Este es nuestro segundo día que tenemos para visitar la ciudad de Londres, hacemos el mismo recorrido que el día anterior, para ello, vamos andando hasta la estación de tren Windsor and Eton Riverside, esta la línea de tren termina en la estación londinense de Waterloo (Londres). En la ventanilla pagamos 61,5 libras para toda la familia, el precio incluye la línea de metro ilimitada de Londres zonas 1-6.
Durante el recorrido en tren la gente se va sumando hasta que se viaja con las apreturas del tren de cercanías de Madrid, a una hora punta. Llegamos a Londres pasadas las 10,30, imagino que no es una hora muy apropiada para entrar a trabajar pero la mayoría de los viajeros son trabajadores.
Nuestro primer punto de la mañana es el Museo Británico para llegar hasta allí cogemos el metro y tenemos que hacer el siguiente recorrido: Waterloo -Embankment-Charing Cross-Leicester Square-Tottenham Court Road. En menos de 10 minutos estamos en la parada final.
Museo Británico de Londres (Reino Unido)
Son las 10,30 horas y Londres parece que se está desperezando de la resaca de una borrachera, aún en las calles no hay mucha gente. Ante nuestro ojos aparece uno de los restaurante favoritos en nuestro anterior viaje de hace 35 años, era los Garfunkel's, es una cadena de comida rápida muy similar a nuestro VIPS de Madrid. Vemos que las cartas no difieren mucho los precios a los que pagábamos hace 35 años, ahora han variado algo con comida mejicana.
En 10 minutos estamos ante la puerta posterior de Museo Británico, accedemos sin ningún tipo de colas. Forma parte de la red de museos nacionales y son todos gratuitos, algo para tener en cuenta porque lo de GRATIS en una palabra en retroceso en Europa.
El museo ofrece al visitante una impresionante colección de obras de todos los continentes entre las más famosas:
Los Mármoles de Elgin, también conocidos como los mármoles del Partenón de Atenas.
La Vasija de Portland de la época romana, estaba en el sepulcro del emperador Alejandro Severo.
La Copa Warren , realizada en plata en la época romana donde se ve explícitamente a dos hombres homosexuales.
La Piedra de Rosetta antigua estela egipcia en tres idiomas por lo que se pudo traducir los jeroglíficos egipcios.
El Juego Real de Ur de fichas de 2500 años a.C.
La sala del reloj.
La Colección Stein de Asia central del famoso explorador del siglo XIX y principios del XX.
Colección de momias egipcias, es la más importante del mundo fuera de Egipto.
Los bronces de Benin, son doscientas piezas de bronce procedentes del reino de Benin en la actual Nigeria.
El cilindro de Ciro y varios objetos persas, es una figura de arcilla donde el nuevo rey legitima su conquista y toma medidas políticas para ganarse el favor de sus nuevos súbditos.
Los bajorrelieves de los palacios de Nínive y Nimrud proceden de las ciudades Asirias muy cerca de Mosul (Irak).
El busto de Pericles, político griego que destaco por su oratoria participo en la victoria de los griegos contra los persas.
La copia romana del Discóbolo de Mirón, es famosa escultura griega realizada por Mirón de Eléuteras en torno al 455 a. C. Representa a un atleta en un instante anterior al lanzamiento del disco.
Artefactos encontrados en el barco funerario de Sutton Hoo, corresponde con el tesoro hallado en Sutton Hoo. Se encontraron: adornos personales realizados en oro y plata, armas como espadas y cascos, una lira y artículos domésticos como un caldero.
Colección de obras de Alberto Durero.
El sarcófago de la sacerdotisa Henutmehyt.
El Obelisco de Nectanebo II.
La mayor colección de porcelana China de Europa.
La mayor colección de numismática del mundo.
Huellas de Buda, esculturas procedentes de Asia.
Museo Británico
El Museo Británico es uno de los más controvertidos de todo el mundo porque alrededor de muchas de sus obras de arte expuesta esta la sombra del expolio, muchas de las obras que expone están reclamadas formalmente por sus países de procedencia.
Escultura del Partenón, Museo Británico de Londres (Reino Unido)
El caso de más actualidad son los frisos y esculturas del Partenón de Grecia. Oficialmente la respuesta del gobierno británico es que estos restos fueron comprados en tiempos del Imperio Otomano que dominaba el territorio de Grecia, en esos momentos era un ejército invasor y dispuso de unos bienes que no eran propios. El caso más beligerante en estos momentos son todos los tesoros de Egipto, sin estas piezas el Museo Británico no sería el museo que conocemos todos.
Como siempre digo cuando vemos uno de estos museos sabemos que hay que ponerse la mano en la nariz para que el cierto tufillo no entre y tomárselo desde el lado más positivo y es que gracias a estas instituciones estas obras de arte han llegado a nuestros días, ¿esta es una contestación correcta? Pues seguro que no, pero al menos nos permite visitar el museo sin malos rollos.
Como la mayoría de los museos Nacionales la entrada es gratuita, accedemos sin ningún agobio, eso sí, lo hacemos por la puerta trasera. Un pequeño registro por el escáner es suficiente para acceder en breves segundos.
Interior del Museo Británico de Londres (Reino Unido)
La visita al Museo Británico es un acontecimiento importante en todo viajero que visite Londres pero hay que tener en cuenta lo extensas de sus salas en que está dividido. El recorrido debe hacerse con la mayor intensidad posible pero también con la mayor brevedad posible y debe de cumplir la máxima de “lo bueno y breve dos veces bueno”.
¿Qué ver en el Museo Británico? Pues sencillamente nos fijamos dos objetivos: todo lo relacionado con el arte egipcio, es uno de los museos que mayores tesoros egipcios tiene del mundo y sobretodo la colección de arte griego de Atenas.
A la entrada al museo nos recibe el busto del rey Eduardo VII esto indica que estamos en las galerías del museo que mando construir entre 1906 y 1914 y fue destinada para ampliar la superficie expositiva y para un mejor acceso del público visitante.
Durante el recorrido hasta la parte de Egipto atravesamos varios pasillos y nos paramos en las mejores obras de arte que podemos reconocer, entre las que destacamos:
Hoa Hakananai'a, Museo Británico de Londres (Reino Unido)
La primera gran escultura es un “ Hoa Hakananai'a ”, escultura de basalto, procede de la Isla de Pascua (Rapa Nui) Polinesia, esta datado hacia el año 1000.
El titulo de la escultura es “Amigo Oculto” y pertenece a una de las esculturas de tipo humano que se levantaban en la isla de Pascua por parte de los moais para conmemorar el pasado de algún antepasado importante para la tribu.
El conocimiento de este tipo de esculturas se produce con la llegada a la isla de la tripulación del Capitán Cook en 1774, William Hodges, artista de Cook, produce una pintura al óleo de la isla donde muestra una serie de moai, algunos de ellos con la piedra en forma de sombrero y moño. Hodges representa la mayor parte de los moai de pie sobre plataformas de piedra, conocidos como ahu. Con la adopción del cristianismo en la década de 1860, fueron derribados todas las figuras de moai.
Tótem, Museo Británico de Londres (Reino Unido)
La siguiente escultura que nos paramos es un “Tótem”, pertenece al pueblo indígena de Haida, situado en el costa noroeste del Pacífico, esta datado en el siglo XIX.
Las tallas de madera son confeccionadas de árboles de cedros viejos, representan el estatus de una familia o clan, donde se trata de plasmar su dignidad, sus logros, sus aventuras.
Escultura de una diosa Huasteca, Museo Británico de Londres
La siguiente figura “Escultura de una diosa Huasteca”, procedencia Méjico, está datada entre 900-1521 a. D.
Estamos ante una escultura dedicada a la fertilidad, este es una tema muy común en la sociedad huasteca donde se representan esculturas de piedra de las diosas femeninas, mujeres, ancianos y falos.
Las figuras femeninas comparten características similares, como una postura rígida, las manos sobre sus estómagos, pechos desnudos, y por lo general llevan una falda y gran tocado.
Relieve dintel 15 Yaxchilán, Museo Británico de Londres
Más adelante podemos ver “Relieve dintel 15 Yaxchilán”, realizado en piedra caliza, esta datado 600-900 d. C., procede de Méjico, periodo clásico tardío.
Este dintel de piedra caliza es parte de una de una serie de tres paneles encargados por Pájaro Jaguar IV para la Estructura 21 de Yaxchilán y fue puesto sobre la puerta izquierda (sur-este) de la cámara central.
El dintel muestra a una de las esposas de Pájaro Jaguar, la señora Wak Tuun, representa el rito de derramamiento de sangre. Ella está llevando una cesta con la parafernalia utilizadas para auto-sacrificio: una espina de mantarraya, una cuerda y papel ensangrentado. La visión de la serpiente aparece ante ella, que surge de un recipiente, que también contiene tiras de corteza de papel.
Relieve dintel 16 Yaxchilán, Museo Británico de Londres
Más adelante podemos ver “Relieve dintel 16 Yaxchilán”, realizado en piedra caliza, esta datado 600-900 d. C., procede de Méjico, periodo clásico tardío.
Este dintel de piedra caliza es una parte de una serie de tres paneles encargados por Pájaro Jaguar IV para la Estructura 21 de Yaxchilán y fue una vez puesta sobre la puerta central de la cámara central.
Es una escena que conmemora la victoria del pueblo Maya, se representa la figura de Pájaro Jaguar IV que domina la escena, mientras que su cautivo se sienta a sus pies. Pájaro Jaguar lleva el mismo traje de guerrero como lo hizo su padre en el dintel 26 de la Estructura 23, y lleva una lanza en su mano derecha. El hombre cautivo de Pájaro Jaguar fue datado en el año 752, probablemente en una batalla generada por la rivalidad entre ciudades, según lo sugerido por los dos primeros glifos en la esquina superior izquierda del dintel. Él lleva una sombrilla rota en la mano derecha, un atributo de guerreros derrotados.
Relieve dintel 17 Yaxchilán, Museo Británico de Londres
Más adelante podemos ver “Relieve dintel 17 Yaxchilán”, realizado en piedra caliza, esta datado 600-900 d. C., procede de Méjico, periodo clásico tardío.
Esta obra maestra del arte maya procede del yacimiento arqueológico de Yaxchilán (Piedras Verdes), situado en la cuenca del río Usumacinta, en el Estado mexicano de Chiapas. Forma parte de una serie de tres paneles de piedra caliza que decoraban el dintel de la puerta central.
El relieve representa a Pájaro Jaguar y una de sus esposas, Lady B'alam Mut, están participando en un ritual de derramamiento de sangre. Lleva ornamentos de jade muy elaborados y una diadema con un cráneo y la serpiente es similar a la usada por Lady K'ab'al Xook en el dintel 25. Se está preparando para auto-sacrificio, mientras que su mujer pasa una cuerda a través de la lengua para extraer la sangre. Los miembros de las familias reales se representan a menudo en la realización de rituales de sangrías requeridas para las ceremonias de adhesión.
Estatua de Tara, Museo Británico de Londres
En la sala de la India podemos encontrar “Estatua de Tara”, realizada en bronce, esta datada 700-750 a. C., procede de Sri Lanka.
Esta imagen es de la diosa budista popular, Tara, la consorte de Avalokiteshvara, el bodhisattva Tara la Blanca : conocida por la compasión, la larga vida, la sanación y la serenidad; también como chinta-chakra (rueda que cumple los deseos).
La diosa está desnuda de cintura para arriba dejando ver sus perfectos pechos, en la cintura lleva una prenda inferior que fluye hasta los tobillos. Su mano derecha se muestra en la posición de varadamudra, el gesto de dar, mientras que la mano izquierda está vacía, pero una vez pudo haber tenido una flor de loto . Sobre la cabeza lleva un enorme moño que la confiere un aspecto más esbelto.
Estatua de Avalokiteshvara, Museo Británico de Londres
La siguiente figura “Estatua Avalokiteshvara”, realizada en bronce dorado, procede de Nepal, esta datada en el siglo XVI d. C.
Las figuras de los Bodhisattvas son similares a los Budas, pero se representan con posturas más variadas, y más ricos en la vestimenta y el ornamento, y, a menudo con múltiples brazos y cabezas como imágenes hindúes. Avalokiteshvara es el bodhisattva de la compasión, una deidad salvadora muy popular en las cimas del Himalaya. En el Tíbet el Dalai Lama se cree que es una encarnación de Avalokiteshvara. A menudo las imágenes de Avalokiteshvara se pueden identificar por la presencia de una pequeña figura del Buda Amitabha sentado con las manos en la meditación por su tocado.
Chakrasamvara y Vajaravarahi, Museo Británico de Londres
La siguiente figura “Chakrasamvara y Vajaravarahi”, realizada en bronce dorado, procede de Nepal, datada en el siglo XIX.
Chakrasamvara es una deidad que se representa como figura central en los mándala, Samvara, es una forma de las deidades de meditación de los Sarma o escuelas del budismo tibetano. Esta acompañada de Vajravarahi que es una de las deidades tántricas femeninas más populares de todas las tradiciones del budismo tibetano. Aunque hay varias formas, la iconografía básica es que ella tiene una cara, dos manos y dos piernas.
Base de columna , Museo Británico de Londres
La siguiente figura “Base de columna”, realizada en piedra caliza, procede de Oeste de la India , datada en el siglo XI d. C.
Esta base de columna corresponde de la nave central para soportar la bóveda del templo, puede corresponder al estilo de los templos Jainistas de Ranakpur, en ella se representa una serie de figuras danzantes.
Brahmá , Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Brahmá”, realizada en piedra caliza, procede de la India en la región de Malwa, datada en el siglo XI.
Se cree que Brahmá surgió de una flor de loto que flotaba en el océano del ombligo de Visnú durmiente que genera la existencia del universo en sus sueños, es el esposo de Sáraswati (la diosa del conocimiento) y de Savitri (la hija del dios de Sol).
Brahmá se representa tradicionalmente con cuatro cabezas de barbas blancas (símbolo de la sabiduría), cuatro brazos y una piel roja. Cada boca recita uno de los cuatro Vedas. Las manos sostienen un recipiente de agua usado para crear la vida.
Buda, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Buda”, realizada en piedra de arenisca roja, procede de la India en Sarnath-Utta Pradesh, datada en el siglo V-VI d. C.
La imagen de Buda de este siglo esta determinada por la simplicidad de sus formas. Se representa con los ojos cerrados y una sonrisa suave marcada por un labio inferior pronunciado, tiene una cabeza ovalada con las mejillas sobresalientes. La mayoría de las esculturas de la época Gupta tienen un tocado similar, los pelos de la cabeza con rizos en forma de concha de caracol. Además de estas características, esta imagen lleva una prenda de vestir característicamente que se ve casi en la apariencia húmeda. Él tiene su mano derecha con la palma de la mano abierta, es el gesto que significa que a su lado, no hay nada que temer.
Ganesha, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Ganesha”, realizada en bronce, procede de Camboya, datada en el siglo XIII a. C. corresponde con el periodo Khemer.
La figura de Ganesha es una de las deidades más conocidas y adoradas del panteón hinduista. Tiene cuerpo humano y cabeza de elefante. Es ampliamente reverenciado como ahuyentador de obstáculos, patrono de las artes y las ciencias, y el dios de la inteligencia y la sabiduría.
Brahmá, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Brahmá”, realizada en piedra caliza, procede de Sur de la India en la región de Tamil Nadul, dinastía Chola, datada en el siglo 1001-1050 d. C.
En la religión hindúes hay tres dioses la figura de Brahmá representa al creador, Vishnu el preservador y Shiva el destructor. Pero mientras que Vishnu y Shiva tienen seguidores y templos en toda la India , Brahma no es adorado como una deidad importante. Brahma es la forma personificada de un principio divino indefinible llamado por los hindúes brahman. En el mito de Shiva como Lingodbhava, cuando Brahma busca la parte superior de un linga de fuego, Brahma afirmó falsamente que había encontrado flores en su cumbre, cuando en realidad nunca había ido al linga de Shiva. Por esa mentira fue castigado para no tener devotos. Hay muy pocos templos dedicados a Brahma solo en la India. El único de renombre se encuentra en Pushkar, en Rajastán.
Brahma puede ser reconocido por sus cuatro cabezas, sólo tres de los cuales son visibles en esta escultura. En dos de sus cuatro manos sostiene una olla de agua y un rosario. Brahma tenía originalmente cinco cabezas pero Shiva, en un ataque de rabia, corta una. Shiva como Bhairava es representado como una errante ascética con la quinta cabeza de Brahma se pegó a su mano como un recordatorio de su crimen. Brahma se coloca comúnmente en un nicho en el lado norte de los templos.
El guardián de la puerta Dvarapala, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “El guardián de la puerta Dvarapala”, realizada en granito, procede de Sur de la India en la región de Tamil Nadul, dinastía Chola, datada en el siglo XII d. C.
El guardián de la puerta dentro del templo hindú marca el espacio sagrado, es el hogar divino por los dioses cuando son invocados por sus devotos. En la mayoría de los templos, las esculturas de deidades y otras figuras se colocan en las paredes exteriores, en nichos bien definidos o alrededor de las puertas; a la entrada del templo son figuras masculinas o dvarapalas. Por lo general aparecen en pares a cada lado de la puerta y mirando hacia dentro. Se colocan para proteger a los recintos sagrados del templo de las fuerzas malévolas.
Este guardián de granito tiene cuatro brazos, aunque dos están rotos. Se mantiene en pie en una pose poco usual, volviéndose hacia un lado con un pie apoyado. Lleva un tocado alto y que está decorado con una máscara de un monstruo kirttimukha; tiene colmillos visibles en el lado de la boca producen una imagen apropiada aterradora para un guardián.
Nara Simha, El hombre león, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Nara Simha, El hombre león”, realizada en granito, procede de Sur de la India en la región de Tamil Nadul, datada en el año 900 d. C.
Narasimha es una de las variedades del dios hindú Vishnu y una de las deidades más populares del Hinduismo, como se evidencia en los principios de la épica, la iconografía. Se representa por tener un torso y la parte inferior del cuerpo de forma humana, con una cara y garras de león.
Diosa madre, Matrika, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Diosa madre, Matrika”, realizada en piedra caliza, procede de Sur de la India en la región de Tamil Nadul, dinastía Pallava, datada en el año 900 a. C.
Matrika forma parte de un grupo de siete diosas madres que surgió a partir de la unión con un dios masculino hindú. A pesar de su belleza seductora, estas Matrikas representan peligrosas y malévolas fuerzas y devoradoras de niños y portadores de enfermedades y dolencias.
Karttikeya, hijo de Shiva, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Karttikeya, hijo de Shiva”, realizada en piedra caliza, procede de Sur de la India en la región de Tamil Nadul, dinastía Chola, datada en el siglo X a. C.
En la religión hinduista, Kartikeia es el hijo del dios Shiva y la diosa Parvati. Tiene seis cabezas. Es el dios de la guerra, porque se dirige contra los ejércitos de los demonios.
Kartikeia nació sin la participación de Parvati. En una ocasión, el semen de Shiva (que según algunos tenía forma de rayo) cayó en el fuego. Era tan caliente y brillante que solo podía tocarlo Agni, el dios del fuego. Siguiendo las instrucciones de Siva, Agni depositó este semen en el río Ganga (el Ganges). La diosa Ganga entonces lo nutrió, hasta que un bebé con forma humana, Kartikeia, surgió del río. Por eso a veces se dice que Kartikeia es hijo de Agni y Ganga.
Desnudo de pie femenino, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Desnudo de pie femenino”, realizada en marfil y metal, procede de Sur de la India , datada en el siglo XVIII d. C.
La figura desnuda de marfil con algunos accesorios en metal, debía de estar vestida para representar las danzarinas de los templos.
Estas chicas estaban dedicadas a servir y venerar a la deidad de un templo durante toda su vida. Antes del dominio británico, ellas tenían un alto estatus en la sociedad. Además de servir a la deidad, entretenían a los fieles con bailes sagrados como el Bharatanatyam.
Vishnu entronizado en un naga, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Vishnu entronizado en un naga”, realizada en marfil, procede de Sur de la India , datada en el siglo XVIII d. C.
Vishnu se representa protegido por la serpiente cósmica Ananta, es una preciosa talla muy elaborada utilizada para devoción privada.
Una imagen de pie del dios hindú bajo un arco decorativo con un kirttimukha (monstruo-máscara) sobre su parte superior. En sus cuatro manos sostiene sus tres atributos habituales: el disco, la concha y la maza, mientras en su mano inferior derecha se muestra el gesto para no tener miedo . En la parte alta se halla la imagen apoyada en los leones sentados, una tortuga aplanada y una flor de loto. Una serpiente de cinco cabezas se representa debajo de los pies de Vishnu. La tortuga es Kurma, reconocida como uno de los mitos de la creación.
Reflexión de Rama y Lakshmana, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Reflexión de Rama y Lakshmana”, realizada en marfil, procede de Sur de la India , Tamil Nadu, periodo Nayaka, datada en el siglo XVI o XVII d. C.
Esta pequeña figura de marfil representa a los héroes de la epopeya hindú del Ramayana. Rama se presenta sentado en una profunda reflexión. Su hermano Lakshmana lo saluda. En el Ramayana, la esposa de Rama Sita fue raptada por el demonio Ravana. Después de una serie de aventuras Rama derrotó a Ravana y la pareja se reunió. La historia de Rama y Sita es muy conocida en toda la India.
Ravana, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Ravana, el demonio de las diez cabezas”, realizada en marfil, procede de Sur de la India , datada en el siglo XVIII d. C.
La figura de marfil es de Ravana se representa y se describe como que tiene diez cabezas. Se cuenta como un seguidor de Shiva, es un gran erudito, un gobernante capaz y un maestro. Sus diez cabezas representan su conocimiento de las seis reglas y de los cuatro Vedas. En el Ramayana, Ravana es el antagonista de Rama y su hermano Lakshmana por haber cortado la nariz de su hermana Surpanakha.
Pareja amorosa, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Pareja amorosa”, realizada en marfil, procede de Sur de la India , pertenece al periodo Nyak, datada en el siglo XVII d. C.
Esta decorativa figura realizada en marfil, su uso es privado cuyo objetivo principal era alcanzar la unión mística con la divinidad. Los grupos de amantes se representan en esculturas en las diferentes posturas, pero sin llegar a ser escenas grotescas, por el contrario en ellas se observan abrazos fervientes, contorsiones sensuales, amorosas expresiones de afecto.
Manasa, la diosa serpiente, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Manasa, la diosa serpiente”, procede de Este de la India , datada en el siglo IX d.C.
Bengala en sus humedales tiene muchas serpientes mortíferas y por eso algunas personas rezan a la serpiente diosa Manasa para protegerles de sus mordeduras. La historia más popular de Manasa cuenta de cómo un comerciante llamado Chand se negó a adorarla. En su ira Manasa mató a sus seis hijos en su noche de bodas. Chand tuvo un séptimo hijo llamado Lakhinder y cuando llegó la hora de su matrimonio, se casó con una chica llamada Behula. Chand los construyó una sala de hierro para protegerlos de las serpientes de Manasa, pero había una grieta en alguna parte y una serpiente venenosa se introdujo en esa noche y mató a Lakhinder. Behula tomó su cuerpo por el río en una balsa y oró a muchos dioses hasta que, finalmente, Manasa trajo a Lakhinder y sus seis hermanos a la vida. A partir de ese día, Chand comenzó a adorar Manasa.
Estupa, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Estupa votiva”, realizada en piedra, procede de Este de la India , datada en el siglo II d. C.
Este tipo de estupas son recipientes relicarios para albergar las cenizas de monjes o seguidores budistas, por lo general se dejaban en los monasterios.
Karttikeya, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es “Karttikeya montada en su pavo real”, procede de Cachemira, Asia Central, datada en el siglo VIII d. C.
Karttikeya es el dios hindú de la guerra. Él es el comandante en jefe del ejército de los devas y el hijo de Shiva y Parvati.
Se le representa con muchas armas, incluyendo: una espada, una lanza, una maza, un disco y un arco aunque más generalmente es representado empuñando una sakti o lanza. Esto simboliza la purificación de los males humanos. Cuando esta montado en su pavo real simboliza su destrucción del ego.
Hastial con figuras mendicantes, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es un “Hastial con figuras mendicantes”, realizado en madera, procede de Cachemira con la frontera de Pakistán, Asia Central, datada en el siglo IX-X d. C.
Este hastial de madera es un fragmento encontrado en el interior del templo situado en la cueva Smart de Kashmir, situada a 1.135 m de altitud en la cordillera de Sakkara.
Fragmentos de relieves, Museo Británico de Londres
La siguiente figura es un “Fragmento de esculturas”, realizado en piedra, procede de la India , datada en el siglo II d. C.
El museo ha recogido una buena serie de fragmentos de esculturas donde se describen unas complejas narrativas por la general son escenas de la vida de Buda.
Por fin llegamos a las salas dedicadas al arte de Egipto fundadas con las aportaciones de Sir Hans Sloane y de su museo privado. En la actualidad el Museo Británico cuenta con más 75.000 piezas egipcias y es uno de los más importantes del mundo.
Momia Djehor, Museo Británico de Londres
La primera pieza que vemos “Momia Djehor” Egipto, pertenece al periodo Ptolomeico, esta datada 250 a. C.
Djehor es una momia de un hombre de alto rango. Las cualidades divinas alcanzadas por el difunto en la otra vida se indican mediante la aplicación de hojas de oro en la cara.
Jaspe verde el escarabajo en corazón del rey Sobekemsaf, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza que vemos “Jaspe verde el escarabajo en corazón del rey Sobekemsaf”, piedra de jaspe y oro, procede de Tebas, Egipto; dinastía 17, está datado 1590 a. C.
El escarabajo del corazón era un amuleto que se colocaba en el pecho de la momia para asegurar que el corazón siguiera latiendo, se creía que es la sede de la inteligencia y de la personalidad, con el amuleto no se elimina. En un verso de Mágicas del Libro de los Muertos describe como se hace una incisión alrededor de la base del escarabajo. El aspecto de escarabajo de Sobekemsaf sigue exactamente las instrucciones del hechizo, siendo hecha con una piedra verde, montados en oro fino.
Piedra Shabti del rey Ahmose I, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Piedra Shabti del rey Ahmose I”, piedra azul, procede de Tebas, Egipto; dinastía 18, está datado 1520 a. C.
Las Shabti son estatuillas funerarias que se enterraban con el difunto, aparecen por primera vez en el Reino Medio (alrededor de 2.040 a 1.750 a. C.). Este es el primer ejemplo de replica hecha para un rey, y también una de las pocas imágenes del rey Ahmose (reinó en 1550 hasta 1525 a. C.) hasta el día de su muerte. La figura lleva la Real Nemes con un tocado de un unuraeus.
Cajón con la momia Djedkhonsefankn, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Cajón con la momia Djedkhonsefankn”, procede de Tebas, Egipto; dinastía 22, está datada entre 945-716 a. C.
Este cajón estuvo extensamente decorado con escenas doradas en bajos relieves donde se mostraba al dios de Sol en la forma de un halcón y la cabeza de un carnero, los hijos de Horus y las Diosas Isis y Nephthys con alas desprendidas en protección del cuerpo.
Después de que la momia fuera colocada en el féretro la superficie fue cubierta con una capa de resina liquida que con el tiempo oscurecido las escenas e inscripciones.
La mascara y la momia de Hornedjitef, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “La mascara y la momia de Hornedjitef”, procede de Tebas, Egipto; periodo Ptolemaico, está datada en el siglo III a. C.
Hornedjitef era un sacerdote en el Templo de Amón en Karnak durante el reinado de Ptolomeo III (246 a 222 a. C.). Las tomografías computarizadas de su momia indican que era un hombre maduro a su muerte, y su alto estatus se refleja en su elaborado entierro.
La mascara de Hornedjitef, Museo Británico de Londres
La momia de Hornedjitef fue enterrada con una máscara de cartonaje dorada y la cubierta, y dos antropoides (humanos) en forma de ataúdes de madera. Los ataúdes siguen la práctica funeraria egipcia tradicional en la forma y decoración.
Ataúd exterior del sacerdote Hornedjitef, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “Ataúd exterior del sacerdote Hornedjitef”, procede de Tebas, Egipto; periodo Ptolemaico, está datada en el siglo III a. C.
La decoración del ataúd es bastante simple, utiliza el método tradicional con los ataúdes exteriores. La superficie está pintada de negro, con detalles, como los ojos y la guirnalda alrededor del cuello, elegido en color amarillo. El Negro se asoció con Osiris, y fue visto como un color de la regeneración y la fertilidad. La decoración incluye las figuras de Isis y Neftis.
Ataúd interior del sacerdote Hornedjitef, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “Ataúd interior del sacerdote Hornedjitef”, procede de Tebas, Egipto; periodo Ptolemaico, está datada en el siglo III a. C.
El ataúd interior tiene una cara fina dorada, con la barba rizada y estrecha, un collar ricamente decorado con terminales en forma de cabeza de halcón. En el centro de este collar se representa una imagen de Ra, y un ornamento en el pecho con la incorporación de una escena en la que Hornedjitef adora cuatro deidades. Por debajo del cuello esta una imagen del dios Sol como un escarabajo alado, flanqueado por los babuinos que adoran el disco del sol naciente.
Momia Artimidorus, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “Momia Artimidorus”, procede de Hawara, Egipto;, está datada en el año 100 a 120 d. C.
El cuerpo momificado está encerrado en una carcasa de estuco pintado de rojo. Un panel con el retrato ha sido insertado en la parte de la cabecera. Está pintado la tabla con encáustica, una mezcla de pigmento y de cera de abejas con un agente de endurecimiento tal como una resina o huevo. Debajo del retrato hay un halcón y una serie de escenas funerarias egipcias tradicionales aplicados en pan de oro. El mayor de ellos muestra el dios Anubis para asistir a la momia, flanqueada por las diosas (probablemente Isis y Neftis). El mismo dios Osiris también se representa en un féretro el despertar a una nueva vida.
Momia de Cleopatra, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “Momia de Cleopatra”, procede de Thebes, Egipto; periodo romano, está datada en el siglo II d. C.
Esta joven tenía 17 años cuando murió. Una inscripción en su ataúd afirma que esta mujer llamada Cleopatra era la hija de un funcionario importante en Tebas en la época del emperador Trajano (98-117 d. C. reinado). Murió unos 150 años después de su famoso homónimo Cleopatra VII.
Ataúd pintado de una chica, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “Ataúd pintado de una chica”, procede de Egipto.
El frente del ataúd representa la chica muerta vestida con el traje clásico egipcio. Su larga túnica de color crema tiene rayas negras. La cubre un manto de color rosa con ribete verde se usa sobre la túnica. Los pies están representados con sandalias targa negras. Una corona pintada y el cabello, tiene unos aretes, ahora perdidos, se insertaron originalmente en los agujeros de las orejas. Pulseras con forma de serpiente están pintados en ambas muñecas, y en la mano izquierda son dos ramitas, quizá de mirto. Los grupos decorativos son probablemente interpretados como una promesa para la vida eterna a través del poder del dios Sol. Los lados del ataúd están decorados con figuras de deidades egipcias dispuestas en los registros.
“Ataúd con la momia de un niño llamado Pensais”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “Ataúd con la momia de un niño llamado Pensais”, procede de Akhemim, Egipto; está datada en el siglo I d. C.
Este ataúd es uno de un grupo que se encontró en una tumba familiar en los cementerios de Akhmim, un asentamiento importante en el Alto Egipto durante la ptolemaica (332-30 a. C.) y romana (30 a. C hasta el siglo IV de nuestra era). Se desprende de su tamaño que pertenecía a un niño cuyo nombre está inscrito en demótico en la parte frontal, debajo de la mano izquierda. El ataúd parece haber sido construido a partir de barro y cubiertos con sábanas.
“Ataúd con la momia de maíz”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “Ataúd con la momia de maíz”, procede de Akhemim, Egipto; está datada en el siglo I d.C.
Debido a la forma de estos ataúdes, que son a veces erróneamente identificados como momias de halcones, o por el tamaño y la forma de la momia, como momias infantiles.
Las momias de maíz eran objetos momiformes constituidos por una mezcla de granos y de tierra atada con tiras de vendas de lino y se ponían en la tumba dentro de pequeños ataúdes de madera que a menudo están decoradas con inscripciones con el nombre de Osiris.
“Figura de Isis”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “Figura de Isis”, procede de Egipto; está datada en el siglo I a.C.
La figura de Isis como doliente, que con su hermana Neftis, por la resurrección de Osiris. A menudo son colocadas en tumbas de siglo primero antes de Cristo para enfatizar la identificación del difunto con el dios.
“Ataúd con momia humana”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “Ataúd con momia humana”, procede de Egipto, periodo romano; está datada en el año 230 a 250.
Es un momia de un niño de entre 7 y 10 años, está envuelto en una sábana pintada con tempera lleva una mortaja grecorromana, con sandalias blancas y con un montón de hojas de laurel en la mano izquierda, la mano derecha levantada, el pelo pintado de rojo con manchas blancas, el significado de las cuatro marcas negras en la frente es desconocido. El ataúd de madera esta pintado, consiste en una base de de madera plana, con un borde elevado, está decorado con una representación pintada de Nut, sobre fondo blanco; la tapa convexa está decorada con una representación pintada de una serpiente y una guirnalda de flores sobre fondo blanco con bordes rojos a los lados.
“Toro momificado”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “Toro momificado”, procede de Egipto, periodo romano; está datada en el año 30 d. C.
Esta momia era un ternero de 12 meses. Los toros en general también eran sagrados y sacrificados a otros dioses, como Amón en Tebas. Las personas piadosas a veces sacrificaban un ternero al dios, una muestra más pequeña y menos costosa de su devoción. Este es un ejemplo típico de una momia de un pequeño ternero. El cuerpo se envuelve según ha quedado tendido después de la muerte, aunque se incluyen los huesos dentro de los vendajes. Detalles como los ojos y los cuernos fueron recogidos en un color oscuro, y el pecho se cubre a menudo con un patrón de un dibujo muy elaborado.
“Momia de gato”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza esta formada por “Momia de gato”, procede de Egipto, procede de Abydos, periodo romano; está datada en el año 30 d. C.
Este gato fue momificado muy elaboradamente, siguiendo un estilo que es común en los periodos griegos y romanos en el antiguo Egipto. Un gran esfuerzo se gastó mucho en el envoltorio y la apariencia externa, mientras que los restos en el interior son a menudo incompletos. Parece probable que muchos gatos no murieron de muerte natural; el examen en el Museo Británico ha demostrado que muchos gatos morían con menos de un año de edad. Es de suponer que el sacrificio fue hecho periódicamente en los criaderos del templo para ofrecer temas para la momificación.
“Momias de peces”, Museo Británico de Londres
Las siguientes piezas esta formada por “Momias de peces”, procede de Egipto, cerca de Luxor, periodo romano; está datada en el año 30 d. C.
Momificación de animales se originó en Egipto. Era una parte importante de la cultura egipcia, no sólo en su rol para tener alimentos en el más allá sino también por razones religiosas.
“Momia de cocodrilo”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza está formada por “Momia de cocodrilo”, procede de Egipto,
en concreto
de Luxor, dimensiones 94 cm.; periodo romano, está datada en el año 30 d. C.
Cocodrilo momificado está encerrado en hoja de palma tejida y recubierto de una sabana.
El cocodrilo ha sido al mismo tiempo odiado y reverenciado por el hombre, especialmente en el Antiguo Egipto, donde eran momificados y se les rendía culto. Los antiguos egipcios rendían culto a Sobek, un dios-cocodrilo asociado con la fertilidad, la protección, y el poder del faraón
Tumba de Nebamun, Museo Británico de Londres
Pasamos a la sala donde se exhibe los restos de la tumba de Nebamun, pasa por tener las mejores pinturas de las tumbas del Antiguo Egipto, creadas para un funcionario de nivel medio por un artista desconocido. La tumba no sólo cumplía su función de enterramiento de Nebamun y su esposa, sino que tenía una parte abierta que servía como capilla funeraria, donde sus familiares podían celebrar ceremonias en su honor.
Fue descubierta en 1820 por Giovanni d'Athanasi. Por orden de Henry Salt, las pinturas murales fueron retiradas, y los once fragmentos más importantes se encuentran ahora en esta sala, considerados como una de las más famosas obras de arte del Antiguo Egipto. Datan de 1400-1350 a. C., en tiempos del reinado de Tutmose IV o Amenhotep III, de la dinastía XVIII. Después de diez años de investigación y restauración, las pinturas fueron puestas de nuevo a disposición del público en 2009.
Gansos de Nebamun, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Gansos de Nebamun, un fragmento de una escena de la tumba-capilla de Nebamun”, procede de Tebas (Egipto), periodo de finales de la dinastía 18, esta datado hacia 1350 a. C.
Esta escena es parte de una pared que muestra a Nebamun inspeccionando las bandadas de gansos y rebaños de ganado. Se observa como los agricultores conducen los animales hacia él; sus escribas (secretarios) Anotan el número de animales para sus registros.
Este escribano sostiene una paleta bajo el brazo y presenta un rollo de papiro de Nebamun.
Los agricultores se inclinan y hacen gestos de respeto hacia Nebamun. El hombre detrás de ellos sostiene un palo y les dice: “sentaros!'.
Los gansos de los agricultores están pintados como una manada enorme y animada, algunos están picoteando el suelo y otros batiendo sus alas.
Presentación de ganado vacuno, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Presentación de ganado vacuno, un fragmento de una escena de la tumba-capilla de Nebamun”, procede de Tebas (Egipto), periodo de finales de la dinastía 18, esta datada hacia 1350 a. C.
Muestran a Nebamun mientras supervisa los animales que formaban parte de las mercancías de las que estuvo encargado de recoger y almacenar o bien de los que le pertenecían.
Revisión de la producción agraria, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Revisión de la producción agraria, un fragmento de una escena de la tumba-capilla de Nebamun”, procede de Tebas (Egipto), periodo de finales de la dinastía 18, esta datada hacia 1350 a. C.
Este es un fragmento de una escena y muestra como Nebamun inspecciona bandadas de gansos y rebaños de ganado. Nebamun se muestra como un hombre bien vestido, lo que denota riqueza y autoridad, se encuentra ejerciendo la supervisión de las multitudes animadas. Él se dibuja en una escala más grande que los demás y se sienta en una pose formal. Incluso su piel está pintada de forma diferente.
Detalle de la escena del banquete, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Detalle de la escena del banquete, con las intérpretes de arpas y flautas, un fragmento de una escena de la tumba-capilla de Nebamun”, procede de Tebas (Egipto), periodo de finales de la dinastía 18, esta datada hacia 1350 a. C.
El banquete es una de las principales escenas representadas en las capillas funerarias de la dinastía XVIII. Se muestra la reunión en la tumba de amigos y parientes del señor, entretenidos por bailarines y músicos mientras se sirve comida, vino y perfume
Una fiesta para Nebamun, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Una fiesta para Nebamun, un fragmento de una escena de la tumba-capilla de Nebamun”, procede de Tebas (Egipto), periodo de finales de la dinastía 18, esta datada hacia 1350 a. C.
En la escena algunos de los músicos aparecen en las pinturas, mostrando sus rostros. Esto es muy inusual en el arte egipcio, y les da un sentido de vitalidad a estas mujeres de clase baja, que se sienten atraídos de manera menos formal que los clientes ricos. Las jóvenes bailarinas son sinuosamente dibujadas y están desnudas.
Sirvientes llevando ofrendas, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Sirvientes llevando ofrendas, un fragmento de una escena de la tumba-capilla de Nebamun”, procede de Tebas (Egipto), periodo de finales de la dinastía 18, esta datada hacia 1350 a. C.
En el centro de la escena aparece un siervo que tiene dos liebres del desierto, destacan por sus enormes orejas. Los animales sobresalen por su maravillosa textura de las pieles y los largos bigotes. El magnífico dibujo y composición hacen de esta escena estándar sea fresca y animada.
Ofrendas para Nebamun, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Ofrendas para Nebamun, un fragmento de una escena de la tumba-capilla de Nebamun”, procede de Tebas (Egipto), periodo de finales de la dinastía 18, esta datada hacia 1350 a. C.
Esto es parte de la escena más importante de la tumba-capilla de Nebamun, y está pintada en un estilo formal con un fondo de crema blanca en lugar de hacerla para que pudiera destacar más.
Toda la escena mostraba un enorme montón de lujosa comida frente al Nebamun muerto y su esposa, con el vino y frascos de perfume ornamentados. Su hijo Netjermes les ofrece un ramo de flores en lo alto al festival del dios Amón, cuando los familiares vinieron a visitar a los muertos. Los subtítulos jeroglíficos contienen oraciones funerarias y una lista de peticiones.
Examinando los campos de Nebamun, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Examinando los campos de Nebamun, un fragmento de una escena de la tumba-capilla de Nebamun”, procede de Tebas (Egipto), periodo de finales de la dinastía 18, esta datada hacia 1350 a. C.
Esta escena de su tumba-capilla muestra funcionarios inspeccionando los campos. Un agricultor comprueba el mojón de su campo. Cerca de allí, dos carros para la fiesta de los funcionarios esperan bajo la sombra de un árbol.
El Jardín para Nebamun, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “El Jardín de Nebamun, un fragmento de una escena de la tumba-capilla de Nebamun”, procede de Tebas (Egipto), periodo de finales de la dinastía 18, esta datada hacia 1350 a. C.
Esta es una escena del jardín y un símbolo de la nueva vida, donde aparece el jardín de Nebamun en la otra vida no es diferente a los jardines terrenales de egipcios ricos. La piscina está llena de aves y peces, y está rodeado por flores y filas sombreadas de árboles. Los árboles frutales son higos, palmeras datileras.
Nebamun caza en los pantanos, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Nebamun caza en los pantanos, un fragmento de una escena de la tumba-capilla de Nebamun”, procede de Tebas (Egipto), periodo de finales de la dinastía 18, esta datada hacia 1350 a. C.
Esto es más que una simple imagen de recreación. Donde los fértiles pantanos fueron vistos como un lugar de renacimiento y de erotismo. Los animales de caza podrían representar el triunfo de Nebamun sobre las fuerzas de la naturaleza cuando el vuelva a la vida.
Momia de Katebet, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Momia de Katebet”, procede de Tebas (Egipto), periodo de finales de la dinastía 18, esta datada hacia 1300 a. C.
Esta momia es la de una anciana que era una cantora de Amón, el “Rey de los Dioses”. Como titular de este título, habría cantado e interpretado música durante los rituales que se realizaron en los templos.
Ella se llamaba Katebet y su cuerpo conservado se envuelve dentro de capas de tela. La máscara de cartón pintado cubre su cabeza de la momia tiene un rostro dorado y se muestra vistiendo una peluca elaborada y pendientes blancos. Sus manos cruzadas tienen los anillos reales.
“Momia de Ankhef”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Momia de Ankhef”, procede de Asiut (Egipto), periodo de finales de la dinastía 12, esta datada hacia 1900 a. C.
Ankhef, era un funcionario de Asiut, fue un hombre de mediana edad que tuvo por lo menos 45 años cuando murió. Las radiografías han demostrado que sufría de artrosis en la columna vertebral y la cadera izquierda.
Una vez que el cuerpo fue momificado se vendo, estaba envuelto en un sudario, o en un paño funerario. Expone una máscara que cubre la cabeza y los hombros fue el último elemento que se añade después de la muerte. Esto se hizo de cartonaje, ropa de moldeado que se ponía rígida añadiendo yeso.
“El hombre de Gebelein”, Museo Británico de Londres
Pasamos a la sala 64 donde se encuentra “El hombre de Gebelein”, procede de Egipto, periodo predinastico, esta datada hacia 3500 a. C.
Estudio sobre “El hombre de Gebelein”, Museo Británico de Londres
Este hombre murió hace más de cinco mil años y fue enterrado en el lugar de Gebelein, en el Alto Egipto. La reconstrucción de su tumba ilustra la temprana costumbre egipcia de colocar el cuerpo en una posición fetal, por lo general siempre tumbado hacia el lado izquierdo, con la cabeza hacia el sur, en la tierra de los muertos, donde más adelante renacería. A su alrededor estaban todas las cosas que puedas necesitar para su vida futura, especialmente los jarrones de cerámica para almacenar y servir la comida.
Situación del “El hombre de Gebelein”, Museo Británico de Londres
Este cuerpo es de un adulto macho tiene todos los dientes y aspecto saludable, todavía conserva mechones de pelo color jengibre en el cuero cabelludo. Hay fracturas en las costillas, el anillo del pubis derecho, ambos huesos del muslo, los huesos de la espinilla y la pantorrilla, pero no hay evidencia de artritis. El dedo índice izquierdo y varios de los últimos huesos de los dedos están desaparecidos.
El estudio sobre la muerte del Hombre de Gebelein reveló que probablemente había sido asesinado. Una tomografía del cuerpo momificado tomada en el Hospital de Cromwell en Londres mostró que Gebelein tenía entre 18 y 20 años en el momento de su muerte y había sido una persona bien musculada. En el momento de su exploración se aprecio bajo su hombro izquierdo una punción en el cuerpo; el arma homicida había sido utilizada con tal fuerza que se había dañado ligeramente el omóplato pero había destrozado la costilla debajo de ella y penetró el pulmón. Se creía que la lesión había sido causada por una hoja de cobre o un cuchillo de pedernal por lo menos 12 cm de longitud y 2 cm de ancho.
“Estatua sentada de Harwa”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua sentada de Harwa”, procede de Tebas (Egipto), periodo de la 25 dinastía, esta datada hacia 1900 a. C.
Estatua sentada, es de un oficial de Harwa presenta en su regazo a dos diosas femeninas de la 25 dinastía. Fue el jefe administrador de los dioses femeninos de Amón en Tebas, durante el mandato de Amenirdis I.
“Fragmento de yeso pintado de la tumba de Sebekhotep”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Fragmento de yeso pintado de la tumba de Sebekhotep”, procede de Tebas, dinastía 18, este datado en el año 1400 a. C.
Sebekhotep era un alto funcionario encargado de la tesorería durante el reinado de Tutmosis IV (1400 hasta 1390 antes de Cristo).Una de sus responsabilidades era recibir los regalos de los extranjeros entregados al rey. Este fragmento fue parte de una escena que mostraba Sebekhotep recibiendo obsequios del Cercano Oriente y África, en nombre de Tutmosis IV.
“Fragmento de yeso pintado de la tumba de Sebekhotep”, Museo Británico de Londres
A la izquierda, tres hombres (probablemente nubios) recibidos por Sebekhotep como representante del rey. Ellos son seguidos por tres hombres más que llevan placas de oro con los anillos entrelazados de oro sobre sus brazos. El oro era uno de los productos más importantes de Nubia. Esta es la forma habitual de que el oro está representado en las pinturas de las tumbas egipcias.
Tres hombres nubios llevan artículos de lujo característicos de su país: anillos de oro, jaspe, figuras de ébano, colas jirafa, una piel de leopardo, un babuino vivo y un mono. La variación del color de la piel de los hombres puede representar sus diferentes tipos de piel, a pesar de que se podría haber hecho por razones estéticas.
“Capilla de la pirámide de la reina Shanakdakhete”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Capilla de la pirámide de la reina Shanakdakhete”, procede de Sudan Central, periodo meroítico, este datado siglo II a. C.
Este muro proviene de una de las pequeñas pirámides con capillas en las que fueron enterrados los gobernantes. Probablemente era de la reina Shanakdakhete, la primera mujer gobernante. Ella aparece aquí entronizada con un príncipe, y protegido por una Isis alada. Frente a ella se hallan portadores ofreciendo y también escenas de rituales, incluyendo el juicio de la reina antes de Osiris.
“La pintura de las paredes del templo de Beit El-Wali”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “La pintura de las paredes del templo de Beit El-Wali”, procede de Sudan Central, este datado entre 1550 a 1069 a. C.
La pintura de una pared procede del templo de Beit El-Wali, que Ramsés II construyó en Nubia durante un período del Nuevo Reino (1550 a. C a 1069 a. C), cuando los antiguos egipcios controlaban la zona.
El templo de Beit el-Wali está situado en la zona sur de Egipto conocido por los egipcios como Uauat, de la antigua Nubia. Su función era recordar a la gente del lugar del poder del faraón egipcio, y promover la adoración a los dioses egipcios.
“Friso de arenisca”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Friso de arenisca”, procede de la primera catedral cristiana de Farás en Sudan, este datado en los primeros años siglo VII d. C.
Poco se sabe del período después del estado Meroítico solamente que se derrumbó en el siglo IV de nuestra era. En el siglo VI los tres reinos de Nubia, conocidos como los reinos de Nobatia, se convirtieron al cristianismo. Ellos fueron gobernados desde Faras, justo dentro de la frontera norte de Sudán. Las iglesias cristianas en Nubia y Egipto compartían los mismos administradores. Los obispos más importantes se basaron en Old Dongola, capital del reino nubio de Makuria, y al Faras.
“Taza pintada”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Taza pintada”, procede del cementerio de Farás en Sudan, periodo meroítico, este datado siglo II a. C.
Algunas tumbas del periodo Meroítico se han descubierto cuencos de cerámica, jarras y tazas. La buena calidad de la fabricación y decoración de estos vasos sugiere que eran las posesiones más preciadas de los fallecidos que querían seguir disfrutando de ellas en el Más Allá.
“Cabeza de león de madera pintada”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Cabeza de león de madera pintada”, procede de Qasr Ibrim, Nubia, periodo copto temprano, este datado entre el siglo VII y X d. C.
Probablemente formaba parte de un elemento arquitectónico de una iglesia cristiana primitiva de la región de Nubia.
Las iglesias y otros edificios religiosos fueron muy decoradas durante el periodo copto. Las paredes estaban pintadas con imágenes de los obispos y de los santos, y los elementos arquitectónicos a menudo eran tallados con motivos de flores y fauna. Los pilares y los frisos eran construidos con piedra, pero este ejemplo es inusual, ya que es de madera. La cabeza de este león, aunque un poco esquematiza es todavía muy reconocible, está tallada con mucho mayor relieve que las hojas de abajo, haciendo que se destaque. Las hojas rizadas son características de los motivos florales comunes en el arte copto.
“Uraeus de bronce”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Uraeus de bronce”, procede de Tebas en el alto Egipto, periodo dinastía 18, este datado entre los años 1575 a 1304 a. C.
El uræus, o ureus, es una representación de la diosa Uadyet. La imagen del uræus constituyó el emblema protector preferente de muchos faraones, quienes eran los únicos que podían portarlo como atributo distintivo de la realeza.
Este Uraeus (cobra) era colocado en la corona real por la parte trasera. Tiene incrustaciones que originariamente eran con esmalte azul y rojo, vidrio o piedra, aunque desde entonces se han deteriorado. La expresión de la serpiente, sin embargo, sigue siendo hoy muy viva como lo fue el día en que salió de las manos de su creador.
“Dos bronces con cabeza de carnero”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Dos bronces con cabeza de carnero”, procede de Kawa en el templo “T”, periodo Napatan, este datado entre los años 703 a 300 a. C.
Las figuras son bronce con una esfinge con cabeza de carnero que lleva un disco y el uraeus en la cabeza. El periodo se corresponde en Napata, Nubia, los reyes locales se consideran herederos de los faraones y crean su propia dinastía consecuentemente el arte obedece a las mismas creencias que aparecerían en Egipto.
“Molde de yeso de la puerta de Persépolis”, Museo Británico
La siguiente pieza “Molde de yeso de la puerta real de Persépolis”, procede de la capital del Imperio Persa, el original este datado entre los años 470 a 450 a. C.
La habitación muestra una serie de moldes de yeso sacados de Persépolis. La imagen opuesta (original) está sacada de la parte de un lado de una enorme puerta de entrada a un palacio construido entre 470 a 450 a. C. Muestra en la parte más alta al rey que esta sentado en un trono y sosteniendo una flor de loto y un cetro. Por detrás hay un asistente por encima que sujeta un dosel ricamente decorado.
“Molde de yeso de un relieve de Persépolis”, Museo Británico
La siguiente pieza “Molde de yeso de un relieve de Persépolis”, procede de la capital del Imperio Persa, el original este datado entre los años 470 a 450 a. C.
Molde de yeso de un relieve de Persépolis, muestra la disputa entre el rey del Imperio Persa que lucha desesperadamente contra un león.
“Cilindro de Ciro”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza es una de las obras más importantes del museo y de la historia del hombre “Cilindro de Ciro”, Imperio Persa, el original este datado entre los años 559-530 a. C. Tiene unas medidas de 22cm. Se expone en la sala 52.
Este cilindro de arcilla se inscribe en la escritura cuneiforme babilónica donde se cuenta la historia de Ciro, rey de Persia (559-530 a. C) durante su conquista de Babilonia en el 539 a. C y la captura de Nabonido, el último rey de Babilonia.
En el año 539 a. C., los ejércitos de Ciro el Grande, el primer rey de la Persia antigua, conquistaron la ciudad de Babilonia. Pero sus siguientes acciones fueron las que marcaron un avance significativo para el Hombre. Liberó a los esclavos, declaró que todas las personas tenían el derecho a escoger su propia religión, y estableció la igualdad racial. Éstos y otros decretos fueron grabados en un cilindro de barro cocido en lenguaje acadio con escritura cuneiforme.
Conocido hoy como el Cilindro de Ciro, este documento antiguo ha sido reconocido en la actualidad como el primer documento de los derechos humanos en el mundo. Está traducido en los seis idiomas oficiales de las Naciones Unidas y sus disposiciones son análogas a los primeros cuatro artículos de la Declaración Universal de los Derechos Humanos.
Vista del “Cilindro de Ciro”, Museo Británico de Londres
El texto traducido dice:
Una línea destruida
1- [Cuando (…)] su […] las regiones […] una persona insignificante ha sido instalada como la entu [de Sin] en su tierra y [él sacó de sus tronos las imágenes correctas de los dioses] e impuso sobre ellos [imi]taciones. [Hizo] una réplica del Esagila [(…) estableció] ritos inapropiados para Ur y el resto de otras ciudades sagradas rituales, como también [ofrendas im]pías. Diariamente, no cesaba de pronunciar [plegarias]infieles. Además interrumpía de manera diabólica las ofrendas regulares y trastocaba los ritos. [Cam]bió en abominación la adoración de Marduk, el rey de los dioses, y sin cesar perpetuo la maldad contra su ciudad (= la de Marduk). Todos los días [él (…)] y llevó a todo su [pueblo] a la ruina por (imponerles) cargas sin descanso.
2- Ante sus quejas el Enlil de todos los dioses (= Marduk) se puso terriblemente furioso y [se marchó de] su territorio, (también) los (otros) dioses que vivían entre ellos abandonaron sus mansiones, enojados porque (Nabónido) los hubiera traído a Babilonia para furia de Marduk. Marduk, el ex[altado, el Enlil de los dio]ses, se paseó por todos los lugares que habían sido abandonados y al ver aquello calmó [su]en[fado] y mostró piedad al pueblo de Sumer y Akkad, que se habían convertido en cadáveres.
3- Escudriñó y miró (por) todos los países, buscando un gobernante virtuoso cuya mano pudiera agarrar. (Entonces) pronunció el nombre de Ku-ra-as (= Ciro II), rey de Anshan, y anunció su nombre como el pró(ximo) gobernante de todo el mundo. Hizo al país de Guti y todas las hordas uman-manda (= medos) inclinarse en sumisión a sus pies (= de Ciro II). Y así él (= Ciro II) siempre se cuidó de la justicia y del bienestar del pueblo de los cabeza negra sobre el cual él había sido hecho victorioso (por Marduk). Y Marduk, el gran señor, líder de su pueblo (= de sus adoradores), contempló con placer las buenas obras y el corazón prudente de Ciro (II, y por tanto,) le ordenó marchar a su propia ciudad Babilonia (Ka.dingir.ra). Le hizo partir por el camino a Babilonia (DIN.TIR) yendo a su lado como un verdadero amigo y compañero. Sus abundantes tropas –su número, como el agua (que fluye) de un río, no podía contarse- caminaban a su lado, con sus armas guardadas. Sin batalla o lucha (alguna, Marduk) le hizo entrar en su ciudad, Babilonia (Su.an.na), librando a su propia ciudad, Babilonia, (Ka.dingir.ra) de cualquier calamidad. Y a Nabónido, el rey que no le adoraba (= a Marduk) lo entregó a sus manos.
4- Todos los habitantes de Babilonia (DIN.TIR) así como todo el país de Sumer y Akkad, príncipes y gobernantes (incluidos), se inclinaron ante él (= Ciro II) y le besaron los pies, jubilosos de que él (hubiera recibido) la realeza, y con caras resplandecientes. Alegremente, le saludaron como señor gracias a cuya ayuda había vuelto (de nuevo) a la vida los que estaban como muertos, habiendo sido salvados de toda tribulación y penuria. Y alabaron su nombre.
5- Yo soy Ciro (II), rey del mundo, gran rey, legítimo rey, rey de Babilonia, rey de Sumer y Akkad, rey de los cuatro confines (del universo), hijo de Ka-am-bu-zi-ia (= Cambises), gran rey, rey de Anshan, nieto de Ciro, gran rey, rey de Anshan, descendiente de Si-is-pi-is (= Teispes), gran rey, rey de Anshan, de un antiguo linaje real; cuyo gobierno es amado por Bel (= Marduk) y Nabu, a quien quieren como rey para complacer sus corazones.
6- Después de entrar en Babilonia (DIN.TIR) en paz, entre alegría y júbilo, convertí el palacio real en la sede de mi gobierno. Marduk, el gran señor, que ama a Babilonia con gran magnanimidad (la) estableció como mi destino y yo todos los días me esforcé en adorarle. Mis numerosas tropas paseaban por Babilonia (DIN.TIR) en paz, no permití a nadie aterrorizar (ningún lugar) del [país de Sumer] y Akkad. Hice todo lo posible por la paz de Babilonia (Ka.dingir.ra) y en sus lugares de culto. En cuanto a los habitantes de Babilonia (DIN.TIR), [que] contra la voluntad de los dioses (Nabónido) había hecho sumisos de una manera totalmente inapropiada para ellos, los liberé de su pesar y aflojé su carga, (poniendo así fin a sus principales quejas). Marduk, el gran señor, estaba muy complacido con mis obras y me envió amigables bendiciones a mí, Ciro (II), el rey que lo adora, a Cambises, mi hijo, el descendiente de [mis] entrañas, así como a todas mis tropas, y todos [alabamos] su gran [deidad] gozosamente, de pie ante él en paz.
7- Por su majestuoso mandato, todos los reyes entronizados, todo el mundo desde el mar Superior al mar inferior, habitantes de regiones distantes, todos los reyes de la tierra del oeste que viven en tiendas, me trajeron sus pesados tributos y me besaron los pies en Eshunna, las ciudades de Zamban, Me-Turnu, Der y tan lejos como la frontera de los Guti –devolví a (estas) ciudades sagradas al otro lado del Tigris, cuyos santuarios habían sido fundados en tiempos antiguos, las imágenes que habían estado allí y les establecí santuarios permanentes. (También) reuní a todo su pueblo y (les) devolví sus casas. Además, reasenté, siguiendo el mandato de Marduk, el gran señor, a todos los dioses de Sumer y Akkad a quienes Nabónido había traído a Babilonia (Su.an.na) para enfado del señor de los dioses, sin dañarlos, en sus (antiguas) capillas, los lugares que les hacen felices.
8- Que todos los dioses a quienes he reasentado en sus ciudades sagradas rueguen a Bel (= Marduk) y Nabu por una larga vida para mí y que ellos me recomienden (a él); que digan a Marduk, mi señor, esto: “Ciro (II), el rey que te adora, y Cambises, su hijo, […] su […] asenté a toda la gente de Babilonia, que rezó por mi monarquía y a todas sus tierras en un lugar pacífico. Todos los días proporcioné (al templo) [ofrendas de (…) gan]sos, dos patos y diez palomas por encima de las anteriores ofrendas de gansos, patos y palomas. La muralla Imgur-Enlil, la gran (ciudad) amurallada de Babilonia, me esforcé en fortalecer sus fortificaciones […] el muelle de ladrillo, en la orilla del foso de la ciudad, construido por un rey anterior, pero no completado, su obra [… (yo)] [(…) pues la ciudad no había sido completamente rodeada], Hice las (murallas) nuevas con betún y ladrillos y [acabé el trabajo de las mismas (…); instalé puertas de] poderoso [cedro], revestido de bronce, umbrales y bisa[gras de puertas hechos de cobre en todas] sus [entradas (…)]. Vi en su interior una inscripción de Assurbanipal, un rey que vino antes que[yo (…) para siem]pre.”
“Cabeza de oro del tesoro de Oxus”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Cabeza de oro del tesoro de Oxus”, procede de la Aqueménida persa, de la región de Takht-i Kuwad, Tayikistán, esta datado entre el siglo V y IV. a. C.
Esta cabeza es parte del tesoro de Oxus, se trata de la más importante colección de oro y de plata que ha llegada hasta nuestros días desde la época aqueménida. El tesoro fue encontrado en las orillas del río Oxus y probablemente proviene de un templo que se levantaba allí. La mayoría de las fechas de las obras del tesoro abarca desde el siglo V a IV a. C, y muchas de las obras de arte son representativos de lo que se describe como el estilo de la corte aqueménida, que se encuentra en todo el imperio y se considera típico de la época. Esta cabeza, sin embargo, es bastante diferente, y puede ser de fabricación local.
La cabeza está hecha de oro batido y muestra a un joven imberbe con las orejas perforadas. Puede haber sido parte de una estatua, tal vez con un cuerpo de otro material como la madera.
“Brazalete de oro con cabezas de grifos”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Brazalete de oro con cabezas de grifos”, procede de la Aqueménida persa, de la región de Takht-i Kuwad, Tayikistán, esta datado entre el siglo V y IV. a. C.
Este tipo de pulseras son similares a los objetos que eran llevados como tributo y que describen los relieves en Persépolis. Los brazaletes fueron algunos de los elementos considerados como regalos de honor en la corte persa. Los espacios huecos que vemos habrían contenido incrustaciones de cristal o piedras semipreciosas. Las pulseras son típicas del estilo de la corte aqueménida persa del siglo V al IV a. C.
“Molde de yeso del palacio de Darío”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Molde de yeso del palacio de Darío” procede de Londres (Inglaterra), el molde fue hecho entre 1837-1901 y el original esta datado entre 358-338 a. C.
El palacio del rey Darío I el Grande en Persépolis fue mandado construir por Darío, pero sólo una pequeña parte del palacio fue terminado bajo su gobierno. Fue acabado después de su muerte en 486 por su hijo y sucesor Jerjes, quien llamó a la casa Tacara, “Palacio de Invierno”, en la Antigüedad. Sus ruinas se encuentran inmediatamente al sur de la Apadana.
“Capa de Oro”, Museo Británico de Londres
Pasamos a las salas que muestran las antigüedades en Europa, la primera pieza “Capa de Oro” procede de Mold, Flintshire, en Gales del Norte, esta datado en la Edad de Bronce, alrededor de 1900-1600 a. C.
La capa fue hallada en el centro del montículo en el interior de una tumba de piedra, al levantarla estaban la capa alrededor de los restos fragmentarios de un esqueleto. Se recuperaron las tiras de bronce y numerosas cuentas de ámbar, pero sólo una de las perlas llegaron al Museo Británico.
La capa habría sido inadecuada para el uso diario, ya que habría restringido severamente el movimiento del brazo superior, habría servido para distintos ceremoniales, y pudo ser propiedad de alguna autoridad religiosa.
La capa es uno de los mejores ejemplos de la prehistoria y del trabajo en la elaboración del oro y es un ejemplar único por su forma y diseño. Fue realizado laboriosamente de un solo lingote de oro, luego fue adornada con una intensa decoración para imitar la forma de los collares de cuentas en medio de pliegues de tela.
Las perforaciones a lo largo de los bordes superior e inferior indican que fue una vez unido a un revestimiento, tal vez de cuero, que con el tiempo ha desaparecido. Las tiras de bronce pueden haber servido para fortalecer como soporte la capa de oro.
La capa tan frágil se rompió durante la recuperación y las piezas se dispersaron entre varias personas. Aunque el Museo Británico adquirió la mayor proporción en 1836, después pequeños fragmentos han salido a la luz y los últimos años y se han reunido en el museo.
“Escudo de bronce”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Escudo de bronce” procede del río Támesis, Londres, Inglaterra, esta datado en la Edad de Bronce, alrededor de 1200-1000 a. C.
Los escudos de chapa de bronce como éste constituye el invento de una armadura defensiva, aunque de hecho no podrían haber sido muy funcionales. Este escudo es ligeramente más grueso que otros ejemplos. La armadura fue diseñada para ser usado para la exhibición por los guerreros importantes, se desarrolló en el centro de Europa en 1300 a. C. y se extendió rápidamente a otras partes de Europa. Hay escasos testimonios de este tipo de escudos aunque han llegado algunos ejemplos de madera y piel que se han encontrado en los pantanos irlandeses, mientras que petroglifos escandinavos e ibéricos proporcionan evidencia de un mayor uso de escudos redondos.
“Mosaico del Banco de Inglaterra” , Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Mosaico del Banco de Inglaterra” procede de Londres, Inglaterra, esta datado en la época romana, alrededor del siglo III d. C.
Encontrado durante los trabajos en el Banco de Inglaterra en Londres. Estaba en el piso de una pequeña habitación cuadrada, fue el primer mosaico romano-británico adquirido por el Museo Británico, en 1806, aproximadamente un año después de su descubrimiento. Se encontraba cerca de 3,5 metros de profundidad debajo de la esquina noroeste del Banco de Inglaterra en la ciudad de Londres. Ha estado en exhibición permanente en el Museo desde que a principios del siglo XIX. Se muestra como un ejemplo notable de arte decorativo romano que ha servido de inspiración para los diseñadores posteriores.
“Lápida de Cayo Julio Alpinus Classicianus” , Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Lápida de Cayo Julio Alpinus Classicianus” procede Trinity Square, Londres, esta datado en la época romana, alrededor del siglo I d. C.
Esta es la lápida reconstruida de Cayo Julio Alpinus Classicianus. Su nombre muestra haber sido un miembro de la aristocracia Galia, pero sabemos más de él gracias a la investigación del monumento funerario. Donde en momentos del emperador Nerón Claudio César Augusto Germánico (reinó 54-68 d. C.) nombró a Classsicianus como el procurador o Ministro de Hacienda de Gran Bretaña después de la revuelta de los icenos liderada por la reina Boudica en el año 60-61. Su trabajo consistía en corregir los abusos financieros que habían sido una la causa importante de la rebelión.
La inscripción incompleta puede ser restaurada de la siguiente manera: DIS / [M] anibus / [G (AI) IUL (I) G (AI) F (ILI) F] AB (IA TRIBU) ALPINI CLASSICIANI / ... / ... / proc (URATORIS) PROVINC (IAE) BRITA [NNIAE] / IULIA INDI FILIA pacata I [NDIANA (?)] / UXOR [F (ECIT)]. ( A los espíritus de los difuntos (y) de Cayo Julio Alpinus Classicianus, hijo de Gayo, de la tribu Fabian votan ... Procurador de la provincia de Gran Bretaña. Julia Pacata I [ndiana], hija del Indo, su esposa, tenía esta construido.. ).
“Mosaico romano” , Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Mosaico romano” procede Abbots Ann, cerca de Andover, Hampshire, esta datado en la época romana, alrededor del siglo IV d. C.
La villa romana en Abades Ann, cerca de Andover, fue descubierto en la década de 1850. Las porciones de suelos de mosaico descubiertas eran en un estilo audaz y simple, usando grandes teselas en una gama limitada de colores. Siguen diseños geométricos tradicionales romanos.
“Casco gladiador” , Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Casco gladiador” procede Hawkedon, Suffolk (Inglaterra), esta datado en la época romana, alrededor del siglo I d. C.
Este pesado casco de bronce, originalmente, tenía una superficie estañada, dándole un aspecto plateado brillante. La cara del gladiador se habría encerrado en una máscara con bisagras intrincada la defensa de los ojos, similar a los cascos que se han encontrado en Pompeya. El lugar más cercano de las luchas de gladiadores es probable que fuera en Colchester, la ciudad principal de la provincia en el siglo I d. C.
“Cabeza de bronce de la estatua del emperador Adriano” , Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Cabeza de bronce de la estatua del emperador Adriano” procede del río Támesis, cerca de Puente de Londres (Inglaterra), esta datado en la época romana, alrededor del siglo II d. C.
El emperador Adriano (reino desde 117-138 d. C.) fue famoso por ser el emperador que construyó una muralla de ochenta millas de largo en toda Gran Bretaña, desde el Solway Firth al río Tyne en Wallsend, para separar a los bárbaros de los romanos. Esta cabeza proviene de una estatua de Adriano, que probablemente estaba en el Londres romano en un foro público. Tenía un tamaño de una vez y cuarto de su tamaño natural.
La estatua puede haber sido acondicionada para conmemorar la visita de Adriano a Gran Bretaña en el año122 d. C; Adriano viajó muy extensamente por todo el Imperio, y dentro de sus visitas imperiales dio origen a los programas de reconstrucción y embellecimiento de las ciudades. Hay muchas estatuas de mármol conocida de él, pero este ejemplo realizado en bronce es un raro ejemplar.
“Cabeza de bronce de la estatua del emperador Claudio” , Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Cabeza de bronce de la estatua del emperador Claudio” procede en el río Alde en Rendham, cerca de Saxmundham, Suffolk (Inglaterra), esta datado en la época romana, alrededor del siglo I d. C.
La cabeza en bronce formó parte de una estatua de tamaño natural del emperador romano Claudio (reinó 41-54 d. C.). La conquista de Gran Bretaña proporcionó un triunfo militar de Claudio. No tenía la reputación existente como un líder, pero se percibe como una persona erudita. Es de tamaño natural y de las estatuas imperiales más grandes que se colocaron en importantes espacios públicos y oficiales, y es concebible que la estatua originalmente pudo haber ocupado un espacio en la colonia de Colchester.
“Mano de bronce” , Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Mano de bronce” procede de Londres (Inglaterra), esta datado en la época romana, alrededor del siglo I d. C.
Esta mano de bronce es de aproximadamente la misma escala colosal como la cabeza de Adriano, en este caso, y el gesto, con el dedo extendido, es uno de los más habituales del Imperio Romano. Esta mano podría ser de la misma estatua que la cabeza de Adriano.
“Mosaico de Hinton St. Mary”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Mosaico de Hinton St. Mary” procede Dorset (Inglaterra), esta datado en la época romana, alrededor del siglo IV d. C.
El mosaico procede de un importante edificio dentro de una villa romana, fue parte del ala mejor conservado. Las paredes habían sido demolidas a ambos lados, probablemente en el período post-romana.
El mosaico fue diseñado como un suelo continuo en dos paneles para una gran sala dividida por un par de cortas paredes transversales. Como ocurría a menudo en el mundo romano, la imaginería pagana se yuxtapone con la del cristianismo.
El panel más pequeño contiene un medallón central que muestra el héroe Belerofonte montado en su caballo alado, Pegaso. En el se representa el mítico monstruo de tres cabezas. Aparece en la escena, tal vez, con la intención de ilustrar el triunfo del bien sobre el mal. El círculo está flanqueado a ambos lados por escenas de caza que muestran ciervos perseguidos por perros de caza.
El panel más grande cuenta con un redondel central flanqueado por cuatro semicírculos. Tres muestran escenas de caza similares y un frondoso gran árbol. En las esquinas hay bustos de cuatro figuras masculinas con el pelo azotado por el viento. Pueden representar los cuatro evangelistas, los cuatro vientos, o incluso ambos.
En el redondel central, el que ilustramos, se piensa que es una de las primeras representaciones de Cristo y, de ser así, el único retrato en un mosaico de una casa de todas las estudiadas en el Imperio Romano.
La figura aparece como un hombre bien afeitado. El busto se coloca antes de la letras griegas chi y rho, las primeras dos letras del nombre de Cristo. Colocado en conjunto como un monograma que formaba el símbolo normal para el cristianismo en este momento.
Si se trata de Cristo, que se sitúa en el comienzo de una tradición más vista en las paredes y en la bóveda de los mosaicos de iglesias bizantinas.
“El Corbridge Lanx”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “El Corbridge Lanx” procede de Corbridge, Northumberland (Inglaterra), esta datado en la época romana, alrededor del siglo IV d. C.
Esta magnífica bandeja de plata fue encontrada por la niña Isabel Cutter a los nueve años de edad en la orilla del río Tyne en Corbridge, cerca de la muralla de Adriano, en febrero de 1735. Es probable que la erosión gradual de la orilla del río estaba lavando un tesoro de siglo IV. Corbridge (Coriosopitum) fue una ciudad de guarnición romana.
La escena muestra al dios Apolo en la entrada de un santuario, con un arco, su lira a sus pies. Su hermana gemela Artemisa (Diana), la diosa cazadora, entra por la izquierda, y la diosa con casco con su mano levantada para indicar la conversación es Atenea (Minerva). Las dos figuras femeninas en el centro son menos evidentes. Toda la escena representa muy claramente un santuario de Apolo.
“Sarcófago de un niño”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Sarcófago de un niño” procede de Haydon Square, Londres (Inglaterra), esta datado en la época romana, alrededor del siglo IV d. C.
Cuando se abrió este sarcófago, en el interior apareció un ataúd de plomo con el esqueleto de un niño de doce años de edad, cubierto con cal. El retrato en el pequeño medallón es probablemente del niño. El sarcófago tiene una parte posterior sin decorar, lo que probablemente indica que se fijó inicialmente contra una pared, probablemente la pared de una cámara funeraria o cementerio.
En esa época se practicaban ese tipo de enterramientos en madera o ataúdes de plomo o de sarcófagos de piedra, se les cubría de cal, yeso o tiza, estas prácticas funerarias comienzan en la Gran Bretaña romana en siglos III y IV. No sabemos la razón de esta forma de entierro, pero la intención puede haber sido para preservar el cuerpo al tiempo que reduce los olores causados por su descomposición.
“Una pintura mural de una villa romana”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Una pintura mural de una villa romana” procede de Lullingstone, Kent (Inglaterra), esta datado en la época romana, alrededor del siglo IV d. C.
El fresco representa a cristianos de la época haciendo la oración en una villa romana que había sido construida a finales del siglo I d. C, y modificado y ampliado varias veces en los siguientes 300 años. Hubo pruebas para la adoración pagana en el lugar hasta bien entrado el siglo IV de nuestra era, pero con el tiempo la familia propietaria de la finca había adoptado el cristianismo. En esta fecha temprana en la historia del cristianismo, las casas-capillas y otros tipos de manifestaciones religiosas se hacían tanto en las casas particulares como en las iglesias. En este caso, la casa tiene un pequeño conjunto de habitaciones en el primer piso que se reservó como un lugar de culto cristiano.
Las paredes estaban decoradas con pinturas elaboradas sobre temas cristianos, que han sido reconstruidas parcialmente. Esta área muestra un friso de figuras rezando. Las figuras se representan con las manos en alto, en una actitud hasta ese momento utilizadas por los sacerdotes cristianos al rezar ante una congregación.
“Réplica del casco de Sutton Hoo”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Réplica del casco de Sutton Hoo” procede de Lullingstone, Kent (Inglaterra), esta datado en la época romana, alrededor del siglo VI d. C.
“Partes originales del casco de Sutton Hoo”, Museo Británico de Londres
El casco de Sutton Hoo se encontró en el interior de una tumba, durante su exhumación de la cámara mortuoria se derrumbo y se hizo trizas el casco, durante el periodo de reconstrucción se elaboró un modelo con los trozos encontrados para una réplica exacta que en estos momentos podemos admirar.
“Caja con el héroe germánico Egil”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Caja con el héroe germánico Egil” confeccionada con hueso de ballena, periodo medio anglosajón, alrededor del siglo VIII d. C.
La caja de Egil tiene una tapa de caja rectangular hecha de ballena-hueso, tallado en los lados y en la parte superior con relieves donde se muestran escenas de la vida romana, judía, cristiana y de la tradición germánica.
Hay cicatrices dejadas por herrajes perdidos en el exterior - manija, cerradura, cierres y bisagras – y las reparaciones internas. Los cinco paneles que han llegado hasta nuestros días están decorados y se pueden leer textos tallados en inglés antiguo.
El frontal se divide en dos: la mitad izquierda muestra una escena compuesta de la leyenda Weland Smith, la mitad derecha, la Adoración de los Reyes Magos. La inscripción principal toma la forma de un verso aliterado con adivinanzas sobre el origen del ataúd.
El extremo izquierdo representa a Rómulo y Remo nutridos por el lobo con una inscripción que describe la escena.
El panel posterior muestra la captura de Jerusalén en el año 70 d. C. por el general romano, después emperador Tito. La inscripción principal se encuentra en una mezcla de viejo inglés, latín, rúnico.
El extremo derecho plantea problemas especiales de interpretación. La escena aparentemente un episodio, evidentemente, de la leyenda germánica, pero no ha sido identificado.
“Tapa de una bolsa monedero funerario de Sutton Hoo”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Tapa de una bolsa monedero funerario de Sutton Hoo” procede de Sutton Hoo, Suffolk, Inglaterra, alrededor del siglo VII d. C.
La tapa se hizo para cubrir una bolsa de cuero que contenía monedas de oro. Estaba colgada de tres correas con bisagras y se sujeta por una hebilla de oro.
Las placas incluyen imágenes gemelas de un ave de presa picando a un pato, y un hombre de pie que lucha entre dos bestias. Estas imágenes deben haber tenido un profundo significado para los anglosajones. Las criaturas feroces son tal vez una poderosa evocación de la fuerza y del coraje, cualidades que un líder de la época debía de poseer. Sorprendentemente estas imágenes similares de un hombre entre las bestias eran muy populares en Escandinavia.
“Piezas de ajedrez de Lewis”, Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Piezas de ajedrez de Lewis” confeccionada con hueso de morsa, periodo medio noruego, alrededor del año 1150 al 1200.
Estas piezas de ajedrez fueron encontradas en la isla de Lewis en la proximidades de Uig por los testimonio parece en una duna de arena en el que pudo haber sido colocados en el interior de una pequeña cámara de piedra.
“Placa de esteatita con la escena de la crucifixión” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Placa de esteatita con la escena de la crucifixión” confeccionada con piedra de esteatita, periodo bizantino, finales del siglo XIII.
La composición de la escena está claramente dividida por la forma de "T" de la figura de Cristo crucificado. La simetría, sin embargo, se rompe por su cuerpo y su cabeza que se desploma hacia un lado y por María, que desplaza su mano izquierda para tocar el cuerpo de Cristo. Este gesto de ternura no aparece en ninguna otra escena de la crucifixión y se presta una inmediatez personal a la agrupación estándar de esta representación.
“La resurrección de Lázaro” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “La resurrección de Lázaro” confeccionada en marfil, periodo bizantino, esta datada entre los años 900 y 1100.
A la derecha aparece la figura de Cristo con nimbo, tiene la mano levantada y el dedo índice extendido, en la otra mano un bastón; detrás de él camina un apóstol barbudo; delante de él están María y Marta, una escucha de pie, y la otra está sentada con las manos extendidas en actitud de súplica; detrás de ellos a la derecha hay un edículo con cúpula, en la que aparece envuelto el cuerpo Lázaro; en el fondo están los edificios de la ciudad de Betania.
“Icono con cuatro fiestas de la Iglesia” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Icono con cuatro fiestas de la Iglesia ” procede de Estambul o Salónica, periodo bizantino, esta datada entre los años 1310 y 1320.
El icono representa: La Natividad , la Anunciación , el Bautismo y la Transfiguración se compone de dos paneles verticales curvados, en cada talla hay dos compartimentos en forma de arco. Las escenas donde se habla de la vida de Cristo se muestran en los compartimentos que representan las fiestas de la iglesia cristiana. En la parte superior izquierda es la Anunciación con María en un marco arquitectónico que recibe el arcángel Gabriel. El compartimiento superior derecha muestra la Natividad en un paisaje rocoso. María descansa en una cama de color rojo brillante con el niño Jesús en un pesebre, por encima de ella: los ángeles y los pastores celebran el nacimiento, mientras que por debajo: dos mujeres bañan al bebé, en presencia de José. En el Cristo inferior izquierda, de pie en el río Jordán, es bautizado por San Juan Bautista; Ángeles con toallas le asisten. En el último compartimento asciende en un rayo de mandorla, flanqueado por Elías y Moisés, y con Pedro, Santiago y Juan, caído al suelo delante de él.
Este icono fue llevado a Inglaterra en 1851, junto con los manuscritos siríacos del monasterio de Santa María Deipara en Egipto.
“Marfil de la Virgen y el niño” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Marfil de la Virgen y el niño” procede de Francia, periodo gótico, esta datada entre los años 1275 a 1300.
Esta estatuilla confeccionada en marfil procede de Francia y es una buena imagen gótica de la época de la que el museo atesora unas 200 piezas en una rica colección de marfiles, por el material, eran muy apreciadas como imágenes devocionales de culto privado.
“Arqueta El romance de Tristán e Isolda” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Arqueta el romance de Tristán e Isolda” procede de Colonia (Alemania), pertenece al periodo gótico, realizada en hueso, esta datada entre los años 1180 a 1200.
Esta arqueta de hueso tallado cuenta con una de las representaciones medievales más antiguas conocidas del romance de Tristán e Isolda,
Tristram encarnaba el caballeroso y el ideal caballeresco: él era un cazador, un músico, un jinete experto y un maestro de idiomas. También fue perspicaz y un ardiente amante.
La escena representada en la tapa de esta arqueta muestra como Tristán e Isolda están juntos en la cama, le está dando la una pócima de amor, la sierva de Isolda. Las circunstancias de este caso varían de una versión a otra, pero la tragedia de Tristán e Isolda gira en torno al consumo equivocado de la poción mágica que les atrae hacia una unión adúltera y en el camino hacia la destrucción.
“Arqueta con escenas de amor” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Arqueta con escenas de amor” procede de Francia, periodo gótico, realizada en marfil y plata, esta datada entre los años 1325 a 1350.
Este tipo de cajas de marfil se ejecutaban en los talleres del París medieval, se decoraban con escenas románticas y eran objeto de regalo para las damas. Por lo general siguen la narrativa de cuentos conocidos o una serie compuesta de escenas de diferentes fuentes, como aquí. Estrechamente existen ejemplos comparables en varias colecciones diferentes, lo que indica la popularidad de este tipo de arquetas, que se utilizaron para joyas o documentos.
“Escudo para desfile” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Escudo para desfile” procede de Flandes o Borgoña, periodo medieval, esta datada a finales del siglo XV.
El escudo representa una dama con un vestido cortesano y un caballero arrodillado frente a ella. El caballero lleva un traje de armadura de acero con un casco, guantes y un hacha tumbado a sus pies. La figura de la muerte emerge desde atrás, con las manos extendidas y a punto de coger al caballero. Sobre una cinta colocada encima del caballero nos habla en francés del lema de la escena: “vous ou la mort” ( usted o la muerte), proposición del caballero que preferiría morir antes que no ganar el amor de la dama.
“Tríptico John Grandisson” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Tríptico John Grandisson” procede de Inglaterra, realizado en marfil, pertenece al periodo medieval, esta datada entre 1330-1340; tiene unas medidas de 23.8 x 20.5 cm.
El tríptico fue un objeto devocional del obispo John Gransdisson. Donde se representan escenas religiosas, en el panel central parte superior, “La coronación de la Virgen ”, situado por encima de “la Crucifixión”. En el panel de la izquierda esta: “San Pedro y San Esteban”.
“Panel con el Juicio Final” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Panel con el Juicio Final” procede de Inglaterra, periodo medieval, realizado en alabastro, esta datada entre 1420-1460; tiene unas medidas de 60.5 de alto cm.
En la Edad Media se creía que el Juicio Final sería precedido por quince señales de su venida. Se derivan de Apocalipsis, el último libro de la Biblia y las enseñanzas de San Jerónimo.
Este panel de alabastro representa el décimo signo del Juicio Final, que describe cómo los hombres emergerán de cuevas donde se han replegado, incapaces de hablar y de la perdida de sus sentidos. Otros signos apocalípticos incluidos los que suben y bajan del mar, los terremotos, las estrellas que caen del cielo y la tierra ardiente. El signo decimotercero, donde todos los supervivientes morirán.
El ángel que asoma por debajo de un dosel arquitectónico sostiene un pergamino que habría llevado con una inscripción (ahora perdida) explicando el significado de la escena.
“Real copa de oro” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Real copa de oro” procede de París (Francia), en el periodo medieval, realizado en oro, esta datada entre 13701-1380; tiene unas medidas de 23.6 x 17.8 cm.
Esta copa está hecha de oro macizo y fue ricamente decorada con esmaltes translúcidos. Las escenas que se muestran en ella se refieren a la vida y milagros de Santa Inés.
El tazón muestra entierro St Agnes, el martirio de su hermana Erementiana por lapidación (St Agnes aparece en la escena con tres vírgenes mártires que llevan las palmas), y la curación de la princesa Constanza de la lepra. El pie de la copa está decorada con los símbolos de los evangelistas; el interior del recipiente y la tapa contiene esmaltes de St Agnes.
“Thalia, musa de la comedia” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Thalia, musa de la comedia” periodo romano, realizado en mármol, esta datada en el siglo II d. C.
La estatua de mármol representa a una mujer joven que va vestida con una túnica y un himation. Con la mano derecha sujeta un pedum, un palo asociado con el dios Pan. Su cuerpo se ve claramente a través de las prendas finas que ella lleva. La cabeza tallada está separada es antigua pero no pertenece al cuerpo. El cabello está rodeado con una corona de vid, aunque la mayoría de las hojas se restauraron. Parte de la nariz, los brazos y las cortinas se restauran. La talla de la espalda es menos detallada que en la parte delantera que se modela meticulosamente. La estatua puede haber representado originalmente una diosa joven o una heroína. La cabeza era tal vez de una estatua de una ménade. En estos momentos se identifica más bien como la musa de la comedia Thalia.
“Estatua de bronce de un joven” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua de bronce de un joven”, procede Atribis (actual Tell Atrib) en el delta del Nilo, en el norte de Egipto, periodo romano, realizado en bronce, esta datada en el siglo I a. C.
En la antigua Grecia y Roma las estatuas de bronce y mármol adornaban los lugares públicos y los santuarios de los dioses. A través de los siglos casi todas las estatuas de bronce fueron fundidas para su reutilización. Este es uno de los pocos ejemplos que han llegado a nuestros días y viene dado por que se encontraba en Egipto.
“Carrillón con autómatas” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Carrillón con autómatas”, procede Estraburgo (Francia), tiene unas medidas de alto de 157.5 cm, esta datada en 1589.
Este reloj es un magnífico ejemplo de las habilidades combinadas del relojero y el grabador, que reúne a un reloj expertamente fabricado con un buen trabajo en el grabado. Está diseñado a imitación del gran reloj de la catedral de Estrasburgo. El reloj de la catedral fue terminada en 1574 por Isaac Habrecht (1544-1620), para el diseño de Conrad Dasypodius, matemático de la Universidad de Estrasburgo.
“Caja de ofrendas” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Caja de ofrendas”, procede Siena (Italia), tiene unas medidas de alto de 14,5 x 25,2 x 18,5 cm, esta datada en 1565.
Este tipo de cajas se situaba a la entrada de una capilla o cerca de un altar o imagen devocional. Es una caja de recogida de dinero, probablemente utilizado por una congregación para hacer pequeñas donaciones a cambio de una ofrenda votiva de una vela.
La caja tiene una inscripción por escrito, una palabra, en cada uno de los cuatro lados lee “AVE MARIA MATER DEI” (Dios te salve María, madre de Dios), lo que sugiere que puede haber sido establecido en frente de una imagen devocional o en un altar dedicado a la Virgen María.
“Olla griega” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Olla griega”, procede Atenas Grecia, confeccionada en cerámica, esta datada en el 510 a. C.
Estas ollas fueron utilizadas como un enfriador de vino. El psykter (recipiente) se llenaba de vino y luego era colocado en una crátera llena de agua fría.
La decoración de la olla son dos hombres barbudos, uno es calvo, otro con barba largas y puntiagudas, precedidas de un niño pequeño, todos bailan. La figura de la izquierda mira hacia atrás, sosteniendo un cáliz. El otro hombre sostiene un instrumento musical de cuerda. El niño, situado a la derecha, también baila, mirando hacia abajo.
“Cuenco rojo de vino” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Cuenco rojo de vino”, procede Atenas Grecia, confeccionada en cerámica, esta datado en el 450 al 440 a. C.
Esta figura de cerámica roja esta decorada con figuras que bailan, la del centro lleva una citara, están medio desnudas y cubierto por paños que dejan ver parte de sus cuerpos desnudos, parece que puedan estar en los baños públicos.
“Vasija roja Griega” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Vasija roja Griega”, atribuido a Peleus, procede Atenas Grecia, confeccionada en cerámica, esta datado en el 450 a. C.
Las figuras tienen la boca abierta por lo que asemejan que están cantando, mientras escuchas la música de una flauta de una dama. Los tres hombres están medio tumbados en su triclinium, llevan en sus cabezas sendas coronas de hiedra.
“Cántaro de cerámica roja” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Cántaro de cerámica roja”, procede Atenas Grecia, confeccionada en cerámica, esta datado en el 470 a. C. Se expone en la sala 69 del museo.
La decoración de este cántaro es un tanto extraña, aparece la cabeza de un hombre que esta sujetada por dos manos, sus orejas parecen de un cerdo. Este recipiente tiene como objeto albergar vino y debió de ser utilizado en determinadas fiestas.
“Jarra de Hydra en cerámica roja” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Jarra de Hydra en cerámica roja”, procede Atenas Grecia, confeccionada en cerámica; tiene unas medidas de 41,9 x 15,24 cm. esta datado en el 470 a. C. Se expone en la sala 69 del museo.
La decoración era un amuleto apotropaico que inducía horror al mostrar la cabeza de la Gorgona. Se representa con dos colmillos que sobresalen por encima y por debajo, y muestra una enorme lengua; el pelo negro completa la silueta. Alrededor, en pequeño, de este hay veintiocho con formas de hydras en espiral.
“Ánfora en cerámica roja” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Ánfora en cerámica roja”, se atribuye al pintor Leningrad, procede Atenas Grecia, confeccionada en cerámica, esta datado entre el 480-470 a. C. Se expone en la sala 69 del museo.
El ánfora representa a dos figuras, una de ellas lleva una copa y la otra toca la flauta. En este tipo de cerámicas se reconocen varios estilos de pintores atenienses, a los que en ocasiones puede atribuírseles un nombre gracias a una obra firmada.
“Camafeos romanos” Museo Británico de Londres
Las siguientes piezas “Camafeos romanos”, procede Roma, confeccionada en piedras preciosas, esta datado en los siglos III a I a. C. Se expone en la sala 70 del museo.
Los camafeos se hicieron muy populares en la época romana como herencia de la tradición del arte en Egipto. Los relieves eran obtenidos de piedras preciosas, generalmente, variando color y formando delicadas figuras. Para los camafeos, las piedras utilizadas eran las ágatas y más aun las variedades sardónica y ónice, aprovechando la distinción de colores que ofrecen las aguas o capas de tales piedras de suerte que puliendo y rebajando convenientemente la primera capa se dejaba la segunda para fondo y quedaba la primera con los relieves de la figura. También se imitan y falsifican estas piedras con vidrios y esmaltes, soldando un relieve de piedra o vidrio con otra piedra de color distinto.
“Trono Biel” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Trono Biel”, procede Roma, construida en mármol, esta datado entre el 140 y 143. Se expone en la sala 70 del museo.
Este trono partencia a Herodes Ático era un político romano nacido en Grecia. En la parte derecha esta decorado con una ánfora, ramas de olivos, tres coronas. Las patas delanteras están esculpidas con dos cabezas de búhos.
“Sarcófago de mármol con una escena báquica” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Sarcófago de mármol con una escena báquica”, procede Italia, confeccionada en mármol, esta datado en el siglo I d. C. Se expone en la sala 70 del museo.
El tamaño de este sarcófago indica que probablemente fue hecho para un niño. Cuenta con dos escenas principales relacionado con Baco, el dios del vino, la fiesta y la fertilidad. La escena queda enmarcada entre dos pares de cabezas de león sosteniendo anillos pesados. En el frente del ataúd se halla Baco con el apoyo de un joven seguidor, mientras que una ménade corre adelante con una pantera. En la parte posterior se puede ver una escena de tres niños que están prensado las uvas en un tanque similar a la del propio sarcófago. En los extremos se muestran grupos de centauros y ménades jugando, aparecen cuernos, liras y flautas, y el dios Pan. La tapa, con su figura reclinada de Sileno, fue tallada en el siglo XVIII, hecha probablemente cuando el sarcófago estaba en el Castillo de Howard, Yorkshire, sede de los Duques de Carlisle.
“Busto del emperador Antonio Pius” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Busto del emperador Antonio Pius”, procede norte de África, confeccionada en mármol, esta datado en el año 138-161. Se expone en la sala 70 del museo.
Después de la muerte de Adriano, emperador que había sido acogido con gran entusiasmo por el pueblo romano, el cual no decepcionó sus expectativas, Antonino Pío ascendió al trono con gran disposición, amplia experiencia, buena formación. Gran inteligencia y sincero, tuvo como único deseo lograr el bienestar de sus súbditos. En lugar de saquear el tesoro en su propio beneficio, Antonio Pío lo vacío, sí, pero para apoyar económicamente a los ciudadanos de provincias y ciudades, ejerciendo en todas las provincias una rígida economía.
“Busto del emperador Lucius Verus” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Busto del emperador Lucius Verus”, procede de Roma, confeccionada en mármol, esta datado en el año 161-164. Se expone en la sala 70 del museo.
Era hijo adoptivo de Antonio Pío, tuvo el cargo de co-emperador de Roma junto a Marco Aurelio. Un hecho sin precedentes hasta ese momento en el Imperio Romano. Oficialmente ambos hombres compartían los mismos poderes, pero en la práctica era Marco Aurelio quien ostentaba el poder realmente. A Vero se le asignó el control del ejército, demostrando así la confianza existente entre él y su hermano adoptivo. Para fortalecer esta alianza, Marco Aurelio ofreció a su hija Lucilla en matrimonio a Vero, matrimonio que tuvo tres hijos.
“Busto del emperador Marco Aurelio” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Busto del emperador Marco Aurelio”, procede del norte de África, confeccionada en mármol, esta datado en el año 160-174. Se expone en la sala 70 del museo.
Al comienzo de su período, Marco Aurelio siguió el camino de sus predecesores emitiendo numerosas reformas de ley en las que limitaba los abusos de la jurisprudencia civil. Promovió sobre todo medidas favorables para los esclavos, las viudas y los menores de edad; reconociendo las relaciones de sangre en lo
respectivo
a la sucesión.
“Lápida funeraria de Lucio Antistio Sarculo y Antistia Plutia” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Lápida funeraria de Lucio Antistio Sarculo y Antistia Plutia”, procede de Roma (Italia), confeccionada en mármol, esta datado en el año 10 a. C al 30 d. C. Se expone en la sala 70 del museo.
La lápida formó parte del monumento funerario de Lucio Antistio Sarculo, un sacerdote romano nacido libre de la orden Salian, y su esposa y liberta (antiguo esclavo) Antistia Plutia.
Las caras se representan con los ojos alineados, las mejillas ligeramente ahuecadas y orejas prominentes de Antistio, y los labios delgados, semblante sereno de su esposa son típicos de la característica de estilo realista de la época.
“Lápida funeraria de Lucius Ampudius Philomusus” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Lápida funeraria de Lucius Ampudius Philomusus”, procede de Roma (Italia), confeccionada en piedra, esta datado en el año 15 a. C. Se expone en la sala 70 del museo.
Lápida funeraria Lucius Ampudius Philomusus, Lucio liberto y su esposa. Philomusus es retratado en estilo republicano romano; su esposa e hija siguen el peinado de moda en la corte de Augusto. Tiene una inscripción que dice: que Lucius fue liberado por tanto su maestro y la mujer de su amo.
“Panel de mosaico Océano” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Panel de mosaico Océano”, procede de Cartago, Túnez, esta datado en el siglo III d. C. Se expone en la sala 70 del museo.
En la mitología griega este océano mundial era personificado como un Titán, hijo de Urano y Gea. En los mosaicos helenísticos y romanos (por ejemplo en Océano y Tetis, de Zeugma, siglo III) se representa con frecuencia a este Titán con el torso y brazos de un hombre musculoso con barba larga y cuernos, a menudo también se representa con pinzas de cangrejo, y con la parte inferior del cuerpo con forma de una serpiente.
“Cabeza de Augusto” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Cabeza de Augusto”, procede de Sudan, esta datado en el año 27 al 27 a. C. Se expone en la sala 70 del museo.
Nacido bajo el nombre de Cayo Octavio Turino, fue adoptado por su tío abuelo Julio César en su testamento, en el año 44 a. C. Desde ese instante hasta el año 27 a. C. pasó a llamarse Cayo Julio César Octaviano. En el año 27 a. C. el Senado le concedió usar e cognomen de «Augusto», y por consiguiente se convirtió en Cayo Julio César Augusto.
“Sarcófago del Seianti Hanunia Tlesnasa” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Sarcófago del Seianti Hanunia Tlesnasa ”, procede de Poggio Cantarello, cerca de Chiusi, Toscana, Italia, esta datado en el año 150 al 140 a. C. Se expone en la sala 70 del museo.
El nombre de Seianti Hanunia Tlesnasa corresponde con una rica mujer etrusca, está inscrita en el pecho. Se la representa reclinada sobre un colchón y almohada, en la mano izquierda lleva un espejo, con la mano derecha se ajustar su capa. Lleva una túnica con un gran cinturón, un manto púrpura, y joyas que comprende una tiara, pendientes, un collar, pulseras y sortijas.
“Sarcófago de piedra” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Sarcófago de piedra”, procede, Toscana, Italia, esta datado en el año 325 al 250 a. C. tiene unas medidas de 202 x 65 x 55 cm. Se expone en la sala 70 del museo.
El Sarcófago de piedra era recubierto de yeso blanco y luego pintado de colores. La tapa está tallada como si fuera el techo de un templo, y decorado con adornos: esfinges, serpientes, y dibujos de azulejería. En los lados están decoradas en bajo relieve con diseños florales y animales, dos figuras femeninas aladas (quizá Lasas), una figura masculina con alas sosteniendo una maza y una serpiente (en representación de Caronte) y un guerrero con escudo y espada. Hay una inscripción en el centro que dice “Vel Orina”, el nombre del hombre muerto.
“Busto sacerdote con barba del Santuario de Apolo” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Busto sacerdote con barba del Santuario de Apolo”, procede de Chipre, esta datado en el año 450 al 425 a. C. Se expone en la sala 72 del museo.
Idalión era una antigua ciudad en Chipre, próxima a la actual Dali, Distrito de Nicosia y cercana a las antiguas minas de cobre de las montañas Troodos. La ciudad fue fundada, según la tradición, por el héroe rey aqueo Calcanor, descendiente de Teucro, el fundador de la Salamina chipriota tras la Guerra de Troya.
“Mosaico Halicarnassus” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Mosaico Halicarnassus”, procede de Halicarnaso (Turquía), periodo romano, esta datado en el siglo IV a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
El mausoleo de Halicarnaso medía aproximadamente 45 metros de altura, y cada una de las cuatro plantas estaba adornada con relieves escultóricos creados por cada uno de los escultores griegos —Leocares, Briaxis, Escopas de Paros y Timoteo—. La estructura del mausoleo fue considerada un gran triunfo estético, tanto que Antípatro de Sidón lo consideró como una de las Siete Maravillas del Mundo.
“Fragmentos de los caballos colosales de la cuadriga del Mausoleo de Halicarnaso” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Fragmentos de los caballos colosales de la cuadriga del Mausoleo de Halicarnaso”, procede de Halicarnaso (Turquía), periodo romano, esta datado en el siglo IV a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
Un grupo de cuatro caballos con carro (cuadriga) se colocó en la cima de la pirámide escalonada que coronó el Mausoleo. Todo el grupo habría tenido unos 6,5 metros de largo y alrededor de 5 metros de altura. Estos dos fragmentos son los más grandes que sobreviven. Ellos forman la cabeza y parte delantera de un caballo con la brida de bronce original, y los cuartos traseros probablemente de otro caballo.
“León del Mausoleo de Halicarnaso” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “León del Mausoleo de Halicarnaso”, procede de Halicarnaso (Turquía), periodo romano, esta datado en el siglo IV a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
Estatua de mármol del Mausoleo de Halicarnaso, representa un león que estuvo colocado en la base de la pirámide escalonada.
El león está de pie con las dos patas delanteras un poco avanzadas. La cabeza se gira a la derecha. Están tallados los dientes con la boca abierta y dentro de ellos se describen la lengua. El rostro está enmarcado por una melena, que también cubre el cuello, los hombros y el pecho superior.
“Estatua colosal de un hombre en el Mausoleo de Halicarnaso” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua colosal de un hombre en el Mausoleo de Halicarnaso”, procede de Halicarnaso (Turquía), periodo romano, esta datado en el año 350 a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
La estatua no pretende ser una verdadera semejanza, sino más bien un retrato genérico de un asiático, probablemente, lo que representa es uno de los antepasados Hekatomnid Maussollos. Aparece con el pelo largo, los labios engrosados, los anchos pómulos, junto con la barba muy corta y el bigote parecen seguir la moda asiática contemporánea. Su manto, que consiste en una túnica de material grueso, esto no es griego; los retratos de los hombres griegos mostraban el torso desnudo.
“Estatua colosal de una mujer en el Mausoleo de Halicarnaso” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua colosal de una mujer en el Mausoleo de Halicarnaso”, procede de Halicarnaso (Turquía), periodo romano, esta datado en el año 350 a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
Ella lleva una manga túnica de manga corta que cierra con botones en los hombros. Sobre esta, lleva un manto, formando una masa de pliegues agrupados alrededor de su cintura, bien envolviendo sus caderas y piernas. A continuación, se envuelve alrededor de su espalda para finalmente caer sobre su hombro izquierdo.
“Tumba de Payava” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Tumba de Payava”, procede de Licia (Turquía), periodo romano, tiene unas medidas de 121 x 304 x 183 cm. esta datado en el año 375-362 a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
La tumba fue construida en piedra caliza con esculturas en relieve, inscripciones licias y una forma a dos aguas. En el lado norte hay un relieve con un hombre colocando una corona de flores en la cabeza de un joven atleta. En el lado oeste podemos ver un persa sentado, al parecer un gobernador, con figuras acompañantes y una inscripción que probablemente menciona el nombre del sátrapa Autofradates. En el lado sur hay dos figuras armadas y una inscripción que comienza “Payava hijo de Ad ..., secretario de A ... rah, por la raza un Licia ..”. En el lado este se puede ver una batalla de caballería y de soldados a pie, y una inscripción grabada en la tumba: Fue construida por Payava.
“Terracota en forma de un busto de Atenea” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Terracota en forma de un busto de Atenea”, procede de Atenas (Grecia), periodo romano, esta datado en el año 400-375 a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
Es un frasco de cerámica para el perfume donde se representa la figura de Palas Atenea, es la diosa de la guerra, civilización, sabiduría, estrategia, de las artes, de la justicia y de la habilidad. Una de las principales divinidades del panteón griego y una de los doce dioses olímpicos, Atenea recibió culto en toda la Grecia Antigua y en toda su área de influencia, desde las colonias griegas de Asia Menor hasta las de la Península Ibérica y el norte de África
“Figura tumbada de un toro” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Figura tumbada de un toro”, procede de Kerameikos, Atenas (Grecia), periodo romano, esta datado en el año 400-350 a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
Probablemente el culto al toro procede de la mitología egipcia: En tiempo de los griegos
el toro sagrado fue un dios solar de la fertilidad, y posteriormente de carácter funerario. Ptolomeo I Sóter introdujo el culto a Serapis, dios sincrético, con elementos mitológicos griegos y egipcios. El culto a Serapis perduró hasta el año 385 con la llegada de los cristianos.
“Dios Pan” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Dios Pan”, procede de Koropi (Grecia), realizado en mármol, esta datado en el año 440-430 a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
Pan era, también, el dios de la fertilidad y de la sexualidad masculina. Dotado de una gran potencia y apetito sexual, se dedicaba a perseguir por los bosques, en busca de sus favores, a ninfas y muchachos. En muchos aspectos, el dios Pan tiene cierta similitud con Dioniso.
“Cariátide del templo Erecteion” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Cariátide del templo Erecteion”, procede de Atenas (Grecia), realizado en mármol, esta datado en el año 409 a. C. Se expone en la sala 21 del museo
Cariátide del templo Erecteion es una de las seis que sirvió en lugar de columnas de un pórtico del templo.
Cariátides son figuras femeninas que sirven como soportes. La derivación más probable de su nombre es de las mujeres jóvenes de Esparta que bailaban cada año en honor de Artemisa Karyati. Esta es uno de las seis cariátides que sostenían el techo del templo de la Acrópolis conocido como Erecteion. Ella viste una túnica sencilla enlazada en cada hombro. Su cabello es trenzado y se ata mediante una cuerda gruesa por su espalda. Probablemente tenía un recipiente de sacrificio en una de las manos que faltan.
“Columna jónica del templo Erecteion” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Columna jónica del templo Erecteion”, procede de Atenas (Grecia), realizado en mármol, esta datado en el año 409 a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
La construcción del templo de Erecteion se inició alrededor de 421 a. C para albergar la estatua de culto de Atenea Polias, era la diosa principal de la antigua Atenas. El templo incorpora una serie de santuarios de otros dioses y héroes, entre ellos el legendario rey Erecteo. Además, otras reliquias sagradas fueron alojados allí, incluyendo un pozo de agua salada, un olivo, las marcas de un rayo o el tridente de Poseidón, la tumba de Kékrops.
El templo Erecteion tenía dos entradas principales, en los lados norte y este. Esta columna proviene del pórtico este, donde ésta se presentaba al final de una fila de seis. Comprende un pedestal ornamental apoyar en un eje estriado de mármol blanco, rematado por un capital hecho por separado.
“Monumento de las Nereidas” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Monumento de las Nereidas”, procede de Ardinas (Turquía), realizado en mármol, esta datado en el año 380 a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
El monumento de las Nereidas, es un edificio sepulcral, descubierto en la antigua ciudad Licia de Janto, en la actual Turquía.
La sepultura, de forma arquitectónica griega, estaba formado por una base cuadrangular de gran altura, decorada con dos registros de relieves figurados, que sostenía un pequeño edificio en forma de templo períptero, cuyo recinto principal constituía la cámara sepulcral que contenía los lechos funerarios.
“León agazapado” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “León agazapado”, procede de Ardinas (Turquía), realizado en mármol, esta datado en el año 380 a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
Los leones se colocaron al pie del monumento como guardianes de la tumba. Había originalmente, quizás, cuatro, uno en cada esquina. El estilo de las esculturas parece ser anterior al propio monumento. Es posible, porque estas esculturas pueden ser reutilizadas de la decoración de alguna tumba.
“Friso del Partenón” Museo Británico de Londres
Las siguientes piezas forman parte del “Friso del Partenón”, procede de Atenas (Grecia), realizado en mármol, esta datado en el año 443-438 a. C. Se expone en la sala 21 del museo.
El friso del Partenón tenía 160 metros de largo que rodeaba la parte superior de la habitación principal del Partenón en Atenas. Es una obra maestra de la escultura griega clásica, está realizado en bajorrelieve con mármol pentélico en estilo jónico, aunque en un edificio dórico. Representa probablemente la procesión de las Grandes Panateneas, que tenía lugar cada cuatro años en honor de la diosa Atenea.
“Friso del Partenón” Museo Británico de Londres
Fue esculpido aproximadamente entre los años 443 y 438 a. C. muy probablemente bajo la dirección de Fidias. Sobreviven unos 128 metros del friso original, alrededor del 94%, conociéndose el resto sólo por los dibujos que hizo el artista flamenco Jacques Carrey en 1674. Sus fragmentos se encuentran dispersos en diversos museos, sobre todo en el Museo de la Acrópolis de Atenas y en el Museo Británico de Londres. En la actualidad, el 37,5% del friso se encuentra en el Museo Británico
“Friso del Partenón” Museo Británico de Londres
La escena completa narra como son conducidos por los magistrados que adelantan a un cortejo donde figuran los caballeros y los soldados en armas, los ciudadanos, los músicos, así como los portadores de ofrendas seguidos por los animales de sacrificio. El cortejo se dirige hacia la Acrópolis y la asamblea de los dioses. Los ciudadanos y las mujeres participan en la procesión, están acompañados de metecos y de representantes de los aliados de Atenas.
La marcha del cortejo está situada en el lado oeste del templo. La procesión se divide en dos grupos, uno que se dirige hacia el lado norte, y el otro hacia el lado sur. Los dos grupos se unen junto a la entrada del lado este, bajo la mirada de los dioses que observan el cortejo.
“Friso del Partenón” Museo Británico de Londres
La parte del Partenón que se encuentra en Londres se la llamó “Los Mármoles de Elgin” es el nombre con que se conoce en Inglaterra la extensa colección de mármoles procedentes Atenas.
“Friso del Partenón” Museo Británico de Londres
La colección llegó a Gran Bretaña entre 1801 y 1805 de manos de Thomas Bruce, conde de Elgin, un oficial británico residente en la Atenas bajo dominación otomana, quien ordenó que se retiraran estas piezas del Partenón. Desde 1939, los mármoles se exponen en una sala habilitada especialmente dentro del Museo Británico de Londres.
Los mármoles de Elgin, Museo Británico de Londres
En total, la colección representa más de la mitad de las esculturas decorativas del Partenón: 75 metros de los casi 160 que tenía el friso original; 15 de las 92 metopas; 17 figuras parciales de los frontones así como otras piezas de arquitectura.
“Estatua de mármol de Afrodita” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua de mármol de Afrodita”, el original procede de Ostia (Italia) realizado en mármol, esta datado en el siglo IV a. C.
La pieza que expone el museo esta restaurada, fue construida hacia 360 a. C. los habitantes de la ciudad griega de Cnido, del sudoeste de Turquía, adquirieron una escultura de Afrodita, era considerada como la diosa del amor, la instalaron en un templo de la ciudad donde se convirtió en atracción de los viajeros. La obra de Praxíteles sirvió de inspiración para numerosas copias y variantes. En esta versión a tamaño reducido, los brazos son una restauración del escultor inglés Joseph Nollekens a finales del siglo XVIII. Un leve resalte en la barbilla apunta a que, en el original, la diosa alzaba la mano tocándose el rostro con la punta de los dedos.
“Portador de armas de Tiglath-Pileser III” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Portador de armas de Tiglath-Pileser III ”, procede de Asiria del Palacio de Nimrud, realizado en piedra, esta datado en el año 728 a. C.
Tiglath-Pileser III fue un prominente rey de Asiria en el siglo VIII a. C. Gobernó entre 745 y 727 a. C. y fue el fundador del Imperio neo asirio. Está considerado uno de los más exitosos comandantes de la historia. Sus conquistas abarcaron la mayor parte del mundo conocido por los antiguos asirios.
“La piedra Rosetta” Museo Británico de Londres
Una de las piezas más importante del museo es “La piedra Rosetta” realizada en bloque de granito negro de 548 kilogramos de peso, 118 cm. de altura, 77 cm de ancho y 30 cm. de groso, está datada en el año 196 a. C.
La piedra Rosetta fue hallada el 15 de julio de 1799 por el capitán francés Pierre-François Bouchard en el pueblo egipcio del delta del Nilo denominado Rashid, llamado por los franceses Rosetta.
Cuando Napoleón perdió la guerra, la piedra fue reclamada por los ingleses que a su vez enviaron copias hechas en las universidades de Oxford, Cambridge, Edinburgh y Dublín a las grandes universidades, bibliotecas, academias y sociedades en Europa.
El texto de la piedra esta en tres tipos. El primer tipo de inscripción era el jeroglífico, el cual se usaba en documentos religiosos importantes. El segundo tipo era el egipcio demótico, el cual era el tipo de escritura común de Egipto. Finalmente el griego, era el idioma de los dirigentes del país en aquella época. El texto jeroglífico se conforma de 14 renglones, los que corresponden a los últimos 28 del texto griego. El texto demótico son 32 renglones (los primeros 14 imperfectos al comienzo) y el texto en griego son 54 renglones siendo imperfectos los finales de los últimos 26. Gran parte de lo que falta puede ser restaurado de una estela descubierta en 1898 que hoy se encuentra en un museo en el Cairo y también de una copia del texto del decreto en las paredes de un templo en Philae (File).
El texto se pudo descifrar gracias a las analogías y asociaciones de símbolos que coincidían en las palabras que reconocieron como los nombres de Ptolomeo y Cleopatra por estar encerrados en un óvalo. (Esto se pudo comprobar con las inscripciones en un obelisco de Philae que también estaba en egipcio y en griego) (Por ejemplo, se encontró que la 2da letra de “Ptolomeo” coincidía con la antepenúltima de “Cleopatra” y así sucesivamente.)
Traducción “La piedra Rosetta” Museo Británico de Londres
El contenido de dicho texto es el siguiente: «…Bajo el reinado del joven que recibió la soberanía de su padre, Señor de las Insignias reales, cubierto de gloria, el instaurador del orden en Egipto, piadoso hacia los dioses, superior a sus enemigos, que ha restablecido la vida de los hombres, Señor de la Fiesta de los Treinta Años, igual a Hefaistos el Grande, un rey como el Sol, Gran rey sobre el Alto y el Bajo país, descendiente de los dioses Filopáteres, a quien Hefaistos ha dado aprobación, a quien el Sol le ha dado la victoria, la imagen viva de Zeus, hijo del Sol, Ptolomeo. Viviendo por siempre, amado de Ptah. En el año noveno, cuando Aetos, hijo de Aetos, era sacerdote de Alejandro y de los dioses Soteres, de los dioses Adelfas, y de los dioses Euergetes, y de los dioses Filopáteres, y del dios Epífanes Eucharistos, siendo Pyrrha, hija de Filinos, athlófora de Berenice Euergetes; siendo Aria, hija de Diógenes, canéfora de Arsínoe Filadelfo; siendo Irene, hija de Ptolomeo, sacerdotisa de Arsínoe Filopátor, en el (día) cuarto del mes Xandikos —o el 18 de Mekhir de los egipcios—…»
“Barca de la reina Mutemwia” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Barca de la reina Mutemwia”, procede de Karnak (Egipto) realizado en piedra, pertenecía a la dinastía 18, esta datado en el año 1400 a. C.
Mutemwia era la esposa principal de Tutmosis IV (1300-90 a. C) y la madre de Amenhotep III (1390 a 1352 a. C). Ella ayudó a establecer un templo a la diosa Mut, al sur-este del templo de Amón en Karnak. Es posible que esta escultura pudiera tener su origen allí. Fue descubierta en el piso del santuario principal en Karnak.
La escultura es casi seguro votivo, un objeto ofrecido a una deidad con la esperanza de la realización de un deseo particular.
La pieza tiene la figura de un barco, es probablemente destinada a representar Mutemwia bajo la apariencia de Mut. También hay un ingenioso juego de la relación entre los dos nombres y el diseño de la escultura: Mutemwia significa “Mut está en la barca”, que es exactamente lo que representa la escultura. En la proa de la barca es un sistro (sonajero) con una cabeza de Hathor, un símbolo sagrado que normalmente se asocian con las mujeres.
“Estatua de Ramses II” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua de Ramses II”, procede de Ramesseum, Thebes, Egipto, dinastía 19, esta datado alrededor de 1250 a. C.
El escultor hizo en esta obra una ligera variación de la habitual figura de Ramses II para conectar más directamente la obra con el espectador, inclinando los ojos ligeramente hacia abajo, de modo que la estatua se relaciona más con aquellos que la miran desde abajo.
Se recupera la obra del templo funerario de Ramsés en Tebas (la “Ramesseum”) por Giovanni Belzoni en 1816. Belzoni escribió un relato fascinante de su lucha para extraerla, tanto en sentido literal, dado su tamaño colosal, y políticamente. El agujero en la parte derecha del torso se dice que ha sido hecha por los miembros de la expedición de Napoleón en Egipto a finales del siglo XVIII, en un intento fallido de retirar la estatua de su lugar original.
“Sarcófago de Merymose” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Sarcófago de Merymose”, procede de Tebas, Egipto, dinastía 18, esta datado alrededor de 1350 a. C.
Merymose fue el virrey de Kush (Nubia Superior) durante el reinado de Amenhotep III (alrededor de 1390 a 1352 a. C). Kush y Nubia eran importantes fuentes de riqueza para los antiguos egipcios, y durante el Imperio Nuevo (unos 1550-1070 a. C) producen la mayor parte del oro que requiere el régimen.
En el Imperio Nuevo, la mayoría de los contenedores antropoides (humanos) en forma de momias eran ataúdes de madera. Sin embargo, hay un número de sarcófagos de piedra dura. Los sarcófagos de Merymose se encuentran entre los mejores que se han encontrado. Los ataúdes de madera en los mejores entierros suelen anidarse uno dentro del otro, con un máximo de cuatro ataúdes. Merymose era capaz de albergar tres sarcófagos de piedra.
“Estatua del Roy” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua del Roy”, procede del templo de Mut, Karnak, Egipto, confeccionada en piedra de basalto, durante dinastía 19, esta datado alrededor de 1250 a. C.
La escultura representa a Roy, era un alto sacerdote de Amón del reinado de Ramsés II.
El culto de Amón era central por su importancia en Tebas, por lo que el sumo sacerdote de Amón tenía un gran poder. Él supervisó la burocracia de la dinastía y una cantidad considerable de las riquezas. A finales del Imperio Nuevo (aproximadamente 1550 a 1070 a. C) los sumos sacerdotes marcharon hacia el Alto Egipto, y algunos de ellos llegaron a poseer el título de rey.
“Estatua de Amón en forma de un carnero proteger rey Taharqa” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua de Amón en forma de un carnero proteger rey Taharqa”, procede del templo T at Kawa, Sudan, confeccionada en piedra de granito, durante dinastía 19, esta datado alrededor de 1250 a. C.
El carnero es uno de los animales sagrados para Amón. Esta estatua representa Amón protegiendo al rey Taharqa, la figura del rey se interpone entre las patas delanteras y se sitúa debajo de la cabeza del animal.
Taharqa fue el último rey importante de la XXV dinastía Nubia (alrededor de 747-656 a. C). Al menos en una ocasión él huyó de Egipto hacia Nubia para escapar del hostigamiento de los ejércitos asirios que, dirigidos por el rey Asurbanipal (reinó 669-631 a. C), saqueó Tebas en el 663 a. C. Esta esfinge se encontró en un templo de Kawa en Nubia que el rey Taharqa había construido.
“Estatua de Peshuper” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua de Peshuper”, procede Karnak, Tebas, Egipto, confeccionada en cuarcita, durante dinastía 25, esta datado entre 750-700 a. C.
Peshuper adopta una de las poses clásicas de un escriba egipcio, se presenta sentado en el puesto de trabajo con un papiro extendido sobre su regazo. Los dos recipientes de tinta que forman la parte central del escriba son visibles en el hombro izquierdo.
En su brazo derecho está escrito un lema de su patrona, la “Divina Adoratriz Amenirdis”. Estas mujeres, también eran conocidas como las esposas de Dios, se convirtieron en el foco del culto de Amón en Tebas durante el Tercer Período Intermedio (alrededor de 1070 a 661 a. C), como los sumos sacerdotes masculinos estaban cada vez más involucrados en las relaciones políticas de la época. Toda una burocracia creció alrededor de las adoratrices divinas, y muchos de estos funcionarios lograron construir algunas de las tumbas más grandes jamás vistos en Egipto.
“Piedra Shabako” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Piedra Shabako”, procede Memphis, Egipto, durante la dinastía 25, alrededor del año 700 a. C.
Durante la 25 y 26 dinastías (alrededor de 747 hasta 525 a. C) los egipcios a menudo usan modelos y estilos de períodos anteriores para mejorar sus artes y la literatura. Los textos indican que tenían un aire de autoridad por la sugerencia de que se copian de una fuente anterior. Según este texto, el rey Shabako (alrededor de 716-702 a. C) inspeccionó el Templo de Ptah y se horrorizó al descubrir que un rollo de papiro estaba siendo devorado por los gusanos. Inmediatamente ordenó que el texto intacto restante se copiara en piedra. Al copiar el texto se reprodujo el diseño de los primeros documentos e introdujo una serie de arcaísmos, dando a la pieza un aire de antigüedad. Sin embargo, el texto es claramente mucho más tarde de lo que afirma. La losa fue posteriormente re-utiliza como una piedra de molino, dañando el jeroglíficos.
“Sarcófago Ankhnesneferibra” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Sarcófago Ankhnesneferibra”, procede Memphis, Egipto, durante la dinastía 26, esta datado entre los años 595-525 a. C.
Sarcófago de Limolita Negro de Ankhnesneferibra, sacerdotisa de Amón, hija de faraón Psamtek II de Dios y su reina Takhuit. Mantuvo los cargos de la Divina Adoratriz de Amón y más tarde esposa de Dios de Amón durante mucho tiempo.
En el exterior y el interior se realiza unas incisiones con registros verticales de jeroglíficos, que contiene oraciones e invocaciones a los dioses.
“Sarcófago de Nectanebo II” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Sarcófago de Nectanebo II”, procede Alejandría, Egipto, durante la dinastía 30, esta datado entre los años 343 a. C.
Nectanebo II (reinó desde 360 hasta 343 a. C) fue el último rey nativo de Egipto. Su reinado terminó con la segunda ocupación persa de Egipto, y se dice que huyó a Etiopía, por lo tanto no podemos estar seguros donde murió, o incluso si su cuerpo fue devuelto a Egipto para su entierro. Este sarcófago probablemente fue construido antes de salir de Egipto y nunca utilizado.
“Columna de granito” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Columna de granito”, procede Templo de Heryshef, Herakleopolis, Egipto, durante la dinastía 12, esta datado entre los años 1985-1795 a. C.
La ciudad importante de Heracleópolis aparece por primera vez en la historia de Egipto durante el Primer Periodo Intermedio (aproximadamente entre los años 2160 hasta 2040 a. C). Durante este período los reyes de las dinastías Novena y Décima gobernaron el norte del Alto Egipto y el Delta; estos gobernantes fueron derrotados por los reyes de Tebas, pocas obras de arte sobrevive de esta época, y la historia ha quedado un poco ciega.
Esta es una parte de una serie de columnas de granito (2040-1750 a. C.) del templo del Imperio Medio en Heracleópolis. Las columnas no se inscribieron cuando el templo fue construido, fue posteriormente cuando Ramsés II (1279-1213 a. C.) más tarde los incorporó a su templo a Heryshef (griego Arsaphes). El rey añadió la mayor inscripción vertical y la escena de sí mismo en la presentación de las ofrendas al dios. Su hijo y sucesor, Merenptah (1213-1203 a. C), añaden sus propios nombres en los espacios debajo de las escenas que representan.
“Sarcófago del Pahemnetjer” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Sarcófago del Pahemnetjer”, procede Saqqara, Egipto, realizado en granito, durante la dinastía 19, esta datado en el año 1250 a. C.
La figura de Pahemnetjer sujeta en sus manos los signos de un ankh (“vida”) signo y djed pilar, símbolo de Osiris indicando estabilidad. Por debajo de las manos esta una figura de la diosa Nut, y los textos nombran una serie de deidades protectoras de los muertos.
Pahemnetjer era un sumo sacerdote de Ptah en Menfis en el reinado de Ramsés II (1279-1213 a. C) sarcófagos de piedra se utiliza a menudo para los entierros de los funcionarios muy importantes en este momento.
“Estatua con marido y mujer” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua con marido y mujer”, procede Saqqara, Egipto, realizado en granito, durante la dinastía 18 o 19, esta datado en el año 1300 a. C.
Se desconoce la identidad de esta pareja, El hombre lleva una peluca larga y con mucho detalle, y una larga túnica con mangas largas y anchas, mientras que su esposa tiene una gran peluca envolvente y un vestido de manga larga. El estilo de las figuras es característico de la escultura de los últimos años de la Dinastía XVIII , durante el reinado de Amenhotep III (1390-1352 a. C), y los primeros años de la dinastía XIX (comienzos 1295 a. C).
“Estatua de la reina Ahmose-Merytamun” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua de la reina Ahmose-Merytamun”, procede Karnak, Egipto, realizado en granito, durante los comienzos de la dinastía 18, esta datado en el año 1500 a. C.
La estatua representa a una reina de la primera mitad de la dinastía del XVIII (alrededor de 1550 hasta 1295 a. C.). Las inscripciones en la base de la estatua están dañadas, pero sin duda le dan el nombre de la reina Ahmose-Merytamun, esposa y hermana de Amenhotep I (desde 1525 hasta 1504 a. C.), y quizás también su hermana, Sitamon. La reina muestra en la cabeza uno de los primeros ejemplos de la llamada “'Peluca Hathor”; un estilo de peluca similar a uno usado por la diosa Hathor.
“Busto del Rey Amenhotep III” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Busto del Rey Amenhotep III”, procede templo funerario de Amenhotep III, Tebas, realizado en granito, durante los comienzos de la dinastía 18, esta datado en el año 1350 a. C.
Amenhotep III encargó cientos de esculturas de su templo funerario en la orilla oeste del Nilo en Tebas, aunque no se conoce la ubicación original precisa de la mayoría de ellos. Los templos incluyen no sólo las figuras del rey, sino también una gran variedad de esculturas de animales sobre distintas variedades de piedras. Durante el desarrollo del reinado de Amenhotep III fue el uso extensivo de la escultura colosal.
“Seknmet diosa de la guerra”Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Seknmet diosa de la guerra”, procede templo funerario de Amenhotep III, Tebas, realizado en granito, durante los comienzos de la dinastía 18, esta datado entre el año 1390- 1350 a. C.
El nombre de Sekhmet viene del Antiguo Egipto procede de la palabra “sekhem”, que significa el poder o la fuerza. Con el fin de aplacar la ira de Sekhmet, sus sacerdotisas realizaban un ritual distinto ante cada una de las estatuas de la diosa que eran diferentes para cada día del año. Esta práctica dio lugar a muchas imágenes de la diosa. La mayoría de sus estatuillas fueron hechas con una mano rígida y no muestran ninguna expresión de movimientos o dinamismo; este diseño fue hecho para que duraran mucho tiempo más que para expresar cualquier tipo de funciones o acciones que está asociado.
“Estatuillas de la diosa Seknmet” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatuillas de la diosa Seknmet”, procede Karnak, Thebe, realizado en granito, durante los comienzos de la dinastía 18, esta datado en el año 1360 a. C.
El Rey Amenhotep III (1390-1352 a. C.), veneraba especialmente la figura de dios Sekhmet, ya que tenía una enorme cantidad de estatuas de ella erigidas en su templo funerario en Tebas. Si número podía haber llegado a 730 estatuas (una sentada y una de pie para cada día del año). Podrían haber sido parte de un ritual destinado a apaciguar a la diosa de fuego.
“Estatua colosal del Rey Amenhotep III” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Estatua colosal del Rey Amenhotep III”, procede del templo de Mut, Karnak, realizado en granito, durante los comienzos de la dinastía 18, esta datado en el año 1370 a. C.
Las estatuas reales en Egipto a veces se reutilizaban por los siguientes gobernantes. El procedimiento normal era simplemente volver a tallar su nombre sobre el anterior, pero en algunos casos también se alteraban las características físicas. Ramsés II (1279-1213 a. C.) parece haber cambiado una serie de estatuas de Amenhotep III de esta manera, probablemente porque quería representar a su imagen ideal de rey de una determinada forma. En esta estatua, Ramsés parece haberse concentrado en el cambio de los labios gruesos característicos. En otros casos se llevó a la reducción de las áreas del estómago ya que las estatuas de Amenhotep era algo más gordo.
“Brazo de la estatua colosal del Rey Amenhotep III” Museo Británico de Londres
La siguiente pieza “Brazo de la estatua colosal del Rey Amenhotep III”, procede del templo de Mut, Karnak,, realizado en granito, durante los comienzos de la 18, esta datado en el año 1370 a. C.
El reinado de Amenhotep III puede calificarse como el más próspero de toda la historia de Egipto, pues fue inmediatamente después de las gloriosas campañas asiáticas de Thutmose III y de Amenhotep II y justo antes de la crisis de Amarna, que tuvo como protagonista a su hijo Amenhotep IV, el futuro Ajenatón.
Frontón del Museo Británico de Londres
Aquí damos por concluida nuestra visita al British Museum, hemos pasado toda la mañana de galería en galería tratando de seleccionar las obras más importantes. En este momento estamos cansados, aprovechamos en el mismo jardín de la entrada al museo para degustar unos bocadillos que hemos preparado, busco unas bebidas en un chiringuito cercano y me cobran 18 libras por cuatro refrescos.
Metro de Londres (Reino Unido)
Nuestro siguiente destino en la visita del día es St. Paul's Cathedral para llegar nos tenemos que desplazar hasta la zona de la City , la estación de metro más cercana es St. Paul's, llegar hasta allí nos demora media hora haciendo el recorrido desde: Tottenham Court Road- Holborn- Chancery Lane - St. Pauls.
La actual catedral se debe a la reconstrucción del Gran Incendio de Londres de 1666 que afecto a la antigua catedral medieval. Los trabajos del nuevo edificio se encargo a Christopher Wren (arquitecto encargado de reconstruir las iglesias de Londres).
El arquitecto diseño un enorme proyecto basado en el estilo barroco inglés con un único mensaje: «bella y noble en todos los extremos y fuera de una gran reputación para la ciudad y la nación», este fue rechazado y se aprobó un segundo proyecto un poco más sencillo en 1675. Las obras empezaron un año después y se prolongaron hasta 1710.
La catedral es el lugar donde se celebran los acontecimientos religiosos más importantes de la historia británica, como los funerales de Horatio Nelson, del Duque de Wellington, de Winston Churchill y de Margaret Thatcher; el jubileo de las reinas Victoria e Isabel II; los servicios de paz que marcaron el final de la Primera y Segunda Guerra Mundial; o la boda del príncipe Carlos con Diana de Gales.
Catedral de San Pablo en Londres (Reino Unido)
La característica exterior más notable es la cúpula, que se levanta 111,25 metros desde el crucero teniendo vistas de la ciudad. La altura de 111,25 metros, corresponde por el interés de tenia Wren en la astronomía. A finales del siglo XX, San Pablo se convirtió en el edificio más alto en el horizonte de la ciudad, diseñado para ser visto rodeado por las delicadas agujas de las otras iglesias diseñadas por el arquitecto.
El interior de la catedral con una planta de tres naves que desemboca en un transepto con una enorme cúpula y el coro , a las que complementan distintas capillas en las naves laterales. La cúpula, situada en la parte central, está concebida como un nexo de unión entre el cielo y la tierra, y a sus pies, se encuentra el altar. El coro por su parte, es donde se realizan las ofrendas por parte del clero y el coro, y donde se encuentra el asiento del obispo dentro de la catedral. En la parte baja se accede a una enorme cripta donde se encuentran las tumbas de las principales personalidades del país.
La nave norte o nave de la Evangelio se encuentra a la izquierda de la entrada del Gran Oeste de la puerta. Entre las capillas se encuentran la capilla de San Dunstan, que está reservado para la oración privada en todo momento del día, y la capilla de Todos los Santos, también conocido como la Capilla Kitchener , ya que contiene un monumento al líder militar Primera Guerra Mundial. Además, podemos ver distintos memoriales como los de vizcondes William y Frederick Melbourne.
Bóveda de San Pablo en Londres (Reino Unido)
La nave sur o nave de la epístola a la derecha de la entrada Gran Puerta del oeste. En su interior tiene diferentes capillas embutidas como la de San Miguel y San Jorge, que es el hogar espiritual de la Orden del mismo nombre. La capilla fue originalmente el juzgado eclesiástico. Entre los distintos memoriales podemos ver el de Thomas Middleton, primer obispo de la India.
La nave central es la parte que mas destaca a la entrada a la catedral de San Pablo, por la longitud y su belleza que conduce la mirada hacia la gran cúpula, a la espalda están las grandes puertas del oeste, con nueve metros de altura, solamente se abren con la visita para los servicios especiales y la llegada de los visitantes, como Su Majestad la Reina y el alcalde de Londres.
Si caminamos por la nave central en el segundo tramo podemos encontrar el monumento a uno de los mejores soldados y hombres de Estado de Gran Bretaña, Arthur, duque de Wellington, se sienta en uno de los arcos entre la nave y la nave norte. Wellington murió en 1852 pero su monumento no se terminó hasta 1912.
Memoriales de la Catedral de San Pablo en Londres
Si nos
situamos
sobre el transepto podemos ver el monumento al gran héroe naval de Gran Bretaña, Horatio Nelson, que murió en la batalla de Trafalgar en 1805, se encuentra en el crucero sur.
Cruzamos todo el transepto hasta el norte es donde podemos ver la gran pintura de William Holman Hunt, titulada “ La Luz del Mundo”, que forma un retablo en la capilla de San Erkenwald y San Ethelburga.
Andamos por la parte central de crucero hasta llegar al coro donde se puede ver la impresionante sillería del coro decorada con delicadas tallas de Grinling Gibbons, cuyo trabajo se ve en muchos palacios reales y grandes casas señoriales.
Al fondo del coro se puede ver el altar mayor, fue construido 1958 y está hecho de mármol y roble tallado y dorado. Cuenta con un magnífico dosel basado en un boceto de Christopher Wren, pero que no se hizo en su tiempo. Sustituyó a un gran altar de mármol de la época victoriana que fueron dañados con bomba durante los bombardeos II Guerra Mundial y que destruyó una gran parte de esta zona de la Catedral.
Monumento Duque de Wellington de San Pablo en Londres
El pasillo del deambulatorio sur, también conocido como pasillo del Decano, se encuentran las efigies de dos obispos de Londres y también una efigie de mármol de John Donne. Donne fue un decano de la Catedral y uno de los mejores poetas de Gran Bretaña, murió en 1631. Es uno de los pocos monumentos que han sobrevivido al Gran Incendio de Londres, aunque aún en su base se pueden ver marcas de quemaduras.
En el extremo este de la catedral detrás del altar mayor se encuentra el ábside central donde se levanta la Capilla Memorial de América, también conocida como la Capilla de Jesús. Esta parte de la catedral fue destruida durante los bombardeos y como parte de la restauración, se decidió que el pueblo de Gran Bretaña debería de conmemorar los 28.000 estadounidenses fallecidos en el Reino Unido durante la II Guerra Mundial. Las imágenes que adornan su madera, carpintería metálica y vidrio de color incluyen representaciones de la flora y la fauna de América del Norte.
Las puertas de hierro forjado en el pasillo del deambulatorio norte que fueron diseñadas por el maestro herrero francés Jean Tijou, que fue responsable de la mayor parte del trabajo decorativo en la Catedral. El pasillo también alberga la Madre y el Niño, de Henry Moore en la década de 1980. También se puede ver el monumento a los mártires que honra a los anglicanos que han muerto por su fe desde 1850.
Coro Catedral de San Pablo en Londres
La cripta se ha dedicado como monumento para honrar a los hombres de Estado más destacados de la patria; la más importante es la Tumba de Nelson. Lord Nelson el almirante más famoso murió en la batalla de Trafalgar en 1805 y fue enterrado en San Pablo después de un funeral de Estado. Su cuerpo fue depositado en un ataúd hecho de la madera de un barco francés derrotado en la batalla. El sarcófago de mármol negro que adorna su tumba fue hecho originalmente para el cardenal Wolsey, Lord Canciller durante el reinado de Enrique VIII en el siglo XVI. Después de la caída en desgracia de Wolsey en desgracia, se quedó sin uso en la ciudad de Windsor hasta que se destino un mejor uso al la tumba del almirante.
Otra de las Tumbas más importantes es la Wellington , descansa por un simple ataúd pero imponente hecho de granito de Cornualles. Aunque en un héroe nacional, Wellington no era un hombre de gloria por sus victorias. El duque era conocido como El Duque de Hierro y como resultado de su incansable campaña que dio lugar a la victoria sobre Napoleón. Las banderas que cuelgan alrededor de la tumba de Wellington se hicieron por su cortejo fúnebre.
Tumba de Nelson en la Catedral de San Pablo en Londres
En los sótanos también se encuentra la tumba de Sir Christopher Wren el arquitecto de San Pablo, está enterrado en el pasillo del sur en el extremo este de la cripta. Su tumba está marcada por una simple piedra y está rodeado por los monumentos a su familia, a Robert Hooke y a los albañiles que participaron en las obras. El epitafio en latín por encima de su tumba, como es sabido se dirige a nosotros: “Sr. Lector, si usted busca su monumento, mira a tu alrededor”. En la misma parte de la cripta se hallan muchas más tumbas y monumentos conmemorativos de artistas, científicos y músicos. Por ejemplo la del pintor Sir Joshua Reynolds; el científico Alexander Fleming, descubridor de la penicilina; el compositor Arthur Sullivan; y el escultor Henry Moore.
La subida a la cúpula ya merece por si sola la visita a la catedral desde donde se tiene unas de las vistas áreas más espectaculares. La galería esta divida en tres tramos. La primera parada se hace en la “Galería de los Susurros”, se llega por una amplia escalera, esta situada a 30 metros sobre el nivel del suelo y se llega después de ascender por 257 escalones sin mucha dificultad, es llamada así porque en ella es posible escuchar el susurro de cualquier persona que se encuentre al otro lado, desde una zona enrejada (para que no se caiga ningún objeto sobre los fieles) podemos ver la planta interior de la catedral
Galería de los Susurros en la Catedral de San Pablo en Londres
Un poco más arriba subimos por una escalera un poco más estrecha ascendiendo hasta una altura de unos 53 metros de altura y después de subir por 376 escalones, esta parte se llama “Galería de Piedra” porque desde aquí se sale al exterior donde, en redondo, podemos tener una espléndida vista de todo Londres protegidos por una barandilla de piedra.
Vista desde la Galería de Piedra en la Catedral de San Pablo en Londres
Si el tiempo y el viento no lo impiden podrás subir hasta la parte más alta de la catedral, se trata de la “Galería Dorada”, esta a una altura de 85 metros sobre el nivel del suelo, hay que ascender un total de 528 escalones, la última parte por unas escaleras con mucha pendiente, empinadas y estrechas, difícil de superar, por lo que no se recomienda a personas con trastornos médicos y problemas de movilidad o que no soportan estar en espacios reducidos y altos.
Vista desde la Galería de Dorada en la Catedral de San Pablo en Londres
Por la tarde nos marchamos hacia la zona de Marylebone donde se encuentra el famoso museo de Madame Tussauds. Para llegar cogemos el metro hasta la estación de Baker St.
Fachada principal de la Catedral de San Pablo en Londres
Tomamos el metro en la Línea Central dirección hasta la estación de Oxford Circus, allí cambiamos a la Bakerloo line, cuatro estaciones más llegamos Baker Street Underground Station.
Estación de metro Baker street en Londres
Nada más salir al cielo te das cuenta donde puede estar el museo tan celebre de cera, solamente tienes que ir donde va “Vicente”. Enseguida aparece ante tus ojos la cúpula redonda de Madame Tussauds.
Museo de Madame Tussauds en Londres
La cola que hay para entrar es kilométrica, aunque tenemos la esperanza de al llevar nuestras entradas compradas no tengamos que esperar tanto tiempo. Parece que si, solamente se salvan de la espera los que han pagado un sobrecoste de entrada VIP, marcado como acceso prioritario.
Nos armamos de paciencia porque en el lugar que nos ponemos ya avisa que el tiempo de espera es superior a 1 hora. En estos momentos nos preocupa, más que la propia espera, que cuando lleguemos a la taquilla no podamos entrar porque el horario es de 9,00 a 18,00 horas. Como digo con mucha paciencia, durante los múltiples zig-zag del recorrido la espera es amenizada con algunas figuras de cera para que la gente se entretenga, podemos fotografiarnos con Napoleón y con un Bobi, cuando llegamos a la taquilla son las 17,30 y nos informan que todo el mundo que entra antes de las 18,00 tienen tiempo suficiente para ver con calma el museo porque puedes estar en su interior hasta las 20,00 horas.
La primera sala es enorme y no parece que tenga tanta gente como parece entrar por la puerta, esta dedicada a los personajes más famosos del cine anglosajón.
Julia Roberts, Museo de Madame Tussauds en Londres
La primera figura que vemos es la de Julia Roberts, lleva un vestido largo de noche y su figura esta muy bien conseguida, lleva un moño y unos pendientes de diamantes, sus ojos color caramelo, su sencillez y su amplia sonrisa nos dirige hacia un sillón donde podamos sentarnos para podernos fotografiar en su compañía.
Kate Winslet, Museo de Madame Tussauds en Londres
El siguiente personaje nos atrae por su amplio vestido largo rojo destaca por su estilizado corte y su amplio escote, se trata de la actriz Kate Winslet, rubia con el pelo corto, lleva unos pendientes de enorme piedra y en su mano derecha una pulsera con diamantes. La figura nos representa a una mujer a medio camino entre su cuerpo actual y cuando se hizo famosa en la película de Titanic, más como el prototipo de mujer que como madre y entradita en años de cómo se muestra actualmente, entremedias diríamos esta la virtud.
Tom Cruise, Museo de Madame Tussauds en Londres
A su lado, aunque a cierta distancia esta Tom Cruise, nos recibe con su conocida sonrisa, esta que fue esculpida gracias a que durante muchos años llevo correctores dentales y dicen de él que es la sonrisa casi perfecta. Lleva un traje de chaqueta color negro con camisa blanca y sin corbata. Su mano izquierda trata de romper la rigidez de la postura desabrochándose el botón de la chaqueta.
Helen Mirren, Museo de Madame Tussauds en Londres
En un apartado especial tienes la oportunidad de fotografiarte con la actriz Helen Mirren, sobre un fondo de la bandera de la Union Jak , tiene tres figuras de cera. En el centro sobre una mesa donde se representa en uno de sus papeles más importantes y recientes en el film “ La Reina ”. De pie y la derecha con una chaqueta sobre su mano izquierda podemos ver la figura en el papel de la detective Jane Tennison que protagonizo en la película “Principal Sospechoso”. También de pie y a la izquierda la vemos con el traje de noche que llevaba en la alfombra roja de 2007 a la entrada a la entrega de los Premios Nacionales de Cine en el Royal Festival Hall de Londres.
Emma Watson, Museo de Madame Tussauds en Londres
Sentada sobre un poyete de la sala se encuentra la figura de Emma Watson, lleva un vestido de Elie Saab con detalles de pedrería para la cena VIP Lancome en 2011. Su principal personaje que hizo en el cine fue Hermione Granger en el film Harry Potter.
George Clooney, Museo de Madame Tussauds en Londres
Quizás siguiendo el olor virtual de un cápsula de café de una Nespresso podemos ver el personaje que se hace obligatorio para las damas es el conocido actor George Clooney, esta sentado sobre un sillón invitando con el brazo izquierdo a fotografiarse a su lado. Viste su típico traje negro y su ajustada camisa de seda negra.
Angelina Jolie, Museo de Madame Tussauds en Londres
Un poco más adelante podemos ver la figura solitaria de una mujer es Angelina Jolie, falta a su lado la compañía de Brad Pitt, imaginamos que no hace mucho tiempo han sido separados, esperemos que no sea para siempre.
Lleva un ajustado vestido de raso azul hasta los pies con un cuello negro, con un hombro al descubierto, lleva unos altos tacones negros, sobre su cuello exhibe un bonito collar de brillantes que hace juego con sus pendientes y pulsera.
Morgan Freeman, Museo de Madame Tussauds en Londres
En un rincón podemos ver a Morgan Freeman con esa mezcla de galán venido a menos y hombre duro. Veo que le han cambiado hace poco el pañuelo sobre el cuello que llevaba en la publicidad de color morado por una más prudente color marrón. Lleva un traje color marrón, su mirada perdida en los recuerdos de su la ultima película, destaca sobre su oreja su pendiente de aro.
Kim Kardashian, Museo de Madame Tussauds en Londres
El museo este año se ha actualizado y ha colocado una figura con una escena para poderte hacer un selfie con la reina actual de la tendencia, Kim Kardashian, está vestida con uno de sus favoritos vestidos de Balmain que muestra sus mejores curvas.
Pulsando la cámara puedes captar el momento presionando el botón del teléfono que tiene en la mano. Gracias a las pantallas detrás de la pieza, el escenario cambia, así que las fotos podrán tener de fondo desde la Torre Eiffel hasta un supermercado.
Benedict Cumberbatch, Museo de Madame Tussauds en Londres
Al lado de Angelina Jolie se encuentra la figura de Benedict Cumberbatch viste un elegante traje negro de Spencer Hart. Es un actor algo desconocido en España aunque ha participado en muchas películas de series británicas.
Nicole Kidman, Museo de Madame Tussauds en Londres
Nos sorprende un poco la figura de Nicole Kidman y su media sonrisa tan bonita y que la hizo famosa. La actriz australiana se presenta delgadísima aunque con un precioso vestido dorado que hace juego con los rizos de su pelo y su especial color azul de sus ojos.
Katrina Kaif, Museo de Madame Tussauds en Londres
Procedente the Bollywood la meca del cine de la India están representados sus más famosos actores, entre estos, Katrina Kaif, es muy desconocida en España. Nació en el Reino Unido para convertirse en una de las actrices preferidas de la India. Para la confección de la figura se emplearon pelos en la cabeza naturales, se insertan uno por uno, y para lograr el color de la piel se aplicaron un sinfín de capas de pinturas y tintes para lograr una especie de sorprendente realismo.
Katrina Kaif, Museo de Madame Tussauds en Londres
Las siguientes salas están dedicas a las figuras clásicas del cine. La primera que vemos es la icónica Marylin Monroe, la imagen de la actriz que nos presenta el museo nos lleva a una de sus frases más famosas: “Dale a una chica los zapatos correctos y conquistará el mundo”. El mito sexual y cinematográfico de los años cincuenta, aún hoy es venerada como una diosa del siglo XX. Una de las imágenes más famosas con la que soñaron nuestros mayores y no tan mayores, fue creada en 1955, por Marilyn Monroe y Billy Wilder en la película “La tentación vive arriba” ( The Seven Year Itch ). Donde el respiradero del metro y la falda volandera de la actriz fijaron en la retina la posibilidad de ver
la ropa interior
de “ La Mujer ” soñada.
Todo el mundo se preguntaba por las bragas de Marylin, donde las lavaba, con qué jabón, las usaba y tiraba; un día la preguntaron: qué hace con sus bragas, y ella responde: “Oh, siempre guardo mi ropa interior en la nevera”, esta respuesta sirvió para aumentar el morbo de por qué necesitaba enfriarlas.
Humphrey Bogart, Museo de Madame Tussauds en Londres
Más adelante podemos ver otra de las figuras míticas de la cinematografía es Humphrey Bogart, aunque no esta muy conseguida, quizás sea una de las peores del museo. Todos tenemos en nuestra imaginación la figura del actor, pero en realidad no coincide mucho con la que tenemos en nuestra alma, aunque si podemos escuchar una de sus frases más famosas en la última escena de Rick en la película Casablanca: Louis, creo que éste es el comienzo de una hermosa amistad.
Arnold Schwarzenegger, Museo de Madame Tussauds en Londres
Un poco más adelante vemos la magnifica representación del actor Arnold Schwarzenegger en la película “Terminator”. Dicen que para promocionar la última película de la saga el actor copio la figura de cera y se marcho al Museo de Hollywood, en Los Ángeles, se colocó inmóvil y se convirtió en un escultura viviente, para susto de los visitantes.
Bruce Willis, Museo de Madame Tussauds en Londres
Una de las figuras mejor conseguidas es el actor Bruce Willis es súper hiperrealista y viendo su calva recordamos unas de sus frases: “Todos los días aparece algún hombre calvo que me agradece que haya dignificado su alopecia.” En definitiva, su calvicie magnifica su hermosura.
Ese porte le hace un hombre diferente, tanto, que se le permiten ciertas licencias: El agua moja, el cielo es azul y las mujeres tienen secretos.
Whoopi Goldberg, Museo de Madame Tussauds en Londres
Whoopi Goldberg está vestida con su traje de monja que la hizo súper famosa en la película Sister Act, es una gran activista política que llegó afirmar: Lo que tienes que hacer es escribirlo, transportarlo, ponlo en un cuaderno, pero sácalo de tu cuerpo, sacalo... para que ya no tengas que luchar contra ello.
Robert Downey jr, Museo de Madame Tussauds en Londres
Menos conocido es la figura de Robert Downey jr vestido con el traje de la película en Sherlock Holmes. Una de sus frases más celebres: “Escucha, sonríe, asiente y luego haz la misma jodida cosa que ibas a hacer de todos modos”.
John Wayne, Museo de Madame Tussauds en Londres
Muy solitario se encuentra la figura de John Wayne, nadie para hacerse un selfie, mucha gente ha olvidado que las pelis del oeste nos hicieron crecer, y muchos aprendimos algunas de sus frases de esta leyenda del cine y que Mariano Rajoy la copiaría par si mismo : “Un hombre tiene que hacer…lo que un hombre tiene que hacer” o esta otra que tampoco le viene mal “ Si tuviera que hacer algo de nuevo probablemente hubiera hecho lo mismo, aunque eso no significa que se la forma correcta de hacerlo”.
Jennifer Lawrence, Museo de Madame Tussauds en Londres
La siguiente figura pertenece a la actriz Jennifer Lawrence, la figura tampoco es muy demandada y quizás el sitio de está actriz no se encuentre dentro de las celebridades. Aunque la figura ha sido pagada por la productora para promocionar la película de “Los juegos del hambre”.
Daniel Craig, Museo de Madame Tussauds en Londres
El qué si esta es Daniel Craig por su participación como agente 007, aunque el Museo ha prometido que en breve pondrá juntos a los seis protagonistas de James Bond que lo interpretaron en el cine: Sean Connery, George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton y Pierce Brosnan.
Eva Moneypenny, Museo de Madame Tussauds en Londres
A su lado se encuentra la figura de Eva Moneypenny es un personaje ficticio de las novelas y películas de James Bond. Ella es secretaria de M, que es jefe de Bond y jefe del servicio secreto británico MI6. El personaje destaca en la mayoría de las películas, siempre se destacó por la tensión romántica subrayada entre ella y 007.
Aunque los actores protagonistas de 007 siguen siendo unos galanes y no han envejecido, la que si lo ha hecho con el tiempo ha sido Samantha Bond Goldeneye que ha interpretado el personaje de Eva Moneypenny, ahora trata a 007 más como una madre protectora que como una confidente sexual.
Robbie Williams, Museo de Madame Tussauds en Londres
También al amparo del escenario preparado para 007 está la figura de Robbie Williams, quedó unido a la saga por la canción de Millennium que utiliza como base del arreglo musical de la canción de Nancy Sinatra “You Only Live Twice” correspondiente a la película de James Bond “Sólo se vive dos veces”.
Charlie Chaplin, Museo de Madame Tussauds en Londres
Otra de las figuras poco demandas, nadie se para ni siquiera para contemplar los raídos de sus vestimentas, es el mítico Charlie Chaplin que pasó por ser el actor más revolucionario del cine mundial. Un hombre que vivirá toda la vida entre nosotros llegó a decir: “Aprende como si fueras a vivir toda la vida y vive como si fueras a morir mañana.”
E.T., Museo de Madame Tussauds en Londres
Aprovechando la celebración del 30 aniversario de esta querida película de Steven Spielberg, tienes la oportunidad de subirte a la bicicleta de E.T. y volar por un cielo imaginario haciéndote un selfie.
Steven Spielberg, Museo de Madame Tussauds en Londres
A su lado esta la figura del director Steven Spielberg, este si que es imprescindible en la historia del cine, tiene dos oscar como director por Salvar al Soldado Ryan y La lista de Schindler, aunque el reconocimiento por parte de Hollywood le llegó muy tarde porque antes ya había hecho verdaderas obras de arte.
Sir Alfred Joseph Hitchcock, Museo de Madame Tussauds en Londres
El último de los personajes del cine es la figura del maestro Sir Alfred Joseph Hitchcock. Una de las peculiaridades del director fue la relación con las mujeres que las convertía en objetos de adoración como verdaderas musas, en especial, con las mujeres rubias. El rubio nórdico era una peculiaridad por los altos contrastes en las películas en blanco y negro, y sino se teñirían, como lo tuvieron que hacer Madeleine Carroll, Joan Fontaine o Ingrid Bergman.
Rafa Nadal, Museo de Madame Tussauds en Londres
Más adelante pasamos a la sección dedicada al deporte. Como primera figura esta nuestro Rafa Nadal, ante él solamente se paran los españoles, el público en general no sabe ni su nombre.
Boris Becker, Museo de Madame Tussauds en Londres
A su lado está Boris Becker vestido c un elegante traje que más bien parece un actor qué uno de los monstruos sobre las pistas de tenis, la gente pasa también de largo.
Brian Charles Lara, Museo de Madame Tussauds en Londres
Otra de las figuras que pasan sin pena ni gloria es un tal Brian Charles Lara, encantado en conocerle. Dicen que uno de los cinco mejores jugadores de cricket de la historia y record de mangas.
Sachin Tendulkar Museo de Madame Tussauds en Londres
Enfrente, un cartel indica Sachin Tendulkar es reconocido como el mejor bateador del cricker indio de su generación, al parecer sus números en los partidos era incontestable y tiene como mérito su alzamiento al Olimpo.
Muhammad Ali, Museo de Madame Tussauds en Londres
Muhammad Ali es considerado el mejor boxeador de todos los tiempos, o uno de los más destacados. Fue una figura social de enorme influencia en su generación, en la política y en las luchas sociales o humanitarias a favor de los afrodescendientes.
Thomas Daley, Museo de Madame Tussauds en Londres
Nos sorprende la figura de Thomas Daley porque se encuentra colgada del techo, se trata de un saltador de trampolín inglés que tuvo el reconocimiento como campeón de Europa y medalla de bronce en los Juegos Olímpicos 2012.
Cristiano Ronaldo, Museo de Madame Tussauds en Londres
Los dos siguientes personajes están vinculados con el deporte y con el fútbol son los más demandados para ser fotografiados. Uno es Cristiano Ronaldo, esta vestido con el número 7 de la selección de Portugal. Es conocido como CR7, y considerado como uno de los mejores futbolistas del mundo, llegando incluso a ser el mejor y más completo para un elevado número de personas y prensa vinculadas al deporte, así como también una de las figuras más mediáticas de la actualidad.
José Mourinho, Museo de Madame Tussauds en Londres
El otro, es el entrenador portugués José Mourinho, ha conseguido todo en el mundo de fútbol y siempre acompañado de polémica, ahora vuelve a entrenar al Chelsea como técnico para las siguientes cuatro temporadas, aunque le ha durado porque le han cesado.
Las siguientes salas son las que más expectación despiertan porque están las figuras de los políticos y de la vida social europea.
La familia real británica, Museo de Madame Tussauds en Londres
El grupo más numeroso de figuras del museo corresponde a la representación de la familia real británica. En el centro con un vestido blanco se encuentra la reina Isabel II, unos pasos más atrás se encuentra la figura de Felipe, duque de Edimburgo y consorte de la reina. Unos metros a la izquierda esta el príncipe Carlos, príncipe de Gales y Camila, duquesa de Cornualles es el príncipe heredero hijo mayor de la reina y su actual esposa. En el lado contrario está el príncipe Guillermo, duque de Cambridge y Catalina, duquesa de Cambridge (hijo mayor del príncipe de Gales y la princesa Diana de Gales; y su esposa). En el extremo derecha se encuentra el príncipe Enrique de Gales, es el menor de los hijos de Carlos, príncipe de Gales y su primera esposa Diana, princesa de Gales.
Diana de Gales, Museo de Madame Tussauds en Londres
Entre los personajes históricos que nos presenta el museo esta el rey Carlos I; Sir Francis Drake (corsario ingles); el rey Enrique VIII; la malograda Diana de Gales; Pablo Picasso; Stephen Hawking; Albert Einstein (inventor).
The Beatles, Museo de Madame Tussauds en Londres
En el apartado musical están las figuras de Elvis Presley; Madonna; Miley Cyrus; Michel Jackson; Amy Winehouse; The Beatles; Britney Spears; Lady Gaga,
Davide Cameron, Museo de Madame Tussauds en Londres
Entre los políticos: Nelson Mandela; Tenzin Gyatso o Dalai Lama; Martin Luther King; el presidente inglés: Davide Cameron delante de la puerta de 10 Downing Street; el presidente francés François Gérard Georges Holland; la presidenta de Alemania: Angela Merkel; Kennedy, Thetcher; Ghandi.
Barack Hussein Obama II, Museo de Madame Tussauds en Londres
Pero la figura política que más llama la atención del museo es Barack Hussein Obama II, representado en el momento de su elección como Presidente de los Estados Unidos, se encuentra en el despacho oval. Situado en el Ala Oeste de la Casa Blanca , la oficina fue diseñada con forma ovalada, con tres ventanas altas orientadas al sur detrás del Escritorio Resolute y hay una chimenea en el lado norte.
Viaje por Londres, Museo de Madame Tussauds en Londres
La siguiente parte del museo es más parecida a un parque de atracciones; la primera atracción es un viaje montado en unos vagones para dar un paso por los horrores de la historia, desde escenas con torturas, escenas con la vida medieval en Londres
La siguiente atracción es en la sala Marvel Súper Héroes 4D donde el increíble personaje Hulk protagoniza las escenas de una película proyectada sobre la cúpula de Madame Tussauds.
La trama de la historia son los Súper Héroes que llegan a Londres para recibir premios especiales a la valentía de manos de la reina pero descubren que la capital está bajo la amenaza de un mal genio, Doctor Doom. El doctor mortal tiene la intención de destruir a los Súper Héroes y su centro de mando secreto ha creado un ejército de cómplices robóticos letales para ayudarlo.
La proyección se realiza sobre una pantalla de 360º donde se impulsa los efectos de acción gracias a los efectos especiales sobre el propio público, proyectando directamente agua y humo, o moviendo los asientos para general sensación de movimiento en las escenas.
El increíble Hulk, Museo de Madame Tussauds en Londres
Para finalizar la visita pasamos por un pasillo perteneciente al Pasaje del Terror, lo hacemos tan deprisa que casi no damos tiempo para que los actores puedan interpretar su papel con el grupo anterior al nuestro.
Cuando salimos a la calle las luces son bajas y empieza anochecer, todavía nos quedará tiempo para poder atender a las demandas de la juventud y no es otra que visitar la tienda de Victoria's Secret of London, se encuentra en la esquina de las calles Brook Street con New Bond Street. Cogemos el metro en Baker Street y en una parada de la línea gris Jubilee y seis minutos más llegamos a Bond Street.
La tienda de Victoria Secret permanece abierta hasta las 21,00 horas por lo que se puede dejar para la visita última del día cuando estamos más cansados y apenas nos quedan fuerzas para dar un paso, pero afortunadamente las prendas que venden nos abren el alma.
La compañía se hizo famosa por la cantidad de supermodelos que trabajaron para presentar sus novedosos modelos, entre otras: Miranda Kerr, Valeria Mazza, Alessandra Ambrosio, Doutzen Kroes, Gisele Bündchen, Candice Swanepoel, Erin Heatherton, Elsa Hosk, Adriana Lima, Izabel Goulart, Chanel Iman, Behati Prinsloo, Ivana Crites, Tyra Banks, Naomi Campbell, Karolina Kurkova, Heidi Klum, Brooklyn Decker, Eugenia Silva, Inés Rivero, Rosie Huntington, Lindsay Ellingson, Karlie Kloss, Lily Aldridge, Barbara Palvin o Cara Delevingne.
Interior de Victoria Secret de Londres
Cada año, de veinte a cuarenta de las mejores modelos del mundo de la moda son seleccionados para caminar en el desfile de moda de la compañia. En un año la empresa contrata alrededor de media docena de mujeres, y se publicitan como «ángeles de Victoria's Secret», que ayudan a difundir la personalidad de la marca.
La tienda nos ofrece unos escaparates que definen el espíritu de la compañía mostrando lo que ellos llaman con las estrellas del desfile: los ángeles han aterrizado en Londres, donde se ven los modelos de lencería rodeadas de grandes y gramurosas alas blancas.
El interior de la tienda Victoria Secret en Londres, es impresionante por lo lujosa y bonita que es, cuenta con varias plantas comunicadas con una escalera donde se proyectan en distintos paneles escenas de las fiestas y desfiles de las mejores modelos del mundo. Entre los modelos de lencería que exponen es difícil no encontrar algo que verdaderamente te guste porque además las tallas que ofrecen cada modelo es imposible que no encuentres la tuya.
Los ángeles de Victoria Secret de Londres
En una de sus plantas vemos en la tienda la submarca Pink, fue fundada en 2004 y dirigida a adolescentes y jóvenes universitarias, vende lencería, pijamas, productos de belleza y accesorios acordes a la edad.
La verdad es que todo este lujo se paga y cuando das la vuelta a la etiqueta te llevas la sorpresa que es difícil encontrar una prenda que baje de las 20 libras.
Aquí termina nuestro día tan apretado en Londres, solamente nos queda coger el metro hasta la estación de Waterloo, allí cogemos nuestro tren con destino a Windsor, una hora más de viaje y diez minutos andado hasta el parking. Solamente nos queda ponernos cómodos hacer una cena rápida y tumbarnos apresuradamente con la esperanza de un descanso divino.
Día 4 de agosto (martes)
Ruta: Londres
Reja del Palacio de Buckingham de Londres
Hoy es el tercer día que visitaremos Londres, salimos apresuradamente con destino a la estación de tren “Windsor and Eton Riverside”, cuando llegamos hay una familia en la taquilla sacando sus billetes, tratando de ser muy breve pero cuando la taquillera emite mis tickets vemos como el tren cierra sus puertas y parte en su puntual horario.
La taquillera nos ha emitido los billetes para 2 adultos y dos niños ida y vuelta con transporte por el interior de Londres, pagamos con VISA en total 61.5 libras, incluye: ida y vuelta incluido viaje ilimitados en toda la red de transporte de Londres.
El próximo tren sale media hora más tarde a las 10,05 lo que nos impedirá estar en Londres no antes de las 11,00 horas, lo que nos imposibilitará llegar para ver el cambio de guardia en el Palacio de Buckingham.
A la hora prevista llegamos a la estación de tren de Waterloo, cogemos el metro hasta la Estación Victoria Underground, cuando llegamos vemos que mucho público ya se marcha lo que nos indica que la parada del cambio de guardia se ha celebrado, hemos llegado pasada las 11,30 horas.
El Victoria Memorial de Londres
Pese a todo la explanada de entrada al palacio esta repleta de gente, como esperando una segunda oportunidad. La plaza donde se encuentra el monumento de la Victoria no se puede dar un paso de la cantidad de gente que todavía hay.
El Victoria Memorial es un monumento de Londres que inmortaliza a la Reina Victoria , se encuentra situado al final de The Mall, fue diseñado y realizado por el escultor Sir Thomas Brock. Concebido en 1901, fue inaugurado el 16 de mayo de 1911, aunque no se completó hasta 1924. Fue una de las piezas centrales de un ambicioso proyecto urbanístico, que también comprendía la creación de los Queen's Gardens según el diseño de Sir Aston Webb, y la renovación de la fachada del Palacio de Buckingham (situado detrás del memorial) por el mismo arquitecto.
El monumento esta presidido por la imagen de una Victoria Alada realizada en bronce dorado, situada sobre un globo terráqueo y con una palma de vencedora en una mano. Debajo de ella hay personificaciones de la Constancia , que sostiene un compás con su aguja apuntando al norte verdadero, y el Coraje, que sostiene una cachiporra. Debajo de estas esculturas, hay dos águilas con las alas extendidas en los lados este y oeste, que representan al Imperio Británico. Más abajo, hay estatuas de la Reina Victoria entronizada (frente a The Mall) y de la Maternidad (frente al Palacio de Buckingham), junto con la Justicia (hacia el noroeste, es decir, hacia Green Park y la Verdad (hacia el sureste).
Cambio de Guardia del Palacio de Buckingham de Londres
En las cuatro esquinas del monumento hay grandes figuras de bronce con leones, que representan la Paz (una figura femenina que sostiene una rama de olivo), el Progreso (un joven desnudo que sostiene una antorcha encendida), Agricultura (una mujer vestida de campesina con una hoz y una gavilla de maíz) y Manufactura (un herrero con traje moderno que sostiene un martillo y un pergamino)
Flores de St. Jame's Park de Londres
En el interior del patio del Palacio de Buckingham se produce la vida normal, algunos coches acreditados entran al palacio mientras que la guardia se mueve como soldaditos de plomo, en la valla que rodea al palacio se agolpan numerosa gente que hace imposible sacar una fotografía de los guardias.
Decidimos pasear por el parque de St. Jame's Park, es el jardín más antiguo de todos los Parques Reales de Londres, fue nombrado así porque se encontraba el antiguo hospital de leprosos. En el centro se encuentran dos lagos: St. James-Park's Lake, con dos islas, Duck Island y West Island.
La creación del parque se produce con Jacobo I cuando ascendió al trono en 1603, ordenó que se drenará el parque y que se ajardinara, y guardó en él a varios animales exóticos, entre los que había camellos, cocodrilos, y un elefante, así como aviarios que contenían aves exóticas.
En la actualidad hay muchas aves que son propias del parque y otras que emigran en diferentes épocas del año. A lo largo del lago es muy normal ver ejemplares de: pato común, ánade real o azulón, el pato copetudo, tarro blanco, ánade silbón, ánade friso, trullo, pato rojizo, pato cuchara, porrón común y goldeneye, pero la que más abunda es la focha, además de otras aves más grandes: cisnes negros, gansos y pelícanos.
Flores de St. Jame's Park de Londres
Entre los mamíferos que puedes ver son: zorros, ratones y la ardilla gris, está última es muy común y fácil de contemplarla porque buscan a los turistas para reclamar fácilmente una ración de comida.
La mayoría de los árboles del parque son plataneros, aunque se pueden ver bellos ejemplares de robles escarlata, algunas moreras negras procedente del sudeste de Asia.
Sobretodo nos sorprende la gran variedad de flores que en verano ofrece el parque, podemos ver una gran variedad de lirios, rosas inglesas, violetas, margaritas, primulas, clematis, lavandas, campanillas, labios de vaca, claveles y clavelinas.
Aprovechamos el marco tan espectacular en el que nos encontramos para degustar unos bocadillos, compramos unas bebidas en un kiosco cercano y en un banco libre damos cuenta de ello, solamente somos molestados por una ardilla de la variedad turística que pretende compartir nuestra comida.
Caminamos en dirección de Westminster, antes de poder visitar la Abadía de Westminster aprovechamos para ver el interior de la pequeña iglesia situada al sur de la abadía, se trata de St. Magaret's Church es la iglesia a la que pertenece el Parlamento Británico, fue construida con una torre al noreste todo el conjunto fue construido con piedra Pórtland.
Nave de St. Magaret's Church de Londres
El interior, la planta esta dispuesta en tres naves de estilo neogótico, destaca el vitral oriental de 1509 de cristal flamenco, donde se representa el matrimonio entre Catalina de Aragón con el príncipe Arturo Tudor, era el hermano mayor de Enrique VIII.
La abadía esta presidida por dos enormes torres situadas al oeste, se construyeron en 1722 por Christopher Wren y Nicholas Hawksmoor; están hechas con piedra de Pórtland y son un ejemplo de la revitalización del diseño gótico.
El glamour real es el exponente máximo de la abadía porque desde la coronación de Guillermo el Conquistador en 1066, todos los monarcas ingleses han sido coronados en la abadía, con la excepción de Juana I, Eduardo V y Eduardo VIII. El arzobispo de Canterbury es el encargado de realizar la ceremonia de la coronación. La silla de san Eduardo (St. Edward's Chair), el trono en el que los soberanos se sientan en el momento de la coronación, La silla fue encargada en 1296 por el rey Eduardo I para contener los fragmentos de la Piedra de Scone, capturados por él mismo en la abadía homónima y era empleada para la coronación de los reyes escoceses.
Torres de Abadía de Westminster de Londres
Para entrar en la abadía hacemos una soberana cola y me llama la atención el cartel que hay a la entrada: “ La Abadía de Westminster tiene una tradición con las donaciones, se autofinancia en su totalidad. No recibe ayudas económicas del Estado, la Corona ni de la iglesia de Inglaterra.
Dependemos en gran medida de las entradas y donaciones de los visitantes para financiar el funcionamiento diario de la Abadía y la conservación de este edificio histórico. Con la visita de hoy, se ha unido a los millones de personas que nos han ayudado a salvaguardar el patrimonio de la Abadía.” , dice.
Después de darnos las gracias por nuestro acto, paso por caja. Por favor, una entrada familiar para dos adultos y dos niños, ¡forty-five! escuche bien, si son 45 libras, esto equivale a 64,12€ euros, cerca de once mil de las antiguas pesetas. Bueno todo tiene un precio y si encima el Estado no contribuye con sus impuestos, lo doy por bien aprovechados, espero que la Abadía de Westminster pague el equivalente a nuestro I.B.I. (Impuesto sobre de Bienes Inmuebles) a la ciudad de Londres.
El interior es de una pomposidad increíble, hemos de recordar que estamos ante el panteón de los monarcas británicos y la sede donde se celebran las ceremonias de las coronaciones y los grandes acontecimientos de Estado.
Tumba soldado desconocido de Abadía de Westminster
Nos sorprende porque estamos ante uno de los mejores ejemplos de la arquitectura medieval londinense, además de una de las mejores colecciones del arte funerario y uno de los grandes mausoleos del mundo.
Una vez dentro nos equipamos con nuestros audios guías y el plano, y marchamos a la indicación del número 1, situado en la Gran Puerta Oeste y dedicado a la Tumba del soldado desconocido. Esta tumba es de mármol negro rodeado de rosas rojas, se sitúa en el centro de la nave allí se enterró un soldado británico no identificado que había muerto en un campo de batalla europeo durante la Primera Guerra Mundial. Fue enterrado en la abadía el 11 de noviembre de 1920. Esta tumba es la única en la abadía en la que está prohibido caminar.
La nave central sigue las maduras creaciones de las catedrales del estilo gótico francés que trata de alcanzar la perfección: como ejemplo estarían las catedrales de Reims y Amiens. El anónimo maestro que inicio las obras de la abadía estaba muy familiarizado con los geniales arquitectos del Dominio Real francés a mediados del siglo XIII, pero siguiendo estos patrones de su maestros pero adaptaba tanta peculiaridades se ha decidido que el arquitecto que llevaba la obra no debía de ser nada más que un inglés.
Nave de Abadía de Westminster de Londres
Las capillas radiales y las naves son copias mejoradas de la catedral de Amiens. Los contrafuertes exteriores son excesivos, desmesurados y sin cálculos exactos de las fuerzas que tienen que soportar, lo que indica que se hacían tirando por lo alto sin cálculos científicos. Las ventanas de las capillas del ábside son idénticas a las de Amiens, lo que indica que aun dando por bueno que fuera inglés debió de estudiar con los mejores arquitectos franceses.
La arquitectura inglesa de la época no difería mucho en la primera mitad del siglo XIII por la clara influencia francesa; lo mismo sucede en la literatura y en la lengua porque en el Reino Unido se escribía en francés. Tanto la familia real como los funcionarios del Estado hablaban en francés pese a que la lengua inglesa estaba ya formada y se hablaba por el pueblo. Es en 1362 cuando el inglés sustituye al francés en los Tribunales. La nobleza tenía castillos y tierras a ambos lados del Canal de la Mancha.
Enrique III a mediados del siglo XIII reedifica la iglesia normada de Westminster junto con el palacio de Londres, para que sirviera de capilla real, aunque murió antes de ver su obra acabada.
Sepulcro de Abadía de Westminster de Londres
Durante las obras se emplearon multitud de obreros franceses y no parece influir en su patriotismo. Mando construir el sarcófago de Eduardo “el confesor” con marmolistas romanos traídos exproceso para ello. Los sepulcros de su persona y de su esposa Leonor utilizaron ya artesanos locales.
Para dar un carácter de santuario excepcional, el rey Enrique III imitó a San Luis, importado de Oriente reliquias de la Pasión. Como ya en París estaba la corona de espinas, la lanza y la mayor parte de la Cruz de Jesucristo. Enrique tuvo que traer una porción de la sangre que Nuestro Señor había derramado para la salvación del mundo, que estaba contenida en una ampolla de cristal hermosísima. Llegó a Londres de la mano de un Caballero Templario y estaba autenticada con los sellos de los Maestres de la Ordenes del Templo, procedente del Hospital y del Patriarca de Jerusalén. Otra de las reliquias que Enrique III obtuvo para la abadía fue la piedra con la marca de los pies de Cristo, desde la que se elevó el Señor en el momento de la Ascensión. Con todas estas reliquias Enrique III compensaba la falta de cuerpos de mártires en su interior.
Sepulcro de Abadía de Westminster de Londres
El prestigio de la iglesia de Westminster, durante el reino de Enrique III, qué duró cincuenta y siete años, fue tan grande que pronto fue considerado como un lugar preferible como sepulcro, no solo de la realeza, sino también de los grandes barones. Más tarde, la abadía empezó admitir personajes de todas las clases sociales.
La primera persona que fue enterrada en Westminster fue Geoffrey Chaucer fue un escritor, filósofo, diplomático y poeta inglés, conocido sobre todo por ser autor de los Cuentos de Canterbury, pero a lo largo de los tiempos podemos ver figuras de mayordomos, criados, cocheros, diáconos, doncellas y lacayos.
El claustro está inmediatamente contiguo al lado sur de la nave de la iglesia de la abadía. Los lados norte y oeste de los claustros fueron construidos por Abbot Littlington, que murió en 1386. También construyó el granero, que después se convirtió en el dormitorio de Estudios del Rey. Durante la administración de la orden benedictina el claustro fue empleado por los monjes como lugar para el recogimiento.
Galería del claustro de Abadía de Westminster de Londres
La galería norte del claustro es atravesada por los contrafuertes de la nave, y en cada extremo están las entradas a la iglesia. En la galería sur se encuentran los restos del antiguo lavadero, y hacia el extremo oriental de esta galería se encuentran las tumbas de algunos de los primeros abades, pero solamente son visibles las lápidas de cuatro de ellos, Vitalis, que murió en 1082; Gilbert Crispin (1114); Lawrence, dice que ha sido el primero que obtuvo del Papa el privilegio de usar la mitra, anillo, y el guante, y que murió en 1175; el cuarto es de losa de mármol negro, llamado Long Meg, desde su extraordinaria longitud de once pies, y cubre las cenizas de Gervase de Blois, un hijo natural del rey Esteban, que fue nombrado abad en 1140 y depuesto en 1159. En 1349, veintiséis de los monjes de esta abadía murieron víctimas de una plaga, ellos fueron sepultados en una fosa en el claustro sur. Los hermanos más humildes del monasterio fueron enterrados en su mayoría en el centro del jardín central debajo de la hierba.
Una pequeña puerta de madera en el pie de la galería Sur te lleva a Ashburnham House o Casa de prior, una de las pocas obras restantes de Inigo Jones. Muy cerca de la entrada a Ashburnham House está el monumento a Peter Francis Courayer, un clérigo católico, bibliotecario y canónigo de la Abadía de Santa Genoveva, en París. Tradujo y publicó varios trabajos muy valiosos sobre la validez de las órdenes en inglés; pero sus escritos no fueron acogidos favorablemente por los miembros de su propia Iglesia, se refugió en Inglaterra en 1727, y fue muy bien recibido por la Universidad de Oxford. En esta zona podemos ver el monumento a Sir Edmundbury Godfrey, que fue asesinado durante el reinado de Carlos II. Y una lápida para Lieutenant General Withers, con un epitafio dice que es el Papa. En la galería norte está enterrado Dr. Markham, arzobispo de York, que murió en 1807.
Sala capitular de Abadía de Westminster de Londres
La dependencia más importante del claustro es la sala capitular fue construida al mismo tiempo que las partes del este de la abadía bajo el reinado de Enrique III, aproximadamente entre 1245 y 1253. Posteriormente, fue restaurado por Sir George Gilbert Scott en 1872. La entrada esta situado en la galería del claustro al este mediante una doble puerta con un gran tímpano.
Atravesando un vestíbulo se llega a la planta de la sala con forma octogonal, que representa las líneas de la esencia en la arquitectura del gótico inglés. Una columna central de mármol de Purbec, con forma de palmera, reparte las cargas sobre ocho ejes abovedados. En los lados se apoya en arquerías ciegas, donde podemos ver restos de frescos del siglo XIV y bancos corridos de piedra Los espacios debajo de las ventanas están porticadas, con cinco arcos en cada uno, de una forma de trébol y ricamente moldeados. Los cinco arcos contra la pared oriental contiene una decoración es mucho más rica y se diferencian con los otros. Probablemente era el lugar donde se sentaban los mayores dignatarios de la Abadía para presidir los actos, el abad en el centro; el prior y subprior, y el tercer y cuarto priores, por encima de los bancos se levantan los grandes ventanales con vidrieras. Las vidrieras son contemporáneas de la Sainte-Chapelle , París.
Frescos de la Sala capitular de Abadía de Westminster de Londres
La sala capitular aun conserva el pavimento con las baldosas originales de mediados del siglo XIII. Una de las puertas fue construida en las mismas fechas del vestíbulo, sobre 1050 y se cree que es la más antigua de Inglaterra. El exterior incluye contrafuertes añadidos en el siglo XIV y un techo con forma de linterna con plomo en un marco de hierro diseñada por Scott. En la antigüedad la sala capitular fue utilizada originalmente en el siglo XIII por los monjes benedictinos para las reuniones diarias. Más tarde, se convirtió en un lugar de encuentro del Gran Consejo del Rey como predecesores del Parlamento.
La Cámara Pixide se encuentra en los bajos formando una la cripta que sirvió de dormitorio de los monjes. Data de finales del siglo XI y fue utilizado como el lugar para guardar el tesoro real y del propio monasterio. Las paredes exteriores y pilares circulares están fechados en del siglo XI, las columnas tienen varios de los capitales fueron añadidos en el siglo XII y el altar de piedra agregado en el siglo XIII. En la época de Eduardo I esta Cámara y la cripta de la Sala Capitular fueron asignados al “Armario Real”, un departamento del Estado encargado de la custodia de sus bienes. En 1303, cuando el Rey se encontraba en Escocia, el tesoro Armario fue robado el dinero y una placa. Aunque el abad de Westminster y los monjes eran sospechosos de complicidad y fueron enviados a la Torre de Londres, pero más tarde fueron puestos en libertad y uno de ellos Richard de Podlicote fue ahorcado por el delito. A partir de ese momento se puso seguridad permanente en la entrada de la Cámara y la sala se utilizó para albergar a algunos objetos de valor de la Hacienda Pública inglesa. Hay dos grandes cofres rectangulares en la Cámara que datan de los siglos XIII y XIV.
Río Támesis de Londres
La última parte de la tarde la dedicamos a ver las nuevas construcciones a lo largo de la ribera del río Támesis. Cogemos el metro y nos desplazamos hasta la estación de Tower Hill.
Memorial Tower Hill de Londres
Nada más salir nos llama la atención el monumento conocido como memorial Tower Hill, dedicado a inmortalizar a los fallecidos de la marina fallecidos y que no tienen tumbas.
El dedicado a la Segunda Guerra Mundial tiene la forma de un jardín hundido semicircular situado detrás de un pasillo, al norte. Tiene unas placas con los nombres de 24.000 británicos marineros y 50 australianos que murieron durante la guerra. En el centro del jardín hay una piscina de bronce, grabada con una brújula que apunta al norte. Entre los dos monumentos son dos columnas con estatuas que representan a un oficial (columna occidental) y un marinero.
Enfrente podemos ver uno de los ejemplos de edificios victorianos es el Ten Ttrinity Square, ahora convertido en uno de los edificios clásicos más lujosos de todo Londres, con 41 apartamentos, 100 habitaciones de un hotel de lujo, y las dependencias de la sede un club privado. Era la antigua sede de la Autoridad del Puerto de Londres y sufrió numerosos daños durante los bombardeo de la Segunda Guerra Mundial; el edificio se hizo famoso porque apareció en la película de 007 de James Bond 2012 Skyfall.
Tower of London
Rodeamos toda la muralla del Tower of London oficialmente el Palacio Real y la Fortaleza de su Majestad. Son las 16,30 horas y quedan poco más de media hora para que cierre el monumento, optamos por no entrar por la falta de tiempo y el precio de los tickets que no pueden ser aprovechado en media hora son 60.70 libras, casi 100 euros.
El Londres Victoriano estaba dividido por el Támesis, sus aguas marcaban una frontera entre el norte y el sur. En estos momentos se ha hecho un enorme esfuerzo para incorporar el río de una forma paciente y positiva para salvar las dos riberas tradicionalmente enfrentadas.
El Támesis concentra en estos momentos la cultura y la arquitectura del futuro; desde el sur situado en la City hasta los mismísimos Docks. Solamente hay que mirar al horizonte para darse cuenta que las grúas metálicas luchan por hacer un hueco entre los nuevos edificios de cristal.
Para unir ambas orillas se proyectan nuevos puentes y nuevos proyectos arquitectónicos: puertos deportivos, museos, viviendas, pasarelas, centros comerciales, y zonas de ocio. Todo con el fin de lograr que el río sea el centro de la actividad londinense con su vida e identidad propias, gracias a la revolución urbanística que en estos momentos se alza en pleno apogeo.
Puente de Londres
Todo lo que se ha ejecutado hasta este momento es muy importante: el centro cultural de South Bank es el corazón cultural de la ciudad y acoge la arquitectura más icónica, atracciones para visitantes, teatros, locales de artes escénicas y boutiques de diseño. La zona es un hervidero de activada para ver durante todo el año, desde eventos gratuitos a festivales.
El Imax Cinema es del mismo arquitecto Brian Avery, construyó la pantalla de cine más grande de toda Gran Bretaña y de toda Europa. Mide 26 metros por 20 metros con un tamaño total de la pantalla de 540 m²; muy cerca se ha levantado la estación de tren de Waterloo, obra del arquitecto Nicholas Grimshaw, lugar donde llegan los trenes procedentes de toda Europa, después de atravesar el túnel submarino sobre el Canal de la Mancha.
La unión de ambas orillas se plasma levantado pasarelas que revitalizan las zonas eliminando las barreras psicológicas, se han levantado el Puente Cubierto o Blackfriars Railway es el puente cubierto con paneles solares más grande del mundo. El puente cuenta con 4.400 paneles solares fotovoltaicos en el techo que proporcionan la mitad de la energía necesaria para mantener la estación central de Londres. El Millennium Bridge , obra de Norman Foster, uniendo la zona de Bankside con la City. Se localiza entre el Puente de Southwark y el Puente de Blackfriars. Une la catedral de San Paul y la nueva Tate Gallery.
Puente de Londres
El viejo Puente de Londres nos ayuda para cruzar de una orilla a otra; en la parte sur podemos ver el nuevo Edificio de Greater London o Autoridad del Grand Londres, Obra de Norman Foster, el edificio tiene una falsa forma de bulbo de cristal, de su interior destaca la escalera helicoidal de 500 m, que recuerda a la del Museo Guggenheim de Nueva York, asciende toda la altura del edificio.
El puente de Londres fue construido en época de los romanos en madera y no es hasta el siglo XII cuando se toma la decisión de su reconstrucción de forma permanente en piedra, se tardaron 33 años en completar durante el reinado de Juan II.
El rey tuvo la idea de poner sobre el puente varias casas, incluso en el centro había una capilla, poco a poco fue creciendo en altura llegando a construirse edificios de siete pisos. Poco a poco en lugar de un puente se convirtió en el gran mercado de Londres, en la parte sur del puente era el lugar para exhibir las cabezas de los ajusticiados para que sirviera de advertencia a las personas que llegaban a la ciudad y cruzaban el puente. La cabeza de William Wallace fue la primera en colocarse en el puente en 1305, comenzando una tradición que se perpetuó durante 355 años. Otras cabezas colocadas de personajes famosos fueron las de Jack Cade en 1450, Tomás Moro en 1535, Juan Fisher en 1535, y Thomas Cromwell en 1540. Un visitante alemán en 1598 relató haber visto más de 30 cabezas sobre el puente. La práctica fue finalmente abolida en 1660 tras la restauración del reinado de Carlos II de Inglaterra.
Puente de Londres
En 1722 la congestión era tal sobre el puente, que el alcalde decretó que “todos los carruajes y coches de caballos entrando desde fuera en dirección a la ciudad han de circular en el lado Oeste del puente, y todos los carruajes y coches de caballos saliendo desde la ciudad hacia fuera han de circular en el lado Este del puente”. Esto posiblemente fue la primera medida para la ordenación del tráfico y el origen de que en Gran Bretaña se conduzca por la izquierda.
El viejo puente fue finalmente sustituido por un elegante diseño de cinco arcos de piedra, diseñado por John Rennie y se le llamo “Tower Bridge”. El nuevo puente fue construido paralelamente a 30 metros al este (río abajo) del sitio original, costó dos millones de libras esterlinas, y fue finalizado por el hijo de Rennie tras siete años de trabajos, desde 1824 hasta 1831. El viejo puente se mantuvo en uso mientras se construía el nuevo, y fue demolido tras la apertura del nuevo en 1831.
El Puente de Londres actual fue construido por John Mowlem de 1967 a 1972 e inaugurado por la reina Isabel II el 17 de marzo de 1973. Tiene 283 m de largo. El coste de 4 millones de libras esterlinas fue asumido en su totalidad por Bride House Estates. El puente actual está construido sobre el mismo lugar que el puente de Rennie, el cual fue demolido cuidadosamente pieza por pieza mientras el nuevo puente era construido, de esta forma se mantuvo en uso durante todo el proceso de construcción.
Edificio de Greater London
Actualmente, cerca del puente de Londres se desarrolla el Greater London forma parte de un proyecto que desarrollo el mismo arquitecto y se llamó More London, donde a su alrededor se construyeron edificios de oficinas, tiendas, restaurantes, cafés y una zona peatonal que contiene esculturas al aire libre y juegos de agua, incluyendo fuentes iluminadas por luces de colores.
Un poco más adelante llegamos hasta el edificio más alto de toda Europa The Shard con 310 metros de altura, tiene un mirador llamado “The View” con sus tres plantas, dos de ellas cerradas y la última abierta nos ofrece unas vistas de 360º desde donde se puede divisar 65 kilómetros a la redonda. El precio para el mirador es de 24,95 libras, hay que sacarlo con día y hora en la página web, te garantizan un seguro de visibilidad, si tres de los edificios más importantes de Londres no se ven, te garantizan un billete gratis para subir dentro de los siguientes tres meses. Ahora si te parece caro puedes intentar reservar en el rascacielos de la City en 20 Fenchurch Street, es gratuito reservando por Internet. Puedes ir a tomar una copa a su mirador llamado El Jardín en el Cielo abarca tres plantas y ofrece vistas panorámicas a través de la ciudad de Londres. Se llega gracias a dos ascensores expresos, los visitantes llegan a un bonito jardín con un área de visualización, terraza, cafetería, bar y restaurante. El Sky Garden es un espacio verdaderamente único y ha sido diseñado para crear un lugar abierto y vibrante de ocio, ofreciendo a los visitantes una oportunidad única de experimentar Londres desde un punto de vista diferente, las reservas en: www.skygarden.london
Edificio de The Shard London
El edificio The Shard fue diseñado con una forma irregular triangular en el suelo que va disminuyendo la superficie desde la base hasta la parte superior. El arquitecto Renzo Piano, diseñó la estructura como un rascacielos emerge desde las profundidades del río Támesis. Para su diseño se inspiro en las líneas de ferrocarril cercanas sacadas de las antiguas siderurgias de Londres de finales del siglo XVIII y de los mástiles de las velas cuando llegaban al puerto de Londres.
El edificio se levanto construyendo un armazón estructural de hormigón que fue recubierto con unas vigas y paneles de cristal. Fue configurado para distintos usos y distribuido en sus 56.000 m², con 72 plantas habilitadas al público. Las grandes plantas están dedicadas a oficinas en la parte inferior, con áreas públicas, en el centro un hotel con 195 habitaciones, varios restaurantes y apartamentos en la planta superior.
Son las 17,30 cuando decidimos entrar en el corazón de la City , en este momento miles de trabajadores abandonan sus lujosas oficinas para regresar a sus casas, llaman la atención porque la mayoría van vestidos con trajes negros de Armani, todos juntos parecen que van uniformados con un traje de cualquier compañía área y representan lo que verdaderamente quieren simbolizar, la City y las empresas que trabajan allí muestran “El poder se viste con traje”. Desde tiempos inmemoriales el poder económico ha tenido ciertas obligaciones indumentarias.
City of London
A lo largo de la historia el poder siempre ha tenido una vestimenta que demostraba el éxito y en estos momentos estoy viendo por la calle los hilos del poder económico que en estos momentos manejan el mundo.
Parada bus de la City of London
Atravesamos el río Támesis por el puente London Bridge, queremos darnos un buen baño de la nueva arquitectura futurista y para poder dirigirnos a los nuevos edificios nos guiamos como su fuera un faro imaginario de la estela del edificio Gherkin que se le conoce con el apodo del pepinillo; un cartel con el escudo nos advierte del lema: Domine Dirige Nos -City of London-; que significa « Guíanos, Señor », tiene escasamente una milla cuadrada y coincide con la parte más antigua de la ciudad.
Encontramos en medio de una calle estrecha que tiene una enorme columna, se trata del Gran Monumento al Incendio de Londres, es una columna dórica de 61 metros que conmemora el enorme incendio de 1666 y marca el lugar exacto donde fue controlado el incendio.
El Monumento consiste en una gran columna dórica construida en piedra de Pórtland coronada con urna dorada con forma de fuego, fue diseñado por Christopher Wren y Robert Hooke. La cara oeste de la base del monumento presenta una emblemática escultura, de Caius Gabriel Cibber, con altos y bajorrelieves, que representan la destrucción de la City.
Monumento al Incendio de Londres de la City of London
Cuando llegamos ya han cerrado el monumento (horario hasta las 17,30) el precio por subir a la cima es de 4 libras, tienes una entrada conjunta con el Puente de Londres por 10,50 libras.
Marchamos por las estrechas calles de Limes Street, donde todavía se conservan edificios de la época victoriana, en los bajos hay pequeñas tiendas tradicionales, aunque muchas de ellas han sucumbido por marcas de boutiques de ropa muy caras.
Un poco más adelante los edificios van ganando en altura, hay tiendas de supermercados de comida rápida y especializadas en desayunos, frutas, etc. como Sainsbury's Local comparten espacios con relojerías de lujo como Mappin & Webb donde en el escaparate predominan los relojes de la marca Rolex, estamos atravesando la calle Fenchurch street.
Entramos una zona donde la arquitectura esta basada en el cristal, el hierro, el aluminio y el mármol, todo es gris o negro con las variantes de esas gamas de colores como el color del cielo, solamente se altera la visera de la antigua estación del tren Fenchurch station que nos impone un poco de paz y de orden ante tantas amenazas arquitectónicas juntas.
Nuevas formas en la City of London
Estamos en una ciudad que nos muestra una arquitectura un tanto extraña aunque nosotros tenemos unos ojos modernos pero nos demuestra que la arquitectura se ve afectada por las tendencias y las modas, igual que sucede con las modas, estoy seguro que dentro de unos años estos trabajadores con trajes de Armani habrán pasado de moda y vestirán otro tipo de prendas. Sin embargo, de vez en cuando nos encontramos con piezas únicas que sobresalen de las líneas generales y le hacen tener una esencia especial.
Todos conocemos como la arquitectura de un solo edificio puede cambiar la suerte de toda una ciudad. En 1973, el edificio de la Opera de Sidney demostró que la arquitectura moderna tenia el poder de atraer a miles de turistas y colocó a la ciudad dentro de la modernidad.
Ahora, las ciudades apuestan por buscar un icono de un edificio que sea lo suficientemente característico con poderes tan altos que sean capaces de regenerar la moda que arrasa en las ciudades cosmopolitas de todo el mundo, en lo que parece un enorme ejercicio para marcar arquitectónicamente el espacio urbano.
Edificio del Lloyd's of London
Dos de los ejemplos más importantes y que se han convertido en los nuevos iconos de Londres son: el Edificio Lloyds construido en la década de los años 80 y el Edificio de la Torre Swiss Re del siglo XXI.
Nos fijamos en uno de los edificios modernistas más característicos de la zona, se trata del Bulding LLoyd's, tiene un estilo arquitectónico High Tech –todo fuera– significa que toda la revolución tecnológica se pude mostrar desde el exterior de una fachada. Fue diseñado por el arquitecto británico Richard Rogers y tiene toda la estética que se desarrollo en el Centro George Pompidou de París. Se encuentra en la zona de Saint Mary Axe y su iglesia ha quedado como una de las reminiscencias del poder de Dios pero en el siglo XXI en que ya está superado por el poder de los hombres que han logrado que sus hierros y cristales lleguen hasta el mismo cielo.
En el interior del edificio del Lloyd's of London es un mercado de seguros británico y no una compañía de seguros. Es un verdadero motor del comercio, sirve como lugar de encuentro para empresas financieras o aseguradoras. A diferencia de la mayoría de sus competidores en el mercado de reaseguros este es un lugar en el que se comercia con seguros.
Edificio del Lloyd's of London
En la fachada exterior podemos ver una serie de tuberías y servicios de los pisos dedicados a actividades comerciales, fueron colocados ahí para permitir disponer de más espacio a sus ejecutivos para que puedan hacer su labor. Richard Roger imagino durante su diseño una catedral de la luz, con delicadas torres de iluminación que actuaran como arbotantes de alta tecnología, rodeando el atrio cubierto por una bóveda de cañón. Sin embargo, debido al rápido aumento de ordenadores en las oficinas se necesitaban más energía de la proyectada, lo que origino que tuvieron que aumentarse las previsiones de los tamaños de las tuberías de servicio.
En medio de toda esta vorágine de hierro se ha quedado como una reminiscencia del pasado la iglesia medieval de Iglesia de St Mary Axe, el nombre de la iglesia refiere a la reliquia, un hacha que se encuentra en su interior y fue utilizada para decapitar a una de las 11.000 vírgenes, la leyenda coincide con el viaje a Gran Bretaña de Santa Ursula en una peregrinación a Roma acompañada de once mil doncellas que se habían negado a casarse con el jefe de los hunos.
Iglesia de St Mary Axe of London
En el numero 30 de la calle se encuentra uno de los edificios más vistosos de todo Londres, anteriormente se le conocía con el nombre de Edificio Swiss Re y hacia referencia al antiguo propietario de la compañía de reaseguros suiza.
Edificio Swiss Re City de Londres
El edificio se encuentra en el antiguo emplazamiento de la sede de Baltic Exchange, fue construido en 1903 con estilo victoriano. En 1992 el IRA detono una bomba frente a su fachada dañando el edificio. Durante muchos años la corporación municipal insistió para que el edificio fuera reconstruido, los daños eran tan severos que al final fue autorizada la demolición y la construcción.
Edificio Swiss Re City de Londres
Autorizada la construcción del nuevo edificio se encargo el diseño al arquitecto Norman Foster y pasó a denominarse Building the Gherkin. Tiene 180 metros de altura y 40 plantas. En su base, el diámetro es de 49 metros mientras que en el último piso es de 26.5 metros y el sector más ancho es de unos 30 metros más que la anterior. Esta peculiar estructura no es resultado de un simple capricho del arquitecto sino de las necesidades constructivas. Sus grandes curvas que se cierran como arcos hacia lo alto, generan una gran solución a dos problemas principales: la estructura (el peso del edificio se reparte como si fuera el esquema de una pirámide) y la problemática de las cargas del viento, que aumenta su velocidad en las grandes alturas. No obstante, a pesar de su forma curvilínea, sólo hay una pieza del cristal curvado en el edificio.
La torre es un inmenso trabajo de ingeniería el aspecto exterior tiene forma de una bala con un esqueleto rígido que hace tanto de fachada como de estructura, por lo que consigue los mismos interiores luminosos en todas sus plantas. Esto demuestra el interés de los diseñadores por la eficacia de formas al concepto básico del diseño de Norman Foster, porque todo el edificio parece estar pensado para que el consumo eléctrico tenga el menor impacto, sobre todo en los referidos a luz y calor.
Tomoaki Suzuki: Zezi City de Londres
En uno de los jardines frente al edificio se han puesto una serie de esculturas Tomoaki Suzuki: Zezi, están realizadas en madera de tilo y muestran amigos del artista construidos a una escala de un tercio de la escala humana tratando de relacionar las diferencias de tamaño como en un sugerente y particular “Lilliput”, al estar colocadas en este jardín nos muestra lo pequeño que es el ser humano en comparación con la obra del hombre representado en estos edificios.
Enfrente al monumental rascacielos se halla la escultura de Damien Hirst Charity de una niña con una caja en su mano derecha y con un peluche en su mano izquierda que servia para pedir Caridad en los años 50 para y que la gente daba una limosna por las calles, tiene 22 pies (7 metros) y esta construido en bronce, obra de Damien Hirst.
La escultura quiere hacer un llamamiento sobre la tradicional imagen de los discapacitados con la pobre relación entre la caridad y discapacidad, este llamamiento del autor al estar la figura situada frente a uno de los edificios más lujosos mejora la visión que se tiene en la actualidad de este tipo de problemas.
Damien Hirst Charity City de Londres
En las proximidades hay un edificio antiguo que todavía se ha conservado a escala humana, es el Great St. Helen Hotel, es un pequeño hotel con 18 habitaciones que se encuentra a escala racional, su precio es sobre 150 libras 4 estrellas y seguro que es utilizado por estos trabajadores con trajes de Armani cuando se les hace tarde para llegar a sus casas situadas a decenas de kilómetros de su puesto de trabajo.
Desde aquí nos marchamos hasta la estación de Waterloo donde cogemos el tren con destino a Windsor, en una hora y poco más estamos ante nuestra cama viajera como en cualquier ciudad de Europa.
Día 5 de agosto (miércoles)
Ruta: Windsor-Salisbury Km. 139; tiempo 1h40
Nos levantamos y al salir nos damos cuenta que hay un ambiente raro en el parking, he ido a tirar la basura y parece que el responsable de los parking del municipio esta llamado la atención al vigilante del parking sobre las autocaravanas, la máquina expendedora de tickets la han puesto una lona y no podemos sacar el ticket diario.
Plaza Jubilee Fountain de Windsor
Mientras hacemos tiempo llega una autocaravana inglesa y por los gestos parece que se han quejado de nuestra presencia, el vigilante le indica donde debe de aparcar y levanta la veda para que pueda sacar el ticket.
Nosotros le indicamos que queremos visitar el castillo y después nos vamos a marchar a media mañana, nos dice que saquemos un ticket para 4 horas para que nos dé tiempo para la visita al castillo de Windsor.
Iglesia Parish Church de Windsor
Nos tomamos con calma la visita a la ciudad, aprovechamos para ir tranquilamente dando un paseo por el jardín cercano, atravesamos una de las plazas más bonitas de la ciudad, es la Jubilee Fountain. Llegar hasta el castillo no ofrece ninguna dificultad porque se encuentra situado sobre un promontorio y desde cualquier parte de Windsor se ven las torres de piedra de sus murallas.
Nada más llegar al castillo en la taquilla hay una importante cola, me da tiempo a entrar a la iglesia cercana de Parish Church, destaca del exterior su cementerio, las baldosas con la que se ha formado el camino de entrada esta construido con cientos de piedras funerarias del cementerio.
La iglesia parroquial de Windsor Parish Church es una de las principales iglesias de la ciudad. El edificio actual es del siglo XIX, construido en 1822. Sustituyó a la Iglesia sajona y Normanda de San Juan Bautista, que databa de alrededor de 1110. En 1870 se añadieron el presbiterio y ábside y luego en 1898 se añadió el coro coincidiendo con la celebración de los 60 años de la reina Victoria. Su interior tiene un marcado estilo neo-gótico con una disposición protestante, en las galerías laterales se han construido unos palcos para albergar el doble de fieles. Esta presidida por la pintura de la Última Cena siglo XVII, situada sobre la entrada, posiblemente pintada por Franz de Cleyn.
Pintura de la Última Cena Iglesia Parish Church de Windsor
Enseguida se ponen en marcha la fila para acceder al castillo, el precio del ticket de tarifa familiar 2 adultos y 2 niños es de 49,70 libras.
El castillo es una de las residencias oficiales de la Reina Isabel II, lugar donde la Reina reside dos veces al año: en Semana Santa y en el mes de junio, aprovechando la celebración del oficio anual de la Orden de la Jarretera. Es el lugar que sirve como alternativa para recibir las visitas solemnes de los jefes de estado extranjeros. Además la Reina y el Duque de Edimburgo se trasladan para pasar la mayor parte de los fines de semana que no tienen actos oficiales.
Castillo de Windsor
El castillo está dividido en tres zonas que se denominan “recintos”. El recinto inferior es la entrada pública. La parte central es el promontorio coronado por la torre redonda, constituye actualmente los archivos reales y las Colección Fotográfica Real. La parte superior es el lugar donde están los aposentos reales.
El castillo ofrece un aspecto correspondiente al resultado de numerosas reformas efectuadas durante casi mil años. Fue fundado por Guillermo el Conquistador, posteriormente Eduardo III le dio un gran impulso y una impronta gótica; más adelante Carlos II le transformó en el estilo barroco; Jorge IV le dio un aspecto romántico transformando el exterior, además de hacer un cambio suntuoso de su interior.
La historia del castillo comienza en el año 1070 cuando Guillermo el Conquistador ordena su construcción, las obras terminan en 1086 era un castillo de madera. El rey trataba de crear una cadena de fortificaciones para rodear Londres y aprovecha Windsor como un enclave natural sobre el río Támesis, era el más pequeño formado por solo dos recintos y el foso que rodea las murallas exteriores. No es hasta la llegada de Enrique II en que se reconstruye de piedra. Eduardo III era llamado: “el rey guerrero” por sus amplias campañas en Francia durante la Guerra de los Cien Años, se gasto 50.000 libras en transformar una fortificación militar en un palacio gótico que refleja el ideal de la monarquía cristiana y caballeresca.
Murallas del Castillo de Windsor
El rey había encargado que derribaran la mayoría de los edificios viejos del castillo y en su lugar levanto bellas y lujosas nuevas estancias, atrayendo la mayoría de la mano de obra de la zona especializada en mampostería y carpintería.
En el siglo XIV Eduardo IV que era biznieto de Eduardo III empezó la construcción de la actual capilla de San Jorge situada al oeste de la capilla de Enrique III. Fue construida dentro de un especial estilo gótico con arcos ojivales y bóvedas palmeadas, este ejemplo creo una corriente arquitectónica que predomina en todo Windsor.
La sepultura de Enrique VIII se encuentra en la capilla de San Jorge, junto con su tercera esposa y favorita, Jane Seymour que murió justo después de haber dado a luz a un varón que se convirtió en el futuro rey Eduardo VI.
El castillo está construido con sillares muy mal tallados y mal ordenados, los maestros utilizan pequeñas piedras de pedernal para nivelar las filas de sillería sobre la base de mortero. Esta técnica se la conoce con el nombre de “gallonado”, luego se empleo también con un aspecto decorativo, aplicándose sobre los cuatro lados del sillar.
Torre Redonda del Castillo de Windsor
Carlos II le da un nuevo impulso al castillo hasta convertirlo en un palacio real, dando órdenes al arquitecto Hugh May con quien había compartido el exilio del rey en Holanda, recibió el encargo para modernizar sus aposentos oficiales barrocos más espléndidos de toda Inglaterra. Las obras de restauración duraron más de 11 años.
El castillo dejo de ser meramente defensivo para convertirse en un verdadero palacio, se abrieron grandes ventanas de arco de medio punto en las murallas. Se interrumpió la antigua línea de la muralla del castillo para formar las principales estancias reales.
Cada grupo de aposentos empezaba con una sala de la guardia repleta de armamento, solamente para recordar al visitante que los miembros de la familia real estaban muy bien protegidos.
Carlos II establece que se permitiria el paso a la Sala de las recepciones privadas a “todos los individuos gentilhombres de categoría y buena fortuna” y a todas las esposas e hijas de los nobles.
Jardines del Castillo de Windsor
El rey nombra al muralista napolitano Antonio Verrio para las decoraciones y pinturas del edificio. En total decoró 23 techos y las paredes de las escaleras que llevan a los aposentos del rey y la reina con escenas mitológicas que se encargaran de glorificar la dinastía recién restituida.
El lujo llega a todos los aposentos incorporando tejidos costosos con bordes de oro y plata en los doseles del trono y las principales habitaciones. Las salas se llenan de obras de arte, principalmente con los retratos de Van Dyck.
Exteriormente el rey presta atención a los jardines y a los prados de las proximidades, se plantan olmos a lo largo de un paseo de 4 Km. Crea un teatro y una nueva orquesta de la corte, llamada los veinticuatro violines, inspirada en la idea del rey francés en Versalles.
El palacio de Windsor a la muerte del rey queda un tanto apagado y no es hasta la coronación de Jorge III cuando se convierte en el centro social de la vida de la cortesana. También, encargo un ambicioso grupo de cuadros a gran escala sobre la vida de Eduardo III y el Príncipe Negro.
Cuando Francia amenaza a la monarquía británica el palacio de Windsor se convierte en el bastión simbólico de la nación. Se vuelve a decorar y rehabilitar dentro del estilo gótico y se vuelve a impulsar la Nobilísima Orden de la Jarretera
La llegada de Jorge IV supone la continuación de la transformación hacia el estilo gótico y además logra crear unos aposentos reales más cómodos y palaciegos. En el exterior hay un cambio notable y es volver a que el palacio tenga más parecido con el de un castillo. Se prolonga la altura de la Torre Redonda de Enrique II, se reviste el exterior de sólida mamposterías y se añaden nuevas torres y almenas. Se crean dos grandes espacios: la cámara de Waterloo, como lugar que conmemore la victoria sobre Napoleón en 1815 y la ampliación del salón de San Jorge.
Relieve San Jorge en el Castillo de Windsor
El castillo vuelve a brillar durante el reinado de la reina Victoria pero para una vida rural fuera de la vida brillante de la ciudad de Londres. El príncipe Alberto, inspirado en Versalles, crea granjas en miniatura, un inmenso huerto capaz de proporcionar fruta fresca, verduras, y flores a toda la familia real. Organizó la Biblioteca Real y el Gabinete de Estampas, reunió la colección de reproducciones de las obras de Rafael. En el castillo contrajeron patrimonio sus hijos mayores. La reina abrió al público la Aposentos Oficiales a partir de 1840. Se abrió la línea de ferrocarril porque en aquel tiempo se tardaba en llegar un día completo y la reina empezó a utilizarlo en sus traslados a la capital.
El hecho más importante del castillo fue el incendio de 1992 que se declaro en la capilla privada de la reina Victoria, al parecer por la caída de un foco encendido sobre una cortina encima del altar, enseguida destrozo el Gran Salón de San Jorge y el Salón de Recepciones y destruyó la capilla privada, el Corredor de Gala, el Salón Carmesí y una docena de estancias secundarias.
Capilla de San Jorge en el Castillo de Windsor
Durante cinco años se trabajo para la restauración hasta devolverlas el aspecto que tenían con Jorge IV, las obras terminaron el 20 de noviembre de 1997, para el aniversario de la boda de la reina y el duque de Edimburgo.
La visita al palacio comienza por la Puerta Normanda del siglo XVIII, llegando al recinto central dispuesto entorno a la Torre Redonda , en dirección de la Terraza Norte.
Bajamos hasta el recinto inferior donde discurría la vida eclesiástica porque allí se localiza la capilla de San Jorge y la residencia de los Caballeros Militares de Windsor. Cerca esta la sala de guardia y la explanada donde se realizan las paradas militares.
Comenzamos por la Capilla de San Jorge, su construcción comenzó bajo el reinado de Eduardo IV en 1475, fue completada por el coro en 1484. Destaca la entrada por de su magnifica bóveda de piedra con forma de abanico, este fue un añadido un poco después durante el reinado de Eduardo VII.
La capilla es la sede actual de la Orden de la Jarretera y el lugar que también sirvió de sepultura para algunos miembros de la familia real.
Sepultura George V Capilla de San Jorge en el Castillo de Windsor
Su característica arquitectónica es que estamos ante uno de los mejores ejemplos del gótico tardío inglés, con grandes ventanales altos y esbeltos pilares y una sensación de armonía y elegancia. Tiene una gran ventana que ilumina la nave central de 11 metros de altura con una hermosa vidriera del siglo XVI. A lo largo de la nave podemos ver numerosos monumentos funerarios: el rey Jorge V y la reina María; la princesa Carlota, hija única de Jorge IV que murió en el parto en 1817; el rey Jorge VI; la reina Isabel y la princesa Margarita están sepultados en la capilla situada al norte de la nave lateral del coro. Además, podemos ver monumentos y las tumbas de Eduardo IV, Enrique VI y el rey Eduardo VII y la reina Alejandra. En la entrada a la cripta podemos ver el féretro de Enrique VIII, y el rey Carlos I se encuentra bajo la parte central del coro.
A lo largo de la capilla se pueden ver algunos ejemplos de los trabajos en madera y hierro medievales. La puerta occidental de la capilla original (actual capilla en memoria de Alberto), que data de 1240. La magnifica sillería del soberano, que actualmente utiliza la Reina , fue construida a finales del siglo XVIII.
Capilla del Príncipe Alberto en el Castillo de Windsor
Entre los tesoros podemos ver la espada de 2 metros de Eduardo III, seguramente fue tomaba en una de sus principales batallas; la cruz de Gnethe, un relicario que donó Eduardo II y se dice que contenía un trozo de la Vera Cruz.
Llegamos al antiguo claustro de los canónigos, su construcción se remonta hacia 1350 y corresponde con el claustro más antiguo de Inglaterra de los que se conservan. Las galerías tienen amplios ventanales góticos, en las paredes se levantan bancos corridos de piedra, el jardín tiene una enorme fuente presidida por la estatua dorada de san Jorge matando serpientes.
Una de las dependencias del claustro es la capilla dedicada a la memoria del Príncipe Alberto, fue levantada en el siglo XV, originalmente dedicada como la capilla de Enrique III, en la década de 1240 y luego modificada por Enrique VII, la actual capilla es obra de George Gilbert Scott para la reina Victoria, como muestra de su amor por su esposo el príncipe Alberto. Tiene un techo abovedado contiene un mosaico dorado de Antonio Salviati, donde destacan los paneles laterales con incrustaciones de mármol de Henri de Triqueti en los zócalos de la parte inferior de las paredes. La imagen de mármol situado en el extremo del altar, es también una creación de Triqueti.
Casa de Muñecas en el Castillo de Windsor
Desde la parte inferior del castillo subimos en dirección de los aposentos reales, en la planta baja se encuentra la casa de muñecas de la reina María, fue iniciada en 1924, nunca fue concebida como un juego infantil. La empezaron la princesa María Luisa, prima de Jorge V, con la ayuda del arquitecto Edwin Lutyens, tratando de conseguir una reproducción casi exacta de la casa aristocrática del centro de Londres. La casa tiene agua corriente y luz eléctrica, contiene miles de objetos que eran creados por distintos artistas y artesanos más destacados de cada materia. La casa se ha considerado como un gran monumento por su perfección y detalle. Al frente también se creo un jardín obra de Gertrude Jekyll. Una vez terminada se ubico en la entrada de la planta baja del palacio. Uno de los objetos que se muestran con mayor detalle es un gramófono de cuerda hecho a escala que se coloco en la habitación infantil de la Casa de Muñecas, tiene unos 14 cm de altura, reproduce grabaciones como uno de gran tamaño.
Accediendo a los aposentos reales por la escalera principal, tiene una bóveda gótica acristalada, esta decorada con trofeos y armaduras, situados en las escaleras. Se llega al Vestíbulo Principal, tiene un techo gótico y alberga una importante colección de armas y reliquias, procedentes de la colección de Jorge IV.
Capa de Napoleón en el Castillo de Windsor
Llegamos a la cámara de Waterloo es una gran sala que fue diseñada por Jeffry Wyatville para el rey Jorge IV. Conmemora la victoria del ejército británico en la batalla de Waterloo, donde Napoleón cayó derrotado. El techo es una verdadera obra de arte que recuerda la forma de un barco. En esta sala se celebra el almuerzo de la Orden de la Jarretera , ofrecido por la reina a los caballeros y damas de la Orden , se celebra todos los años en el mes de junio.
Entramos en el interior de los aposentos reales, es una sucesión de habitaciones construidas entre 1675 y 1678 para Carlos II y su reina, Catalina de Braganza, constituyendo una serie de aposentos barrocos más importantes de Inglaterra, destacan por los frescos de los techos y de las paredes, la decoración con tallas de Grinling Gibbons, los tejidos de seda que fueron añadidos durante el reinado de Jorge II.
El gabinete del rey Carlos II, era lugar donde el rey recibía las visitas más importantes y además mantenía reuniones con la corte. Esta sala marca la frontera entre las estancias públicas al este y las estancias privadas del rey al oeste. Era el lugar donde se reunían los cortesanos para rendir pleitesía al rey. Se convirtió en la capilla ardiente de Jorge IV en 1830, para el acontecimiento se revistió las paredes de terciopelo negro y se alumbro con velas. En esta sala se decoro con las obras del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens y se la conoce a la sala con el nombre de Sala Rubens.
Habitación del rey en el Castillo de Windsor
La habitación del rey también se celebraban ceremonias oficiales, se acostaba y se levantaba en presencia de los miembros de la corte. Recibía a sus ministros y consejeros y negociaba los asuntos de estado más confidenciales. La decoración actual se debe al rey Jorge II, quien sustituyó los paneles del siglo XVII con la seda carmesí que en estos momentos recubre las paredes.
Cuando el rey quería un poco más de intimidad recurría a un espacio más pequeño que se denominaba el Vestidor del Rey. Carlos II instaló en este cuarto a una de sus favoritas Louise de Kéroualle, duquesa de Portsmouth, en una alcoba situada debajo, y a otra, Nell Gwyn, en otra casa separada al sur del castillo. En 1830 se decoró el techo con el escudo y anagrama de Guillermo IV, donde aparecían las anclas y los tridentes, motivo que aluden a la vida marinera en la armada.
La sala siguiente se llamo “Recámara del Rey”, se creo en 1804 para Jorge IV, uniendo dos habitaciones más pequeñas. Era el lugar donde se guardaba algunos de los tesoros más importantes.
Salón de Baile de la Reina en el Castillo de Windsor
Guillermo IV decoró en 1833 el techo de escayola con las armas y anagrama de su corte. Actualmente están colgadas varias de las mejores pinturas renacentistas italianas que posee la Colección Real.
La siguiente sala es el Gabinete de la Reina , fue diseñada por Hugh May para que pudiera convertirse en el Gabinete de Catalina de Braganza. Al igual que las paredes del rey estaban tapizadas y los trechos pintados con frescos. La reina Adelaida, en el siglo XIX, la llamó la Galería de Pinturas porque se colgaron numerosos cuadros de los antiguos maestros. Actualmente están los mejores retratos de los Tudor y Stuart de la Colección Real.
La siguiente estancia es el Comedor del Rey Carlos II, conserva en su techo una de los tres que los frescos de Antonio Verrio han sobrevivido, dedicados como tema a el banquete de los dioses. Esta situado entre los aposentos del rey y de la reina para que ambos pudieran comer en él.
La siguiente estancia es el Salón de Baile de la Reina , fue construido como una cámara de danza de Catalina de Braganza, cuando fue remodelada se eliminaron los frescos de Verrio con el tema “Carlos II liberando a Europa”. En la actualidad se exponen cuadros de Antonio van Dyck.
Sala de la Guardia de la Reina en el Castillo de Windsor
La siguiente estancia la Sala de Audiencias de la Reina , era utilizada por la reina para las audiencias privadas, se conserva los frescos del techo obra de Verrio, que representan a Catalina de Braganza en un carro tirado por cisnes, que se dirige hacia el templo de la virtud. Sobre las paredes se presentan alguno de los tapices que adquirió Jorge IV en 1820, estos solamente se colgaban cuando la reina visitaba el palacio.
La siguiente es la Sala de Recepciones Privadas de la Reina , era utilizada como sala de espera para la visitas. Los frescos del techo representan a Catalina de Braganza sentada bajo un palio. En el centro de la sala hay una gran chimenea, sobre la repisa de chimenea hay una escultura de mármol, posteriormente se incorporó un reloj.
La siguiente estancia es la Sala de la Guardia de la Reina , es la entrada natural a los aposentos de la reina, en este punto los alabarderos de la guardia real impedían el paso a toda persona que no tenía autorización de entrada.
La sala era el lugar donde se exponía una importante colección de armas y armaduras, la mayoría procede de la colección de Jorge IV. Esta presidida por el busto de mármol del escultor de la corte Sir Francis Chantey del almirante lord Nelson, de 1835, fue un encargo de Guillermo IV expresamente para ésta estancia.
Escultura de Nelson en el Castillo de Windsor
La sala más impresionante del palacio es el Salón de San Jorge, fue un encargo de Jorge IV, tiene 55,5 x 9 metros. Esta sala fue una de las más afectadas durante el incendio. Para su restauración se sustituyó la anterior techumbre por una de madera con vigas expuestas en roble verde, usando técnicas de carpintería medievales. Sobre el hastial se decoró con una enorme Jarretera, la rosa de Malta de yeso pintada, fue un regalo de las naciones de la Commonwealth con 53 pétalos que simbolizan los países miembros.
El salón es el lugar donde en los últimos 600 años se celebra el acto anual donde se reúne la reina con los 24 caballeros de la Orden antes de celebrar el oficio en la Capilla de San Jorge.
La siguiente sala también esta reconstruida después del incendio, es la Antecámara de la Linterna , fue construida por la reina Victoria, está revestida con madera de contrachapado de roble, en el suelo hay incrustada un enorme insignia de la orden de la Jarretera.
Las siguientes estancias fueron rehabilitadas tras el incendio y corresponden con los Aposentos Semioficiales, eran utilizados por los reyes como salas privadas, en la actualidad se utilizan para recibir a sus huéspedes.
Salón de San Jorge en el Castillo de Windsor
La siguiente estancia era la antigua biblioteca, ahora el Salón Verde, fue construida por Jorge IV, durante el incendio se daño el extremo septentrional y el resto quedo empapado en agua.
Más adelante pasamos por el Salón Carmesí, quedó muy dañado durante el incendio, el techo se hundió y las paredes ardieron. Durante la restauración se volvió a copiar de los bocetos originales. En las paredes cuelgan los cuadros de los hermanos de Jorge IV y los retratos oficiales del rey Jorge VI y la reina Isabel.
Las siguiente dos salas son sendos comedores, uno era utilizado para invitados oficiales. La sala se ha restaurado después del incendio según el proyecto gótico de Wyatville.
En el pasillo se expone una de las colecciones más importantes de porcelanas que introdujo la reina María en 1920, sobretodo son notables las elaboradas en China y Japón en el siglo XVII, también se expone la famosa vajilla de Manchester, fue creada en la fábrica de Sêvres en 1769, fue un regalo del rey de Francia a la duquesa de Manchester.
La siguiente estancia es una copia de los salones de espera franceses, se trata de El Gran Salón de Recepciones, las paredes están revestidas de estucos dorados formando un gran conjunto de estilo rococó.
Salón del Trono en el Castillo de Windsor
La sala más majestuosa y lujosa del palacio es “el Salón del Trono de la Jarretera ”, era el lugar donde la reina ponía las condecoraciones a los nuevos Caballeros y Damas de la Jarretera con la insignia de la Orden. Aquí recibe la reina a las visitas más importantes sentada en su trono de marfil de la india.
Aquí terminamos la visita y regresamos directamente al parking donde tenemos la autocaravana con la intención de comer y partir lo más rápidamente posible, cuando llegamos todo ya parece normalizado porque cuando lo dejamos el vigilante estaba un poco rebotado, habían cortado el acceso a la zona donde se ponen las autocaravanas, luego cuando hemos vuelto del castillo estaba todo un poco más calmado.
Nuestro siguiente destino es Salisbury, para llegar tenemos que andar por una zona estrecha y lenta hasta llegar a Asford, luego cogemos una autopista. Ya parece que nos desenvolvemos mejor conduciendo por la izquierda parece que nos sale como algo natural, además tenemos la ayuda del tom-tom que te lo señala muy bien.
Castillo de Windsor
A las 16,00 llegamos a Salisbury, directamente vamos al parking Central, el tom-tom nos mete en una trampa a la entrada al parking, hay que atravesar las vías del tren señalizado el túnel a 2,75 metros, antes de meternos podemos darnos la vuelta y acceder por otra calle que tiene indicado autobuses.
Catedral de Salisbury
El parking utilizado para autocaravanas en Salisbury (Reino Unido) se encuentra situado en el mismo centro de la ciudad. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 51.07265// W1.798652 .
El parking tiene algo complicado para no utilizar más de una plaza por las marcas del suelo hay que coger las plazas de los extremos o las que están situadas frente a los árboles y jardines para dejar la trasera que no ocupe un doble sitio. El precio es para todo un día (24 horas) 7,40 libras, también se puede pagar por horas.
Nada más llegar nos vamos directamente hacia la catedral, antes de que cierren. Es fácil situarse ayudados por el pináculo de la torre de la linterna que se eleva sobre cualquier edificio de la ciudad.
La catedral fue construida dentro del estilo gótico inglés, en esos momentos en completo desarrollo, su construcción comienzo en 1220. La catedral fue construida en un solar donde no había restos de otras obras, como sucede en otros templos que se ejecutan sobre restos románicos. El arquitecto tuvo libertad de realizar su propio edificio sin ninguna interferencia y además aprovechando que los recursos no escaseaban, aunque el terreno elegido no fue el más adecuado porque estaba en una zona pantanosa por lo que tuvo que levantar los cimientos de los pilares sobre una base a todo lo largo de la iglesia.
Decoración exterior de la Catedral de Salisbury
El dinero para la construcción venia mayoritariamente de la familia de los marqueses de Salisbury, encabezado por William Longspée, hijo de Rosamunda, era concubina del rey Enrique II. El marques fue una persona muy influyente en el reinado de su hermanastro, el rey Juan, obligándole a firmar la Carta Magna (lo que daría con el paso del tiempo a la primera constitución de Inglaterra).
Estos personajes rozaban la epopeya y estaban obligados para mantener el prestigio caballeresco gracias a las acciones más extraordinarias. Marchó a Tierra Santa para la defensa de Damietta (uno de los enclaves más importantes en Egipto bajo los dominios del Reino de Jerusalén), después llegó a Gascuña para defender la ciudad de Burdeos, después de mil batallas y peligros regreso a Inglaterra, a los tres meses de la llegada, en su propia casa, fue asesinado y su fama consiguió hacerle un verdadero mártir. Sus restos reposan en la catedral; su estatua fue tapada de una malla de acero hasta cubrir su boca.
Las obras siguen su curso y en cinco años se han ejecutado la mayoría de la catedral permitiendo que se celebre su primera misa. Contribuyó a su popularidad que el altar mayor y toda la iglesia estuviera dedicada a la veneración de la Virgen , mientras que otras iglesias y catedrales se dedicaban a un mártir local o a uno de los apóstoles. Aunque, a mediados del siglo XIII, la devoción por la Virgen era la que predominaba en la iglesia católica.
Nave central de la Catedral de Salisbury
La obra fue encargada a un arquitecto canónigo llamado Elías de Dereham, fue elegido como el rector de la nueva catedral de Salisbury, cargo que desempeño durante veinticinco años, después de la finalización de la obra.
Pese a la rapidez en levantar las columnas y las bóvedas la catedral no se consideró terminada hasta 1266, lo que indica que se tardó en realidad 46 años desde el día en que se puso de la primera piedra.
La diferencia de la catedral de Salisbury con la de Westminster es que la primera sigue los patrones del estilo gótico inglés, mientras que la de Londres sigue el modelo francés. La estructura de Salisbury revela una mejor compresión en las bóvedas y contrafuertes, pero en el aspecto exterior la de Salisbury ejecuta la fachada lateral y el ábside como una catedral de segundo orden, y mencionar que tampoco sabe resolver la fachada principal que se eleva formando una especie de tabique para esconder las tres naves.
La parte mas sobresaliente es la torre del crucero, que según los ingleses, es la torre más bella de toda Europa. Construida en tres cuerpos de ventanas superpuestas y encima una pirámide octogonal muy alta.
Sillería de la Catedral de Salisbury
Las torres góticas, con sus enormes campanas, durante siglos han sido unos de los orgullos de Inglaterra. Muchas de ellas terminan en pirámides agudas, como estas, pero la mayoría ha quedado desmochada por el rayo y han cambiado al perder el capuchón puntiagudo del remate. Esto sucedió con las torres de Canterbury y Lincoln, cuyas torres de madera estaban revestidas de cobre. La de Salisbury se protegió de los rayos de la naturaleza, mediante la propia fe medieval, en la punta se coloco una caja con un pedazo de la camisa de la Virgen María.
La entrada a la catedral de Santa María la hacemos por el claustro para acceder al interior en la fachada sur. Lo primero que podemos ver es una maqueta realizada durante su construcción, dicen que se dilato mucho porque las obras se paralizaban durante el invierno por culpa de que la argamasa se congelaba.
Nos llama la atención las líneas características del gótico primitivo inglés mucho mejor resuelto que en la catedral de Lincoln. Las tres naves de la catedral están separadas por pilares compuestos de un machón central y columnitas apoyadas de mármol negro de Purbeck; los capiteles son simples collares de molduras sin adornos. Los arcos de separación de las naves, como los de la galería del triforio, son excesivamente agudos, con un peralte que imita al gótico francés.
Pila baustismal de la Catedral de Salisbury
La catedral tiene sus tres elementos de arcadas, triforio y ventanales, es muy parecido al francés, aunque en este caso pero todo el conjunto tiene mucha menor elevación. Las catedrales inglesas no pretenden que sus columnas se eleven hasta el cielo como las francesas, pero si se proyectan para que parezcan más largas como un barco; sus catedrales se alargan desmesuradamente por el ábside. El altar mayor lo ponen en el centro, en el crucero.
A su lado se encuentra la parte baja del reloj medieval, está considerado como el más antiguo del mundo en funcionamiento, fue construido en 1386.
En el centro de la nave hay una espectacular pila bautismal modernista, fue construida en el año 2008, fue diseñada por William Pye con motivo del 750 aniversario. El agua sobre la pila está en continuo movimiento, configura un espacio de atracción a los visitantes porque se ven reflejados las vidrieras y las bóvedas de la iglesia.
Caminando por la nave central, en el lado derecho, podemos admirar la tumba de William Longespée (1226), constituye la primera persona que se enterró en la catedral, era el hermanastro del rey Juan y se constituye en su asesor durante las negociaciones para la elaboración de la Carta Magna.
Tumba Richard Mitford de la Catedral de Salisbury
Un poco más adelante y en la misma posición se encuentra la estatua yaciente de Elías de Dereham, era un misterioso cura que supervisará la construcción de la catedral, después fue el encargado de divulgar la Carta Magna por toda Inglaterra, fue un documento que se firmó en 1215 por el rey John y los barones Runnyden y que luego serviría como base para la futura constitución de los Estados Unidos.
El claustro de la catedral fue creado para albergar la comunidad monástica que administraba el edificio, la parte más monumental corresponde con la sala capitular. Tiene una planta octogonal, con una bóveda radiada sustentada por un pilar único en el centro.
Es un tipo de construcción sin precedentes para aquella época, que hace honor a los arquitectos ingleses y que define sus diferencias. Tiene una decoración escultórica que revela arte y técnica avanzadas. Esta distribuida en una serie de relieves en las enjutas de los arcos ciegos de la parte baja para que puedan ser mejor admirados. Los temas que se representan son bíblicos y no añaden más que una representación más moderna y los personajes de la Biblia van vestidos con trajes ingleses del siglo XIII y protegidos con armaduras de los cruzados.
Aprovechamos el resto de la tarde para pasear por la ciudad, en breves instantes queda prácticamente sin gente, solamente nos queda tiempo para pasear viendo escaparates y podemos entrar en una tienda que todo lo que ofrece esta a precio fijo de 1,5 euros.
Tumba Edward Seymour de la Catedral de Salisbury
Cuando regresamos al parking ya se han marchado la mayoría de los vehículos por lo que tenemos todo el tiempo para elegir otro nuevo emplazamiento que no este tan en el centro y que respete las marcas de señalización del suelo. Nos colocamos frente a unos árboles, durante la noche llega otra autocaravana que nos acompañará.
Día 6 de agosto (jueves)
Ruta: Salisbury- Stonehenge -Liverpool Km 336; tiempo estimado 4h01
Nada más levantarnos marchamos para visitar la otra iglesia de la ciudad que no pudimos visitar ayer, se trata de St. Thomas de Salisbury, fue construida en madera como lugar de culto para que los trabajadores pudieran asistir a los oficios mientras construían la nueva catedral en el año 1220.
Iglesia de Santo Tomas de Salisbury
El actual edificio fue construido en piedra en el siglo XV, destaca del exterior su poderosa torre, situada a la derecha de las tres naves.
En su interior destaca los arcos góticos que sujetan el entramado de madera de la bóveda.
Sobre el arco triunfal del presbiterio podemos ver el fresco gótico más grande de Inglaterra, representa el Juicio Final fue pintado en 1475 como una ofrenda de agradecimiento de un peregrino que había regresado sin sufrir ningún daño.
La pintura fue encalada durante la Reforma en 1593 y gracias a las obras de rehabilitación fue redescubierta en 1819, pero no pudo ser restaurada hasta 1881. Posteriormente en 1953 sufrió otro nuevo proceso de restauración para devolver el aspecto que hoy en día podemos contemplar.
En el fresco podemos ver como la figura de Cristo está sentado ante la Nueva Jerusalén , acompañado de la gente de bien camino del cielo, a su lado los condenados en el camino del infierno. Es de destacar que en la pintura aparece la silla del párroco en el lado de los condenados, no sabemos si lo que pretendía decir es que estaba ayudando en el camino del infierno o bien era un condenado más.
Vitrales de la Iglesia de Santo Tomas de Salisbury
A ambos lados del arco hay dos figuras completas, a la izquierda esta Santiago, era el santo patrón de las peregrinaciones; en el lado derecho, St. Osmund, primer obispo de Salisbury.
Si comenzamos el recorrido por la nave de la derecha podemos ver el Arca de la Iglesia es del siglo XVI y todavía se puede ver las correas de hierro originales.
A su lado la pila bautismal, cerca están los archivos bautismales que se actualizan una vez al año el domingo de la festividad del día de la madre. A su lado la capilla de los niños que se utiliza como guardería durante los oficios religiosos.
Un poco más adelante podemos ver un pequeño retablo de roble, fue construido en 1671 en memoria de Humphery Beckman, se encuentra inscrita la siguiente frase “Su propio trabajo”. Sobre el retablo se encuentran una serie de escudos heráldicos de las familias pudientes entre el siglo XVII y XVIII.
Sobre la pared el escudo Real de la reina Isabel I donde se ve el estandarte de la casa de los Tudor, posteriormente se dispuso el Unicornio Escocés. Bajo los estandartes se halla el monumento a los caídos en el campo de batalla en la Primera Guerra Mundial.
Capilla de la Iglesia de Santo Tomas de Salisbury
Al fondo esta la capilla de la Virgen , fue construida en 1470 por William Swayne, era un rico comerciante de lana y alcalde de Salisbury, se dedico a su persona y a la cofradía de la que era patrón. En la pared hay una serie de frescos medievales donde se muestra en unos cuadrados: la Anunciación , la Visitación y la Natividad. También podemos contemplar una serie de insignias que pertenecen a la orden de la Jarretera de la que el obispo de aquella época era nombrado Canciller. Más tarde la familia Eyre mando construir el magnífico retablo de madera en el siglo XVIII con hierro forjado en la bóveda.
En el presbiterio podemos ver el coro fue construido en 1470, en el lado norte era ocupado por el deán y el cabildo de la Catedral ; el lado sur era el lugar donde se ponían los comerciantes y ciudadanos. En esta parte se pueden ver las marcas que identifican a los comerciantes, están talladas sobre los capiteles de las columnas, a su lado se encuentra las tallas de los ángeles que portan instrumentos musicales en la mano izquierda para que puedan ser escuchados desde el cielo. Esta parte del coro fue decorada por el arquitecto victoriano G.E. Street, que diseño los retablos sobre el altar de la ventana y la venta del este donde se puede ver a Cristo y sus discípulos.
Frescos góticos de la Iglesia de Santo Tomas de Salisbury
Sobre el armazón de la techumbre de madera se pueden ver una serie de ángeles, es una representación de unas 250 figuras en los techos, paredes y columnas del edificio.
En un lateral se encuentra la sacristía tenía como función de servir de almacén de pan para ser distribuido entre los pobres en la puerta situada al oeste.
Altar de la Iglesia de Santo Tomas de Salisbury
Cerca del órgano podemos ver el altar de San Jorge, tiene una tumba medieval de la familia Godmanstone y lleva su escudo en el centro. Era el lugar dedicado a la Cofradía de san Jorge donde participaban el alcalde y el ayuntamiento.
Después de visitar la iglesia y dar una vuelta por la ciudad regresamos al parking y reemprendemos el viaje hasta Stonehenge, nos separa poco más de una decena de kilómetros por una tortuosa carretera del tipo inglesa. Junto con una riada de coches nos conduce irremediablemente ante el parking del centro de interpretación de Stonehenge. Es tan grande la afluencia de público que somos conducidos hacia el interior como si se tratase de una feria de muestras.
El parking para autocaravanas en Stonehenge (Reino Unido) se encuentra situado en el reciente inaugurado Centro de Interpretación. Las coordenadas GPS del lugar corresponden N51.18264 // W 1.85264 .
Centro de Interpretación de Stonehenge (Reino Unido)
A la entrada del parking te piden 5 libras, dicha cantidad luego te son reembolsadas con la compra de los tickets. Hemos de mencionar que el centro de interpretación se encuentra situado a unos 3 Km. de las piedras de Stonehenge. El precio es para 2 adultos y dos niños ticket familiar son 40,50 euros, descontando 5 libras pagamos 35,50 libras. Con este precio puedes ver la exhibición del museo y además tienes un transporte en autobús ida y vuelta gratuita al monumento. Si decides hacer el viaje andando no tienes que pagar nada más que las 5 libras del parking, es un camino recto que separa el parking y el monumento, una vez allí, la entrada es gratuita.
El día es frío, uno de estos que dices me quedaría en casa, las nubes son negras amenazando lluvia, en algunos momentos caen algunas gotas, lo que nos obliga a equiparnos con las botas, el chubasquero y el paraguas. Afortunadamente hace mucho viento y los pastores me dijeron una vez qué cuando hace mucho viento y las nubes vuelan, ese día no lloverá.
Me imploro al cielo porque solamente pensar que se pueda poner a llover en medio del campo y a cuatro kilómetros de un techo puede ser un día nefasto, por otro lado pienso que si no llueve tendré unas preciosas imágenes fotográficas del círculo mágico que forman las piedras de Stonehenge.
Stonehenge (Reino Unido)
Con esperanza e ilusión cogemos la pequeña navette que hace de lanzadera entre el parking y el monumento megalítico, en poco más de 5 minutos estamos ante 4.000 años de historia, es básicamente, la misma idea y la misma historia que muchos siglos después buscaban los monjes cristianos del románico y posteriormente del gótico en la construcción de sus templos y no era otra que poder entender el tiempo.
Yacimiento de Stonehenge (Reino Unido)
Estamos ante Stonehenge es quizás el monumento más famoso del Reino Unido forma parte del Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO desde 1986. El santuario era dedicado al culto solar.
La visita hay que hacerla obligatoriamente por un circuito marcado y no es posible entrar en el interior del cromelech formado por un círculo de piedras. Fue realizado con enormes piedras clavadas al suelo, una característica de finales del Neolítico y de principios de la Edad de Hierro.
La primera fase Stonehenge fue levantada hace 4500 años por un pueblo prehistórico de agricultores y ganaderos que se establecieron en la región con sus rebaños de vacas y ovejas, el horizonte estaba cubierto de bosques pero estos nuevos pobladores los convirtieron en pastos.
Estos primeros pobladores establecieron unos importantes vínculos entre la tierra y las estaciones del año referido a la siega y la cosecha. Durante los meses de menor actividad construían terraplenes para levantar los túmulos. Dichos terraplenes servían para enterrar a los difuntos pero también para definir desde el horizonte los márgenes de las tierras cultivadas.
Yacimiento de Stonehenge (Reino Unido)
Unos 3000 años a. C. los agricultores habían conseguido deforestar un trozo de tierra muy extenso y lo dedicaban al cultivo. El yacimiento era convertido en un importante cementerio y estaba formado por un círculo de pequeñas cavidades con restos humanos incinerados pasando a considerarse el recinto en abandono.
El recinto poco a poco fue considerándose un monumento ceremonial más importante de la región. Se incorporan algunas piedras y monolitos y pilares de madera que definen como un lugar sagrado.
Es durante el año 2000 a.C. cuando los grandes jefes del lugar empiezan a enterrarse con todo tipo de lujos y adornos que demuestran su condición social. Son enterrados en túmulos redondos donde no falta el oro y el bronce. Estos adornos proceden de lugares muy lejanos.
Durante el año 2150 a. C. el eje del yacimiento fue ligeramente desplazado hacia el Este para que coincidiera con la salida del Sol naciente del solsticio de verano. Esta nueva orientación tiene una influencia religiosa. Se construye la avenida ceremonial que daba a la entrada recientemente alineada.
Se cree que se traza de un doble circuito de piezas azules orientadas al Noroeste pero fueron retiradas en el mismo siglo.
Yacimiento de Stonehenge (Reino Unido)
Entre el año 2100 y 2000 se produce todo el esplendor del yacimiento con la incorporación de diez grandes monolitos de arenisca, traídos a rastras desde Marlborough Downs, a unos treinta kilómetros de distancia en dirección Nordeste. Fueron preparados y clavados en el suelo, formado una herradura y sirviendo de base a cinco grandes trilitos con unos enormes dinteles. Además, otros treinta monolitos más pequeños, fueron incorporados, colocándose en forma de círculo uniforme y regular a cinco metros del suelo. Mientras dos grandes monolitos flanqueaban la entrada al recinto.
El viaje con las enormes piedras se hacía entre grandes troncos de madera, durante meses un grupo de picapedreros trabajan los monolitos para darlos las vueltas mediante largas palancas de madera. Usaban martillos para alisar la superficie trabajada y para hacer formas que albergara los dinteles. Laboriosamente se daban formas a las curvas de los dinteles para que formasen un círculo sobre los monolitos verticales.
Los aldeanos trabajaban cavando en el subsuelo con unos picos hechos con cuernos de ciervo, preparando un circulo de agujeros profundos en los que hincar los monolitos. Más tarde, una vez que se recogían las cosechas y cuando bajaba el trabajo en los campos. Las poblaciones más lejanas acudían en ayuda para poder levantar las piedras.
Piedra guía solsticio de verano, Yacimiento de Stonehenge
Un equipo de hombres hacia rodar cada uno de los monolitos hasta el borde de uno de aquellos agujeros, dejando la base del mismo suspendida sobre el borde del agujero. El equipo de hombres iba levantado el monolito, insertando troncos debajo del mismo hasta ir formado un ángulo suficientemente pronunciado respecto al suelo. Luego ataban unas grandes cuerdas hechas de vegetales o de cuero a la parte superior del monolito, tiraban desde el otro lado hasta dejarla en posición vertical, unos cuantos trabajadores iban introduciendo creta, piedras y tierra en el agujero de la base.
La siguiente fase consistía en subir en los monolitos los dinteles de piedra. Cada aldea llevaba sus propios troncos de madera, mientras que los ancianos supervisaban la construcción de una plataforma de madera entorno a dos de los monolitos. Los aldeanos haciendo palanca elevaban el dintel y lo colocaban encima de la plataforma. Poco a poco iban añadiendo troncos para subir la altura de la plataforma hasta alcanzar la altura deseada. Una vez alcanzado el nivel de los monolitos verticales, se labraban las muescas con la que se afianzaban los anclajes en los monolitos.
Traslados de las monolitos, Yacimiento de Stonehenge
La construcción de cada uno de esos nuevos puntos dentro del círculo duraban años, no sabemos si se llegaron a completar los monolitos proyectados. El monolito nombrado por los arqueólogos con el número 11 es el más estrecho y el último en colocarse lo que puede indicar que tal vez la cantera de donde se sacaban llegó agotarse.
Los siguiente 900 años sirvieron para que la gente de la región siguiera variando el monumento megalítico a su antojo, se añadió una estructura oval de piedras azules en el interior de la piedra de arenisca, se volvieron a cambiar el orden de algunas piedras, la avenida que llevaba al yacimiento fue ampliada en más de un kilómetro y medio, hasta llegar a las orillas del río Avon.
Se desconoce el momento en que el monumento fue abandonado por la gente de piedra, dejando un gran observatorio del tiempo, su construcción posiblemente obedecía a los alineamientos de los equinoccios y a la luna, los estudios posteriores le han considerado una “computadora neolítica”, capaz de identificar las estaciones del año con el fin de controlar las cosechas. Cada primavera los agricultores plantaban el grano que era cosechado después del solsticio de verano. Cada año eran testigos del ciclo biológico de la fertilidad y recolección, la vida y la muerte.
Yacimiento de Stonehenge (Reino Unido)
Nada más ver el monumento megalítico aprovechamos para comer tranquilamente entre el césped del parking, Solamente decir que el parking está abierto durante los horarios de visita y no se permite pernoctar. Algunas autocaravanas lo hacen en los caminos cercanos.
Limitaciones de las áreas de descanso autopistas inglesas
El resto del día lo dedicamos al viaje hasta Liverpool, nos separan 336 km pero el recorrido lo hacemos muy lentamente. Los primeros 60 km. es por una carretera con un firme muy malo, sin arcén y con muchas limitaciones. Una vez que llegamos a la autopista tenemos tramos con unas importantes retenciones.
En el trayecto paramos en la primera área de servicio de la autopista, está llena de carteles que indica que las primeras 2 horas son gratuitas, nos advierten qué a la entrada las cámaras han tomado nota de las matriculas, el pago hay que hacerlo mediante una llamada a un número de teléfono, el incumplimiento lleva consigo una multa de 100 libras. Las coordenadas GPS del lugar las indico por si alguien le sorprende la noche y decide pernoctar en ruta: N 52.06597 // W 2.15781 .
Continuamos el viaje hasta el parking en Liverpool (Reino Unido) se encuentra situado en la zona del puerto, es una propiedad privada, no hay limitaciones para poder pernoctar y el precio es de 15 libras 24 horas, pago en monedas (hay que ir con suficiente cambio). Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 53.39553 // W 2.98669.
Liverpool es una ciudad desconocida para nosotros y nos sentimos atraídos por la música de su pasado con muchos de los grupos más importantes de la música pop inglesa y su equipo de fútbol.
The Beatles en Liverpool (Reino Unido)
Podemos ver desde la zona donde nos encontramos que ha sido un importante puerto marítimo del mundo porque el 40% del comercio marítimo mundial pasaba por este puerto, qué ahora, está en decadencia porque cayó en declive toda la industria local pasando a ser una de las localidades con más paro de todo Inglaterra, consiguiente su población ha disminuido en la mitad de habitantes en los últimos setenta años.
Día 7 de agosto (viernes)
Ruta: Liverpool–Ardrossan Km 370; tiempo estimado 5h
Zona de la ampliación de Liverpool (Reino Unido)
Desgraciadamente no vamos a disponer de mucho tiempo para visitar esta ciudad, por lo que habíamos imaginado no era un importante destino y tenemos planificado estar solamente medio día, hoy queremos llegar al puerto de Ardrossan para embarcar a la isla de Arran, si es posible esta misma noche.
En realidad la ciudad tiene mucho que ver, tiene un importante museo de pintura la Galería Walker con obras inglesas y europeas desde el siglo XV al XX. El Tate Modern es la segunda galería moderna del país después de Londres. Pero ya hemos tenido la ración suficiente de pintura durante este viaje y nos tomaremos esta visita como una simple aproximación a Liverpool, abriendo otra puerta para poder venir en otro momento.
El primer sitio que visitamos por cercanía es el The Beatles Story o museo de los Beatles, el horario es de 9,00 a 19,30 horas, el precio que pagamos por el Tikect family (2 adultos y 2 niños) son 38,50 libras.
La exposición comienza en los años 1960 cuando la música británica copa los números 1 de la hit-parade del mundo, no solo los Beatles son líderes, The Rollings Stones es otro de los grupos que dominan la música, además de otras bandas The Who, Pink Floyd, Yes, Genesis, Camel, Jethro Tull o King Crimson.
The Beatles Story de Liverpool (Reino Unido)
Entre los recuerdos que atesora el museo que corresponde con la época en que la banda coloniza el mundo y sobretodo los EE.UU. Es el cinturón dorado que llevaba el rey del rock Elvis Presley con su famoso traje azul de flecos.
El nacimiento de los Beatles es el primer espacio del museo, donde podemos ver “El Álbum Familiar” la partida de nacimiento de Paul McCartney el 18 de junio de 1942 en el Walton General Hospital de Liverpool. Se puede ver fotografías de su infancia y del lugar donde curso sus estudios Stockton Wood Road Primary School, luego paso al Liverpool Institute donde conoce a George Harrison.
Su padre era representante de una fábrica de algodón y su madre era una asistente social. Era un buen estudiante y lo ingresaron en el mejor colegio de secundaria de la ciudad Liverpool Institute. Su padre había sido un músico aficionado en su juventud, había intentado enseñar un poco de piano pero sin mucho éxito. Asistió a la muerte de su madre de un cáncer de pecho lo que le hizo volcarse con la guitarra para evadirse. Aprendió escuchando los discos del momento The King y Elvis Presley, se vestía como sus ídolos con una chaqueta blanca y pantalones muy estrechos. Conoció a la banda de Quarrymen y les hizo una demostración de su destreza tocando la canción Twenty fligth rock: Esto fue el comienzo de la relación intensa entre John y Paul escribiendo sus propias canciones para la banda y compartiendo nuevos trucos para tocar la guitarra.
El Albúm Familiar de los Beatles de Liverpool (Reino Unido)
Paul escribía canciones dulces para gustar a las chicas, sacadas de melodías tradicionales que su padre todavía intentaba enseñarle y conservaba su reputación de ser un buen chico.
Podemos ver la partida de nacimiento de Richard Starkey que nació en 7 de julio de 1940 en la casa de sus padres en el número 9 de Madryn Street de Dingle, un suburbio de Liverpool. Paso a llamarse como nombre de guerra Ringo Starr sobre el cambio de nombre el dijo: “lo elegí porque es nombre de perro y los perros me agradan”. Esta acompañado de fotografías de su madre y de sus primera actuaciones con su batería.
Sus padres se divorciaron y su madre se fue a vivir con su padrastro, vivía cerca del puerto en uno de los barrios marginales de Liverpool. Su tío y su padrastro le regalón una batería. Enseguida formo su propio grupo los Hurricanes en el que destacaba como ningún otro participante.
Ringo conoció a los Beatles, enseguida y varias ocasiones sustituyó al batería oficial Pete Best, debido a sus ausencias fue despedido por manager de la banda, y entabló una gran amistad con los chicos.
El otro miembro George Harrison también se expone su partida de nacimiento el 25 de febrero de 1943 en la casa de sus padres en el 12 de Arnold Grove. Abandona la escuela en 1959, alternó durante poco tiempo su afición a la música con un trabajo de aprendiz de electricista.
The Quarrymen, The Beatles Story de Liverpool (Reino Unido)
Su padre era de origen modesto, conductor de autobuses y militante sindical, compartía el instituto con Paul. Su madre había tenido contactos con la música y animaba a su hijo para que siguiera el camino. Le dio el dinero para que se comprase la primera guitarra, era vieja y se la compró a un compañero de clase por 3 libras. La segunda ya era más moderna y le costo 30 libras. Trabajaba mucho en solitario para reproducir cierto acordes, su vestimenta era muy llamativa influenciada por la moda “Ted” y eso le producía problemas en el instituto. Fue el primero en dejarse el pelo largo para ocultar sus pronunciadas orejas pero gracias a sus gustos expresaba su rebeldía contenida.
Conoció a Paul en el autobús a la vuelta de las clases. Poco a poco hablaron de sus gustos musicales e intercambian ideas y proyectos. Goorge era musicalmente el más avanzado porque tocaba con su hermano Pete, en los bailes y fiestas por unos bocadillos.
El cuarto miembro de la banda es John Lennon, nace el 9 de octubre de 1940 en el Hospital Maternal de Liverpool. El niño se llamó John Winston Lennon en honor a su abuelo paterno, John «Jack» Lennon, y por el primer ministro de la época, y como un signo de patriotismo le llamaron como: Winston Churchill.
No fue un buen estudiante, se le calificaba como: Sin esperanzas. Un payaso en clase. Era conocido por interrumpir las clases y ridiculizar a los maestros. A los 17 años su madre murió atropellada por un oficial del ejército ebrio.
John era el hijo y las influencias de cualquier simple obrero de Liverpool, vivía en la casa de una tía, Mimi, hermana de la madre. Su padre Fred Lenon era marinero y estaba lejos de casa, lo que indicaba que nunca tuvo una vida íntima con su madre Julia Stanley porque era un bebedor empedernido, esto fue reflejado por la John es su comportamiento escolar debido al desequilibrio familiar.
Su aproximación a la música se hace gracias a escuchar los primeros discos de rock de Bill Haley. Era una época que todo el mundo se quería dedicar a la música y John empieza a tocar la armónica escuchando los acordes de un conductor de autobús. Como autodidacta empezó a tocar la guitarra con fragmentos que escuchaba en la radio.
El museo hace un repaso por los primeros inicios de la banda con la creación de la The Quarrymen inicialmente formada en Liverpool en 1956. Estuvo integrada, entre otros, por tres de los cuatro miembros de The Beatles: John Lennon, Paul McCartney y George Harrison. Se exponen guitarras de la banda con sus primeras actuaciones en fiestas y los primeros carteles periodísticos con sus críticas. La primera guitarra que tuvo George Harrison.
El museo nos expone una reproducción de como era la primera sala donde empezaron actuar los Beatles “The casbah coffee club”: Después de 40 años, se puede visitar el club construido en los sótanos de una casa.
La actual propietaria, Mona Best, nos permiten rememora muchos momentos cruciales en los primeros días de los Beatles, la formación de sus inicios y proporcionar un hogar para el sonido Merseybeat, en referencia a los grupos surgidos en la región de Merseyside a la que pertenece Liverpool, era muy distintivo a todo lo anterior y que iba a cambiar la cara de la música popular para siempre. La Casbah era el refugio de los Beatles cuando era jóvenes salvajes, sus primeras presentaciones en vivo fueron aquí, en el club que hicieron su propia esencia de banda, incluso participaron en la decoración del sótano en su estilo distintivo.
The casbah coffee club, The Beatles Story de Liverpool
La Casbah era un sitio negro, un sótano, con elementos de cualquier sótano, una pequeña mesa, unas estanterías con tazas y vasos para tomar un café y un refresco, una máquina automática cargadora de discos, las mismas que conocíamos en España, se echaba una moneda y cargaba un disco single.
La historia de los Beatles pasa por el fichaje del promotor Allan Williams, en 1960 que llevó la banda en sus primeros conciertos fuera de Liverpool hasta Hamburgo donde actúan en el Star-Club. La relación se mantiene hasta 1962, en que el avezado empresario Brian Samuel Epstein se convierte en el manager de la banda, antes de comprobar como no existía ninguna relación comercial y contractual con su anterior director.
Epstein descubrió por primera vez a los Beatles en noviembre de 1961 durante la hora del almuerzo en el Cavern Club. Al momento quedó gratamente impresionado y vio un gran potencial en la banda. Epstein hizo una gira por casi todas las principales compañías de grabación en Londres y a nadie le gusto el grupo, entonces se aseguró un encuentro con George Martin, jefe de EMI's Parlophone etiqueta. En mayo de 1962, Martin aceptó firmar con los Beatles, en parte más influenciado por la convicción de Epstein que el grupo alcanzaría la fama internacional.
Hamburgo, The Beatles Story de Liverpool (Reino Unido)
Después de la primera sesión de grabación, el 6 de junio de 1962, George Martin considera que el batería Pete Best no da la talla del grupo y propone su cambio por otro que estuviera a la altura de la banda y mejorase la grabación. Lennon, McCartney y Harrison pidieron Epstein que buscara a una persona para el puesto de batería.
Epstein inicialmente ofreció el puesto vacante de batería a Johnny Hutchinson del grupo The Big Three, pero enseguida la rechazó diciendo que Pete Best era su amigo y no iba a manchar su vida. Después se ofreció el puesto a Ringo Starr que ya conocía al grupo.
El grupo comienza actuar en The Grapes y se convierte en el más famoso pub del mundo, principalmente por el hecho de que los Beatles lo usaron para tomar una pinta.
Luego los Beatles acuden rutinariamente The Cavern Club y se convierte en la cuna de la música pop británica, era el lugar donde los Beatles se formaron su la identidad musical.
The Cavern Club es un club de rock and roll en Liverpool , Inglaterra. Fue inaugurado el miércoles, 16 de enero de 1957, el club tuvo su primera actuación de los Beatles, el 9 de febrero de 1961, y es el lugar donde Brian Epstein vio por primera vez los Beatles en el concierto del 9 de noviembre de 1961.
El museo recrea con minuciosidad el The Cavern Club, como era su barra, su escenario, la decoración. Todo aparece con todo el detalle, incluido las guitarras y la batería.
Tienda de discos“NEMS”, The Beatles Story de Liverpool
En otro apartado del museo se recrea la tienda de discos de Liverpoll “NEMS” con todos los discos del momento con un cartel donde en su lista TOP-10 llega por primera vez una canción de los Beatles con “Pleae Please Me”, en la misma lista estaban lo mejor de la música inglesa como Jet Harris o Cliff Richards con los The Shadows. Su gerente era Brian Epstein, un día entro un fans de Beatles a pedir My bonnie y no supo que decirle, no había oído nunca al grupo, pero supo que esa noche tocaban en el Caverne y gracias a ello conoció a la banda. Este hombre era mayor que ellos, tenia 27 años y sus gustos eran muy diferentes, iba bien vestido y era muy educado. Era un judío de una familia burguesa que sus padres la habían confiado la dirección de la tienda de música. Como la gente acudía a la tienda de discos demandando alguna de sus canciones decidió encargar 200 ejemplares a la firma Polydor, como se vendieron enseguida decidió volver al Caverne para intentar comprender porque la gente demandaba esa música hasta comprender que estaba ante un diamante en bruto.
Brian Epstein tampoco estaba muy a gusto con la dirección de la empresa familiar y se convirtió en manager para satisfacer la demanda de los nuevos grupos musicales que surgían como chinches en la ciudad.
Cuando los Beatles conocen personalmente a Brean se quedan impresionados por sus trajes hechos a medida, por su impresionante coche, lo que demuestra que este judío tiene dinero y les puede ayudar en su proyección musical.
Brian les propone ser su representante y hacer un contrato, este se llevaría el 25% de todas las ofertas, cuando lo normal era un 2% por lo que se produce un enfrentamiento en el grupo. Para promocionar y publicitar el grupo creó una sociedad que se llamó N.E.M.S: Enterprises.
Lo primero que había que hacer es dulcificar los modos que The Beatles exhibían en los escenarios, en lugar de saltar como locos había que cuidar su presentación en publico. Enseguida los miembros del grupo comprendieron que el manager tenía un especial talento organizador y siguieron sus consejos.
Parlophone Records Ltd, The Beatles Story de Liverpool
Musicalmente aprendieron que había que tocar canciones mas cortas y mas variadas centrándose en las canciones que tenían más éxito entre el publico dejando las tediosas repeticiones musicales de fragmentos que tanto les gustaba. Les enseño a comunicar con el publico y no usar excesivamente la parte mejor para no gastarla rápidamente. El grupo enseguida recibió contratos pero no firmaban ninguno que no superara las 15 libras.
Parlophone Records Ltd. es un sello discográfico británico que en sus momentos más difíciles se salvo de la quiebra gracia a la suerte del fichaje del grupo musical The Beatles. Durante mucho tiempo Parlophone tuvo el single más vendido en el Reino Unido, “She Loves You” y el segundo álbum más vendido del Reino Unido, fue “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”.
El museo recrea con artículos originales de los estudios de Abbey Road Studios de Londres. El grupo The Beatles grabó casi la totalidad de su discografía en ellos, y para la carátula del álbum Abbey Road, decidieron tomar una fotografía de la banda mientras cruzaban el paso de peatones ubicado enfrente de los estudios y dio la vuelta a medio mundo.
George Henry Martin es el productor musical. Es frecuentemente mencionado como “el quinto Beatle” en referencia a su amplia participación en cada uno de los álbunes originales de los Beatles.
Los Beatles se presentaron ante Martin el 6 de junio de 1962, en el estudio 3 de los estudios Abbey Road. Ron Richards y su ingeniero Norman Smith grabaron cuatro canciones, las cuales fueron escuchadas al final de la sesión por Martin, que no estaba presente durante la grabación. El veredicto no fue prometedor, sin embargo, como Richards se quejó de la batería de Pete Best, Martin pensó que sus canciones originales no eran suficientes. Martin les preguntó a los Beatles si había algo que personalmente no les haya gustado, a lo que George Harrison contestó: “Bueno, ahí está tu corbata, para empezar”. Martin pienso que debía firmar un contrato y dar una oportunidad a ese grupo simplemente por su ingenio.
Estudios Abbey Road, The Beatles Story de Liverpool
La primera sesión de grabación de los Beatles con Martin fue el 4 de septiembre, donde grabaron How Do You Do It?, canción que para Martin sería un éxito seguro a pesar de que Lennon y McCartney no querían lanzarlo, al no ser una de sus composiciones. Martin tenía razón, la versión de Gerry & The Pacemakers, la cual fue producida por Martin, pasó tres semanas a la cabeza de las listas en abril de 1963, antes de ser desplazada por From Me to You. El 11 de septiembre de 1962, los Beatles volvieron a grabar “Love Me Do” con Andy White tocando la batería. Ringo Starr fue invitado a tocar la pandereta y las maracas, y aunque cumplió, a él definitivamente no le agradó. Debido a un error de la biblioteca de EMI, la versión del 4 de septiembre con Starr tocando la batería se emitió en el sencillo; después, la cinta fue destruida y la grabación del 11 de septiembre con Andy White en la batería fue utilizada en todas las versiones posteriores. Martin más tarde alabó la batería de Starr, llamando a Starr como “probablemente...el mejor batería de rock en el mundo de hoy”
El museo expone los trajes que George Henry Martin obligo a los Beatles a vestirse para cambiar la imagen de los chicos progres y para lograr identificar a un publico más maduro con los nuevos ritmos.
Efectos gira mundial, The Beatles Story de Liverpool
El éxito de los Beatles es imparable dentro del Reino Unido, la firma discográfica prepara un asalto a todo el mundo en lo que se llamo “The Beatles Tours 1963-1966”. En el año de 1963 las primeras salidas del grupo al exterior la hacen a Suecia actuando en cuatro ciudades, después viajan a Irlanda y a la conflictiva Irlanda del Norte. En 1964 viajan a París donde actúan en el teatro Olimpia durante 20 días seguidos. El 9 de febrero de 1964 se estrenan saltando el charco a la ciudad de Nueva York para participar en la CBS en el programa de televisión The Ed Sullivan Show, después actúan en las ciudades de: Washington, Miami, San Francisco, Las Vegas, intercalan sus éxitos con actuaciones en Canadá.
En 1965 la España franquista no quiere perderse la posibilidad de ver a los Beatles, el 2 de julio de 1965 aterrizan en Madrid para actuar en la Plaza de la Ventas y un día después el 3 de julio en la Plaza de Toros Monumental de Barcelona. Después marchan a Francia e Italia.
En 1966 el mundo se rinde ante su música y todo el planeta quieres escucharlos, vuelan a Alemania, Japón y Filipinas.
Tumba Eleanor Rigb, The Beatles Story de Liverpool
El museo recrea una sala con una tumba donde aparece el nombre de Eleanor Rigby, fue una de las canciones con más éxito del grupo, la traducción dice:
Ah, mira a toda la gente solitaria,
ah, mira a toda la gente solitaria.
Eleanor Rigby recoge el arroz en la iglesia
en la que ha habido una boda.
Vive en un sueño,
espera en la ventana, llevando puesta la cara
que tú guardas en un frasco junto a la puerta,
¿para quién es? ( el frasco ).
Todas las personas solitarias,
¿de dónde vinieron?
Todas las personas solitarias,
¿cuál es el lugar al que pertenecen?
El padre McKenzie escribiendo las palabras de un sermón,
que nadie escuchará,
nadie se acerca.
Míralo trabajando,
zurciendo sus calcetines por la noche,
cuando no hay nadie allí.
¿Qué es lo que le preocupa?
Todas las personas solitarias,
¿de dónde vinieron?
Todas las personas solitarias,
¿cuál es el lugar al que pertenecen?
Ah, mira a toda la gente solitaria,
ah, mira a toda la gente solitaria.
Eleanor Rigby murió en la iglesia,
y fue enterrada al lado con su nombre,
nadie vino ( al funeral ).
El padre McKenzie, limpiando la suciedad de sus manos,
mientras camina desde la tumba.
Nadie fue salvado.
Todas las personas solitarias,
¿de dónde vinieron?
Todas las personas solitarias,
¿cuál es el lugar al que pertenecen?
The Beatles - Eleanor Rigb
Trajes de los Beatles
¿Quién era Eleanor Rigby? Para que los Beatles la dedicaran una canción, siempre oficialmente se ha mantenido que era un nombre imaginario. Aunque una vez Paúl McCartney se refiere diciendo:
“El patio de la iglesia St. Peter era un lugar que John y yo frecuentábamos regularmente, es posible que haya visto la tumba con el nombre y quizás inconscientemente lo haya recordado o relacionado; quizás mi memoria se clavó particularmente en ese recuerdo, o en el nombre, Eleanor. Pero el nombre no me resultaba suficiente, quería un apellido poco común, y recuerdo un día, caminando con Jane por la ciudad de Bristol, divisé una tienda con el nombre Rigby, y pensé: eso es, ¡ya lo tengo!.
Primeros discos de la banda, The Beatles Story de Liverpool (Reino Unido)
La canción fue grabada entre los días 28 y 29 de abril, y el 6 de junio de 1966, en los estudios 2 y 3 de EMI Studios, con Paul McCartney como voz principal y John Lennon y George Harrison haciendo los coros. Los demás músicos que participaron en la grabación de este tema son: Tony Gilbert, Sidney Sax, John Sharpe y Jurgen Hess en los violines; Stephen Shingles y John Underwood en las violas, y Derek Simpson y Norman Jones en los violonchelos.
Sgt. Pepper's, The Beatles Story de Liverpool
En 1966, The Beatles estaban ya cansados de las giras y de la presión de la Beatlemanía. Durante la gira por Filipinas, el grupo fue invitado por la primera dama del país Imelda Marcos a un desayuno en el Palacio de Malacañan. La invitación fue rechazada cortésmente por el manager del grupo Brian Epstein, debido a la política de The Beatles de no aceptar invitaciones presidenciales. Sin embargo, el régimen presidencial se ofendió bastante con este rechazo, por lo que el grupo tuvo que escapar del país en medio de los disturbios.
Más adelante el museo recrea todo lo que concierte con el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es el octavo álbum de estudio de la banda británica The Beatles.
Grabado en un periodo de 129 días y publicado el 1 junio de 1967 en el Reino Unido y el 2 de junio del mismo año en Estados Unidos, es a menudo citado por la crítica como una de sus mejores obras y uno de los discos más influyentes de todos los tiempos.
El museo recrea todo lo acontecido en la canción de Penny Lane es una calle de Liverpool, cerca del hogar donde Lennon pasó los primeros cinco años de su vida. McCartney y Lennon solían encontrarse en el cruce de Penny Lane para tomar un autobús al centro de la ciudad. Desde que Paul McCartney escribiera la canción en 1967, la calle se ha convertido ?junto con Abbey Road? en una de las más famosas de todos los tiempos. Porque muchos de los sitios que la canción describe aún están allí. Penny Lane se encuentra alejada del centro de Liverpool, La Canción fue considera la mejor de la historia.
La letra en castellano dice:
En Penny Lane hay un barbero enseñando las fotografías
De todas las cabezas que ha tenido el gusto de conocer
Y toda la gente que viene y va se detiene a saludarse
En la esquina hay un banquero con un coche
Los niños se ríen de él a sus espaldas
Pero el banquero nunca lleva impermeable
Cuando llueve a cántaros, eso es muy raro.
Penny Lane está en mis ojos y en mis oídos
Allí, bajo los azules cielos de los barrios de la periferia
Me siento, y volviendo al tema.
En Penny Lane hay un bombero con un reloj de arena
Y en su bolsillo lleva una foto de la Reina
Le gusta tener limpio su camión de bomberos
Es una máquina limpia.
Penny Lane está en mis ojos y en mis oídos
Un cuarto de pescado y pastel de dedos
En verano, y volviendo al tema.
Tras la marquesina, en medio de la isleta
La guapa enfermera esta vendiendo amapolas en un bandeja
Y aunque se siente como si estuviera actuando
No hay duda de que lo está haciendo
En Penny Lane el barbero afeita a otro cliente
Vemos al banquero sentado esperando a que le corten el pelo
Y el bombero entra corriendo
Bajo una lluvia torrencial, eso es muy raro.
Penny Lane está en mis ojos y en mis oídos
Allí, bajo los azules cielos de los barrios de la periferia
Me siento, y volviendo al tema
Penny Lane está en mis ojos y en mis oídos
Allí, bajo los azules cielos de los barrios de la periferia
Penny Lane.
Penny Lane, The Beatles Story de Liverpool
Submarino Amarillo, The Beatles Story de Liverpool
El siguiente éxito es el álbum de Submarino Amarillo es el décimo disco de estudio de la banda de rock inglesa, fue lanzado el 13 de enero de 1969 en los Estados Unidos y el 17 de enero de 1969 en el Reino Unido. Fue lanzado como la banda sonora de la película animada del mismo nombre, la cual fue presentada en Londres en junio de 1968. El álbum contiene seis canciones de la banda, de las cuales “Yellow Submarine” y “All You Need Is Love” ya habían sido lanzadas como sencillos. El resto del álbum es una re-grabación de la banda sonora orquestal de la película por el productor de la banda, George Martin.
El proyecto fue considerado una obligación contractual por parte de los Beatles, a quienes se les pidió contribuir con cuatro canciones para la película. Algunas fueron escritas y grabadas exclusivamente para la banda sonora, mientras que las otras eran canciones no lanzadas de otros proyectos. El álbum tuvo una opinión dispar por parte de los críticos, quienes sintieron que el material sonaba anticuado y que no estaba a la altura de los Beatles.
Submarino Amarillo, The Beatles Story de Liverpool
Las siguientes salas del museo se detiene en la ruptura de los Beatles, uno de los grupos musicales más populares e influyentes de la historia, se ha convertido casi tanto en una leyenda tan grande como la propia banda o la música que crearon mientras estaban juntos. Los Beatles fueron muy activos desde su formación en 1960 hasta la desintegración del grupo en 1970.
La muerte de su manager supuso el inicio de los conflictos del grupo, podría decirse que la persona más influyente en el lanzamiento y promoción de popularidad mundial de la banda, era gracias a Brian Epstein también logró mantener la cohesión del grupo, ya que su estilo de gestión era dejar que el grupo fluyesen sus actitudes musicales y proyectos mientras que a menudo tenia que intervenir cuando había un conflicto. Sin embargo, este papel comenzó a disminuir después de que la banda dejó de gira en 1966, aunque todavía ejerce una fuerte influencia, la solución de controversias entre los miembros y, sobre todo, el manejo de las finanzas del grupo. Cuando él murió de una sobredosis de drogas médicas en agosto de 1967, deja un vacío legal en la banda. John Lennon tuvo la mejor relación personal estrecha con Epstein y fue el más afectado por su muerte. Paul McCartney probablemente percibió la situación precaria y tratado de iniciar nuevos proyectos para el grupo y algunos en solitario. Lennon, George Harrison y Ringo Starr sintieron como Paul continuaba su creciente dominación musical. Lennon no comprende que los esfuerzos de McCartney eran importantes para la supervivencia de la banda, pero él todavía cree que el deseo de McCartney para ayudar venia de los propios recelos de McCartney acerca de seguir una carrera en solitario.
Let It Be , The Beatles Story de Liverpool
Let It Be es el decimotercero y último álbum de estudio lanzado por The Beatles como grupo, a pesar de que fue grabado antes que Abbey Road. Editado en el Reino Unido, el disco salió al mercado el 8 de mayo de 1970.
Se trata de un álbum controvertido desde su concepción: una vez que dejaron de tocar en vivo en 1966 por la imposibilidad de plasmar su música en el escenario, los Beatles se propusieron grabar un álbum para tocar un último intento con un concierto en vivo, tal vez en un barco o en un lugar público. Por tanto, las sesiones de grabación del disco (que por aquel entonces se llamaba Get Back, aludiendo al regresar a las raíces rockeras del grupo) comenzaron a ser filmadas, en 1969, por el cineasta Michael Lindsay-Hogg. Los ensayos fueron tensos, con constantes discusiones entre los miembros del grupo, que desde sus discos anteriores denotaban una convivencia cada vez peor y más hostil entre ellos.
Oficialmente el grupo se disgrega el 31 de diciembre de 1970, cuando McCartney presentó una demanda contra los otros tres Beatles en Londres en el Tribunal Superior para la disolución de la asociación contractual de los Beatles, y, posteriormente, fue nombrado un Administrador Judicial. El proceso y las negociaciones fueron largas y legales y la disolución formal de la asociación tuvo lugar el 09 de enero 1975.
Paul McCartney , The Beatles Story de Liverpool
El museo trata de analizar al grupo disuelto en solitario, donde expone gran parte de objetos de todas las partes de mundo. Y lo titula “La historia continua”. La carrera de cada uno de ellos discurre por senderos distintos, siempre, en la cresta de la ola.
John Lennon , The Beatles Story de Liverpool
De John Lennon, lo describen con tres palabras “Rebelde, Activistas, Poeta”. Es el hombre de las causas perdidas, la paz, el racismo, la revolución, el cambio. En las manifestaciones eran sus lemas que portaba en las pancartas.
George Harrison, The Beatles Story de Liverpool
El museo tiene el piano blanco original con que John Lennon compuso la canción de Imagine, su guitarra y sus gafas originales completan el escenario.
Ringo Starr, The Beatles Story de Liverpool
Leer la letra en castellano, por si sola, te pone los pelos de punta:
Imagina que no hay Cielo,
es fácil si lo intentas.
Sin infierno bajo nosotros,
encima de nosotros, solo el cielo.
Imagina a todo el mundo.
viviendo el día a día...
Imagina que no hay países,
no es difícil hacerlo.
Nada por lo que matar o morir,
ni tampoco religión.
Imagina a toda el mundo,
viviendo la vida en paz...
Puedes decir que soy un soñador,
pero no soy el único.
Espero que algún día te unas a nosotros,
y el mundo será uno solo.
Imagina que no hay posesiones,
me pregunto si puedes.
Sin necesidad de gula o hambruna,
una hermandad de hombres.
Imagínate a todo el mundo,
compartiendo el mundo...
Puedes decir que soy un soñador,
pero no soy el único.
Espero que algún día te unas a nosotros,
y el mundo será uno solo.
Imagina
Imagine ,The Beatles Story de Liverpool
Britannia Pavillón de Liverpool
Aquí damos por finalizada la visita al museo de la música más representativa del siglo XX. Los Beatles fueron tan auténticos que cambiaron en buena medida muchas cosas del siglo: la falda de las mujeres, el pelo de los hombres, los trajes del ejército, incluso a los hijos de los ricos que pasaron a llamarse hippies. Ahora nuestros hijos solamente conocen el nombre y algunas estrofas de sus canciones, para ellos es como si nosotros hubiéramos acompañados a nuestros padres a visitar el museo de Rafael Farina o de Imperio Argentina.
Tenemos que respondernos a nosotros mismo haciendo un poco de memoria ¿Qué ha sido de la vida de los The Beatles?. Pues Paul McCartney y Richard Starkey (Ringo Starr) aún siguen vivos. En estos momentos, más o menos, McCartney tiene 73 años y Starr 75. Los que nos dejaron fueron John Lennon y George Harrison, ambos están muertos. John Lennon fue asesinado el 8 de diciembre de 1980, a la edad de 40 años de cinco disparos efectuados por Mark David Chapman en la entrada del edificio donde residía, el edificio Dakota. Lennon acababa de regresar del estudio de grabación Record Plant Studio con su esposa, Yoko Ono . . George Harrison murió de cáncer el 29 de noviembre de 2001, a la edad de 58 años. De los otros miembros que integraban o integraron la banda antes de que los Beatles se hicieran famosos, Stuart Sutcliffe, el bajista original de los Beatles, murió de una hemorragia cerebral en 1962, cuando tenía 21 años y el ex batería, Pete Best, aún está vivo, tiene 68 años.
Puerto de Liverpool
Estamos en la zona del puerto de Liverpool, ahora no parece un puerto, más bien parecen canales con un gran almacén reconvertido, el edificio de Britannia Pavillón es uno de los ejemplos con su fachada de ladrillo visto tipo holandés, en estos momentos es el corazón que mueve la ciudad con la instalación del Museo Tatem, el Echo Arena, el Museo Liverpool, el Centre de Exhibition. Estoy seguro que si los cuatro Beatles vivieran no reconocerían la ciudad ni la madre que le parió.
Marchamos por la amplia avenida de Strand St con enormes edificios de principios del siglo XX.
Cogemos la calle Chapel St. Buscando un banco donde cambiar euros por libras, cuando encontramos uno, en la ventanilla nos indican que el mejor sitio para cambiar es MoneyGram, está muy cerca y el cartel que tiene en la fachada no corresponde con el precio final que es de 1,50 euros por libra, al final cambiamos 50 euros para disponer de algo suelto para los parkings.
Una placa de bronce nos indica que allí estuvo el antiguo The Castle of Liverpool. El Castillo de Liverpool se cree que fue construido en ese lugar alrededor de 1237, aunque algunos registros sugieren que se inició ya en 1208.
Monumento Victoria de Liverpool
El rey Carlos II ordenó la destrucción del castillo después de ascender al trono en 1660. Por 1676 todo lo que quedó fueron las ruinas, se quedaron intactas en el lugar durante muchos años más. Fueron derruidas para construir la iglesia parroquial de San Jorge, que se situó en el lugar hasta 1899.
En la actualidad se levanta el memorial con el monumento de la reina Victoria fue erigida en 1902. La figura central es la propia reina Victoria que se encuentra debajo de una cúpula, rodeada por cuatro grupos de columnas agrupadas, en la parte superior hay un grupo alegórico.
Tomamos la primera calle a la izquierda Nort John St. Nos sorprende una importante agencia del Banco Santander que en Inglaterra se está haciendo con un trozo del pastel bancario.
En la misma calle vemos la fachada que indica Central Buldings de 1884, en la actualidad corresponde con el hotel Hard Days Night Hotel su traducción obedece a la película, álbum y canción de “la noche de aquel día”. Su interior la decoración corresponde con la temática de los Beatles, habitaciones, restaurante, incluso en la fachada todo obedece a rendir culto al grupo The Beatles.
Fachada del Hard Days Night Hotel de Liverpool
La primera calle a la derecha es la famosa Mathew St. porque allí se encuentran dos de los centros de culto de los reyes de la música The Beatles, a la izquierda está la figura con la escultura de John Lenon y el Cavern Pub, y a la derecha, estamos ante el famoso The Cavern Club.
El Cavern Pub de Liverpool
El Cavern Pub fue inaugurado en agosto 1994, enfrente, para conmemorar el lugar donde estaba el antiguo The Cavern Club que había sido llevado a su desaparición, se utilizaron los mismos ladrillos que habían permanecido al club de los Beatles, allí siguieron los grupos actúan todas las noches.
The Cavern Club de Liverpool
Posteriormente se compro los bajos del local donde estuvo el The Cavern Club y se reconstruyó el antiguo local donde hasta 1973 había servido como trampolín de lanzamiento para numerosos grupos.
En la actualidad tenemos estos dos centros el Cavern Pub y The Cavern Club, nosotros optamos por visitar este último para imaginarnos más de cerca como fueron las noches de los famosos Beatles.
Vídeo del The Cavern Club de Liverpool
El local se hizo mundialmente famoso porque The Beatles, actuaron en 1961, cuando la banda hizo su primera presentación en él. El grupo apenas había regresado de las actuaciones en Hamburgo, Alemania, donde solían tocar en el bar-club Indra y el Kaiserkeller alrededor de ocho horas todas las noches.
Vídeo original de los Beatles en el The Cavern Club
No está documentado cuando fue realmente la primera actuación, lo que queda claro es que después de poco tiempo John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Pete Best eran los protagonistas históricos del club, que en 1962, este último, fue reemplazado por Ringo Starr, y se convirtieron en la banda más famosa del mundo.
Barra del The Cavern Club de Liverpool
Su show sobre el escenario había atravesado una gran cantidad de cambios, y algunos integrantes de la audiencia pensaron que estaban viendo una banda alemana. De 1961 a 1962, los Beatles hicieron 292 shows en el The Cavern Club.
El club cerró sus puertas en marzo de 1973, y fue derruido para la construcción de la línea subterránea Merseyrail. Jan Akkerman junto con la banda de rock progresivo holandesa Focus fueron los últimos en tocar en The Cavern Club sólo unos días antes de su cierre, en mayo de 1973. En abril de 1984, el club fue adquirido por el jugador de fútbol del Liverpool F.C., Tommy Smith, en sociedad con Royal Life. El local fue reconstruido con muchos de los ladrillos que habían sido utilizados en la construcción del original. El nuevo club ocupa el 75% del lugar primitivo. El nuevo diseño se ajustó al original todo lo que fue posible. Esto fue durante un período de cambios económicos y políticos masivos en Liverpool, y el club sólo sobrevivió hasta 1989, cuando atravesó una dura situación financiera y cerró sus puertas durante 18 meses. En 1991, dos amigos, el profesor de escuela Bill Heckle y el taxista de Liverpool Dave Jones, reabrieron el club. Aún hoy en día administran el club, y a pesar de ser un punto turístico mundialmente famoso, el mismo continúa funcionando principalmente como un centro de música en vivo, si bien cuenta con un DJ en las noches de viernes y sábado. La política musical actual gira desde los años 60, 70, 80 y 90 al pop clásico, indie, rock y temas más actuales.
Instrumentos de los Beatles del The Cavern Club de Liverpool
El 14 de diciembre de 1999, el antiguo Beatle Paul McCartney regresó al escenario del nuevo Cavern Club para tocar algunas canciones promocionando su nuevo disco, Run Devil Run. El Cavern Club sigue siendo en la actualidad uno de los más famosos recintos de la música del Reino Unido.
Aunque pensemos que la vida de los Beatles fue fácil, pero no tanto, su rebeldía y su forma de ser casi les cuestan su primera actuación en el Cavern Club. Ese día Harrison apareció en téjanos, este tipo de atuendos estaban prohibidos en el local. Para suerte del mundo de la música, pudo convencer a quienes se encontraban en la puerta de que lo dejaran pasar a pesar de su vestimenta.
Para entender la presión de la sociedad sobre la vestimenta lo demuestra el detalle de que el Jueves, 05 de abril 1962 el Club de Fans de los Beatles presentó a los Beatles en el Cavern Club. Los Beatles tocaron la primera mitad en sus trajes de cuero con que acudieron a la cita, pero alguien les debió de llamar la atención, y en la segunda parte del concierto después de un breve descanso, se presentaron ante el escenario con una nueva imagen mucho más limpia con sus trajes y así terminaron la actuación de la segunda mitad de su show.
The Cavern Club de Liverpool
The Cavern Club no era, ni tampoco es, un lugar demasiado acogedor, más bien parece una cueva de una mina entre columnas, en realidad era una antigua bodega-sótano con tres túneles conectados por arcos. Cuando cientos de jóvenes se reunían en el local el sudor se condensaba en el techo y formaba una especie de “lluvia”. Pese a todo, la gente le gustaba el local, era una especie de talismán de la libertad.
Homenaje a Cilla Black The Cavern Club de Liverpool
La gente decía que caían gotas del techo, había olor a desinfectante en el ambiente y el aire estaba denso por el humo de los cigarrillos. A principios de los 60 el Cavern Club era uno de los locales más famosos en Liverpool y, por las descripciones de muchos testigos, era un lugar en el que nacían leyendas.
La suerte llevó para el grupo porque Brian Epstein fue a The Cavern Club a ver tocar a The Beatles. A George le pareció curioso y preguntó: “¿Qué trae a Mr. Epstein por aquí?”. Luego se convertiría en su manager y hombre que mejor cohesionaba el grupo.
Tanto el exterior como el interior del club está repleto de flores y de dedicatorias a la cantante y presentadora Cilla Black, sus fans quieren rendir un tributo al recuerdo y al respeto, en uno de las dedicatorias indica que ha fallecido hace unos días, el 1 de agosto del 2015.
Cilla Black conoció a los Beatles mientras trabajaba como asistente de vestuario en el famoso Cavern Club de Liverpool. Eran los primeros momentos de los The Beatles, más tarde gracias a su amistad subió al escenario para debutar como cantante, John Lennon presento a la cantante al gerente de los Beatles Brian Epstein y le convencieron para que llevase su carrera.
Imagina un mundo mejor
Decían de Cilla que su voz era tan bonita como sus piernas, los ingleses afirmaban que eran las piernas más bonitas del Reino Unido pero también amaban y resaltaban su profunda mirada. Su boda fue un acontecimiento nacional, se casó con Bobby Willis y la llegada a la iglesia fue retransmitida por la televisión, llegó en un coche enorme americano de color negro, entre miles de personas que esperaban su llegada, se bajo del vehículo y apareció vestida con un minúsculo vestido, que para la época les pareció tan corto que citaron que iba medio desnuda, iba complementada con un collar, el vestido con unas mangas de plumas blancas, y las piernas con unas preciosas botas de cuero haciendo juego con el conjunto, su imagen dejo a todo el país con la boca abierta. Si quieres ver el vídeo con las imágenes:
Boda de Cilla Black
Aquí damos por finalizada nuestra búsqueda de los recuerdos de los Beatles, hay muchos más puntos interesantes en la ciudad pero preferimos dedicar el resto del día para caminar sin rumbo fijo.
Plaza Williamson Square de Liverpool
Salimos de la zona por la pequeña calle de Temple Court hasta llegar a la amplia calle de Victoria St. qué es merecedora del nombre por el estilo de algunos de sus monumentales edificios de principios del siglo XX. Nos adentramos en la zona comercial, son calles peatonales y con numerosas tiendas, caminamos por la calle Richmond St. hasta llegar a la plaza de Williamson Square, esta rodeada de tiendas y el Teatro Real. En el centro hay una fuente que proyecta 20 chorros de agua hasta cuatro metros y en estos momentos del verano hace las delicias de los más pequeños. En una esquina se encuentra la tienda oficial de Liverpool FC. los precios de los trajes oficiales del equipo de fútbol superan las 54 libras.
En la misma plaza escuchamos los acordes de la canción “Vicent” escrita por Don McLean como un homenaje al pintor Vincent van Gogh. También es conocida por su línea de apertura por la melodía “Starry Starry Night”, una referencia al Van Gogh de la pintura de la noche estrellada.
McLean hablo de cómo fue el momento de inspiración para componer una de las canciones más bonitas y sinceras de la música actual:
“Era el otoño de 1970 yo tenía un trabajo cantando en las escuelas locales, tocando mi guitarra en las aulas. Una mañana estaba sentado en la terraza, leyendo una biografía de Van Gogh, y de repente supe que tenía que escribir una canción argumentando que él no estaba loco. Tenía una enfermedad como decía su hermano Theo. Esto hace que la historia sea diferente en mi mente, estaba loco de amor – por qué él fue rechazado por una mujer–. Así que me senté con una inspiración en una noche estrellada y escribí la letra en una bolsa de papel.
Ben interpretando Vincent en las calles de Liverpool
Me pare para poder grabar estas preciosas melodías, cuando terminó le pregunte: What's your name?, como si fuese Van Gogh me contesto un escueto “Ben”. Pues he aquí a Ben interpretando Vincent. La canción fue número 1 en 1972 de las listas de singles de Reino Unido y EE.UU.
Calles de Liverpool
La ciudad de Liverpool ofrece un gran número de conciertos de música con muchísimo ambiente, durante todo el año,
hay
numerosos festivales de música pop como el Liverpool Summer Pops Festival durante julio y agosto.
Liverpool Sound City es un festival de bandas fantástico, un elenco de DJs y artistas que actúan durante cuatro días del mes de mayo en muchos de los mejores lugares de la ciudad. La semana de la música de Liverpool, en noviembre, es otro de los eventos imprescindibles pues representa el mayor festival de música de invierno del Reino Unido. También puedes acudir al festival anual Mathew Street basado en torno a la famosa calle donde se encuentra el Cavern Club. Tiene lugar cada año durante el último fin de semana de agosto y es uno de mayores eventos musicales gratuitos de Europa con bandas de rock y pop actuando en vivo por todo el centro de la ciudad. En ese fin de semana también tiene lugar el festival Creamfields, uno de los festivales dance al aire libre más famoso del mundo.
Fruto de todo esto se traslada a las calles de Liverpool ofreciendo los 365 días del año la posibilidad de escuchar la mejor música en directo y de forma gratuita de toda Inglaterra.
Jamie Harrison en las calles de Liverpool
Seguimos nuestro camino por las calles peatonales, tomamos la calle Church St. Para entrar en el Primarkt, con la esperanza de encontrar algo suficientemente barato que justifique por si solo la compra, pero en la puerta nos encontramos a Jamie Harrison, es un músico callejero, tiene una nube de gente y hacemos masa en corrillo porque sus melodías suenan bien.
Es un chaval que demuestra buena voz y buenas maneras, estoy seguro que en un corto espacio de tiempo será una enorme promesa de la canción británica. Si os apetece ver su página oficial y sus vídeoaquí .
El talento de Jamie Harrison es evidente a su lado tenia a George, es un hombre de la calle que baila con todos sus sentidos los ritmos profundos que salen de la guitarra de Jamie, el corrillo se llena atraído por la imagen del dúo, Jamie y George, en una de las pausas Jamie presenta con todo el cariño a su go-go improvisado.
El tiempo se nos echa encima, lo poco o mucho que hayamos disfrutado de esta ciudad que no tiene nada destacable pero que es tremendamente divertida y una de las que mejor sabor de boca te puedes llevar.
Escultura homenaje a John Lennon en Liverpool
Seguimos andando hasta el puerto marítimo porque nos han dicho que muy cerca de la gran noria se encuentra la escultura homenaje al fundador de los Beatles John Lennon.
Preguntamos a mucha gente pero nadie se había parado a pensar donde se podía encontrar, y sin darnos cuenta y sin ninguna ayuda no topamos con esta estatua.
La escultura fue inaugurada en el año 2010, conmemoraría el 70 aniversario de John Lennon pero que desgraciadamente también corresponde al aniversario número 30 de su muerte. La gran escultura se levanto en Liverpool para hacer un homenaje al cantante y como un símbolo de paz.
El tema más importante de su carrera musical fue la canción Imagine, el cual le lanzó como solista algún tiempo después de que Los Beatles se hubiesen disuelto, se convirtió rápidamente en un himno mundial de los movimientos pacifistas y se inmortalizó en el ideario de las generaciones que promovieron este tipo de movimientos. Por esto y por todo lo que la imagen y la música de Lennon representan, este es un monumento o escultura que es a su vez representa un homenaje a Lennon y un monumento a la paz.
Palacio de Liverpool
Desde aquí marchamos para empezar esta segunda parte del viaje, ya hemos cumplido con la parte inglesa y ahora veremos la parte escocesa del país. No separan 370 Km. y las previsiones indicaban que podríamos hacerlo en unas 5 horas, teniendo en cuenta que casi 300 Km. son por autopistas.
Tenemos que hacer algunos kilómetros hasta enlazar con la autopista M-58 que desemboca en la M-6. El tráfico es terrorífico con paradas intermitentes lo que nos demora todo la tarde. Ya nos vamos acostumbrando a la conducción por la izquierda, las incorporaciones a las autopistas son muy sencillas porque suele haber dos carriles uno a la derecha para coches más rápidos y el de la izquierda para coches más lentos que desemboco unos cientos de metros más adelante. Normalmente las autopistas tienen tres carriles que se convierten en cuatro para las incorporaciones o para las salidas. Las informaciones de los carteles informativos son claras y concisas pero no así la cantidad de carteles con informaciones que aparecen con textos en inglés a lo largo de toda la vía, la mayoría de las veces no sabemos a qué se refieren.
Puerto de Androssan (Reino Unido)
Cuando nos salimos de la autopista entramos en tierras escocesas, un cartel en la carretera nos advierte de ello. Es tierra de montañas, paramos y lagos, lleno de unos paisajes agrestes e imponentes que en el verano se dulcifican por la floración de las plantas. Enseguida llegamos a un paisaje lleno de abedules, brezos y pinos, pero sobretodo lo que predomina es el roble. En las cunetas podemos ver los primeros vallados con ovejas escocesas, se caracterizan por las patas cortas que metidas dentro del césped parecen que no las tuvieran, tienen la cabezas negras y se parecen a las cerillas quemadas y sobre todo las imágenes con vacas peludas que evocan bisontes pelirrojos. Es un día plomizo donde las nubes amenazan lo que aquí se considera el mayor regalo del cielo la lluvia. Los escoceses cuentan que cuando ven las nubes sobre los picos de las montañas consideran que pronto lloverá.
Escocia es el país de los castillos y las leyendas esto viene porque en cada casa se insertaban huesos humanos, lo que deba lugar a cuentos de espíritus, en la actualidad se dice que de cuentos nada de nada todo viene por la acción del whisky escocés.
Las cacurris salen caras en Androssan (Reino Unido)
El whisky es la bebida favorita del país sirve para levantar los ánimos, festejar los éxitos y las fiestas, suavizar las penas y, algunas veces, era utilizado para anestesiar a los heridos.
Cuando llegamos a Ardrossan es ya bien entrada la noche vamos directamente al puerto a la salida del ferry, en estos momentos no hay señales de vida de los barcos. Decidimos ir directamente a pernoctar al parking del puerto, precio 3 libras, está completo, nos recomiendan dormir en el parking del supermercado Asda.
El parking que utilizamos para autocaravanas en Ardrossan (Reino Unido) se encuentra situado en el supermercado ASDA, está pegado al puerto, no tiene ninguna limitación en cuanto al tiempo máximo, ni tampoco hay ninguna indicación de prohibido pernoctar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 55.63880 // W 4.81646 .
Como agradecimiento que nos permitan la pernocta hacemos una pequeña compra con las cosas más necesarias, en total gastamos 13,89 libras.
Día 8 de agosto (sábado)
Ruta-Ardrossan- Claonaig
Gasóleo barato en Androssan (Reino Unido)
Nada más levantarnos echamos gasoil en la estación automática del supermercado ASDA y nos gastamos otras 40 libras. Después marchamos nuevamente hasta la terminal del ferry para embarcar con destino a la isla de Arran. Nos dicen que hasta las 18,00 horas no hay sitio para el embarque, vamos hasta la terminal para ver si es posible el embarque y al parecer está todo reservado para ese día. Pedimos ayuda para ver desde que otros puertos cercanos podemos hacer la travesía pero no nos informan desde que puntos hay otros ferrys.
Decidimos que es perder mucho el tiempo y mejor será aprovecharlo y seguir el viaje para conectar con el ferry que teníamos de la salida de la isla de Arran y marchar por la península de Kintyre hasta Claoning para hacer la visita a la isla en sentido contrario.
El día no comienza muy bien pero siempre puede empeorar aplicando la ley de Murphy. Salimos en dirección a Greenock, nos topamos por obras que parecen insalvables, con carreteras cortadas y puentes no aptos para autocaravanas. Hasta que llegamos a la localidad de Luss, encontramos parado el tráfico y enseguida aparecen ambulancias, coches de policía de todo tipo, varios camiones de bomberos y un helicóptero. Después de una hora de espera un policía nos informa que ha habido un gravísimo accidente y que la carretera estará cortada durante varias horas. También amablemente nos indica sobre un mapa como evitar el atasco producido por el accidente. Hacemos un cambio de sentido y recorremos unos 12 Km. hasta llegar a una carretera al estilo escocesa, de esas que no entran dos coches y transcurre entre túneles de árboles que no dejan pasar un rayo de sol y otras veces discurren entre muros de piedra. Los primeros kilómetros los hacemos con bastante tráfico pero sin problemas, cuando vemos que se paran lo coches, durante horas vamos andando de metro en metro, llevamos por lo menos cuatro horas en hacer 6 kilómetros, no cruzamos con furgones, con autocaravanas.
Desgraciadamente la maldición de la ley de Murphy no ha terminado, el atasco esta producido porque en sentido contrario están desviando el tráfico por esta misma carretera estrecha y que no es capaz de absorber todo el tráfico. El primer obstáculo serio y grande es un autobús de los llamados King, más ancho de lo normal y más largo de lo habitual, circula en sentido contrario evitando como puede a todos los vehículos, cuando llega a mi no entramos, no hay posibilidad de marcha atrás para poder hacer el cruce en algún lugar más ancho porque en mis espaldas hay varios kilómetros de vehículos, el autobús tampoco está dispuesto a volver sobre sus pasos, buscamos con la ayuda de la gente el sitio más ancho, cortamos ramas para poder situarme a la izquierda lo más pegado al muro, plegamos ambos los espejos retrovisores y cruzó los dedos, centímetro a centímetro me va sorteando hasta que veo que me supera sin ningún rasguño.
Paisaje de Escocia
Sigo unos cientos de metros más y me cruzo con un camión TIR que remolca una cisterna de leche, era tan alto, tan ancho y tan largo que me parece imposible que podamos superar la prueba. En esta ocasión hemos confluido entres dos muros de piedra a cada lado, haciendo maniobra dejo la autocaravana pegada a medio centímetro del muro, el conducto me dice O.K., entro… y como el que mete un hilo en una aguja, plegamos los espejos y cruzo los dedos, en dos minutos estamos salvados, no había cogido un nuevo aliento en las respiración cuando parece un nuevo autobús este un poco más pequeño, sin mover la autocaravanas conseguimos superarlo. Hago un recuento de los daños y solamente veo un pequeño arañado de una rama en una ventana. Solamente nos hacemos una pregunta ¿cómo era posible que unos vehículos de esas dimensiones pudieran circular por esa carretera?.
Seguimos el camino hasta que entramos en la península de Kintyre, quizás uno de los pueblos más bonitos se trata de Inveraray. Uno de los mejores atractivos de la localidad es el castillo.
Parking del castillo Inveraray (Reino Unido)
El parking para autocaravanas en el castillo Inveraray (Reino Unido), se encuentra situado a la entrada del pueblo, está perfectamente señalizado. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 56.238112// W 5.07511 .
El parking es gratuito con la entrada al castillo, en total pagamos un ticket familiar 2 adultos y 2 niños 29 libras, horario 10 h a 17,45 h. El horario del parking es igual que el castillo por lo que dudo mucho que permitan la pernocta.
El castillo Inveraray fue construido por el duque de Argyll, cuando era el 27 jefe (MacCailein Mor) del clan de los Campbell, en el siglo XVII, una de las familias mas poderosas de las Highlands de Escocia. Aunque como muchas de estas obras su promotor nunca llegó a verlo terminado, pero sus hijos lo terminaron en un estilo barroco con reminiscencias góticas.
Torre del castillo Inveraray (Reino Unido)
Se encuentra situado en las orillas del lago Fyne, en el condado de Argyll, la fuerza política de su dueño consiguió que el pueblo fuera trasladado media milla desde la inmediaciones del castillo a la ubicación actual para dejarlo más aislado. En la actualidad el XIII duque conserva algunas de las habitaciones donde vive y el resto del castillo se enseña como un museo.
Exteriormente destaca por sus cuatro torres cónicas de una piedra grisácea inspirada en los castillos románticos alemanes con un jardín ingles que fue diseñado por paisajista Roger Morris en 1746.
Mesa del Comedor de Estado del castillo Inveraray (Reino Unido)
El interior requiere mucha atención el Comedor del Estado destaca por su magnífico techo de la sala, es obra de Robert Mylne en 1785, las molduras son obra de Papworth y las piezas moldeadas son de John Clayton.
En las paredes están recubiertas con una serie de cuadros, los ovales son obra del artista francés Jean Francois Guinand, mientras que los lienzos circulares situados sobre las puertas fueron pintados por Irrouard le Girard, son una representación de las cuatro estaciones y fueron copiados de Herculanium, Italia. Los dorados de los marcos de los cuadros fueron encargados a Leonard Dupasquier.
Decoración del Comedor de Estado del castillo Inveraray (Reino Unido)
La mesa del comedor es obra de Gillow de Lancaster, realizada sobre el año 1800; las sillas son de diseño francés tapizado con brocados Beauvais y forman parte de un conjunto distribuido por todo el castillo.
Sobre la mesa se han colocados cuatro galeones de plata de origen alemán, fue elaborado con plata dorada. En el centro podemos ver una gran sopera de plata fue un regalo de la reina Victoria al Marqués de Lorne, posteriormente fue nombrado el 9º duque de Argyll en 1871 se casó con la hija de la reina Victoria, la princesa Luisa.
Encima de la mesa cuelga una lámpara con forma de araña de cristal en cascada, del periodo Jorge IV, fue realizada en 1830. Forma parte de un conjunto de tres lámparas de similares diseños, las otras dos, más pequeñas, se encuentran en el techo del Salón del Tapiz.
En la sala podemos ver también una serie de mesas auxiliares, fueron construidas en madera de caoba, son de estilo Jorge IV, tiene unos engarces en latón dorado.
Chimenea y retrato de John Campbell en el Comedor de Estado del castillo Inveraray
Sobre la chimeneas podemos ver un retrato, es de John Campbell de Mamore, que se convirtió en el 4º duque de Argyll en 1761 a la edad de 70 años, se representa con el traje de su coronación. Aunque la pintura es una copia del original expuesto en el museo Scottish National Gallery de Edimburgo, obra del pintor Thomas Gainsborough. Esta copia que vemos aquí fue comprada por el 12º duque de Argyll en 1990 y había estado colgada en el Palacio de Roneath hasta 1942.
Salón del Tapiz del castillo Inveraray
Una de la de la salas más importante es Salón del Tapiz del castillo, fue diseñada Robert Mylne en 1785, en el encofrado del techo y en las ventanas se decoraron con tapices de Beauvais diseñados especialmente para el palacio por Juan Baptiste Huet, realizados por Sieur de Menou, fueron un encargo del 5º duque en 1785, confeccionados en dos años y colgados en 1787. Estos tapices recibieron el nombre de “Les Pastorales à Draperies Bleues et Aranesques”, ilustran escenas campestres y parecen diseñados por Francisco de Goya.
Detrás de la puerta y debajo de uno de los tapices encontramos un escritorio de jacarandá y serpentina realizado en el siglo XX, en estilo Luis XV.
Lámpara del Salón del Tapiz del castillo Inveraray
En el centro un arpa utilizada para la animación y decoración de la sala, fue construida en el estilo de Luis VI.
A lo largo de la sala podemos ver bonitos ejemplos de sillas y confidentes en madera dorada, talladas al estilo Jorge III, obra de John Linnell.
La mesa de la biblioteca circular es de madera de caoba con herrajes de similar al oro –aleación de cinc que da ese aspecto– es de estilo Jorge IV, hace juego con las dos mesas auxiliares situadas en el muro norte de la sala.
La mesa central con una patina blanca y dorada tiene un hermoso tablero de mármol florentino. Fue un encargo del 7º duque, está decorada, en el centro, con el escudo de armas del duque junto al de su 3ª esposa Ann Colquhoun Cunningham de Craigards.
Retrato de Lady Charlotte Campbell del Salón del Tapiz del castillo Inveraray
Sobre la chimenea podemos ver el retrato de Lady Charlotte Campbell, obra John Hoppner, se representa como “Aurora” bailando entre las nubes y tirando flores al aire.
Sobre este retrato hay colgado un boceto al óleo de madera de “The Dancing Famales”, obra de George Richmond R.A.
Colección de porcelana del castillo Inveraray
A la derecha, entramos en una de las torres guarda discretamente un espacio que fue pensado como biblioteca, pero que esconde una rica colección de porcelana, con piezas europeas y orientales que dan cuenta de la riqueza de sus dueños.
Trajes de la familia del castillo Inveraray
En el ala norte de Inveraray Castle podremos apreciar una colección de trajes usados por la familia a través de la historia hasta el día de hoy, donde se incluyen el uniforme actual de la Real Compañía de Arqueros a la que pertenece el Duque de Argyll, o el vestido de boda de la actual duquesa, ceremonia celebrada en el año 2002.
Salón de la Armería del castillo Inveraray
Seguimos la visita por el famoso Salón de la Armería , en el techo está decorado con el escudo de los duques de Argyll. La colección, contiene algunas de las 1.300 piezas de mosquetones, hachas y espadas escocesas del siglo XVIII, se muestran colgadas de las paredes y en las vitrinas. También pueden ver las espadas conservadas de la batalla de Culloden.
En las tres vitrinas muestra una colección de broches escoceses y la documentación sobre la ejecución de los 8º y 9º condes, acusados de alta traición. Las banderas del 8º batallón Argyll y del regimiento del condado.
Colección de armas en el Salón de la Armería del castillo Inveraray
Hay cuatro mesas de serpentina, del periodo de Jorge III, fueron realizadas por ebanistas de Edimburgo, Peter y se hijo Douglas Traill, en 1782. Las sillas de madera de la sala son de fabricación holandesa en madera de castaño, tallas y con marquetería.
Hay una pareja de tronos de madera, flanqueando las puertas, fueron construidos en el norte de Italia, son del siglo XVIII y se usaron durante la coronación de Jorge IV.
Salón del castillo Inveraray
La primera sala del palacio es el Salón y correspondería con el vestíbulo del Castillo pero un cambio en el diseño del 5º duque de Argyll traslado la entrada a su posición actual y esta habitación se utilizó algunas veces como sala de billar, sala de desayuno o sala de música.
En las paredes están colgados diferentes retratos de la familia, obras de importantes artistas Opie, Ramsay, Gainsborough, Medina, Batoni, también hay cuatro magnificas lámparas de cristal diseñadas por Robert Mylne, doradas por el artesano de Edimburgo Maitland Bogg en 1789, por el trabajo cobraron 17 libras. Las flores que rodean la cartela contienen las iniciales “A” de los duques de Argyll.
Fotografías familiares del Salón del castillo Inveraray
A la entrada hay dos cómodas con diseño de Luis LV, fueron realizadas a finales del siglo XIX. En dos bibliotecas podemos la colección de plata de 1770.
La sillería de madera forma un bonito conjunto del periodo de Jorge III, obra del ebanista John Linnell realizado entre 1770 y 1775. Están tapizados con motivos florales de Beauvais y dorado por el artesano de Edimburgo Leonard Dupasquier, en 1782.
Las vitrinas de la sala contienen reliquias de la familia y miniaturas, así como una vitrina con la inscripción del escudo de Armas de Inveraray, la carta otorgada por Carlos I, que convertía la ciudad de Inveraray en un Burgo Real.
Habitación del castillo Inveraray
La habitación de la duquesa se llamo “Sala Macarthur” porque la cama perteneció a los jefes Macarthur de Lochawe, que eran guardianes hereditarios del escaño Campbell de Innis Chonnell en Loch Awe. La cama es una magnifica pieza de madera con cuatro columnas talladas. Las columnas frontales con forma helicoidal fueron añadidas en el siglo XIX
Duquesa de Argyll e la Habitación del castillo Inveraray
Pasamos a la sala Victoriana, destaca por la pintura del muro de la ventana, es obra de Sydney Hall, representa la boda de la princesa Luisa con el Marqués de Lorne, en la capilla de San Jorge, en el Castillo de Windsor el 2 de marzo de 1871.
Detalle de la Habitación del castillo Inveraray
La pintura encima de la chimenea, representa la princesa Luisa, obra de G. Koberwein; a la derecha un retrato de su esposo el marques de Lorne, y a la izquierda, el 8º duque de Argyll.
En la pared del fondo se puede ver el escritorio de madera de arce, fue un regalo de la reina Victoria a su hija la princesa Luisa y los retratos son sus hermanos.
Duquesa de Argyll en la sala Victoriana del castillo Inveraray
El armario y la cómoda formaron parte de la carroza del 2º duque de Sutherland. Encima del armario podemos ver el retrato de Elizabeth Leveson-Gower, hija del 2º duque Sutherland y esposa del 8º duque de Argyll.
La silla de madera tallada de padouk de origen birmano fue un regalo de la India al 8º duque de Argyll durante su mandato como Ministro de Asuntos Exteriores de la India.
Las vitrinas contienen curiosidades de la infancia de la princesa y documentos de interés durante el mandato como Gobernador General de Canadá entre 1878 y 1893
Sala del Clan del castillo Inveraray
La siguiente estancia se denomina “Sala del Clan” donde se relata con los objetos expuesto el desarrollo del Clan Campbell, se puede ver el árbol genealógico y los territorios de los Campbell. También en las paredes hay una importante colección de tambores escoceses.
Cocina del castillo Inveraray
Regresamos a la parte baja donde se encuentra la cocina, se ha restaurado para darla el aspecto del periodo Victoriano, tiene dos hornillos para cocinar y asar; dos hornos; una placa térmica; un hornillo para cocer agua; y un asador que funciona extrayendo el calor con un ventilador de la chimenea.
Jardín del castillo Inveraray
En el exterior del castillo destaca por el mimo que es conservado sus jardines y la extensa finca ofrece unas fantásticas hermosos paseos. En tiempo de pascua destaca los narcisos cubren el jardín con diferentes tonos de amarillo, sustituidos por los rojos vibrantes, rosados y blancos de los rododendros y azaleas. Otros puntos destacados son los brezos, rosas y árboles variados que son espectaculares al final del verano y principios del otoño
Camno del castillo Inveraray
Todavía nos quedan 40 kilómetros hasta nuestro siguiente destino, los primeros son por una carretera más o menos aceptable, los últimos 15 Km. los hacemos por una estrecha carretera que no supera los 2,5 metros, en la que solamente cogemos nosotros.
Llegamos a la pequeña población de Skipness para ver su castillo en ruinas, se encuentra bien señalizado, hay que recorrer los últimos 400 metros andando. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N55.76922 // W 5.34420 .
Castillo Skipness
El aparcamiento es gratuito, está situado en una zona sombría, no hay ninguna limitación de tiempo y es posible pernoctar, es también gratuito como la entrada al castillo.
El castillo Skipness fragua la historia de tres naciones (Escocia, Inglaterra y Noruega) y tres familias
Castillo Skipness se comienza a construir a principios del siglo XIII, cuando Argyll era gobernado, no por Escocia, sino por Noruega. El constructor fue probablemente Suibhne (Sven) “El Rojo”, fundador del clan MacSween, o su hijo Dugald. Por ahora, sin embargo, la escritura estaba en la zona fronteriza de Noruega. En 1263, cuando Hakon IV fue rechazado por los escoceses en la batalla de Largs, se vio obligado a regresar las Hébridas a la corona de Escocia. Los MacSweens, habiendo respaldado a Hakon, fueron obligados a abandonar Knapdale y la península de Kintyre.
A finales de ese siglo, el castillo de Skipness había pasado a los MacDonald además de la Isla y la península de Kintyre. En ese momento, Escocia estaba en guerra con Inglaterra. Los MacDonalds inicialmente apoyaron a los ingleses, y gracias al apoyo inglés el castillo de Skipness fue reconstruido, tal como lo vemos hoy en día, formando un imponente recinto amurallado con unas impresionantes saeteras defensivas.
Entrada al Castillo Skipness
Los MacDonalds permanecieron como los señores de Skipness hasta su caída en 1493. A partir de entonces, el castillo estaba en manos de los condes de Campbell de Argyll. Durante ese mandato la casa de la torre del homenaje de la esquina noreste fue levanta. Pero en 1700 el castillo fue abandonado.
El castillo pasó a los MacSween, en ese momento tenía dos pisos, sala y una casa modesta y una capilla separada, dedicada a San Columbo, ambos probablemente encerrados dentro de una pared de piedra. La reconstrucción integral posterior hace que sea difícil saber dónde estaban, pero el esfuerzo vale la pena. En estos momentos el castillo es uno de los edificios en pie más antiguos de Escocia.
Este modesto castillo podría dar la impresión de que los MacSweens eran una familia modesta. Esto no es del todo cierto, lo que sucede que el castillo de Skipness era una de las residencias secundarias de la familia. Su sede principal se encontraba en el castillo de Sween, al lado de Loch Sween, una fortaleza formidable construida hacia 1200. Los MacSweens También construyeron otro castillo palacio más modesto en Lochranza, en la isla de Arran.
Capilla de San Brendan Skipness
Como ya hemos comentado a unos 500 metros y pegado a la playa se levanto la pequeña iglesia de San Columba, luego se llamó Capilla de San Brendan, es una iglesia medieval cerca Skipness. Fue construida a finales del siglo XIII o principios de XIV por Clann Somhairle y fue dedicada a San Brendan. La capilla sustituyó una capilla anterior dedicado a San Columba, que se había incorporado en las inmediaciones del castillo Skipness. En estos momentos solamente se conservan las paredes laterales, la techumbre se ha venido abajo y el pequeño cementerio que la circunda.
Iglesia de San Brendan Skipness
Marchamos andando por un camino hasta el pequeño poblado, atravesamos el río Skipness por un puente medieval, la primera edificación es St Brendan's Chapel, Skipness, estamos ante la imagen típica de los pueblos escoceses.
La iglesia fue diseñada por Bertram Vaughan Johnson en 1896. Es una pequeña iglesia rural con paredes de piedra local de color gris, con márgenes de piedra arenisca roja. La portada de Oriente está adornada con una pequeña cruz celta. Las ventanas ojivales tienen artísticas vidrieras del estilo neogótico. El tejado es de pizarra a dos aguas que descansa sobre los muros laterales.
El interior, la planta es de una sola nave, una construcción sencilla, con un techo de madera de cañón. La iglesia ofrece la característica principal de edificio protestante repleta de bancos que miran al púlpito de la homilía, al fondo tiene una vidriera con modelo celta entrelazada, fue diseñada por RC Graham de Skipness y hecha por Powell & Co, 1897.
De regreso pasamos Claoning donde se encuentra el embarcadero para ir a la Isla Arran , un anuncio indica que el próximo ferry es mañana a las 9,15, en estos momentos no hay nadie y nos quedamos a dormir en el mismo embarcadero para que mañana podamos ser los primeros en partir.
Noche en el puerto de Claoning Escocia
El parking para autocaravanas en Claoning (Reino Unido) no tiene ninguna limitación de tiempo, ni tampoco que impida dormir. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N55.75122 // W 5.38770 .
Día 9 de Agosto (domingo)
Ruta: Claonaig- Lochranza
Embarque en el puerto de Claoning Escocia
Nada más levantarnos vemos que el cartel luminoso con los horarios de los ferrys han variado el primero en salir es esta mañana a las 10,15 horas. Un poco antes de la hora llega el pequeño ferry, enseguida se abre su compuerta bajan los vehículos y subimos nosotros, en total cogemos 12 coches y la autocaravana.
Una vez embarcados el ferry parte hacia la Isla de Arran, los tickets se compran abordo, en total pagamos por una autocaravana de 7 metros, 2 adultos y dos niños, ida y vuelta 48 euros. Le billete de regreso lo puedes utilizar cuando quieras es un billete abierto.
En 40 minutos estamos enfrente, lo primero que nos llama la atención es la altura de las montañas de la isla de Arran, quizás esperábamos una isla mucho más lisa.
La superficie de la isla de Arran es de 430 km2, es la más meridional de las islas escocesas y a la que se puede llegar con mayor facilidad, ahora podemos comprobar que está unida en ferry con la ciudad de Glasgow.
Isla de Arran en Escocia
El perfil de la isla esta marcado por sus montañas que llegan a alcanzar los 900 metros. Tiene una carretera que rodea toda la costa de unos 90 Km. y nos permite ver los paisajes de mar nórdicos, el pico más alto de Goat Fell a las playas y colinas más suaves del sur. Según los escoceses indican que si se quiere visitar toda Escocia de una vez con ver la isla de Arran se puede tener una idea aproximada porque contiene todos los paisajes: senderos de montaña, playas, lagos, brezales, pastos, puerto de pescadores, yacimientos arqueológicos, castillos, campos de golf, destilería, cervecería y quesería. ¡Un viaje por la Escocia en miniatura!.
Desembarcamos en Arran y cogemos la carretera para dar la vuelta a la isla en sentido de las agujas del reloj partiendo de la capital Lochranza.
En realidad la capital Lochranza es un pequeño pueblo con una hilera de casas, en unos de sus laterales están las ruinas del antiguo castillo del siglo XIII que protegía el puerto. Está un poco desportillado pero ofrece una vista increíble sobre el propio puerto.
Parking de la destilería de Arran, Escocia
Seguimos el camino y antes de abandonar la localidad vemos la Destilería Arran , constituye una fuente de ingresos porque en la isla se cultiva la cebada, tiene agua pura y los desechos de la elaboración del Whisky sirven para piensos destinados a la ganadería.
El parking para la visita a la Destilería Arran en Lochranza (Reino Unido) se encuentra a las afueras de la ciudad en dirección Sannox. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 55.69781 // W5.27517 .
La destilería se funda gracias a que en la elaboración del whisky solamente son necesarios tres ingredientes: agua, cebada y levadura. El edificio donde se hace actualmente el whisky se denomina crofter cottage o pequeña casa rural.
La isla de Arran durante toda su historia ha estado vinculado a la elaboración del whisky pero esa tradición desapareció hace 150 años cuando se pusieron determinadas normas para poder producir legalmente el preciado caldo. Había más 50 destiladores ilegales en el siglo XVIII. Los sitios más apartados era el lugar donde se escondían los destiladores de los recaudadores de impuestos.
Destilería de Arran, Escocia
Pese a su anonimato el whisky se le conocía con el nombre de “El Agua de Arran” y era considerado como uno de los mejores de toda Escocia, por su calidad era demandado en todo el país.
La historia del whisky de malta no se conoce en el tiempo de cómo empezó hasta poder conseguir distinguir los distintos aromas sutiles. Haba una expresión gaélica que lo denominaba “uisge beata”, en latín se puede traducir como “acqua vitae”, el agua de la vida, esa palabra se trunco hasta en el siglo XVIII se convirtió uisge en usky y más tarde termino en whisky.
En la elaboración lo primero que se hace con la cebada es el malteo, se pone a remojo y se esparce en el suelo la de mejor calidad hasta que se germina. Se mete en una máquina que va dando vueltas para que no alcance mucha temperatura. El proceso consigue transformar el almidón en azúcar. Después de trascurrido seis o siete días la cebada se convierte en “malta verde”, se introduce en el horno para su secado. El calor frena el crecimiento y el fuego procedente de quemar turba le da sabor.
Cuba de la Destilería de Arran, Escocia
En un tonel de madera se mezcla la malta verde y distintos tipos de agua a diferentes temperaturas para conseguir crear una pasta. Con una cuchilla se mueve para transformar el almidón en más azúcar. En cada tonel se crean 13.000 litros de un líquido dulce y azucarado que se denomina “wort”. El grano
machacado
se separa y se le llama “draff”, es nuevamente utilizado para el alimento del ganado.
El líquido llamado wort se enfría hasta los 20º y se pasa a una cuba de fermentación donde se añade 50 Kg de levadura para que el conjunto inicie el proceso de fermentación. Se genera un proceso químico y se elimina grandes cantidades de dióxido de carbono, después de dos días se le llama wash porque ya contiene entre un 7 a un 9% de alcohol.
El wash se pasa por los alambiques en dos fases: primero se introduce en una cuba llamada wash chaerger, desde aquí los 6500 litros se introducen en el primer alambique que se llama was still. El líquido se calienta hasta alcanzar los 94ºC por medio de vapor en el interior del alambique. Como el alcohol hierve a una temperatura inferior al agua, los vapores de alcohol se precipitan por el cuello del alambique, se pasa por un condensador y vuelve a salir como un líquido. La parte que se queda en el alambique es recogida y utilizada como fertilizante, se le llama pot ale.
Alambiques de la Destilería de Arran, Escocia
Se inicia un segundo proceso de destilación en otro alambique paralelo terminado el proceso se pasa los barriles de envejecimiento. Es la etapa más larga, se utilizan barriles de roble traídos desde España, estos han sido utilizados durante cinco años en la elaboración de vino de Jerez, luego los barriles son traídos hasta Escocia y vueltos a utilizar en esta destilería para conseguir el sabor final.
Durante la explicación nos indican que las marcas comerciales más famosas utilizan métodos productivos que no tienen nada que ver con este tipo de whiskys, tampoco sus precios el Whisky Arran de 18 meses roda las 75 libras, los hay especiales de mayor precio. El más barato son 30 libras es de 10 meses. También nos dan a probar una botella de crema de Whisky de una calidad especial, el precio de la botella es de 18 libras.
La visita a la destilería es guiada y la siguiente es a las 11,45, el precio es de 15 euros dos adultos, los niños no pagan, se hace solamente en inglés. Te entregan un papel con lo fundamental en castellano y la mayoría de las cosas que te explican se comprenden perfectamente.
Destilería de Arran, Escocia
Comenzamos la visita a la isla de Arran, según la destilería tiene una serie de peculiaridades, una es la pureza de sus aguas y eso lo podemos comprobar como el agua circula por todo el paisaje precipitándose desde las alturas por innumerables arroyos; la segunda característica es la cantidad de terrenos que son ocupados por la cebada y en menor medida por el trigo, ambos son utilizados en el mejor whisky y cerveza. Estas zonas desprotegidas se alternan con grandes bosques de confieras que se asemejan a los Alpes suizos, sobre los cielos nos indica la posibilidad de una descarga de agua inmediata.
Carreteras de la isla de Arran, Escocia
La carretera zizaguea hacia la playa del fiordo entre la zona de prados donde se pueden ver las ovejas escocesas, tiene las patas tan pequeñas que parecen que apoyan el cuerpo sobre la hierba. Los pastos sirven tanto para la cría de ovejas como de caballos y en menor medida para la cría de vacas escocesas.
Llegamos a la ciudad de Brodick y a las afueras se halla el castillo del mismo nombre, actualmente es propiedad del gobierno de Escocia.
El castillo está abierto solamente en el periodo del verano de 9,30 h. a 16,30 h, pagamos la tarifa familiar de 2 adultos y 2 niños, en total 21,50 libras.
El castillo de Brodick tiene habilitado un buen parking donde se pude aparcar sin problemas nuestras autocaravanas. Las coordenadas GPS del lugar corresponde con N55.59555 // W 5.14921 .
El parking está alejado de la ciudad de Brodick y no es posible la pernocta, solamente es válido para la visita al castillo, está un poco inclinado.
Castillo de Brodick en la isla de Arran, Escocia
La historia del castillo hace referencia al siglo X cuando la isla cayó bajo la influencia de Noruega, y Arran pasó a formar parte de las denominadas “islas meridionales” (las actuales Hébridas Exteriores), administradas bien desde Irlanda o desde las Orcadas, y nominalmente bajo control del rey de Noruega. Esta influencia puede notarse aún en algunos de los topónimos de la isla, incluido el propio Brodick, que proviene de la palabra Breiðvík (“Bahía ancha”). Esta ubicación parece haber sido relativamente importante durante la Edad Media , debido a su posición estratégica en el Fiordo de Clyde.
El castillo destaca por estar en lo alto de un promontorio, los jardines que lo rodean forman un recinto ajardinado con terrazas escarpadas. La construcción actual data 1769, tiene una planta irregular con muros de mampostería de piedra arenisca de color rosa. Al modulo principal se asociaron distintos edificios durante el siglo XIX como la caja del jardinero y otros de servicios.
El interior del castillo de Brodick nos presenta una impresionante colección de obras de arte: muebles de época, platería, porcelana, pinturas y trofeos deportivos.
Hall Castillo de Brodick en la isla de Arran, Escocia
El Hall de entrada corresponde con la parte más antigua del castillo en el siglo XIII, luego se fue ampliando en los siglos XIV, XVII y XIX. Encima de la repisa que hay en la chimenea se puede ver el escudo de armas de los Hamiltón, lleva los motivos de la familia, cuenta la leyenda que Sir Gilbert Hamilton en 1323 escapó de la captura de los soldados de Eduardo II al disfrazarse de guardabosques. En aquella época era normal apartarse al oír gritar al guarda bosques “árbol va” cuando lo están cortando por lo que los guardias pensaron que se había escapado. Por eso incorporo el emblema del roble en su escudo, y lo podemos ver en toda la casa y en la puerta de la entrada.
Al entrar en el dormitorio de la duquesa hay una estancia a la izquierda que es el cuarto de baño contiene todos los adelantes higiénicos de la época victoriana y la otra estancia es el vestidor de la duquesa.
Entrando en el dormitorio de la duquesa podemos ver como hay un tocador del siglo XX, el resto de los muebles son del siglo XVIII. La cómoda está situada entre las ventanas es de la época de Jorge III confeccionada en madera de palo santo. A la izquierda del armario podemos ver unas acuarelas que fueron pintadas por la 12ª duquesa. Las vistas de los paisajes de la isla de Arran fueron pintadas por Boussoli. En las paredes podemos ver algunos retratos de los hijos del 11º duque y la princesa María Victoria Douglas-Hamilton que más tarde se caso con el príncipe Alberto de Mónaco, también el retrato de su hermano Charles Douglas Hamilton. Las fotografías de la familia son de la duquesa de Montrose, madre de la 12ª duquesa de Hamilton y sus cuatro hijos.
Baño en el Castillo de Brodick en la isla de Arran, Escocia
La siguiente estancia era de carácter privado de la duquesa, se trata del tocador. Tiene un escritorio es del siglo XX diseño Carlton House, el armario buró es del siglo XVIII. En la habitación podemos ver unos de los cuatro relojes de pie que tiene el palacio. Sobre la chimenea podemos ver el retrato del 12 duque de Winterhalter, pintado en 1863, hay un cuadro de un niño vestido de azul, es obra de Fragonard, los óleos a cada lado de buró holandés es de Thomas Gainsborough. Sobre la puerta del dormitorio hay una acuarela de Turner de Fonthill Abbey, construida en Wiltshire en 1796 por William Beckford, hijo del alcalde de Londres y padre de 10ª duquesa de Hamilton. El escudo de armas representa la garza con un pez.
La siguiente estancia es el tocador tiene un carbonero español del siglo XVIII. Hay un reloj que muestra las fases de la luna. Una vitrina contiene las distintas porcelanas de la familia. A la derecha hay un cuadro que representa a William Beckford en su lecho de muerte. A la derecha de la vitrina un gran retrato de un caballero no identificado es obra de Gainsborough, a la izquierda una obra de Deniers donde se describe la tentación de San Antonio. En la galería roja se puede ver otra vitrina con porcelana de la familia.
Salón del Castillo de Brodick en la isla de Arran, Escocia
El gran salón está decorado con un techo de yeserías, fue instalado en 1844 por artesanos italianos siguiendo la línea de 11º duque y rey de Escocia James II. El retrato del duque cuelga en la pared que va a la biblioteca; a su izquierda podemos ver el retrato de su hermana Susan Lady Licoln. Los muebles son de estilo francés del siglo XVIII. El candelabro es irlandés y estuvo expuesto en el castillo de Buchanan, residencia del duque de Montrose. Las soperas son de ganso y están montadas en plata de porcelana China de Quanlong 1736-1795.
La biblioteca esta levanta en la parte del castillo del siglo XVII fue construido para acomodar a los solados de Cromwell durante la guerra civil. Las vitrinas contienen más objetos de la colección de William Beckford. La mesa es inglesa y lleva las iniciales M& D, fue un regalo de boda del duque a la duquesa. Los trofeos de plata celebran el éxito de los caballos en las carreras del 12 duque, de esta forma muestra el entusiasmo por este deporte. La caja de roble contiene el libro que fue firmado por los habitantes de la isla ante la duquesa de Montrose en su 21 cumpleaños.
Comedor del Castillo de Brodick en la isla de Arran, Escocia
El comedor esta situado en la parte del castillo del siglo XVI. El panel de roble fue atraído aquí en 1921 junto con la mesa de refectorio, procedente de Easton Park, Suffolk. Las sillas del comedor son de principios del siglo XIX están tapizadas con cueros cordobeses. Los cuadro más grandes son obra de J F Herring (senior) y se titulan “The punchestown races”; “The dirtiest deby” en 1844; “The great chaise match of 1750”. El cuadro situado encima de la chimenea representa el combate de boxeo sin guantes entre William Wood y William Warr en Novestock en 1788.
A la salida del comedor, a la izquierda, se llega a la galería roja, a la derecha está el cuarto de la porcelana, anteriormente era la despensa del mayordomo. Aquí hay un cuadro que refleja como verdaderamente era el salón en 1844.
Bajando las escaleras se llega a la cocina del palacio hace referencia a la cocinas victorianas de principios del siglo XX. La escalera sustituye al montaplatos, aun se pueden ver las poleas en el techo. La cocina está dotada de un fogón de carbón, un asador con un mecanismo de agua, un horno de pan y una cocina de carbón para guisar estofados. Se expone una batería de cocina completa de cobre. La habitación de al lado era para el lavado y para la preparación de las verduras.
En la parte contigua se encuentra la parte más antigua del castillo, se llamo habitación Bruge. Más adelante se halla la antigua bodega, lugar donde se ha instalado la colección de objetos de plata.
Jardín del Castillo de Brodick en la isla de Arran, Escocia
El jardín arbolado es de una belleza excepcional alberga la mayor colección de rododendros de Escocia. La distribución actual del jardín data del 1710 ha sido restaurada para recrear su aspecto victoriano. Hay varios senderos señalizados a través de los jardines y hay una pequeña zona de juegos.
Becerro del Castillo de Brodick en la isla de Arran, Escocia
A la salida del aparcamiento y dentro de los límites del castillo tenemos la primera oportunidad de ver la primera vaca escocesa se denomina “The Higland Cow” o vaca de las tierras altas, es utilizada para la producción de carne, a finales del siglo XIX se internacionalizó porque fueron llevados algunos ejemplares de esta raza a Norteamérica. Actualmente vive también en Holanda, Escandinavia, Argentina o Alaska.
La primera vez que se menciona esta raza escocesa es en el siglo VI, tiene unos cuernos largos, su color predominante es rojizo y rubio con una nariz muy marcada y de color negra, tiene un pelo largo que la protege del frío y le hace muy difícil su supervivencia fuera del ambiente gélido del norte de Escocia. Los grandes machos llegan a pesar 800 Kg. y las hembras sobre 500 Kg.
Su leche es sumamente grasienta lo que la hace muy apreciada para la mantequilla, y su carne, es considera como de altísima calidad por su bajo contenido en colesterol.
La característica que mejor la define es por la melena de su
cabeza, es considerada la más larga de cualquier raza de ganado, proporciona protección contra el frío del invierno. Su habilidad en la búsqueda de alimentos les permite sobrevivir en las zonas montañosas escarpadas donde ambos pastan y se alimentan de plantas que evitan muchos otros ganados. Pueden cavar a través de la nieve con sus cuernos para encontrar plantas enterradas.
La mirada de una The Higland Cow en la isla de Arran, Escocia
En este caso podemos ver un becerro joven que tiene un buen carácter y no duda en acercarse para curiosear con nosotros, en sus comederos tiene montones de hierbas que no parecen atraerle, por el contrario cualquier ofrecimiento de nuestras hierbas cogidas in situ parece gustarla mucho más, cortamos unas hojas de una especie parecida a las acelgas están la gustan mucho, parece que nos pide que por favor la cambiemos su dieta.
Isla de Holy desde la isla de Arran, Escocia
Es la hora de la comida en España, son las 14,00 horas, aquí hace tiempo que lo han hecho; para ello nos vamos a ir a un aparcamiento que sea más llano buscado un rincón en los márgenes del fiordo, además, trataremos que sea algún lugar de los señalados en el mapa con la posibilidad de encontrar un avistamiento de focas en sus costas.
La carretera va bordeando el fiordo de Clyde, enfrente podemos ver la isla de Holy o isla Sagrada. Se puede ir a la isla desde el puerto de Brodick en los numerosos ferrys que salen cada hora. Una vez allí se puede visitar el templo tibetano que es el propietario de la isla, además se pueden contemplar numerosos animales que la habitan que son salvajes. Solamente se puede hacer senderismo y no está permitido mascotas, bicicletas e incluso llevar alcohol.
Enseguida vemos un claro donde encontramos un parking para poder comer, se trata de Whiting Bay la zona se denomina Largymore. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 55.47873 // W 5.08795 .
Ejemplar de The Higland Cow en la isla de Arran, Escocia
Mientras se calienta la comida tenemos la oportunidad en una finca cercana de ver otros bellos ejemplares de vacas The Higland Cow, estas son color rojizo y el propietario nos mira por la ventana de su casa, nosotros esperamos a ver si sale y conseguimos que nos explique cuales son los cuidados de esta bella raza de vacas, pero imaginamos que es la hora del te. El paisaje es evocador pero el cielo nos sigue amenazando, imaginamos que esa zona no es fácil poder avistar ejemplares de focas.
Seguimos nuestro trayecto por la costa, vamos muy despacio con la esperanza de poder ver una manada de focas descansando sobre la playa, cosa que no se produce porque las focas salen sobre las rocas.
Llegamos a una zona más escarpada, es la zona del sur de la isla de Arran se llama Kildonan, paramos sobre un espigón donde hay sitio para tres o cuatro coches, cito el lugar porque es un buen lugar para pernoctar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 55.44274 // W 5.12929 .
Cuando llegamos vemos que hay una pareja con un trípode y un telescopio, les preguntamos y nos dicen que están esperando el avistamiento y que es una buena zona para ver focas, nos indican que en este momento están cazando y si tenemos paciencia en cualquier momento vendrán a descansar a la orilla.
Avistamiento de focas en la isla de Arran, Escocia
Nos sentamos tranquilamente con la esperanza de que vengan, después de una hora sin ver nada perdemos las esperanzas, justo cuando decidimos que nuestra paciencia ha terminado, vemos una mancha sobre las olas, efectivamente es una foca que nos mira y no se atreve a salir a la orilla porque estamos nosotros. El resto de la tarde vemos otros ejemplares sobre el agua pero ninguno sale cerca de nosotros, aunque como las rocas son de color negro es posible que sin darnos cuenta se puedan mimetizar con el medio natural.
Proseguimos nuestro camino porque está empezando a bajar la luz y todavía nos queda dar la media vuelta de la isla y hacerlo por estas carreteras estrechas y de noche es bastante comprometido.
Llegamos hasta otro punto de la isla donde hay un paisaje mágico se trata de Backwaterfoot, justo en la desembocadura del río Black Water, hay un parking muy apto para poder pernoctar. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 55.50162 // W 5.33335 .
Avistamiento de focas en la isla de Arran, Escocia
Aprovechamos el tiempo para dar una vuelta, sacar unas fotografías y disfrutar del lindo paisaje. Justo en la desembocadura del río se ha creado una zona de abrigo que es aprovechada por algunas pequeñas barcas. Tiene un campo de Golf cercano y se pueden ver las primeras tiendas de campaña pasando la noche en la inmensa pradera del pueblo.
Castillo en Lochranza en la isla de Arran, Escocia
El recorrido a la isla termina otra vez en la capital Lochranza, acudimos en primer lugar para pernoctar cerca de los restos del castillo, en estos momentos hay varios coches, esperamos hasta que marchan porque simplemente están haciendo fotografías. La carretera es muy estrecha, habíamos pensado quedarnos ahí pero intentamos dar la vuelta para quedarnos mirando a la ciudad y no podemos porque nos tenemos que meter en una zona de hierba muy húmeda y nos da miedo quedarnos embarrados. La solución que tomamos es salir marcha atrás y buscar un parking cerca de la dársena del ferry. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 55.70536 // W5.29071.
Al final, pernoctamos en una isleta después del puerto de Lochranza de la isla de Arran (Escocia). Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 55.70763// W 5.30318 .
Pernocta en Lochranza en la isla de Arran, Escocia
Lo hacemos aquí para que mañana nada más despertarnos podamos ponernos en la fila del primer barco que sale a las 8,15 horas, en el mismo puerto hay durmiendo dos autocaravanas, imagino que si los tres tomamos el mismo barco no abra sitio para nadie más.
Día 10 de agosto (lunes)
Ruta: Lochranza (isla de Arran) Claonaig -Cambeltown-Oban
Embarque en Lochranza en la isla de Arran, Escocia
Nada más levantarnos nos ponemos en la fila del puerto, somos los primeros en llegar y se embarca por el orden de llegada hasta que se llena completamente el ferry. El barco pertenece a la compañía Caledonian MacBrayne y su nombre indica: Loch Tarbert Glasgow.
El barco se encuentra ya con los motores encendidos, está situado a un lado del puerto, a las 8,00 h. hace la maniobra para situarse en el muelle de salida, abre sus fauces y en breves minutos estamos embarcados los cuatro vehículos que hacíamos la espera. A las 8,15 parte para Cloanaig donde llegamos en poco más de 40 minutos.
Estamos nuevamente en la península de Kintyre y vamos a explorar el sur, continuamos camino de Cambeltown. Hacemos varias paradas, una de ellas, para visitar el castillo de Torrisdale, en estos momentos nos está cayendo un tremendo aguacero. Nada más llegar una señora sale del castillo para decirnos que no es visitable que es de uso privado, también nos lo confirman los guardeses situados a la entrada.
Castillo Torrisdale en Kintyre (Escocia)
De todas formas dejo los datos del parking en el castillo de Torrisdale (Escocia) por si en tú visita tienes más suerte y quieres intentar poder ver su interior. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 55.55826 // W 5.50301 .
Nos separan unos 40 Km. por una carretera que tiene un ancho para un solo vehículo con sus correspondientes passing place, a la entrada una señal azul ya lo advierte: single-track road. La norma del código de circulación del Reino Unido indica que estas carreteras son difíciles y hay que extremar las precauciones. Si se ve un vehículo que viene hacia ti, o el coche que circula detrás quiere adelantar, debes de parar en un lugar de paso a la izquierda, o esperar enfrente de un lugar de paso a su derecha. Ceda el paso a los vehículos que vienen en sentido contrario cada vez que pueda. Si es necesario, circule marcha a tras hasta llegar a un lugar más ancho para que el otro vehículo pueda pasar.
Conducir por estas carreteras es complicado y se necesita mucha paciencia y un estado de atención muy alto, además por lo general te cruzas con gente muy generosa que no duda en esperarte para que puedas pasar sin que tengas que pararte pero también encuentras gente cabezota que aunque tenga el sitio más ancho detrás son incapaces de emplear la marcha atrás, lo mejor en estos casos es no enfadarse y aceptar que no te importa ser más solidario.
Cambeltown en Kintyre (Escocia)
Como decía en el trayecto empleamos toda la mañana, cuando llegamos Cambeltown comienza a diluviar solamente nos da tiempo para visitar la oficina de turismo y coger unos mapas.
El parking para autocaravanas en la población de Cambeltown (Escocia) se encuentra situado en una amplia avenida a la entrada a la población. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 55.42730 // W 5.60379 .
Cuando llegamos llueve mucho y decidimos dar una vuelta por la ciudad a riesgo de calarnos, viendo que no escampa nos resguardarnos en el interior de un camión que practica una de las modas en el Reino Unido, es el “food trucks”, estos camiones venden comida a precio accesible y hay muchos en todas las ciudades y para todos los gustos y precios, donde se puede comer desde los clásicos hot dogs hasta platos exóticos tailandeses, sin olvidarse de sándwiches, especialidades árabes, hamburguesas o dulces. Todo es posible, nosotros pedimos unas hamburguesas con queso por 2 libras.
Este tipo de comidas nace como necesidad de dar de comer a personas menos pudientes y que quieren practicar el street food, es decir, comer en la calle; delante de nosotros hacen fila algunas personas con sus monos manchados de pintura para tomarse
el tentenpie
del desayuno mientras llega la hora de la comida.
The Seabird Observaroty en Kintyre (Escocia)
Como vemos que el cielo nos está regando sin descanso, aprovechamos la coyuntura para ir hasta el otro extremo de la península Kintyre donde se encuentra la población de Machrihanish, queremos ver el observatorio de aves “The Seabird Observaroty”.
El parking para autocaravanas cercano al observatorio de aves se encuentra a las afueras de Machrihanish (Escocia). Se accede por un camino muy estrecho lleno de ovejas parece que te va a llevar a una fábrica de leche cercana pero hay un camino estrecho que bordea el edificio hasta la zona de la costa. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 55.42414 // W 5.74968 .
El observatorio es muy elemental construido de madera con varias ventanillas practicables delante de unos bancos de madera que nos permite poder presenciar el paso migratorio de las aves por este estrecho corredor. Es muy parecido al que se levanto en las tablas de Daimiel.
The Sea Bird Observatory esta dirigido por Eddie Maguire que además de ser un estupendo conocedor de la vida animal, esta dotado de una paciencia infinita y una buena cámara fotográfica para retratar lo que esa ventana le dejan ver.
Morus Bassanus en el The Seabird Observaroty en Kintyre (Escocia)
Durante hora y media permanecemos en silencio esperando la orden de Eddie que nos anticipa con la suficiente antelación qué pájaro viene y su nombre. Además, muy cerca se encuentra una zona rocosa donde hay un buen avistamiento de focas que se puede contemplar desde la misma estación ornitológica.
Eddie Maguire en el The Seabird Observaroty en Kintyre (Escocia)
La misión de Eddie Maguire, es el guarda, en el centro del observatorio tiene como labor hacer un seguimiento diario de los flujos migratorios de aves que pasan por la península de Kintyre, fotografía diariamente cientos de ejemplares para analizar la cantidad estimada de cada especie, las entradas por sexos y su apariencia, hace un informe mensual documentado de esos flujos migratorios que se publican en formato pdf en la página web de observatorio y puede consultarse aquí , el correspondiente al mes en curso se ha titulado: Machrihanish Seabird Observatory-August Report 2015.
Gaviota en el The Seabird Observaroty en Kintyre (Escocia)
También es responsable de atender como un centro de recepción e interpretación a toda persona que llega al observatorio y se interesa por estos temas, recibe a multitud de colegios y da una clase magistral de lo que a través de estas pequeñas ventanas se puede llegar a ver.
Ejemplar desde el The Seabird Observaroty en Kintyre (Escocia)
Eddie Maguire es un estupendo fotógrafo, en la página web se publican gran número de sus fotografías tomadas desde el observatorio, hay una que me tiene enamorado, esta tomada en julio del 2013 en la que se ven a dos ejemplares haciendo el galanteo previo al apareamiento, la dificultad de la fotografía es que esta sacada en pleno vuelo. Sus fotografías no se limitan a las aves, alrededor del observatorio hay mucha vida animal, otra fotografía muy conseguida está realizada en marzo del 2015, donde aparecen dos liebres que están en plena disputa terrenal, su posición parecen dos canguros en un combate de boxeo.
Cormoran en el The Seabird Observaroty en Kintyre (Escocia)
El pequeño observatorio se levanta sobre una zona escasamente poblada tiene una amplia gama de hábitats que proporcionan una gran cantidad de posibilidades de ver el espacio en circulación de aves más impresionante del Reino Unido, que además se puede hacer permanentemente durante todo el año. Las aves son abundantes y de especies muy variadas, desde este lugar se han logrado identificar un poco más de 200 especies, incluyendo rarezas regulares como Petrel de Leach, Pardela Balear, Phalarope Gris y la gaviota de la Sabina.
Foca en el The Seabird Observaroty en Kintyre (Escocia)
Durante la primavera y el otoño, el mejor momento para la observación de las aves corresponden con la madrugada porque es el cuando la zona proporcionará mejores oportunidades de apreciar la riqueza ornitológica asociadas a los periodos de migración. Sin embargo, la comprensión de los patrones climáticos y las corrientes de las mareas y su consiguiente efecto sobre las aves y los animales es la clave para obtener los mejores resultados.
Ejemplares de aves en el The Seabird Observaroty en Kintyre (Escocia)
Ya hemos visto que no solamente se pueden avistar aves salvajes, también se pueden ver nutrias y focas grises, en el mar pasan muy cerca de la costa muchos ejemplares de tiburones peregrinos con sus 10 metros y cuatro toneladas es el pez más grande del mundo; varios tipos de cetáceos: la ballena Minke, es una de las especies más pequeñas con sus 7 metros, el delfín mular o nariz de botella, es el más común y que vemos en los delfinarios; las marsopas es una variante de los delfines más pequeños.
Cabras en el The Seabird Observaroty en Kintyre (Escocia)
Antes de acudir al The Sea Bird Observatory hay que tener en cuenta, sobre todo cuando se llega con niños, que estamos ante un centro de investigación, que solamente esta atendido por una persona que está haciendo su trabajo y es posible que en ese mismo momento no pueda atendernos como si fuese un centro de recepción de visitantes, hay que guardar silencio y estar a la espera sobre las instrucciones de su guarda. También indico que solamente al haber una sola persona y es posible que el día que lo visitemos no se encuentre abierto, aunque el horario normal es hasta las 16,00 horas. Entrada gratuita. Si necesitas contactar previamente lo puedes hacer: en el teléfono: 07919 660 292 o escribiendo al e.mail: msbowarden@gmail.com.
Museo Kilberry (Escocia)
Desde el observatorio de aves miramos el indicador de combustible y esta con menos de un cuarto, sin saber cómo estará la carretera optamos por volver 4 Km. y llenar de combustible en la gasolinera de habíamos visto en Cambeltown y no estaba mal de precio. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 55.42760 // W 5.60930. Citare que es de la marca Esso, puedes llenar agua, aunque indica que no es potable y puedes limpiar la autocaravana, el precio de combustible gasóleo 1,169 libras litro.
Después seguimos nuestro camino hacia el norte por el extremo oeste de la península es la carretera A83, en dirección a la localidad de Kilberry, nos separan unos 70 kilómetros pero los primeros 50 los hacemos por una carretera de doble sentido y los últimos 18 por una carretera single-track road, aunque el firme está muy bien pero circula entre árboles y en alguna ocasión escuchamos como rozamos alguna rama.
El parking para autocaravanas cercano para visitar al museo con las losas en Kilberry (Escocia) se halla en un camino vecinal sin tráfico. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 55.81708 // W 5.65739 .
Llegar hasta Kilberry es para visitar los restos de las losas de las antiguas tumbas medievales y también para llegar hasta la antigua capilla de Keills, estuvo dedicada a San Cormac, sirvió como la iglesia parroquial de Knapdale hasta que la parroquia se dividió en dos en 1734. Es una de las pocas iglesias de los años 1100 y 1200 que sobreviven en Argyll. En su galería se guardan un grupo de 40 piedras de lápidas talladas, con una antigüedad que van desde el siglo VIII al siglo XVI.
Museo Stones Kilberry (Escocia)
Un cartel nos lleva por un camino estrecho hasta la puerta de una gran granja en sus puertas se encuentra el Museo de Kilberry, esta al aire libre y se puede visitar libremente.
El museo se formo en 1951 con unas 25 losas esculpidas que fueron retirados de los sótanos del castillo Kilberry, una residencia privada, y se colocan en un albergue construido especialmente para su exhibición pública. En 1997 al museo se les unió la Cruz Kilberry.
Todas las piedras se encontraron en la finca Kilberry, la mayoría de ellas procedían desde el cementerio de la iglesia parroquial medieval, se encuentra situada un poco al este del castillo.
La colección está compuesta por tres primeras losas de tumbas cristianas, todas tiene un relieve con cruces, ocho losas que proceden de las Tierras Altas de Escocia son grandes losas medievales tardías; ocho fragmentos con la cruz-medieval tardía (incluyendo la Cruz Kilberry , y otra que representa a una mujer arrodillada con un rosario), y siete simples tumbas cuyas losas que datan de los años 1500 y 1600.
De las ocho tumbas de las Tierras Altas de Escocia, dos llevan efigies de guerreros armados, uno llamado Juan, hijo de Mauricio. Mauricio es una forma latinizada del nombre gaélico Muiredach o Murchad.
La Cruz Kilberry se trata de un fragmento del eje transversal conocida como la Cruz Kilberry tiene un metros de alto. En una cara muestra tres figuras: un guerrero montado en un caballo de cría en la parte inferior, un clérigo vistiendo túnicas y mitra en el centro, con una mano levantada en bendición y la otra tiene los accesorios de un arzobispo, y la tercera se ve en la parte superior una figura con túnica. La otra cara está decorada con intrincada hojas y leones en la base de una cruz.
Ciervos en Kilberry (Escocia)
En las inmediaciones podemos ver un enorme rebaño de ciervos, al principio los machos se comportan demostrando interés hacia nosotros pero enseguida que nos acercamos desconfían y se marchan.
Ciudad de Oban (Escocia)
La otra de las joyas medievales de la región es la antigua capilla de Keills, se encuentra situada al este a unos 30 Km. Decidimos seguir nuestro camino porque no sabemos lo que nos puede demorar hacer ese recorrido y queremos dormir en la ciudad de Oban, situado más al norte, es una atractiva localidad situada en el extremo del fiordo de Lom. Para ir desde Kilberry a Oban nos quedan 132 Km. las previsiones es que en 2h 14'h podamos hacer el recorrido.
La verdad es que no conocíamos ninguna referencia de donde pasar la noche, afortunadamente encontramos un parking señalizado para autocaravanas en la ciudad de Oban (Escocia), está situado en una zona comercial pegado al supermercado Tesco. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N56.40958 // W 5.47116 .
Nos sorprende el aparcamiento porque tiene una situación inmejorable para visitar la ciudad y porque está reservado para autocaravanas, no sabemos si corresponde con una iniciativa municipal o bien es del centro comercial de Tesco, es gratuito y tiene la peculiaridad que se alcanza el Wifi-gratuito del centro comercial. Para agradecer la deferencia de permitir que pasemos la noche hacemos una compra de artículos de primera necesidad y nos gastamos 19,07 libras.
Día 11 de agosto (martes)
Ruta: Oban-Fort William- Glenfinnan-Inverness
Mural en la Ciudad de Oban (Escocia)
Nada más levantarnos marchamos para dar una vuelta por la ciudad de Oban, tiene un aspecto de ciudad venida a menos, en sus calles podemos ver multitud de pequeños hotelitos que servían para albergar a una nube de viajeros que llegaban a la ciudad en tránsito a América durante los dos últimos siglos.
En la actualidad es un nudo de comunicaciones de los ferrys que comunican con la isla de Mull y la isla más alejada de Tiree.
Acudimos a la oficina de turismo con la intención de que nos puedan ayudar para poder alargar nuestra visita a la ciudad. Una empleada sudamericana nos informa en un impecable castellano que lo más bonito de la ciudad, además de pasear por la ciudad, las compras y la cocina, es subir hasta la torre de McCaig desde donde se tiene una impresionantes vistas panorámicas de la ciudad su bahía y las islas que la rodean.
Subir hasta la torre no es tarea fácil está en la parte más alta de la ciudad entre intrincadas calles y callejones. Esta a 70 metros sobre el nivel del mar. Los muros tienen medio metro de espesor sobre una altura de 9 a 15 metros, desde el mar parece un anfiteatro romano. El nivel inferior tiene 44 ventanas, mientras que el segundo nivel tiene 50 ventanas.
Bahía de la Ciudad de Oban (Escocia)
La construcción de la torre fue obra del banquero John Stuart McCaig que dispuso de 5000 libras de 1879 para levantar un monumento a su familia, y además contribuir a la crisis de los albañiles locales que quedaban desempleados durante el invierno.
Panorámica en la Ciudad de Oban (Escocia)
Es una obra inacabada porque el proyecto inicial tenía un tercer nivel, en su interior querían poner una galería de arte y un mirador sobre una torre de 30 metros de alto. A lo largo de sus jardines querían instalar una colección de estatuas de piedra de artistas y escultores escoceses de su tiempo.
La muerte le sorprendió en 1902 y para marcar la ocasión fue llevado un cañón hasta la cima para que fuera detonado en la inauguración de la parte terminada con la colocación de una placa conmemorativa.
Con esfuerzo coronamos la colina sobre la ciudad para llegar a este monumento que representa la obra de una mega locura victoriana con forma de un Coliseo Romano.
Marchamos en dirección hacia Fort William, no paramos en la ciudad porque queremos ir hasta Glenfinnam, es el lugar donde se halla el monumento al mítico personaje escocés Bonnie Prince Charlie, se hizo famoso porque levantó su bandera antes de comenzar la reconquista de Escocia en 1745. Pero también es el lugar donde se levanta el viaducto por donde diariamente pasa el tren que sale en la película Harry Potter el conocido como vapor Jacobita. El lago cercano es otro de los escenarios de la película de Harry Potter sobre el que se inserta digitalmente Hogwarts y donde Harry voló a lomos del Hipogrifo.
Glenfinnam (Escocia)
El parking para autocaravanas para visitar Glenfinnam (Escocia), es de pago 2 libras mediante ticket, no tiene tiempo determinado. Las coordenadas del lugar corresponden con: N 56.87.090 // W 5.43499 .
Son las 14,30 horas y según las informaciones el tren pasa por el viaducto a las 15,15 horas. Desde el mismo parking hay una amplia vista sobre el viaducto pero todo el mundo sube sobre una montaña para tener una vista en paralelo al viaducto.
Cuando llegamos al final hay una nube de gente con sus cámaras y sus trípodes, nos hacemos un sitio y esperemos pacientemente a que den las 15,15 horas. Vemos que sobrepasamos esa hora y todo el mundo empieza abandonar la montaña sin haber pasado el tren Jacobino, esperamos un poco más hasta y media sin que el tren de noticias.
En vista del éxito que hemos tenido porque habíamos planificado el viaje para coincidir la hora con el paso del tren por el viaducto. Nos ponemos a comer y tratar de aprovechar el tiempo perdido.
Después continuamos camino hasta Inverness, tenemos como referencia el parking del supermercado Tesco, hacemos la compra para agradecer la pernocta, nos gastamos 14,90 libras en artículos de primera necesidad y a la mañana siguiente llenaremos el depósito de combustible. Pero a las 21,00 horas llaman a nuestra puerta el jefe de seguridad del supermercado Tesco para indicarnos que no podemos pasar la noche. Después de enseñarle los tickets de que somos clientes pero nos dice que sin permiso no podemos quedarnos. Indico las coordenadas GPS del lugar para que incluso no vayáis a pernoctar a este supermercado y tampoco comprar al Tesco de Inverness N 57.48414 // W 4.17655, seguro que entre todos podemos cambiar esta política.
Viaducto Jacobino en Glenfinnam (Escocia)
Nos indica que al final de la calle hay un parking público donde podemos pasar la noche, hacia allí vamos pero donde nos ha mandado es un parking llenos de caravanas con vocación de permanencia o nómadas, quizás este hombre nos ha confundido como miembros de alguna etnia.
Monumento a Glenfinnam (Escocia)
Buscamos otra referencia cercana y hacia allí nos dirigimos, el parking para autocaravanas en la ciudad de Inverness (Escocia) se encuentra situado en una zona de equipamientos deportivos. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 57.46365 // W 4.24114 .
Pasamos la noche en compañía de tres autocaravanas, una de ellas de españoles, es la primera que vemos en nuestro viaje por Escocia.
Día 12 de agosto (miércoles)
Ruta: Inverness -Dornie Km 106; tiempo 1 h 34' Isla de Sype- Fort Williams.
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