos II de España aunque la dinastía de los Habsburgo españoles continuó con la descendencia de Don Juan José de Austria (único hijo ilegítimo reconocido por Felipe IV) y de Don Carlos Fernando de Austria y Manrique. Después de la muerte de Carlos II se produjo la Guerra de Sucesión Española, cosa que se repetiría con los Habsburgo austríacos en 1740, originando la Guerra de Sucesión Austriaca. Sin embargo, la heredera del último Habsburgo austríaco (María Teresa) se casó con Francisco Esteban, Duque de Lorena, ambos bisnietos del Emperador Habsburgo Fernando III, pero desde diferentes emperatrices. Sus descendientes continuaron la tradición de los Habsburgo de Viena bajo el nombre dinástico Habsburgo-Lorena. Se especula a menudo que los matrimonios consanguíneos entre ambas líneas contribuyeron a su extinción, pero hubo pocos matrimonios de este tipo en la línea austríaca. La muerte de las jóvenes herederas por viruela fue la causa.

A la salida del Castillo de Ambras tomamos el bus turístico que nos deja en el centro de Innsbruck. Nos apeamos en la estación del funicular que sube hasta lo alto de la montaña se llama Hungerburgbahn y te sube desde la estación de Congress a 560 metros hasta lo mas alto de la montaña en la estación de Hafelekar a una altitud de 2256 metros , desde donde se tiene unas impresionantes vistas de la ciudad de Innsbruck. Los vagones salen cada 15 minutos y se puede subir con perros.

Al final decidimos no subir por el precio 29,50 euros ida y vuelta y también por el tiempo necesario para disfrutar de este trayecto.

Nos llama la atención el diseño de esta estación del funicular fue encargada a la arquitecta mundialmente conocida Zaha Hadid , que marcó un hito en la historia arquitectónica de la ciudad con su espectacular diseño para el trampolín de salto de Bergisel y un puente sobre el río Inn.

Dame Zaha Hadid, DBE es una prominente arquitecta anglo-iraquí, procedente de la corriente del deconstructivismo. A pesar de ser de nacionalidad iraquí, la mayor parte de su vida la ha pasado en Londres, donde se ubica su estudio de arquitectura.

La arquitecta indica que para el diseño se inspiro en las formaciones de hielo natural de las montañas del norte de Innsbruck. Creando una serie de estructuras orgánicas que flotan sobre los zócalos de hormigón, sus formas suaves y los contornos crean un paisaje artificial que intenta describir el movimiento del interior para servir de unión entre la ciudad y la montaña.

La evolución de este tipo de arquitectura en el mundo se debe a las nuevas tecnologías, en la actualidad los arquitectos realizan proyectos muy de la mano de los cálculos de ingenieros de estructuras.

La arquitectura forma parte de las tendencias y las modas y se adaptan a las necesidades de los clientes. Este tipo de trabajos son los que cambian la percepción de los ciudadanos de sus nuevas obras y que en algunos casos cambian la imagen de toda una ciudad.

Caminamos hasta el Tejadillo de Oro o también conocido como Goldenen Dachl, verdadero centro histórico, y nos vuelve a confirmar que Austria es un país vivo y polivalente, sus espacios históricos son ocupados sin ningún rubor para hacer cualquier tipo de espectáculos culturales.

En estos momentos la plaza esta ocupada por una enorme orquesta de decenas de músicos, son de un amplio abanico de edades, están interpretando música muy variada, se trata del Colegio Japonés Dokkyo Saitana Junior y Senior High School y su orquesta llamada Brass Band Club en estos momentos interpretan la canción “Omens of Love” . Lo que identifica el colegio con la ciudad de Innsbruck es porque fue el primer colegio japonés bilingüe que eligió la lengua alemana para su enseñanza y esto le ha abierto las puertas para el intercambio cultural entre países de habla alemana.

Estamos en el momento más duro día son 14,00 horas y tenemos hambre: La ciudad de Innsbruck marca la diferencia con los usos y costumbres, es una ciudad cosmopolita y los horarios están tan cerca de los españoles que podemos comer a cualquier hora del día.

Nos sentamos en un restaurante cercano y probamos la influencia de la cocina italiana en la cocina austriaca, comemos muy bien y a unos precios muy competitivos, nada que ver con Suiza, podemos decir que Austria es muy similar a España en los precios, aunque ellos tienen un gran nivel de vida que les hace no pasar las penalidades que pasamos los españoles.

Después de la comida marchamos hasta el cercano Palacio Imperial de Innsbruck o Kaiserliche Hofburg Innsbruck, el precio del billete combinado para adultos es de 10 euros y el horario de 9,00 a 17,00 horas.

Nos volvemos a encontrar con la banda de música japonesa que estaba interpretando esta mañana en la plaza del Tejadillo de Oro, en esta ocasión van a ofrecer un concierto clásico en la Sala de los Gigantes del Kaiserliche Hofburg Innsbruck corresponde al Colegio Japonés Dokkyo Saitana Junior y Senior High School y su orquesta llamada Brass Band Club, como tenemos ocasión de disfrutarlo pasamos con ellos.

El marco es excepcional porque la decoración de la sala fue obra de María Teresa que hizo retratar a sus hijos y nietos. Además, en las paredes está reproducido el ciclo de Hércules.

Heracles (Hércules para los romanos) es el más famoso de los héroes helénicos y el protagonista de un ciclo épico que lleva sus hazañas por todo el orbe conocido de los antiguos griegos. Fue el héroe más admirado de la antigüedad, adorado en multitud de templos en Grecia y Roma.

En estos momentos la Sala de Gigantes del palacio esta ocupada mayoritariamente por los numerosos elementos que componen esta banda además de todo su atrezo. Por un momento cerramos los ojos ante el comienzo de las primeras notas musicales para sentir, seguramente lo mismo, que sintió María Teresa escuchando sus reuniones musicales.

La Archiduquesa María Teresa Amalia Walburga Cristina de Habsburgo fue una mujer muy refinada, educada con una formación lingüística. La familia imperial tenía la costumbre de representar escenas de óperas, muchas veces conducidas por el propio Carlos VI, en las cuales María Teresa participaba con entusiasmo. Es considerada por los austriacos como un ejemplo de buen gobierno, de sensatez política y de virtudes personales, acuño para siempre la famosa frase: “Más vale una paz relativa que una guerra ganada”.

Durante una hora escuchamos música clásica de esta banda japonesa en esta enorme sala de 11 metros de altura, de 31,5 metros de largo y de 13 metros de ancho hasta recorrer visualmente toda la colección de pinturas del siglo XVI. Destaca el fresco del techo fue pintado en 1776 por Franz Anton Maulpertsch. Es una alegoría del poder de reciente creación de la casa de gobierno, donde el panel central grande representa el triunfo de la Casa de Habsburgo-Lothingen. Los dos laterales más pequeños sirven para documentar la riqueza del país. Las tres grandes tallas de madera de tilo, techos dorados y candelabros fueron realizadas por el escultor vienés Stark.

Antes de entrar en la Sala de los Gigantes hemos pasado por una más pequeña corresponde con la Sala de Guardia, sirvió como un vestíbulo de la Sala de los Gigantes. Está decorada con pinturas que representan escenas de la guerra de Turquía. Las tres grandes pinturas fueron creadas por Jean Baptiste Martin en 1715.

La siguiente estancia de los apartamentos es la Sala de Audiencias esta presidida por los retratos de María Teresa y su marido Francisco Esteban. En el centro el sillón del trono con tapicería de damascado de oro. El espacio fue diseñado por la familia Lorena.

Más adelante la Sala de Juntas, se creo en 1773 como Sala del Consejo era el lugar donde los Habsburgo trataban temas religiosos y donde recibían a las distintas órdenes y también celebraban las fiestas y ceremonias religiosas. En esta habitación María Teresa celebró el consejo para la fundación de la orden de San Esteban de Hungría.

María Teresa sentía una especial simpatía por los húngaros, puesto que éstos la habían ayudado a acceder al trono. En forma de gratitud se rodeó de húngaros y en 1764 fundó una Orden de Caballería, conocida como la Orden Real de San Esteban denominada en latín: Insignis Ordo Sancti Stephani (Regis Hungariae Apostolici). Esta Orden continuó su historia hasta 1938, cuando el regente húngaro Nicolás Horthy asumió la conducción del país y esta institución.

La pintura del frente de la sala corresponde con la fiesta del Toisón de Oro que se celebra en el palacio de Hofburg de Viena.

La siguiente es la Sala Residencia fue ocupada por María Elisabeth (1743-1808) , hija de María Teresa, se convirtió en abadesa de Fundación Colegiata de Mujeres Nobles en 1781. Durante el siglo XVII Elisabeth fue la única persona que vivó en el apartamento durante muchos años.

Las siguientes salas son los apartamentos privados de María Elisabeth. En el curso de las reformas, el apartamento interior fue restaurado con los muebles originales y los tejidos y revestimientos de paredes de seda. En un proceso complejo, las telas han sido copiadas de los patrones originales de 1858.

La siguiente es la Sala Antecámara , sufrió numerosos cambios durante el periodo de María Teresa, el apartamento interior sirvió como cuartos privados para los miembros femeninos de la casa imperial. El mobiliario actual de las cinco salas principales se remonta a la segunda mitad del siglo XIX.

La siguiente estancia es el Salón de la Emperatriz , correspondía con las habitaciones privadas, cada uno de ellas está decorado con un color diferente. La elección del color dependía de la función de la habitación como se establece en un código preciso. Las habitaciones estaban decoradas en el estilo rococó modelo que imperaba en aquella época.

Saliendo la siguiente Sala es un armario vestidor, aunque también era utilizada como una sala de espera para los sirvientes. La habitación esta amueblada con muebles de época.

Más adelante esta “El Dormitorio de Sus Majestades” fue utilizada por el emperador Francisco José I de Habsburgo que pasó la mayor parte del tiempo en el Tirol, y su esposa Sissi pasó varias noches en el Hofburg.

No había palacio en aquella época que no tuviera su propia Sala China, aunque en Austria había poco conocimiento de lo que ocurría en Asia pero a través de las casas europeas tenían esa tendencia a decorar una de sus mejores salas con murales chinos del siglo XVIII.

La siguiente Sala es el Comedor Ajuste en la tabla de la Corte , data de 1840, la mesa podría albergar entre nueve y trece comensales. El emperador se sentaba en el centro flanqueado alternativamente por hombre y mujeres.

La siguiente sala es la Galería de los Retratos donde se exhiben una serie de retratos de varios miembros de la dinastía de los Habsburgo.

Saliendo en dirección a la sala de audiencias y nuevamente pasando por la sala de los Gigantes se llega a la Capilla. Fue construida siguiendo las instrucciones de María Teresa, mujer educada y con gran sentido religioso, corresponde con la habitación en la que el emperador Francisco Esteban murió, pasa a convertirse en una capilla de la corte. La obra se terminó en 1766 y la capilla se utiliza para la oración silenciosa de los miembros de la Fundación Colegial de Mujeres Nobles.

Después de visitar el palacio caminamos por el centro de la ciudad sin rumbo fijo disfrutando de la tarde y de las compras, en todas las cafeterías ofrecen en letras grandes el típico postre de manzana austriaco “apfelstrudel”, nos hacemos sitio en una de las terrazas que lo sirven con muchas variedades de cafés o chocolates se llama Strudel-Cafe Kröll, esta en la calle Hofgasse 6, es uno de los más famosos de la ciudad, verdaderamente delicioso y reconfortante.

Desde aquí marchamos por el casco antiguo hasta la calle principal de la ciudad Maria-Theresien-Straße, corresponde con el ensanche de la ciudad y domo, su construcción responde al gran incendio de la ciudad sobre las casas de madera, esto obligo hacer un decreto que todas las casas de Innsbruck debían construirse en piedra. Como resultado de la construcción de estos nuevos edificios gubernamentales y de altos funcionarios se crea la calle con unas fachadas barrocas y de estilo rococó.

En el centro de la calle se levanta la columna de Annasäule, conmemora la Guerra de Secesión Española con la expulsión de las tropas bávaras del Tirol en 1703, fue un encargo de la burguesía de la ciudad al escultor italiano Cristoforo Benedetti. El monumento se levanta en 1706. Una enorme columna de color rosa esta coronada por la imagen de la Santísima Virgen , a sus pies cuatro pedestales orientados a los puntos cardinales con las imágenes: al norte Santa Ana, madre de María; al sur San Jorge con el dragón y la lanza; al este Virgilio, patrono de la diócesis de Trento; al oeste San Casiano de Imola patrono de la diócesis de Brisen.

En la misma calle destaca la torre de color rosa y blanco, corresponde con la iglesia del Hospital del Espíritu Santo también llamada Spitalkirche. La iglesia del hospital fue trasladada aquí en 1326 por el riego de infección a esta zona fuera de las antiguas murallas de la ciudad.

En 1700 se levanta el actual edificio sustituyendo a la anterior iglesia gótica, esta nueva es de estilo barroco proyectada por el arquitecto Johann Martin Gumpp el Viejo.

En su interior la planta es de una sola nave donde destacan la profusión de estucos que envuelven las pinturas de la bóveda, decorados con detalles vegetales entremezclados con caras y cuerpos de angelotes. Los frescos fueron dañados durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial y rehabilitados en 1962

Seguimos por la calle Universitatsstrabe hasta llegar a la Karl-Rahner -Platz donde se encuentra la iglesia de la Santa Trinidad o iglesia de los Jesuitas porque pertenece a esa orden.

La iglesia fue construida por mandato del archiduque Leopoldo V y de su esposa Claudia de Medici para servir de su sepulcro y se entrego a la administración a la orden de los Jesuitas que se había establecido en Innsbruck fundando el Colegio san Pedro Canisius.

En el año 1773 se suprime la orden de los Jesuitas y el colegio y la iglesia pasan a depender del Estado austriaco y fue declarada como iglesia de la Universidad. En 1838 los jesuitas regresan a Innsbruck y se les entrega nuevamente la tutela de la iglesia. Durante la Segunda Guerra Mundial la ciudad de Innsbruck fue bombardeada y se perdieron muchas de las obras de arte.

La fachada principal esta construida con dos torres laterales, en el centro una doble portada simétrica, la decoración representa el misterio de la Trinidad.

El interior de la iglesia es de tres naves, la central mucho más ancha ocupa el espacio de las portadas, mientras que las colaterales al de las torres laterales. Desembocan en un crucero donde se encuentra la cúpula linterna, las cuatro pilastras donde se sujeta indican los cuatro puntos carnales que representan la tierra y la cúpula representa el cielo, en el centro de la cúpula podemos ver a la Santísima Trinidad

El aspecto general es de una gran opulencia con un marcado estilo barroco, las columnas están revestidas de mármol rosa, las paredes llenas de estucos blancos.

El ábside tiene el altar mayor dividido en dos partes al fondo podemos ver el altar original de estilo barroco fue construido en 1757 y reconstruido en el año 2004 porque quedo muy dañado en la guerra. Esta presidido por el lienzo de la Asunción de María, obra de Andrea Pozzo.

La nave del evangelio desemboca en la capilla del Apóstol San Juan Tadeo, es invocado y venerado para las causas difíciles, se encuentras la imagen del Sagrado Corazón de Jesús, obra de Pompeo Girolamo Battoni en 1767.

Si caminamos por la misma nave en dirección a la puerta pasamos por la capilla lateral donde se custodian los restos de San Pirmino murió en 753 y fue reconocida su obra como gran misionero en la región alta del Rin y como fundador de distintos monasterios.

La siguiente capilla lateral esta dedicada a San Ignacio, representa la figura del fundador de la Compañía de Jesús, era el primer Superior General de la orden.

La nave de la epístola desemboca en la capilla de los Ángeles Custodios, se representa en un lienzo de Johann Chrtoph Storrer, delante se encuentra la imagen de Pedro Canisius, fundador del colegio jesuita de Innsbruck.

Más a tras, el altar con la imagen de la Virgen María , representa una de las escenas de la anunciación. Hay una copia de la estatua de Nuestra Señora de Foy.

Al lado de la puerta se encuentra la capital de san Francisco Javier, fue misionero de la orden de los jesuitas, sobre la bóveda se puede ver una estrella que simboliza la luz en el lejano oriente.

Aquí terminamos la visita, cogemos el autobús en dirección al parking P+R+bus donde tenemos aparcada la autocaravana para salir a nuestro siguiente destino.

Salimos desde Innsbruck tomamos enseguida la autopista A-12, conducimos los 157 Km . que separan, lo hacemos en poco más de 2 horas y media, hasta la localidad fronteriza alemana de Berchtesgaden, en su termino municipal se encuentra el famoso refugio de Hitler El Nido de las Águilas o Kehlsteinhaus.

Habíamos leído tanto sobre los problemas de la carretera de llegada hasta el parking del Nido de las Águilas que veníamos un poco con la mosca detrás de la oreja, pero la verdad es que esta en una zona muy montañosa pero no ofrece ninguna dificultad.

El área de Obersalzberg fue elegida por los nacionalsocialistas en la década de 1920 para descanso de sus líderes. Aquí se ubicó la residencia de montaña de Hitler, el Berghof. Berchtesgaden y sus alrededores (Stanggass) fueron seleccionados como puesto avanzado de la oficina alemana de la Reichskanzlei.

Cuando llegamos es bien entrada la noche, vemos varios parking y en uno de ellos hay varias autocaravanas, en uno de ellos nos quedamos, nuestros vecinos tienen sacadas meses y sillas sin ningún rubor.

El parking para autocaravanas en la ciudad Berchtesgaden (Alemania) para visitar el Nido de las Águilas (Alemania) Kehlsteinhaus. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N52.76171//E 6.08022.

Las señales del aparcamiento indica que es gratuito desde las 22,00 horas hasta las 6,00 a .m. son plazas muy amplias y no tenemos problemas en situarnos sin molestar a nadie, esta pavimentado con adoquines de piedra, carece de cualquier servicio para autocaravanas, aunque imaginamos que en los numerosos restaurantes y museos cercanos disponen de W.C.

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A. López

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