INTRODUCCIÓN

El viaje estrella del verano lo tenemos decidido desde hace tiempo el repetir las vacaciones por Escocia y sus islas más alejadas. El año pasado ya vimos una mínima parte del territorio y nos pareció insuficiente, este año hemos decidió profundizar un poco más.

Ya comentamos en el último blog que viajar en autocaravana por el Reino Unido no es nada fácil, aunque tampoco vimos que fuera imposible, también hay que contar como dificultad añadida la forma de conducción por la izquierda que para nosotros supone una pequeña barrera . La pernocta en algunos lugares es muy complicado porque tienen una legislación muy restrictiva que impide los movimientos de las autocaravanas porque en muchos parkings aparece la tan temida frase “not overnight”, también es importante saber que el tipo de cambio de libras a euros este año ha sido más favorable porque hemos conseguido una media de 1 libra por 1,25 euros (incluido comisiones) gracias al “Brexit”.

Las recomendaciones de Internet es que te hagas socio de los numerosos clubs que facilitan la elección de camping, granjas, visitas a museos, etc. La verdad es que este tipo de recomendaciones no encaja mucho con nuestra forma de viajar en autocaravana, por lo que no hacemos ningún caso a este tipo de sugerencias .

La primera decisión del viaje corresponde con la elección del trayecto y donde coger el ferry, nos decimos por los precios que no compensa económicamente la salida desde cualquier puerto de España. Simplemente ponemos en el buscador “ferry Calais-Dover” y te salen todas las opciones.

Una semana antes de partir saco los billetes del ferry para cruzar el canal de la Mancha , lo más barato es la ida es a la 7 de la mañana en el trayecto Calais-Dover y el regreso es a las 23,50 horas desde Dover pero con destino a la vecina ciudad de Dunkerque (Francia), según he leído la compañía DSFS tienes la posibilidad de coger el anterior ferry o el posterior sin penalización. En total online pago 150 euros ida y vuelta, dos adultos, dos niños y la autocaravana. Esto de llevar ya marcados la fecha fija del barco no va mucho con la filosofía de viajar en autocaravana pero desgraciadamente no queda otra, salvo que no saques los billetes anticipadamente en internet y en el puerto se dupliquen los precios.

Con respecto al tema de los campings, nosotros no renunciamos a dormir en este tipo de instalaciones siempre que sea la mejor alternativa, y además, cuando el precio y calidad de los centros se corresponden con nuestras necesidades. En el Reino Unido hay dos tipos de clubs campistas que son incompatibles, The Caravan Club, y otro The Camping Caravanning Club, unos campings del país están afiliados a uno de ellos y otra parte al otro, dicen que no es imprescindible ser de un club para poder visitarlos, aunque si eres del club patrocinador del camping tienes una bonificación en el precio de la estancia y en otros casos hay campings que solamente es para socios del club correspondiente. Como no sabemos qué campings vamos a visitar, como no sabemos si entraremos en algunos de ellos, pues decidimos no hacernos socios de ninguno de estos clubs y si en alguna ocasión decidimos entrar en alguno, pues ya tomaremos las decisiones según correspondan.

También hay otras muchas recomendaciones sobre el tema de la pernocta para hacerlas en granjas y en sitios previamente acordados, se necesita también ser miembro de algún un club campista que lleva a cabo esa iniciativa, como tampoco tenemos claro que vayamos a necesitarlo, ni conocemos donde se encuentran situados, decidimos no secundar esta recomendación.

En el tema del transporte: metro, bus, ferrocarril, principalmente nos afecta en la visita a Londres, conocemos que numerosas alternativas de empresas que ofrecen descuentos con tarjetas de viajes a cambio de un pago inicial, pero este año solamente estaremos en Londres un día, decidimos que cuando lleguemos allí nos informaremos de cuál es la mejor alternativa y los mejores precios para el transporte .

Finalmente, para hacer las visitas a los monumentos nacionales hay dos tipos de tarjetas con un pago inicial, la que cubre la parte de Inglaterra y Gales y otra que cubre los monumentos de Escocia, las dos son incompatibles, como no tenemos claro qué cantidad de monumentos vamos a visitar y en qué zona del país pues decidimos no solicitar ninguna de las dos tarjetas.

En definitiva, vamos a visitar el Reino Unido de la forma más libre posible, solamente tenemos como ataduras los billetes del barco de entrada al país donde indica la fecha y hora marcada entre Calais y Dover, el resto, incluida la pernocta, la decidiremos sobre la marcha.

Este año salimos mucho más relajados porque conocemos el terreno que vamos a pisar, llevamos como información prioritaria las distintas opciones para la pernocta en Inglaterra y también en Escocia aunque en esta última sabemos que podremos variar sobre la marcha, porque en el mundo inglés el dormir fuera de un camping es considerado como campismo salvaje, lo que para nosotros es una forma de libertad que nos ofrece el viajar en autocaravana. Durante el día puedes ver una autocaravana aparcada en cualquier parking pero al llevar la noche solamente nos quedamos los europeos mientras ellos corren rápidamente hacia el camping más cercano.

Aunque creo que esto poco a poco puede cambiar si seguimos visitando Reino Unido porque los ingleses son muy pragmáticos, cuando vean que es un turismo que ofrece una posibilidad económica, de hecho, este año al hablar con la policía de la ciudad de York ya cuentan que para los europeos es una realidad poder dormir en cualquier parking, ellos a esta situación ya la empiezan a considerar como “parking tolerado”, esto significa que depende del agente de turno te puede multar o no, pero oficialmente nos dieron una referencia donde legalmente podíamos pasar la noche sin infringir ninguna ordenanza municipal.

Si estas interesado en este viaje puedes seguir leyendo el relato:

EL VIAJE

Día 22 de julio (viernes)

Ruta: Madrid-Burdeos Km. 684; tiempo estimado 7h 38'

Después de cargar la autocaracavana con todos lo víveres y toda la ropa procedemos a repostar en la gasolinera cercana de Repsol, con un precio del gasóleo de 1,019 € litro y que utilizaremos durante el viaje como precio medio de referencia.

La salida por la A-1 es un poco azarosa los primeros 30 Km. con un tráfico muy denso, pero enseguida se va diluyendo. Hacemos las consiguientes paradas de descanso cada 200 km, sobretodo cuando notamos un poco de fatiga.

Antes de pasar la frontera hacemos una parada en la última gasolinera es de Cepsa el precio de referencia es 1,049 € litro, siempre nos gusta repostar aquí para entrar con el depósito de combustible totalmente lleno en Francia porque los precios suelen ser más elevados. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N43.31620// W1.85220.

Una cosa que no entiendo es porque no hay un solo control con una tarifa única en la autopista de peaje en el tramo desde la frontera española hasta Burdeos, obligando a pararse para pagos ridículos de 2 o 3 euros.

Sobre las 24,00 horas llegamos al Centro Comercial Le Lac, y nos situamos para pernoctar en el parking del hipermercado Auchan del Lago, en la misma puerta de Norauto que esta mejor iluminada. Las coordenadas GPS del parking que hemos empleado para autocaravanas: N 44.87804 // W 0.56594 .

Día 23 de julio (sábado)

Ruta: Burdeos-Calais Km 684; tiempo estimado 7h 38'

La noche ha sido tranquila hasta las 7 a.m. en que se ha notado las máquinas de limpieza y muchos vehículos, principalmente es debido porque por el centro del parking han abierto una calle de paso que comunica con todos los centros comerciales, lo que ha hecho que sea menos tranquilo el lugar, seguro que a la vuelta empleamos otra zona.

Como agradecimiento por permitir nuestra pernocta compramos en el Hipermetría Auchan una serie de alimentos de primera necesidad y algunas cosas que se nos habían olvidado por un importe de 37,77€, considero que es un gesto imprescindible cuando pernoctas en los centros comerciales, aunque sea simplemente comprar el pan para que nuestra presencia se vea reflejada en su cuenta de resultados y se nos vean como buenos clientes .

Nos dirigimos a la gasolinera Auchan del centro comercial para repostar, los precios son idénticos a los que repostamos en Madrid 1,079€ litro. Las coordenadas del lugar corresponden con N44.88279 // W0.56345.

Estamos ante la jornada más difícil del viaje tenemos que atravesar todo Francia de oeste a norte en un recorrido de casi 900 Km., un trayecto a realizar en un solo día, por lo que el itinerario hay que tomarlo con mucha calma, aunque tenemos tiempo suficiente para el recorrido porque la salida del barco es a las 8,00 a.m. en la madrugada de mañana .

Todo el camino empleamos autopistas de peaje, porque de otra forma lo veo complicado hacerlo en este tiempo, uno de los problemas de no salir del peaje son los precios de gasóleo que no baja durante todo el recorrido en 1,250 € litro. Una solución es repostar al paso por la localidad de Tours ya que hay un tramo que discurre por nacional, nos salimos y vemos una gasolinera Esso a un buen precio 1,08€ litro, hemos perdido unos minutos y un par de kilómetros pero creo que es una buena solución antes de reintegrarse al peaje. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N47.37535 // E0.70899.

Atravesar París siempre es dificultoso este año están haciendo una obra durante todo el mes de agosto en la carretera de circunvalación y nos demora media hora con numerosas paradas, pero aplicando un poco de paciencia conseguimos atravesar la ciudad.

Cuando llegamos a Calais, son las 24,00 horas, nos dirigimos directamente a repostar a la gasolinera del centro comercial de Carrefour para entrar mañana en el Reino Unido totalmente llenos, según estamos repostando vemos que hay gente merodeando por la zona y la policía intentando poner orden , lo que nos hace sentirnos un poco soliviantados. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N50.95306 // E 1.88880 .

Después del repostaje marchamos al parking de autocaravanas en el puerto de Calais (Francia) para intentar conciliar un poco el sueño antes de nuestra salida, el precio es de 8 euros con todos los servicios. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 50.96586 // E 1.84347.

En estos momentos está totalmente lleno, sin un solo hueco y algunas autocaravanas rodean también la entrada al parking, aprovechamos el área de servicios para vaciar y llenar agua potable.

En vista de que han mucha gente pululando por la calles para meterse de polizones y vemos muchos policías como les increpan para disolverlos, decidimos ir directamente al puerto para embarcar en el primer barco y pasar la noche en el interior del puerto. Las coordenadas GPS para llegar al puerto de Calais (Francia) son: N 50.96688 // E 1.869933.

Vamos directamente al terminal de nuestra compañía de ferry DFDS, tenemos nuestra hora de salida a las 8,10 y nos cambian por la salida para embarcar a las 6,05 a.m.

La ventaja que tiene el puerto de Calais es que puedes permanecer en el interior del puerto en espera durante varias horas, a diferencia del puerto de Dover que solamente te permiten la entrada para la salida del siguiente barco.

Antes de pasar el checking en la compañía DFDS tenemos que pasar el control fronterizo de la policía inglesa, solamente miran nuestros carnets de identidad en el ordenador y luego pasamos al control aduanero, aquí simplemente abren la puerta y nos echan un vistazo.

Aprovechamos las cuatro horas que nos quedan para conseguir dormir un rato. A las 6,00 a.m. , en punto, nos dan en la puerta para despertarnos y embarcar directamente. Somos muy pocos vehículos los que accedemos al barco y en breves minutos estamos todos dentro.

Día 24 de julio (domingo)

Ruta; Dover-Rye; distancia 40 Km. tiempo estimado 1 hora-Hampton Court Palace Km 119 tiempo estimado 1h 58'-Windsor

Cuando llegamos a Dover es totalmente de día. Salimos del puerto y emprendemos el viaje como si hubiéramos dormido toda la noche. La travesía del barco ha sido magnifica sin que se haya notado nada, incluso hemos podido dar alguna cabezada.

Antes de poner el pie en el Reino Unido, ahora que tengo tiempo, vamos a repasar juntos lo que supone conducir por la izquierda. Primero decir que hay muchos países donde se circula por la izquierda además de la Gran Bretaña , entre otros: Irlanda, Tailandia, India, Sudáfrica, Chipre, Malta y España. Bueno este último es una broma aunque no tanto, en las autovías españolas es más fácil ver el carril derecho vacío y el izquierdo lleno. Por eso digo que para los españoles no supone una novedad porque habitualmente conducimos por la izquierda.

Lo segundo decir que es una cuestión de ordenación mental, tienes que decirle a tu cerebro por donde debes de ir, aunque parezca mentira cuando conduces en España lo haces sin pensarlo, aquí debes de poner los cinco sentidos y decirle a tus neuronas que controlan el sentido de lateralidad, esto debe de ser más profundo que lo que en estos momentos podemos explicar y que seria para comentar en un blog científico, no en uno de viajes.

¡Bueno! Ya puestos las pilas y con la teoría estudiada vamos a las clases prácticas. Nada más poner el navegador y las ruedas en el territorio británico ya nos informan que estamos en un país que se conduce por la izquierda, esto ya despierta nuestra alerta mental y nos pone en guardia. Lo primero que vemos al salir del puerto son las tan temidas rotondas, es la primera prueba de fuego que debemos de superar. En principio decir que normalmente contaremos con la ayuda del Tom Tom y solamente tendremos que hacer una pequeña mirada y seguir sus instrucciones de los gráficos que nos presentan. Las rotondas inglesas son celebres por su complejidad, algunas se estudian en los manuales de tráfico como imposibles y aparecen en las páginas de internet, se llaman Rotondas Mágicas, puedes buscarla en Google. ¡Pero bueno! Esas son mejor no estudiarlas y que tengas suerte de no pasar por ellas hay dos en el país que son celebres, las más normales son las de circulación con dos carriles, si el Tom Tom indica que tienes que salir en la primera salida te colocaras en el carril que está más a la izquierda, si el navegador te indica que debes de salir en la segunda, tercera, cuarta salida te colocaras en el carril de la derecha; los que están a tú izquierda saldrán en la rotonda en la primera salida, si tú vas a salir en la segunda salida, te colocas a la izquierda nada más pasada la primera salida, si vas a salir en la tercera te colocas a la izquierda nada más haber pasado la segunda salida, y así sucesivamente. Como la primera rotonda que veras en Dover solamente tiene un carril pues tú a la izquierda y sales en la salida que te marque el navegador.

Ya hemos superado la primera prueba y nuestra mente se relaja pero enseguida aparecen las señales de los límites de velocidad en el Reino Unido, ¡Vaya! No te preocupes enseguida lo aprenderás, si miras al Tom-Tom verás si ya has cogido la autopista el límite es de 70, esta señal parece una cantidad baja pero no lo es tanto, estamos hablando de 70 millas por hora son unos 112 kmh, ahora aquí no hay margen como en España que pone 120 kmh y el radar salta a los 132 kmh, aquí dicen que salta a los 112 kmh y el problema no es que salte, el problema es que las multas son consistentes. ¡Bueno! como vamos por Dover y circulamos en carreteras convencionales el limite suele ser de 60 mph, si miras al Tom-Tom veras que indica 96 kmh; cuando pasamos por la primera localidad vemos que la señal pasa a 30 mph esto significa que tenemos que circular a unos 48 kmh. No obstante, es frecuente ver otros límites de velocidad como 50 mph (84 Km), 40 mph (64 Km), etc.

La fórmula de cálculo es sencilla y quizás debes de memorizarla si no llevas la ayuda del Tom-Tom, para calcular la equivalencia entre estas dos medidas de velocidad (y distancia) es muy sencilla ya que ambas utilizan la misma unidad temporal (en este caso las horas). Tan sólo deberás utilizar la siguiente fórmula: mi/h = x km/h; simplemente multiplica las millas por 1,609344.

Ya sabemos circular por rotondas, ya sabemos circular a la velocidad adecuada ! Ah! olvide el tema de los retrovisores, cómo los nuestros son eléctricos vamos ajustando la visión de los retrovisores a la circulación por la izquierda, para ello el espejo derecho tienes que darle mucha más visión pero tienes que ponerle más inclinación para evitar los puntos muertos durante los adelantamientos. Como los puntos muertos no vas a poder evitarlos, salvo que tengas espejos auxiliares, lo mejor es antes de cambiar de carril para adelantar, qué aquí, es el carril derecho, esperes un par de segundos hasta que fijes muy bien la mirada en el primer vehículo que circula detrás de ti, además es fundamental que en algunas circunstancias te pueda ayudar el copiloto en estas maniobras, para lo cual deberás de estar preocupado en que el copiloto no se duerma y mantenga contigo la máxima atención en el tráfico, para evitar tensiones en el interior de la autocaravana se recomienda hacerlo de forma educada, por ejemplo: ¡Cariño viene alguien! porque si dices ¡Viene alguien!, eso no funciona.

Si seguimos conduciendo podemos notar, sobre todo en el sur, la densidad del tráfico no es normal, Gran Bretaña es el país del automóvil y ni que decir de la cantidad de camiones, podrás circular adelantando una fila de camiones de varios kilómetros, esto tiene una parte buena, enseguida aprenderás las marcas comerciales del Reino Unido por sus camiones, es difícil hacer unos kilómetros sin ver los súper camiones del Tesco, Mark Spencer, Walter, Post Office, Esso, etc. Son tan numerosos que muchas veces crees que no lo has adelantado porque en pocos kilómetros te encuentras varios de la misma casa comercial .

Según circulamos en dirección Londres las carreteras se convierten en autopistas, comienzan por dos carriles, y pasan…. a tres, cuatro, cinco o más. Aquí se produce el cóctel perfecto de confusión para un novato que ha llegado hace 30 minutos al Reino Unido: autopistas de 5 carriles con una densidad de tráfico similar a las calles de Barcelona o Madrid, con dos filas de la izquierda llena de camiones, y ves como las señales de velocidad van cambiando con grandes paneles informativos , la verdad es que produce un gran impacto, pero tampoco es para desfallecer en el intento, ¡donde fueres, haz lo que vieres!.

Las autopistas en el Reino Unido, ¡Bueno en Inglaterra!, son gratuitas, enormes, anchas, bien señalizadas y constituyen el importante nudo de comunicaciones del país, decir que aquí se produce lo contrario a España, aquí damos la vuelta al mapa y el sur es el norte de España, ¡El Norte de Reino Unido también existe! ósea que según vamos de sur al norte del país las autopistas van encogiendo, de cuatro carriles pasamos en la zona central a tres y cuando llegamos a Escocia se reducen a dos carriles para terminar en el norte de Escocia en que un solo carril es utilizado en ambos sentidos.

Otra de las cosas que nos dan pánico a los conductores cuando circulamos por la izquierda son las incorporaciones a las autopistas o autovías. Tranquilos no es para tanto porque a diferencia de las incorporaciones en las carreteras europeas de un solo carril, allí suelen ser dos o incluso tres carriles. ¡Vaya! Parece que os he complicado un poco más, ¿tres carriles para incorporarse a una autopista es un poco lioso?, pues no, es mucho más fácil, tiene una delimitación con una señalización con pintura bastante curiosa que obliga al carril rápido, situado a la derecha, a incorporarse primero, y unos cientos metros después al carril menos lento y por último el lento, además suelen salir a un carril de aceleración especial, por ejemplo la autopista tiene tres carriles, cuando llega la incorporación se convierte durante unos kilómetros en cuatro carriles, además aquí se respeta que cuando te quieres incorporar el que circula por la izquierda se echa a la derecha para permitir la incorporación y más si ven que eres extranjero.

Cuando te topas la primera vez con la incorporación a las autopistas, se hace muy raro y no sabes muy bien qué hacer, parece que cada carril te va a llevar a un sitio diferente. Tranquilos, todos los carriles se incorporarán tarde o temprano a la autovía. Eso sí, si escogéis el carril rápido (el de la derecha), tened en cuenta que la entrada suele ser más brusca (y un poco peligrosa) y si coges el siguiente tienes muchos más metros y consiguientemente es mucho más fácil para los vehículos con menos aceleración.

Pues ya estamos en la autopista, lo primero que decir es que no esperes parar para coger la tarjeta del peaje, allí no existen. Lo que te sorprende son la cantidad de paneles informativos donde por ejemplo indican la velocidad máxima de la vía y las salidas, estas últimas aquí se les llama “junctions”, y es un número que identifica el tramo de la autopista. Podéis ver el número de salida, en negro, a la izquierda de las señales Junction núm. xxx.

Los arcenes de las autovías están claramente en el lado izquierdo, son más anchos que en España, aquí al arcén lo llaman “hard shoulder” y tiene espacios para la parada de emergencia. Son más anchos porque cuando hay congestión, suelen activar una señal en los paneles informativos que habilita el arcén como un carril más, para que la gente circule por él.

Cuidado con las salidas porque allí las distancias lo expresan en yardas y había veces que no corresponden con la distancia que tú imaginas, lo mejor es mirar el Tom-Tom para ver cuando tienes que salir porque el navegador te da la señal exacta.

Circulando por las autovías las áreas de descanso no existen, por el contrario existen áreas de servicio que la gente utiliza masivamente porque es como ir a un centro comercial, bueno mejor dicho, son verdaderos centros comerciales: con supermercados, tiendas, cafeterías, restaurantes, cajeros automáticos, tiendas de discos, de ropa.

El acceso a estas aéreas están controlados por circuito cerrado de televisión y la duración del aparcamiento gratuito está limitada a dos horas. Si se desea permanecer más tiempo o pernoctar, hay que pagar la cantidad que figura en la señalización, por lo general no es nada barato. El problema es que sólo se admite el pago por teléfono lo que no lo hace muy cómodo para los conductores extranjeros.

Pues estas son las primeras consideraciones importantes para la conducción en Inglaterra, cuando lleguemos a Escocia trataré de explicar las particularidades que tienen las carreteras escocesas, que de verdad las tienen.

Nada más llegar al puerto de Dover salimos en dirección a la pintoresca ciudad medieval de Rye, esta muy cerca de unos 40 Km. El trayecto se realiza en una hora lo que nos permite hacer las primeras adaptaciones a la forma de conducir en Gran Bretaña.

Llegamos hasta el parking habilitado para autocaravanas, se denomina Car Park Winchelsea Road. Es un parking de pago situado en un restaurante y hotel que previo pago de 5 libras te permite estar 24 horas, incluido la posibilidad de pasar la noche. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 50.94846 // W 0.73004.

Desgraciadamente no hay sitio en este momento para nosotros, amablemente nos indican donde podemos aparcar para poder visitar la localidad. Se trata del parking de la estación de tren de Rye (Reino Unido). El precio es de 3 £., hasta última hora de la tarde. Los sábados son 2,70 £; el precio los domingos es de 3 £. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 50.95287 // E 0.73199.

El parking al estar situado en la estación de tren de Rye es un buen lugar para que pueda servir como una opción y como base para la visita a Londres. Me informe del trayecto en tren, es de una hora y tiene un solo trasbordo.

Rye es una ciudad medieval en el condado East Sussex, donde se conservan las accidentadas callejuelas, las blancas casas de paredes entramadas coronadas con tejados de pizarra y las ventanas de marcos negros. El casco antiguo de Rye es el regreso al pasado, donde destaca la Church Square. Pasear por las calles de Market Street, la Watchbell Street y la Mermaid Street de regreso hacia la parte baja es una de las posibilidades de conocer una ciudad antigua típicamente inglesa.

Lo primero que hacemos es subir hasta la parte más alta de la ciudad donde está el pequeño castillo que domina el antiguo puerto marítimo. El precio de la entrada es de 4 £, los niños menores de 16 años es gratis.

El castillo de Rye es conocido con el nombre de la Torre Ypres , ha sido convertido de la antigua cárcel en un nuevo el museo de la historia de Rye desde 1934.

Con el estallido de la Guerra Mundial de 1939 los artículos más importantes del museo se colocaron en el almacenamiento temporal alrededor de la ciudad y en 1940 el museo fue cerrado.

El 22 de septiembre 1942 el castillo fue atacado, y la propiedad colindante fue severamente dañada en un ataque aéreo; al mismo tiempo, la torre de Ypres perdió su tejado piramidal. Al final de la guerra todos los artículos expuestos se recuperaron y fueron trasladados a un garaje Corporation, para permanecer allí hasta 1953.

Para celebrar la coronación de la reina Isabel II en 1953, Geoffrey Spink Bagley y Wally Cole del Rotary Club de Rye y establecieron una exposición histórica con exposiciones hasta entonces invisibles y olvidadas y recordando a la gente de la colección del museo. Fue el momento que decidió restablecer el Museo de Rye.

Nada más entrar se puede ver una pequeña sala que contiene un objeto con forma de jaula metálica que sirvió para ahorcar a los reos condenados a muerte. En la década de 1700 se utilizó una horca como esta para mostrar el cuerpo del asesino John Panes donde sus huesos permanecieron descomponiéndose durante más de 50 años. La exhibición ocupa la misma celda donde se le mantuvo el reo antes de ser ahorcado.

La historia de John Panes era carnicero y el propietario de la Flushing Inn (carnicería) en Rye. En 1737 cuando era el alcalde de la ciudad, James Lamb, que multó a Johnes Panes por engañar a sus clientes utilizando un sistema de pesado no estándar. Parece que este hecho dio el comienzo del rencor entre ambos.

Cinco años más tarde, el 17 de marzo 1743, el hijo del alcalde James Lamb, John organizó una cena a bordo de un barco en el puerto de Rye e invitó a su padre. Panes sabían de la cena, y se escondió en el cementerio, con la esperanza de sorprender a James Lamb en su camino de regreso a casa. Panes lo que no sabía era que el alcalde estaba enfermo y a la cena acudió el vicealcalde en su lugar.

Más tarde esa noche, una figura solitaria pasa a través del cementerio, Panes vio su oportunidad y apuñaló al hombre en la parte posterior. El hombre fue Grbell, no era el alcalde, pero Johnes Panes no se dio cuenta de su error por la oscuridad. En el descuido dejó caer el cuchillo y salió corriendo gritando, “¡ los carniceros deben matar a Lambs!"

Grebell mal herido llego a casa y se dejó caer en una silla en la que se le encontró a la mañana siguiente. Había muerto por la herida de la noche. Cuando se encontró el cuchillo en el cementerio, las pruebas contra Panes eran demasiado eminentes. Fue detenido y acusado del asesinato de Allen Grebell.

Johnes Panes fue llevado a la cárcel en la torre hasta el día 25 de mayo en que se celebró su juicio. El magistrado presidente era su víctima, el Alcalde James Lamb. Durante el juicio Panes dijo: “No fue mi intención de matar al Sr. Grebell. Fui a por ti, se entiende que le gustaría asesinarte ahora, si pudiera“. Cuando se publico la sentencia fue encontrado culpable y condenado a la horca.

El 8 de junio, Panes fue llevado desde la Torre Ypres a la Flushing Inn para que tomase una última copa, y luego fue colgado en la puerta de Strand. Su cadáver fue envuelto en cadenas y se muestra en una horca en Patíbulo Marsh, al oeste de Rye.

El cuerpo estuvo colgado en la horca en descomposición y permaneció allí durante 50 años para escarmiento de todo el pueblo.

El castillo tiene todo tipo de secciones en miniaturas, incluso dispone de una pequeña capilla y una zona dedicada como jardín al cultivo de plantas medicinales que comunican con la Torre de la Mujer , era el lugar donde vivían las mujeres que se dedicaban a la elaboración y administración de las plantas medicinales.

Después vamos hasta la iglesia que esta justo enfrente del castillo, el precio de la entrada es gratuita, si quieres subir a la torre hay que pagar 3,5£.

La iglesia dedicada a la veneración de Santa María fue iniciada su construcción en el siglo XII, en el año 1377 la ciudad fue invadida por los franceses y la iglesia fue saqueada, se cayó la techumbre y las campanas fueron enviadas a Francia, aunque fueron recuperadas al año siguiente. En 1561 fue instalado el nuevo reloj en la torre y en la actualidad supone uno de los relojes más antiguos del país, se caracteriza por su sonería que lo hace marcando los cuartos y no las horas.

Durante la Reforma en el siglo XVI en el interior de la iglesia fue despojada de su cruz, además de imágenes y ornamentos de gran calidad artística. Durante el reinado de la reina María (1553-1558), algunas decoraciones fueron restauradas, pero, en el periodo de la reina Isabel I en 1558, se les retira de nuevo.

Desde 1562 Rye voluntariamente dio refugio a un gran número de hugonotes que huían de la persecución en Francia y en 1582 había más de 1500 personas de origen francés que vivían en la ciudad, cuya población total era de aproximadamente 3500 personas.

En general, los habitantes de Rye parecen haber aceptado los cambios civiles y religiosos con ecuanimidad y de haber asistido a cualquier forma de servicios religiosos que puede ofrecer su iglesia parroquial. Sin embargo, la larga serie de disputas religiosas y la pérdida de ingresos de la iglesia permitieron entrar en decadencia del edificio y en el siglo XVII la capilla mayor estaba en ruina.

En 1701 el vicario y los mayordomos presentaron una solicitud al rey para la asistencia financiera, diciendo que la iglesia era tan ruinosa que las personas tenían miedo de asistir a los servicios. Al final, el dinero llegó para completar los trabajos más esenciales a finales de 1703.

Unos treinta años más tarde se volvieron a llevar a cabo reparaciones mayores y en los años siguientes los mayordomos pusieron un parche en el techo e hicieron frente a las reparaciones menores.

Aún más tarde, la capilla sur se dividió en dos plantas, la planta superior se convirtió en una escuela para niños indigentes. Los niños iban a la escuela dos veces al día aunque no se sabe si aprendían algo.

Aún se pueden ver los restos de la chimenea de la escuela en lo alto del muro. La iglesia se utilizó para otros usos aún en la época victoriana: como una fábrica en la que se emplearon los internos del hospicio dedica al hilado, y también como un comedor de beneficencia.

El coro del norte también se ha utilizado para una variedad de propósitos: como almacén de madera de construcción de la ciudad, lugar donde se guardaban las escaleras; y como garaje para el coche de bomberos de la ciudad (ahora en el Museo de Rye), y, se cree, como una escondite para productos de contrabando.

En 1854 se dictaminó que los enterramientos dentro y fuera de la iglesia debían de acabar; de ahora en adelante el cementerio de Rye debía ser utilizado para los enterramientos. Hasta ese momento, las personas fueron enterradas en la capilla norte y dos de las tumbas cuentan una historia famosa en Rye.

En la Capilla de Clare están las tumbas de Allen-Grebell asesinado por error en 1742 por John Panes, el carnicero que quería matar a James Lamb, alcalde de la época. Sin embargo, desde 1792 hasta 1862 el asesino y su víctima estuvieron juntos en la capilla norte con el esqueleto de John Panes en su jaula de hierro, donde había sido trasladado allí desde la horca.

Después de la Segunda Guerra Mundial, a pesar de que el único daño visible de la guerra fue la pérdida de la ventana del este en una explosión de una bomba, una inspección en profundidad reveló que gran parte de la iglesia estaba en mal estado y se inició un extenso programa de restauración en 1948, que aún continúa. Algunas de las reparaciones, tales como la reconstrucción de los contrafuertes en el sur. Otros, como la mayor operación para asentar los muros del transepto norte de la torre, además de restaurar todo el techo, el fortalecimiento de la torre y la renovación de pavimentos son menos visibles pero no menos importantes.

En el interior nos ofrece una visión desordenada con unas naves levantadas durante distintas épocas pero donde se aprecia un denominador común del estilo gótico, Si bien resulta cierto que el estilo gótico nace en Francia y que a partir de una zona muy concreta se difunde por todo el mundo, no menos cierto es que la estética francesa fue determinante en las distintas evoluciones del estilo, en Inglaterra llegó un primer gótico conocido como Early Gothic que dataría de entre 1170 y 1240 donde la influencia del gótico francés está presente en la decoración pero la estructura responde a un modelo influido por las formas normandas. Esta iglesia tiene definiciones del gótico ingles pero también una clara influencia del gótico francés quizás viene dado porque la iglesia se encontraba en una zona fronteriza donde de alguna forma interviene mano de la obra procedente de Francia.

En la iglesia podemos encontrar las siguientes obras de arte:

En la capilla del Norte hay que fijarse en la Mesa del altar por sus tallas en madera de caoba, esta fechada en 1735 y, probablemente, tiene un origen español, habida cuenta de la presencia del león de Castilla en una de sus esquinas.

En la misma capilla esta el sepulcro de una persona anónima y su esposa, está fechada en 1490 . No tiene cabeza y lleva un vestido con adornos de piel. Solamente se pueden apreciar los guiones para sus hijos y el escudo de armas.

En el altar esta la túnica del alcalde Thomas Hamon, fechada en 1607. Ya hemos citado el Reloj que está en el lado norte de la torre porque los mecanismos están fechados 1560 y se dice que fueron ejecutados por artesanos de Rye.

La Fuente bautismal está datada en 1845 y se dice que es una copia de la que está en la iglesia de Newenden.

En el porche Sur , el vitral de la ventana del este fue diseñado por Swaffield de Brown en 1894. En el pórtico sur, el vitral del oeste de la ventana es obra de J Powell y Sons, diseñado por JW de Brown, esta datado en 1894, En la nave sur, el primer vitral que está al oeste es obra de CE Kempe, 1889 y 1896. En la nave sur, el segundo vitral es obra J Powell y Sons, esta datado 1894. En el pasillo del Norte, el segundo vitral es obra de Morris y Co, fechado en 1897, según el proyecto de Sir e Burne-Jones. En el pasillo del Norte, el primer vitral es obra de J Powell y Sons fechado en 1911. En la capilla del Norte, el vitral situado al este es obra de J Powell y Sons, fechado en 1912. El vitral situado en transepto sur conmemora la familia Benson, es su miembro más eminente, que llegó a arzobispo de Canterbury y muestra a su hijo, el donante, de rodillas en los trajes de la alcaldía. Diseñado por JH Hogan y hecho por J Powell y Sons, el diseño es convencional, pero los colores son característicos. El vitral del este es obra de C Webb, fechado durante la reforma de 1952. Este vitral reemplazó a otro destruido en la Segunda Guerra Mundial y, aunque se salvaron los cristales de color azul.

Abandonamos la iglesia por la portada sur y vemos el edificio del ayuntamiento de Rye donde en su puerta se encuentra el pregonero , aquí se le llama The Town Crier, su función es similar a la que ejercían los funcionario municipales españoles que era llevar casa por casa las normas de convivencia aprobadas en el ayuntamiento.

El edificio del ayuntamiento se llama Town Hall, fue quemado en 1377 durante la ocupación francesa y en 1742 fue reformado bajo el diseño del arquitecto Andrew Jelf.

Enfrente, se encuentra el salón de The Fletchers House en la casa que perteneció al Dramaturgo John Fletcher (1579-1625) que nació aquí, siendo este el tercer hijo de un clérigo que se convirtió en obispo de Londres. En el salón de té tienen una amplia carta de mercado para almorzar, es un lugar ideal para tomar un té Inglés a las 5 con unos deliciosos scones con crema dignos de la misma reina de Inglaterra.

Desde la calle Lion Street bajamos a la High Street y seguimos hacia la Hilder Cliff hasta llegar a una de las puertas de la ciudad. Tower Street, Cinque Ports Street, Ferry Road, donde se encuentra el parking con nuestra autocaravana.

Estamos muy satisfechos de haber empezado la visita a Inglaterra por la ciudad de Rye, primero, por su arquitectura que te remonta la imagen de cine que nos hablan del típico pueblo de la campiña inglesa pero además es un lugar muy limpio y cuidado donde puedes caminar sin mirar el reloj. La verdad es que lo tiene todo pero en pequeño, tampoco es un lugar para dedicarle más de mediodía , además nos encanta llegar a un lugar donde podemos dejar la autocaravana y además podemos visitar su centro histórico andando, ha sido una buena elección.

Después de visitar la ciudad de Rye vamos hasta nuestro segundo destino , es la localidad de Hampton, ciudad que está en el entorno de Londres, nos separan 119 km. cuyo recorrido lo hacemos en unas 2 horas.

El parking para autocaravanas en Hampton (Reino Unido) para visitar el palacio, está en una inmensa pradera, a escasos 500 metros del palacio. El precio para la visita es de 5£, horario de 9,00 a 19,00 horas. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 51.40801 // W 0.34523 .

Nuestra intención para llegar hasta Hampton era para ver el Court Palace, horario de 10 a 18.00 horas , precio £51.70 (tarifa familia 2 adultos 2 niños).

En la taquilla del palacio nos atiende una chica española y nos ofrecen la posibilidad de sacarnos un billete combinado para visitar los tres palacios principales este de Hampton el Court Palace + la Torre de Londres + Kensilton Palace por 91 £, pero debemos de perder algún tiempo en poner todos los datos de la familia en el cuestionario del English Heritage, lo que nos impediría la visita a este palacio porque cierra media hora antes. Optamos por no perder el tiempo y el pago con la tarifa oficial y acceder enseguida al palacio.

Siempre mencionamos que los viajes se plantean como una continuación de otro anterior , es como tirar de un hilo de una rueca. En el último gran viaje que fue en Semana Santa por Italia donde visitamos la ciudad de Mantua y allí conocimos como el rey Carlos I de Inglaterra se había quedado con una parte importante de la colección de arte de los duques de Gonzaga que vivían en la ciudad italiana y que habían conseguido atesorar la mayor colección de obras de arte del mundo, gracias a su afición como coleccionistas y además porque eran los mecenas de los mejores pintores italianos del renacimiento.

Uno de los pintores patrocinados por los duques fue Andrea Mantegna, maestro entre los maestros de la pintura italiana. En el museo de la ciudad de Mantua tuvimos oportunidad de poder ver la serie de frescos titulados “Los triunfos de Mantegna” en aquella ciudad pudimos ver el conjunto completo de los nueve frescos pintados y copiados del original por Mantegna entre 1486 y 1492 en las copias originales del siglo XVII, que se encuentra en una casa en Via Mazzini en 1926. La serie, esta dedicada al poema de la antigüedad de Mantegna, son las victorias de César para celebrar las virtudes de la guerra de Francisco II. Y se considera un hito en el patrocinio italiano y fue la obra más valiosa de la colección Gonzaga, que los originales se conservan en Hampton Court Palace.

Bueno pues ya tenemos el hilo conductor del viaje donde pudimos ver las copias de los frescos y ahora hemos llegado a la ciudad de Hampton para poder ver los frescos originales del Maestro Andrea Mantegna qué fueron sacados de una forma un tanto oscura de Mantua y llegaron a Inglaterra a las manos de Carlos I.

Estoy totalmente en contra de este tipo de transacciones que han sufrido históricamente el arte mundial y qué al final desemboca en museos de países que las adquieren o por dinero o por las fuerzas de sus ejércitos.

Aunque también la historia es caprichosa, en este caso, la colección de Mantua fue a parar a las colecciones reales de las cortes europeas, y una gran parte a la corte de Carlos I de Inglaterra, pero como digo la historia nunca está escrita su final, gracias a ello todas las que salieron de la ciudad se salvaron, la mayor parte de las que se quedaron fueron destruidas durante la guerra y, de esta forma las que se marcharon y están en museos europeos ahora podemos admirarlas.

La colección de pinturas de Carlos I de Inglaterra es una de las más famosas de la historia del arte, por dos razones: la calidad de las obras que la formaron y la novelesca historia de su dispersión.

La afición del rey ingles por el arte obedece a la figura de George Villiers, duque de Buckingham, quien despertó el interés de Carlos I por el coleccionismo cuando éste era aún príncipe de Gales. En 1623 viajó a Madrid para pedir la mano de la infanta María (hija de Felipe IV e Isabel de Borbón); volvió a Inglaterra frustrado en su empeño, pero inspirado por la gran colección de pintura de los Austrias españoles. El rey Felipe IV le entrego dos obras de Tiziano, “ la Venus de El Pardo” que ahora se encuentra Musée du Louvre, París y el retrato “Carlos V con un perro” que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, que despertaron en el príncipe de Gales la afición por el gran maestro veneciano. Durante su estancia en España mandó comprar en Génova los cartones de Rafael para la serie de tapices de Los Hechos de los Apóstoles (Victoria and Albert Museum, Londres). Poco después de subir al trono en 1625 hizo su adquisición más importante, una porción considerable de la colección de los Gonzaga, duques de Mantua, que era rica en obras de Mantegna, Tiziano y Correggio. Además, nobles ingleses y dignatarios extranjeros deseosos de ganarse su favor le obsequiaban con pinturas para conseguir sus favores.

Carlos I siguió los pasos de los Gonzaga y se convirtió en un mecenas eminente de los mejores pintores de su época: Pedro Pablo Rubens, huésped de la corte inglesa en 1629, y a Antonio van Dyck, nombrado pintor del rey en 1632. Durante una estancia en Londres, Rubens recibió el encargo de pintar una serie de telas para el techo de la Banqueting House de Whitehall, que sería una de sus realizaciones más renombradas (terminada en 1635). Las mejores pinturas de la colección del monarca se exhibían en dos de sus principales palacios londinenses, Saint James y Whitehall. Un inventario de las obras de Whitehall levantado en 1640 por su conservador Abraham van der Doort informa detalladamente sobre sus fondos. La actividad coleccionista de Carlos I se vio detenida por los sucesos que en 1642 desembocaron en la Guerra Civil Inglesa. Perdida la guerra, el 19 de enero de 1649 murió ejecutado por los parlamentarios, quienes decidieron vender su colección para liquidar las deudas de la Corona. La llamada Almoneda de la Commonwealth , que empezó en el otoño de 1649 y acabó en enero de 1654, sacó al mercado más de mil quinientas pinturas de la colección real, así como importantes tapices, esculturas y objetos de adorno. De las pinturas más famosas, muchas fueron adquiridas por el embajador español Alonso de Cárdenas para don Luis de Haro, marqués de Carpio y ministro principal de Felipe IV. Haro a su vez obsequió al rey con las mejores, que acabaron pasando al Museo del Prado. Entre ellas se cuentan El tránsito de la Virgen , de Mantegna, El Lavatorio, de Tintoretto, Moisés salvado de las aguas del Nilo, de Veronés, Sagrada Familia, llamada «la perla», de Rafael, y Autorretrato, de Durero. Otros cuadros importantes fueron comprados para el cardenal Mazarino y el banquero franco-alemán Everhard Jabach y se encuentran en el Musée du Louvre de París.

Como digo la principal razón que nos trae a este palacio es poder contemplar la obra original de Andrea Mantegna que se titula“Los triunfos del César”, que ilustra un grandioso desfile militar (Triunfo romano), con Julio César sentado en un carruaje y multitud de abanderados, músicos y demás figuras portando armas y objetos valiosos.

Para este ciclo Mantegna pintó nueve lienzos en un periodo largo, aproximadamente entre 1485 y 1505, y se supone que a su muerte en 1506 quedó inacabado, ya que luego se sumó un décimo cuadro debido a otro autor siguiendo presumiblemente bocetos dejados por el maestro. Para la exhibición de la serie se construyó una galería en el Palacio de San Sebastiano, uno de los edificios del gran complejo ducal de Mantua (Italia). Son lienzos de gran formato (de 2,66 x 2,78 metros cada uno) pintados con una mezcla de témperas, clara de huevo y cola. De los diez subsisten actualmente los nueve de Mantegna; por suerte el diseño del décimo (Los senadores) se conoce gracias a diversas copias en grabado. A lo largo de un siglo el conjunto fue reproducido por diversos grabadores, como Giovanni Antonio da Brescia y Andrea Andreani, por lo que gozó de fama europea antes de moverse de su emplazamiento original.

En 1629 Carlos I de Inglaterra protagonizó una de las mayores compras artísticas de la historia: adquirió por 25.000 libras de la época una amplia selección de las mejores pinturas de los Gonzaga, incluyendo Los triunfos, que llegaron a Hampton Court al año siguiente y se colgaron en la llamada Lower Orangerie, un pabellón que se había erigido para la reina Mary II como invernadero de plantas exóticas.

Tras la ejecución de Carlos I, la colección real se dispersó y en parte se repartió entre sus múltiples acreedores, pero Oliver Cromwell decidió retener Los triunfos, junto con los igualmente célebres cartones de Los hechos de los Apóstoles, obra de Rafael Sanzio.

En el siglo XIX su estado de conservación era muy malo, y fueron sometidos a una lenta restauración entre 1962 y 1974, durante la cual fueron liberados de repintes ajenos a Mantegna. Esta intervención no se pudo efectuar al séptimo lienzo (Los prisioneros), porque apenas conservaba pintura original bajo los repintes y hubiese sido contraproducente eliminarlos.

Primer cuadro: “Los portadores de pinturas”. Corresponde con el avance de la comitiva que precede al emperador donde aparecen una serie de trompetistas que señalan los primeros miembros están acompañados de una serie de vagones que van cargados con el botín.

Dicen los historiadores que este desfile llego a durar varios días pasando los miembros de la comitiva. El desfile era tan rápido que los espectadores que estaban contemplándolo no tienen tiempo suficiente para poder ver con exactitud las obras de arte que portaban como cuadros, estatuas, tapices, etc.

Segundo cuadro: “Carros triunfales, trofeos y máquinas bélicas”. Dicen qué en el desfile había una representación de los trofeos de las ciudades capturadas, y se muestran las imágenes de las hazañas de la guerra. Estas imágenes eran tan grandes y numerosas que se necesitaron más de doscientos cincuenta carros para poder transportarlas.

Tercer cuadro: “Carro con trofeos y portadores del botín”. La imagen del cuadro correspondería según la historia con el desfile del segundo día donde se exhibieron un gran número de vagones con la más rica armadura de los macedonios, ambos de latón y acero, todas las piezas estaban recién pulidas y brillantes.

El desfile era el momento propicio para ensalzar el botín capturado formado por: el oro y la plata de monedas y lingotes, y cualquier otra cosa que habían capturado de ese tipo que formase parte de cómo un tesoro.

Después de la serie de vagones cargados con armaduras le siguió tres mil hombres que llevaron la plata para poder acuñarse en setecientos cincuenta armarios, cada uno de los cuales pesaban tres talentos, y era portado por cuatro hombres.

Cuarto cuadro: “Portadores de jarrones, toro del sacrificio y trompeteros”. En el desfile aparecieron portadores del botín y coronas, otros llevaban cuencos de plata, copas y vasos, todos dispuestos en un orden especial para que el desfile pareciese un espectáculo. Luego venían los porteadores con coronas que se habían otorgado al ejército como recompensa por su valentía en las conquistas de las ciudades, por los aliados, o por el propio ejército. Más adelante llegan los bueyes blancos.

Quinto cuadro: “Trompeteros, toros sacrifícales y elefantes”. Se dice que en el tercer día, por la mañana temprano, los primeros, eran otra vez las trompetas, que esta vez no sonaban como solían en una procesión o en una entrada solemne, pero la cantidad utilizada por los romanos servían para alentar a los soldados a luchar. A continuación siguieron los hombres jóvenes vestidos con bordes adornados, que condujeron al sacrificio de ciento veinte bueyes, con sus cuernos dorados, y sus cabezas adornadas con cintas y guirnaldas; y con ellos iban niños que portaban cuentas de plata y oro que se empleaban en los ritos romanos.

Sexto cuadro: “Portadores de cascos, trofeos y armaduras”. Más adelante aparecían portadores del botín con monedas, trofeos y armas. Llevaban unos vasos llenos de monedas de oro que pesaban tres talentos, otros que contenía la plata, hasta completar en número de setenta y siete. Estos fueron seguidos el cuenco consagrado que pesaba diez talentos, y fue llenado con piedras preciosas. A continuación, se expusieron a ver las copas de Antígono y Seleuco, y las de la Thericlean , y toda una placa de oro que era tan gran que se empleaba en la mesa de Perseo. Junto a éstos llegó el carro de Perseo, en el que se colocó su armadura y su diadema.

Séptimo cuadro: “Los prisioneros”. Y después se produjo un pequeño descanso, donde aparecieron los hijos del rey que habían sido cautivos, y con ellos una comitiva con sus asistentes, maestros y profesores, todos derramando lágrimas, y extendiendo las manos a los espectadores, y los propios niños también piden y suplican su compasión. Había dos hijos y una hija, cuya tierna edad les hizo poco sensibles de la grandeza de su miseria, que muy a la insensibilidad de su condición se vuelve con desprecio la escena. Perseo apenas se consideraba a medida que avanzaba, mientras con mucha pena fija los ojos de los romanos sobre los recién nacidos; y muchos de ellos no pudiendo soportar las lágrimas, y todos lo contemplaban el desfile con una mezcla de dolor y placer.

Octavo cuadro: “Músicos y portadores de estandartes”. Aparecieron los músicos vestidos con hábitos morados precediendo a los estandartes; después un coro de músicos y gaiteros, imitando una procesión de los Etruscos, vestidos con grandes cinturones y coronas de oro, y marchaban de forma militar cantando y danzando. Se hacen llamar Lydi porque los etruscos eran una colonia de Lidia. Uno de ellos, en medio de la procesión, estaba vestido con un manto púrpura, pulseras de oro y un collar, provocó la risa al hacer varios gestos, como si estuviera insultando al enemigo.

Noveno cuadro: “Julio César en el carruaje”. Y por último apareció y después el propio general Julio Cesar encima de un carro adornado con una corona de oro y piedras preciosas, y vestidos, según la moda del país, con una toga púrpura bordada con estrellas doradas. Tenía a su lado un cetro de marfil, y una rama de laurel, que era el símbolo romano de la victoria. Montados en el mismo carro iban niños y niñas, y los caballos a cada lado de él le acompañaban hombres jóvenes, sus propios parientes. Luego seguían los que le habían servido en la guerra como secretarias, auxiliares, y escuderos.

Hemos entrado directamente hasta la sala donde se exponen Los Triunfos del Cesar para ver las magnificas pinturas de Andrea Mantegna porque hemos accedido al palacio muy tarde y no queríamos perdernos esta sala, se encuentra situada en la planta baja en uno de los laterales del Palacio, después de la visita pasamos otra vez por la puerta principal.

El palacio de Hampton Court fue construido para el cardenal Thomas Wolsey, trabajaba en la corte rey Enrique VIII, alrededor de 1514; en 1529, cuando Wolsey perdió el favor del rey, el palacio pasó al rey, que lo amplió.

El palacio se distribuye a lo largo de cuatro grandes patios, sin una organización regular, cada uno de ellos tiene un tamaño diferente. Actualmente entre el río y el palacio existe una amplia plaza, la “Outer Green”, que termina en un foso salvado por un puente que mandó construir Enrique VIII. Sobre el puente se pueden ver los escudos, sostenidos por leones y unicornios, del rey Jorge II, que dan a esta parte anterior a la portada de entrada, ésta recibe el nombre de “Trophy Gates”.

En un momento de la historia Enrique VIII la estableció como su residencia en 1536. Durante su construcción intervinieron artistas como G. de Maiano que decoró las torres octogonales con medallones de terracota. La entrada, modificada entre 1771 y 1773, se remonta a la primera fase del palacio y a su primer propietario: el cardenal Wolsey, que ordenó construir la residencia en 1515. En cuanto a la decoración, trata tanto motivos heráldicos como animales mitológicos (grifos y unicornios).

Una vez traspasada la portada principal llegamos al gran patio que se llamo “Base Curt” o patio bajo, y corresponde con el primero de los patios interiores. Traspasado este se llega al Patio del Reloj, que se asocia al recuerdo de Ana Bolena. Junto a la parte que se remonta a la época de Wolsey y Enrique VIII, se levantó el edificio construido por Wren a partir de 1689. En el centro de las fachadas de Wren se situó un grupo de columnas corintias. Los dos patios mayores son los del Reloj y el de La Fuente. La “Great Hall” y la “Capilla Real” son dos joyas de este palacio. La primera fue encargada por Enrique VIII y fue acabada el mismo año en que ajusticiaron a Ana Bolena. La Capilla Real también fue embellecida por Enrique VIII, pero solo queda la bóveda, todo lo demás fue diseñado por Wren. A finales del siglo XVII se realizó una reconstrucción del palacio inspirado en el de Versalles y ejecutada por Christopher Wren. En 1730 se le añadieron unas esculturas con motivos de animales por William Kent.

Dentro de la Colección Real de pintura el primero de los cuadros que podemos ver “El Rey Fernando V de España”, obra de un pintor desconocido perteneciente a la escuela española, realizado en óleo sobre tabla, esta datado entre 1470-1520; tiene unas medidas de 37,3 x 27 cm.

Fernando fue nombrado rey de Castilla y llamado como Fernando V, reinando junto con su mujer la reina Isabel I, uniendo así ambas coronas. Y aún más importante serán las Cortes de Toledo de 1480, donde en su ley 111 se dice: “Pues por la gracia de Dios los nuestros Reynos de Castilla y de León y de Aragón son unidos, y tenemos esperanza que por su piedad de aquí en adelante estarán unidos, y permanecerán en una corona Real: E así es razón que todos los naturales de ellos traten y comuniquen en sus tratos y facimientos”.

Su hija Catalina quiso desposarla con Arturo, príncipe de Gales y, tras la temprana muerte de éste, con su hermano, el futuro Enrique VIII de Inglaterra.

El siguiente cuadro “Reina Isabel I de España”, obra de un pintor desconocido perteneciente a la escuela española, realizado en óleo sobre tabla, esta datado hacia 1500; tiene unas medidas de 37,4 x 27 cm.

Es posible que esta pintura con la anterior llegara a Inglaterra como un regalo en el momento del matrimonio de Catalina con el príncipe Arthur, el hermano mayor de Henry, quizás fueron enviados como regalos diplomáticos durante las negociaciones para el matrimonio. Este retrato muestra a Isabel I en las tres cuartas partes contra un fondo azul, usando un paño bordado ricamente revestido de oro, un gorro blanco y un collar de oro de doble cadena con un rubí y perla colgante. Tiene un libro cerrado en ambas manos, con el pulgar de la mano derecha marca una página. Por lo general el libro es un texto religioso, se utiliza para representar la piedad de una mujer y se asocia particularmente con los retratos de las mujeres. Este retrato es uno de los tres cuadros que muestran sorprendentemente similares imágenes de Isabel I que lleva un paño de oro vestido, gorro blanco y pendientes de piedras preciosas y sosteniendo un libro.

El siguiente cuadro “ La Familia del rey Enrique VII”, obra de un autor desconocido, esta datado entre 1505 y 1509, realizado en óleo sobre madera; tiene unas medidas de 142,2 x 146,1 cm.

El cuadro muestra de una forma muy alegórica la familia de Enrique VII e Isabel de York. En el mismo aparecen siete de sus hijos, incluyendo los tres que murieron muy jóvenes: Edmund, Elizabeth y Catherine. Además se puede ver a San Jorge y un dragón.

El siguiente cuadro “El príncipe Arturo”, obra de un autor desconocido, esta datado hacia el año 1500, realizado en óleo sobre tabla.

Catalina de Aragón se casó con el príncipe Arthur, el hijo mayor del rey Enrique VII de Inglaterra, cuando solamente tenía 15 años de edad en el momento del matrimonio. Veinte semanas después, el príncipe Arthur murió. Catalina juró que su matrimonio no había sido consumado. En esos momentos su hermano de 10 años Henry, pareció un buen repuesto para un matrimonio tan desdichado. El rey Enrique VII, ansioso por fortalecer la alianza entre España e Inglaterra, ofrece el reemplazo. El joven Enrique se convierte en el nuevo heredero del trono de Inglaterra, para que pudiera casarse con la viuda de su hermano era necesaria una dispensa del Papa para anular el anterior matrimonio.

El siguiente cuadro “El Encuentro de Enrique VIII y el emperador Maximiliano I”, obra de un autor desconocido, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1513.

El cuadro muestra el encuentro en que Enrique VIII formó una alianza con el emperador Maximiliano I. Esta pintura registra su reunión y los principales acontecimientos relacionados con la primera campaña de Enrique VIII contra los franceses en 1513. La composición consta de una serie de bandas horizontales. El emperador y el rey, tanto a caballo, se reúnen en el centro del primer plano. Se muestran de nuevo en la media distancia, de nuevo a caballo, entre las divisiones de infantería y artillería. El escudo de armas del emperador aparece en la carpa a la izquierda y la de Enrique VIII en la tienda a la derecha. Justo por encima del centro se representa la batalla de los Spurs en el momento del enfrentamiento, mientras que en el fondo aparecen las localidades de Thérouanne (izquierda) y Tournai (derecha) está en estado de sitio. El éxito militar y la gloria era importante para Enrique VIII y contó altamente en su política exterior. Esta pintura sigue con la tradición de los antepasados de Enrique VIII en la grabación de eventos significativos en el reinado de un monarca.

El siguiente cuadro “El emperador Maximiliano I”, obra de un autor desconocido, es una copia del retrato pintado en 1510, óleo sobre tabla.

Maximiliano I de Habsburgo (Austria, 22 de marzo de 1459-12 de enero de 1519), rey de los romanos y emperador electo del Sacro Imperio Romano Germánico desde 1508 hasta su muerte.

Archiduque de Austria. Hijo del emperador Federico III y Leonor de Avis, se casó con la heredera de la Casa de Borgoña, la Duquesa María , hija única de Carlos el Temerario

El siguiente cuadro “La batalla de Spurs”, obra de autor desconocido, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1513.

El cuadro muestra la batalla con el triunfo militar de Enrique VIII en Francia. El 16 de agosto 1513 fueron derrotadas las tropas francesas de Luis XII de la localidad de Therouanne por un ejército combinado de las tropas imperiales inglesas y. el emperador romano Maximiliano I que luchó del lado del rey Inglés. La velocidad con la que se retiró la caballería francesa dio el caso de su nombre: La batalla de los Spurs. En esta representación Enrique VIII se presenta a caballo en el centro del cuerpo a cuerpo. El francés Chevalier Bayard se arrodilla ante él en señal de rendición.

El siguiente cuadro “Embarque de Enrique VIII en Dover”, obra de autor desconocido, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1545.

Esta pintura muestra a Enrique VIII en el momento de zarpar desde el puerto de Dover a Calais el 31 de mayo 1520 para conocer a Francisco I. Enrique VIII se muestra de pie en uno de los buques con las velas de oro en el fondo. La falta de proporción artística en que representa el tamaño de los barcos puede ser una forma intencionada para transmitir la naturaleza impresionante de este viaje, y la magnificencia abrumadora de la corte inglesa. El castillo de Dover se representa en la esquina superior izquierda, y dos torres de vigilancia redondas en el primer plano. Probablemente fue encargado por Enrique VIII para conmemorar el fastuoso evento y puede haber sido creado como una pieza complementaria.

El siguiente cuadro “El campo de la Tela de Oro”, obra de autor desconocido, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1545.

La reunión entre Enrique VIII y Francisco I, este cuadro recibió el Campo de la Tela de Oro, conmemora el 7 de junio de 1520, en un valle posteriormente llamado el Val d'Or, cerca de Guisnes al sur de Calais. El evento deriva su nombre de la suntuosidad de los materiales utilizados para las carpas, pabellones y otros muebles. Fue un espectáculo de la mayor magnificencia y varios artistas responsables de esta pintura ha hecho un resumen visual bastante exacto de las distintas fiestas que tuvieron lugar durante la reunión de los dos reyes.

La comitiva inglesa en la localidad de Guisnes, se encuentra representado en la mitad izquierda de la pintura. El rey entró en la ciudad el 5 de junio acompañado de Catalina de Aragón, que parece no estar representada en la procesión. Varios miembros de la corte del rey a caballo pueden ser identificados: Sir Thomas Wriothesley, rey de la liga de armas, y Thomas Gray, marqués de Dorset, que lleva la espada, preceden al rey. Wolsey está al lado, portando una cruz. Catalina de Aragón puede ser la figura femenina que aparece en la carpa de la extremo derecha y ella puede estar, acompañada por las damas de honor.

El siguiente cuadro “La batalla de Pavia”, obra de autor desconocido, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1530.

La batalla de Pavía se celebró el 24 de febrero de 1525 entre el ejército francés al mando del rey Francisco I y las tropas germano-españolas del emperador Carlos V, con victoria de estas últimas, en las proximidades de la ciudad italiana de Pavía.

El siguiente cuadro “El palacio de los Tudor Hampton Court”, obra de autor desconocido de la escuela inglesa del siglo XVII, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1640.

Una vista panorámica del palacio Tudor de Hampton Court, desde el río Támesis, en la esquina izquierda se puede ver en el horizonte, los edificios están en la derecha; un transbordador circula por el río, a la izquierda, hay una barcaza a remos conducida por doce remeros; aparecen cisnes a la derecha.

El siguiente cuadro “Henry VIII”, obra del pintor Joos van Cleve, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1535; tiene unas medidas de 69,9 x 59,7 cm.

Entre 1528 y 1535 Joos van Cleve no figura en los registros del gremio de pintores de San Lucas, periodo que pudo haber pasado efectivamente en Francia, desde donde quizá viajase a Inglaterra para retratar a Enrique VIII, atribuyéndosele en este momento numerosos retratos, siempre sobrios en sus recursos.

El siguiente cuadro “Ana Bolena”, obra un pintor anónimo ingles, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en el siglo XVI.

El cuadro representa el retrato de Ana Bolena (1507-1536), está mirando ligeramente hacia la izquierda, la cabeza girada la mitad hacia la izquierda, llevaba en el cuello una cadena de oro y un collar de perlas con un colgante de oro con la letra B con tres perlas colgantes, y un tocado decorado con perlas. Esta es una derivación de un tipo estándar de retratos de Ana Bolena de los cuales hay versiones en la National Portrait Gallery de Londres y en la Galería Nacional de Irlanda. Con las inscripciones: ANNA BOLLINA VXOR. Henrici. OCTAVI. (Esposa Ana Bolena de Enrique VIII).

El siguiente cuadro “Catalina de Aragón”, obra un pintor anónimo ingles, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1500.

El retrato representa la Cabeza y los hombros con el retrato de Catalina de Aragón (1485-1536), tiene la cabeza girada hacia la izquierda y llevaba un vestido de terciopelo negro con un tocado de joyas y una cruz colgante con una sola perla.

Catalina de Aragón era una talentosa bordadora y continuó haciendo camisas para su marido, Enrique VIII, durante su proceso de divorcio en su contra. Aquí se presenta con una camisa de lino blanco está decorado con blackwork español, un estilo de bordado cree que tiene sus orígenes en los diseños geométricos árabes que se encuentran en España.

La primera parte del palacio que visitamos son los apartamentos de los reyes, una cartel informativo indica que esta parte fue devastada por un incendio el 30 de marzo de 1986 y fue rehabilitado gracias a la intervención de la reina el 8 de julio de 1992.

La gran escalera conduce a los aposentos de William III esta decorada con un gran fresco que ocupa todas las paredes donde se muestra la “Victoria de Alejandro sobre los Cesar”', obra del artista italiano Antonio Verrio. Los 12 Cesares representan las fuerzas católicas que William ha derrocado en la Revolución Gloriosa. William es el héroe plasmado en Alejandro. También hay una hermosa balaustrada de hierro forjado que fue diseñado por Jean Tijou, que era un cerrajero francés

La Sala de Guardia muestra una notable colección de armas en las paredes, como: fusiles, bayonetas, pistolas, espadas. Alabarderos de la Guardia estarían custodiando la puerta, controlan la presencia de los cortesanos antes de ser recibidos en la Cámara de recibimientos. Esta es la sala del trono oficial, donde en el centro está la presencia de la silla real bajo su dosel rojo, en el suelo una enorme alfombra turca. Entre la decoración podemos ver sobre la puerta una pintura clásica donde aparecen ruinas, obra del pintor Jacques Rousseau, esta datada en 1691.

La zona de los apartamentos de estado seria el lugar donde podían llegar los cortesanos muy bien vestidos, para celebrar reuniones, hacer chismes o simplemente jugar a la política.

A continuación viene la cámara privada donde sólo hombres de estado y cortesanos cercanos al rey se les permite la entrada. Se puede ver por las ventanas el espectacular Jardín Privado .

En las paredes están el tapiz titulado “La conversación del Procónsul”. El hechicero Elimas acaba de ser golpeado por Pablo el ciego porque trató de evitar que Bernabé y Pablo estuvieran hablando de la conversión del procónsul romano Sergio Paulo al cristianismo. Como resultado, el procónsul llega a creer en el Señor. El texto en el pedestal por debajo del procónsul describe la resolución de la historia; en la traducción, se lee “Lucio Sergio Paulus, procónsul de Asia, abraza la fe cristiana a través de la predicación de Pablo”. Esta escena, ilustra las diferentes misiones de Pedro y Pablo. La misión de Pablo era convertir los gentiles, mientras que la misión de Pedro es convertir los judíos.

El siguiente tapiz “La Pesca Milagrosa”. Según el Evangelio de San Lucas, Cristo elige a los pescadores Simón, Pedro y Andrés como sus primeros Apóstoles. Ellos han estado pescando sin éxito en el Mar de Galilea cuando Cristo aparece y le dice a Pedro que tire sus redes en aguas profundas. Ellos hacen una pesca milagrosa, enseguida sus barcos rebosan de peces. En otro barco Juan y Jaime luchan para levantar una red con una gran captura, mientras que su padre Zebedeo intenta mantener la red. Pedro reconoce a Cristo como un hombre santo y se arrodilla delante de él en una actitud de oración, mientras que Andrés se adelanta con sus manos extendidas ante el asombro de ver un milagro.

En la pared podemos ver el cuadro “Retrato de Carlos I”, obra de J.B. Williamson (1855-1868), esta dado en 184.

Este cuadro es una copia del original pintado por Anthony van Dyck en 1636, el original se encuentra expuesto en el Palacio de Windsor.

Las tallas de madera adornan los apartamentos de Guillermo. Estas están muy elaboradas y son obra de Grinling Gibbons, un maestro artesano del siglo XVII.

La espectacular Gran alcoba no era donde dormía el rey, pero si se empleaba para ser vestido en público. Al lado, el pequeño dormitorio tiene un techo pintado por Verrio con un tema de la que le gustaba ver el rey a la hora de acostarse; aquí se representa a Marte, el dios de la guerra, se encuentra durmiendo en los brazos de Venus, diosa del amor. Sólo los cortesanos y personal más cercano podía llegar hasta aquí.

Continuando con el recorrido, la habitación de al lado es la Sala Retiro , que era una de las zonas más exclusivas de los apartamentos de estado y es donde los miembros del Consejo Privado, el Señor Chamberlain y otros agentes importantes de la corte tendrían el acceso privado a el rey.

Los apartamentos privados de Guillermo III se encuentran en la planta baja y están construidos a una escala más humana –aquí es donde realmente vivió Guillermo III–, en ellos se encuentran las obras de arte más preciadas. En sus paredes se muestran las pinturas que le gustaba mostrar a las personas favoritas. Sobre las paredes están colgadas con cuerdas numerosas pinturas, este sistema permitió al rey quitar unas y poner otras según deseaba.

Esta zona se llamo Los Hampton Court Bellezas donde se exponían una serie de retratos de Sir Godfrey Kneller , encargados por la reina María II de Inglaterra , que representa a las mujeres con más glamour de la corte de Guillermo III . Hampton Court también alberga las Bellezas de Windsor por Sir Peter Lely , que representa a las más bellas damas de la corte del rey Carlos II de Inglaterra , una generación antes. Los Hampton Court Bellezas son de un estilo más claro, menos erótico que refleja el cambio en la opinión hacia las mujeres hacia la segunda mitad del siglo XVII.

En la pared de la sala se encuentra “Retrato de Mary II”, obra de Sir Peter Lely, esta datado en 1677, realizado en óleo sobre lienzo.

El retrato corresponde a la Princesa de Orange casada con Guillermo III. La historia popular generalmente se refiere al reinado conjunto como «el de Guillermo y María». Aunque era la soberana por derecho de sangre, cedía a Guillermo la mayor parte del poder cuando este se encontraba en Inglaterra. Sin embargo, dirigía el reino cuando su marido se encontraba en campañas militares en el extranjero, demostrando ser una gobernanta poderosa, firme y eficaz. Fue muy activa en la Iglesia anglicana, que dirigió como su Gobernadora Suprema. Aunque oficialmente compartió el poder con su marido, en gran parte lo ejerció sola.

En la pared de la sala se encuentra “Retrato de la Reina Ana ”, obra de Sir Peter Lely, esta datado en el siglo XVIII, realizado en óleo sobre lienzo.

Se representa la Reina Ana a los tres años de edad, era la segunda hija de Juan II de Inglaterra e Irlanda, vivió algún tiempo en este palacio y apreciaba mucho los largos paseos por sus jardines.

En la pared de la sala se encuentra “Retrato Guillermo III”, obra de Juan de Baen, esta datado en 1667, realizado en óleo sobre lienzo.

El retrato corresponde a la edad de 17 años cuando era Príncipe de Orange. Procedente de la Casa de Nassau y de la rama de Orange-Nassau, Guillermo III accedió a las coronas inglesa, escocesa e irlandesa después de la Revolución Gloriosa , durante la cual depusieron a su tío y suegro a la vez, Jacobo II. En Inglaterra, Escocia e Irlanda, reinó junto a su esposa, María II, hasta la muerte de ella el 28 de diciembre de 1694. Entre los actuales unionistas de Irlanda del Norte se le conoce con el apodo de rey Billy.

El siguiente cuadro “Alegoría de Alfonso Davalos”, obra de Miguel de la Cruz, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625.

En ella se representa un hombre con una armadura, en el centro, coloca su mano derecha sobre el pecho de la mujer sentada a la izquierda sostiene un globo. En el plano a la derecha está la figura de Cupido, que lleva un haz de flechas. Detrás de él están dos mujeres, una que lleva una cesta sobre su cabeza.

El cuadro es una copia de un trabajo original de Tiziano que se hizo ahora para representar Alfonso Davalos, marqués del Vasto, pero el significado exacto de la alegoría no se ha encontrado.

Más adelante, se llega al pasillo de las esculturas donde a Guillermo le gustaba estar en los inviernos para poder contemplar el jardín privado lleno de naranjos y laureles.

Después pasamos a ver la parte del edificio dedicado a los Apartamentos de Enrique VIII, subimos a la primera planta donde se abre la Gran Sala, era el lugar donde estaba la guardia y las personas de la corte con rango superior al debarón le hacían espera para ver al rey. En la actualidad se exponen una serie de tapices que muestran la historia de Abraham. Llama la atención el techo de la Gran Cámara está cubierto con pan de oro. La mayor parte de esta sala sigue siendo el misma que cuando vivía Enrique VIII, excepto por la chimenea que ha sido sustituido más tarde.

Fue en esta misma habitación donde se hizo el anuncio del adulterio de Catalina Howard, que con el tiempo se enviará otra esposa de Enrique VIII a la ejecución. Enrique conoció a Catalina y la tuvo de amante unos meses hasta que se divorcio de la reina y se caso con ella. Ella era joven y el ya era mayor, ya tenia 50 años.

Enrique, viejo y obeso, llenó a su joven esposa de joyas y otros regalos extremadamente caros. El rey desconocía el pasado de Catalina a la que consideraba una reina joven y virtuosa. A pesar de todas estas riquezas, Catalina encontró que su matrimonio no le satisfacía. Le desagradaba el cuerpo de su esposo y buscaba entretenimientos amorosos en cualquier parte. Inició un romance con uno de los cortesanos favoritos del rey, Thomas Culpeper. Esto llegó a oídos del rey que la hizo confesar el adulterio en esta sala.

Catalina fue puesta bajo vigilancia en sus aposentos, acompañada tan sólo de una de sus damas de compañía. Fue interrogada por los consejeros del rey en numerosas ocasiones. Se habló de divorcio y de exiliar a Catalina, hasta que se descubrió una carta de amor que le había escrito a Culpeper. Fue acusada de adulterio que, en el caso de la reina, significaba traición.

La colección de tapices titulada “Historia de Abraham”, fue confeccionada entre 1540 y 1541 y entregada en el otoño de 1543, corresponde con una serie de diez tapices con escenas de la vida de Abraham, fue mandado confeccionar durante el reinado de Enrique VIII. Es uno de los pocos conjuntos que han sobrevivido porque se tejieron con un alto porcentaje de seda e hilo dorado envuelto. Otras series Abraham fueron tejidas en los mismos talleres, pero estos de Enrique fueron los únicos con hilo dorado.

La serie se compone de diez escenas que representan los principales acontecimientos de la vida del profeta Abraham, elaborado a partir de Génesis, según se describe en los capítulos 12-24. Cada escena está enmarcada por una frontera con nichos arquitectónicos con compartimentos de figuras alegóricas y simbólicas, que pueden tener alguna resonancia contextual con el principal escenario representado, aunque no parece haber ningún programa en particular. La importancia del conjunto de tapices de Enrique es quizás debido a su lucha con la iglesia católica, y su deseo de establecer una iglesia separada de Roma. La similitud se produce al declararse el rey de Inglaterra un reformador, al igual que lo hizo Abraham fue el padre de religión, por lo que Enrique se presentó como el fundador de una nueva religión en Inglaterra.

Los tapices continuaron ejerciendo una poderosa influencia sobre los reyes posteriores, ya que se utilizaron en las coronaciones de los monarcas de la dinastía de los Tudor y posteriores.

Carlos I utiliza regularmente la serie Abraham en importantes ocasiones de Estado, y después Carlos II los colgó una serie de réplicas del conjunto de Abraham en la Abadía de Westminster, James II colgado el conjunto original en el mismo espacio. Durante las ventas de la Commonwealth , el cardenal Mazarino intentó (y lo hizo) adquirir muchas series de tapices, pero el conjunto de Abraham se le escapaba. Tal fue su gran valoración (8.260 £) en ese momento que quedó sin venderse en 1653 y fue reservado para el uso de Oliver Cromwell, en el Hampton Court.

El primero de los tapices “El Sacrificio de Isaac”, obra de Pieter Coeck van Aelst (1502-1550), realizada en Bruselas, tejida con tapices de lana y seda con hilo forrado en metal dorado, datados entre 1540-1541. Tiene unas medidas de 482,0 x 770 cm.

El siguiente de los tapices “Juramento y la salida de Eliezer”, obra de Pieter Coeck van Aelst (1502-1550), realizada en Bruselas, tejida con tapices de lana y seda con hilo forrado en metal dorado, datados entre 1540-1541. Tiene unas medidas de 482,0 x 770 cm.

El siguiente de los tapices “Retorno de Sarah”, obra de Pieter Coeck van Aelst (1502-1550), realizada en Bruselas, tejida con tapices de lana y seda con hilo forrado en metal dorado, datados entre 1540-1541. Tiene unas medidas de 482,0 x 770 cm.

El siguiente de los tapices “Salida de Abraham”, obra de Pieter Coeck van Aelst (1502-1550), realizada en Bruselas, tejida con tapices de lana y seda con hilo forrado en metal dorado, datados entre 1540-1541. Tiene unas medidas de 482,0 x 770 cm.

El siguiente de los tapices “Separación de Abraham y Lot”, obra de Pieter Coeck van Aelst (1502-1550), realizada en Bruselas, tejida con tapices de lana y seda con hilo forrado en metal dorado, datados entre 1540-1541. Tiene unas medidas de 482,0 x 770 cm.

l siguiente de los tapices “Reunión de Abraham y Malaquías”, obra de Pieter Coeck van Aelst (1502-1550), realizada en Bruselas, tejida con tapices de lana y seda con hilo forrado en metal dorado, datados entre 1540-1541. Tiene unas medidas de 482,0 x 770 cm.

El resto de las habitaciones de Enrique VIII están llenas de obras de arte, en sus paredes se cuelgan lo que ha llegado a nuestros días de la historia de este rey.

La primera de las obras colgadas “Retrato de Enrique VIII”, es una copia de la original realizada por Hans Holbein el Joven, realizada en óleo sobre lienzo, está datada en 1667.

La pintura original fue realizada por Hans Holbein el Joven, originario de Alemania, había sido nombrado Pintor del Rey Inglés en 1536. El retrato fue creado para adornar la cámara privada del recién adquirido de Henry Palacio de Whitehall. Henry estaba gastando grandes sumas de dinero para decorar el laberinto de residencias que se había apropiado después de la caída del cardenal Wolsey.

La pintura ha sido frecuentemente descrita como una obra de propaganda diseñada para mejorar la imagen de Enrique. Aquí se distorsiona deliberadamente la figura del monarca para hacerlo más imponente. El cuadro también muestra a Enrique como joven y lleno de salud, cuando en realidad ya tenía unos cuarenta años y había sido gravemente herido a principios de año.

La siguiente de las obras colgadas “Retrato de un hombre vestido de rojo”, el autor es anónimo, realizado en óleo sobre lienzo.

Si miramos bien podemos darnos cuenta que el cuadro imita en la pose al rey Enrique. Henry Howard, era el conde de Surrey (1517-1547) fue un aristócrata inglés, y uno de los fundadores de la poesía renacentista inglesa.

Enrique VIII decretó la prisión de Henry Howard y la de su padre. El rey, consumido por su propia paranoia, estaba convencido de que Henry Howard había planeado usurpar la corona de su hijo Eduardo. Fue ejecutado por traición el 19 de enero de 1547, a los treinta años de edad.

La siguiente de las obras colgadas “William Reskimer”, obra realizada por Hans Holbein el Joven, realizada en óleo sobre tabla, está datada en 1532.

William Reskimer era un cortesano que trabajaba en la corte de Enrique VIII por sus trabajos para el rey fue en 1543 se le concedió Alcalde de los puertos del Ducado de Cornualles y en 1546 fue nombrado Caballero de Usher.

La siguiente de las obras colgadas “Elizabeth lady Vaux”, es una copia de la original realizada por Hans Holbein el Joven, realizada en óleo sobre tabla, está datada en el siglo XVI.

Elizabeth Cheney (1422–1473) fue una aristócrata inglesa que a través de sus dos matrimonios se convirtió en bisabuela de Ana Bolena, Juana Seymour y Catalina Howard, tres de las esposas de Enrique VIII.

La siguiente de las obras colgadas “Alegoría Protestante”, obra de Girolamo Treviso Joven, realizada en óleo sobre tabla, está datada entre 1538-1544.

El tema se refiere a la Reforma de la iglesia inglesa, formalmente sancionada por el Acta de Supremacía de 1534, por el que Enrique VIII se separó de la Iglesia de Roma y fue establecido como cabeza de la Iglesia de Inglaterra. La pintura estaba en la colección de Enrique VIII que poseía al menos otras dos obras anti-papales. La composición describe a un Papa en el suelo, flanqueado por dos figuras femeninas que representan la avaricia y la hipocresía, todos los cuales están siendo apedreados por los cuatro evangelistas.

La siguiente de las obras colgadas “Retrato de Johann Froben”, es una copia de la original realizada por Hans Holbein el Joven, realizada en óleo sobre tabla, está datada en el 1522-1523.

Johann Froben, (1460-1527) fue un famoso impresor, editor y humanista del Renacimiento en Basilea . Era muy amigo de Erasmo y cooperó estrechamente con Hans Holbein el Joven. Hizo de la ciudad de Basilea como uno de los principales centros del mundo de la industria del libro. Pasó su negocio de impresión a su hijo, Hieronymus , y su nieto, Ambrosius Frobenius.

La siguiente de las obras colgadas “Retrato de Desiderius Erasmus”, es una copia de un seguidor de Holbein el Joven, realizada en óleo sobre tabla, está datada en el siglo XVI.

Erasmo vivió en el contexto de la creciente contestación religiosa europea en la Reforma , pero al mismo tiempo fue crítico de los abusos dentro de la Iglesia católica y pidió una reforma, pero se mantuvo a distancia de Lutero y Melanchthon y continuó reconociendo la autoridad del Papa, haciendo hincapié en un medio camino con un profundo respeto a la fe tradicional, la piedad y la gracia, rechazando el énfasis de Lutero sobre la fe. Erasmus siguió siendo un miembro de la Iglesia Católica Romana durante toda su vida.

La siguiente de las obras colgadas “Retrato de Enrique VII”, obra de un pintor desconocido, realizada en óleo sobre tabla, está datada en el siglo XVI.

Enrique VII (1457 1509) fue rey de Inglaterra y señor de Irlanda, fundador de la dinastía de los Tudor.

Debido a la persecución de la casa de York, la familia de Enrique pronto abandonó Gales por Bretaña, donde fueron acogidos por el duque de Bretaña, Francisco II. En Bretaña creció y se educó Enrique como uno de los candidatos de la Casa de Lancaster al trono ocupado en ese momento por la casa de York.

La siguiente de las obras colgadas “Elizabeth de York”, obra de un pintor desconocido, realizada en óleo sobre tabla, está datada en el siglo XVI.

Se representa a la reina consorte del rey Enrique VII. Elizabeth y Enrique se casaron el 18 de enero de 1485, en la abadía de Westminster, en la misa celebrada por su pariente el cardenal Bourchier , arzobispo de Canterbury, entraron atados juntos por primera vez de un ramillete de rosas rojas y blancas. Elizabeth, muy poco después de la boda, le dio la esperanza de descendencia que uniría las líneas rivales. Se retiró a la ciudad de Winchester para pasar el verano, la celebración de su corte allí, rodeada de sus hermanas, su madre, y su madrastra, Margarita de Richmond, para quien parece haber acariciado la mayor estima. Enrique VII deseaba que su mujer a diera a luz a su heredero en el castillo, porque la tradición declaró que fue construido por el rey Arthur, su antepasado.

La siguiente de las obras colgadas “Retrato de Margarita, condesa de Richmond”, obra de un pintor desconocido, realizada en óleo sobre tabla, está datada en el siglo XVI.

Margaret Beauford, madre del rey Enrique VII era una mujer con una personalidad muy fuerte. Se supone que era muy cruel con su nuera, Isabel de York. Ella quería tener un estatus más alto que cualquier otra mujer en la corte, e incluso se dirigió solamente un paso detrás de su hijo.

La siguiente de las obras colgadas “La Familia de Enrique VIII, alegoría de la sucesión de los Tudor”, obra del pintor Lucas de Heere, realizada en óleo sobre tabla, está datada en el 1545.

Este cuadro es un regalo de la reina Isabel a Sir Francis Walsingham, ejemplifica la fascinación del siglo XVI con la alegoría, la visión de la Reina de sí misma como la culminación de la dinastía Tudor y su preocupación por la legitimidad de su régimen. La atribución a Lucas de Heere, un pintor flamenco que se estableció en Inglaterra para escapar de la persecución religiosa.

La siguiente de las obras colgadas “Retrato Eduardo VI de Inglaterra”, obra del pintor William Scrots, realizada en óleo sobre tabla, está datada en 1550.

Eduardo VI nació el 12 de octubre de 1537, en Hampton Court. Su padre, Enrique VIII, ansiaba su nacimiento desde muchos años atrás, para dejar en Inglaterra un sucesor. Había tenido dos hijas, de sus dos matrimonios anteriores, María, hija de Catalina de Aragón, de la cual se separó, rompiendo los lazos con el papado, que impedían su divorcio, e Isabel, hija de Ana Bolena, contra la cual descargó toda su furia, luego de que la pobre mujer abortara a un hijo varón, luego de tres frustraciones anteriores, acusándola de adulterio y ordenando su ejecución. Finalmente, tras contraer enlace con Jane Seymour, su sueño se vio cumplido con el nacimiento del tan esperado Eduardo, único reconocido como hijo legítimo.

Desde aquí cogemos nuevamente la escalera que sube a los apartamentos de Enrique VIII y nos paramos a observarla más detenidamente se llama The Queen's Stairs, fue diseñada en el nuevo estilo barroco del palacio por el arquitecto Christopher Wren en 1698 por encargo de William III y Mary II.

Es la hora de cerrar el palacio pero no queremos marcharnos sin visitar la Capilla Real , nada más entrar podemos contemplar el rico colorido del techo de la capilla es la gran culminación de los interiores de los Tudor en Hampton Court.

La historia indica que aquí, en la capilla, en 1540, el arzobispo Cranmer entregó al rey Enrique VIII una carta que resumía diversas acusaciones contra su nueva esposa del rey, Catalina Howard.

Ella fue acusada de conducta impúdica antes de su matrimonio. Enrique VIII se había embrutecido con su joven esposa, por lo que se volvió en su contra aún más brutalmente. Fue ejecutada en la Torre de Londres poco después.

La visita al Hampton Court palacio y sus jardines con sus distintas estancias se necesita al menos unas 5 horas para hacerlo de una forma reposada, nosotros hemos empleado 2 horas y podemos decir que solamente hemos visto una parte muy pequeña, pero al menos hemos podido ver lo que nos ha traído hasta aquí.

La verdad que después de la visita al palacio no intentamos apurarla para ver si se podía pasar la noche donde hemos dejado nuestra autocaravana, aunque imagino que al ser un parking oficial para la visita al palacio estará mucho más controlado. Efectivamente nos quedamos un rato para merendar y vemos como poco a poco se desaloja, ni siquiera tenemos la tentación de preguntar.

A ultima hora de la tarde nos trasladamos hasta nuestro siguiente destino en la ciudad de Windsor donde pernoctamos en el parking situado en el centro de la ciudad se llama: “Parking Alexandra Garden”, y no tiene ningún inconveniente legal para poder estar las 24 horas, tiene un precio de 8 £. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N51.48397// W0.61461.

Nada más llegar a Windsor decidimos darnos una vuelta para estirar las piernas, aunque sabemos que a las 19,00 horas pocas cosas se pueden hacer en una ciudad del Reino Unido, nada más que eso…. ¡pasear!.

Windsor es la típica ciudad turística….bueno, muy turística que no consigue retener la cantidad de gente que llega diariamente más que unas pocas horas. Ciudades similares las hay por todo el mundo, son las típicas que a primera hora de la mañana llegan miles de personas desde todos los puntos cercanos; son ciudades con unos atractivos muy concretos, por lo general destacan por una importante atracción turística, en este caso casi exclusivamente el turismo llega a la ciudad con la única sola idea de poder ver el castillo de Windsor, lo ven, y en el 99% de las veces se marcha sin ni siquiera ver la calle principal de la ciudad, a lo sumo consigue hacer una pequeña compra en uno de los escaparates limítrofes.

Para muestra de todo lo dicho el parking de Alexandra Garden con plazas para un centenar de autobuses y que a esta hora solamente hay uno, es impensable que el municipio ofrece semejante infraestructura y no es aprovechada; lo que indica que el turismo en Windsor es efímero y con fecha y hora de caducidad.

Después de atravesar el parking llegamos a la estación de tren Windsor & Eton Central nos ofrece el clásico edificio victoriano, seguramente fue creado para dar unas expectativas de trafico que ahora no tiene, para lo cual una buena parte del edificio se ha dedicado como centro comercial el Windsor Royal Shopping, ¡claro…! A estas horas todas las tiendas están cerradas, solamente hay abiertos los restaurantes que están completamente vacíos.

En la estación se expone la máquina de tren “ La Reina ”, destaca por el escudo con el lema de la casa real: Dieu et mon droit, que quiere decir: Dios y mi derecho, esta frase ha sido utilizada generalmente como el lema de la monarquía británica desde que lo adoptara Enrique V a principios del siglo XV. También se encuentra en el escudo de armas real.

Llama la atención un lema escrito en francés y no en inglés esto se debe a que el idioma que reemplaza al latín en la elite social en Inglaterra es el francés, luego posteriormente se toma oficial el inglés (Enrique VI habló francés y fue coronado Rey de Francia así como de Inglaterra). El lema de la Orden de la Jarretera , Honi soit qui mal y pensé, es también en francés.

La frase supuestamente fue utilizada como una contraseña por el rey Ricardo I en 1198 en la Batalla de Gisors, cuando derrotó a los franceses. Su significado era que Ricardo debió su realeza al poder de Dios y a su propia herencia, y por lo tanto no estaba sujeto a ningún poder terrenal.

Seguimos andando hacia el centro, en las inmediaciones del palacio los turistas que quedan están sentados en los bancos callejeros esperando extasiados la llegada de su autobús que les devuelva, probablemente a Londres.

Al lado del ayuntamiento hay un edificio que sobresale se llama Market Cross House y representa el tipo de edificaciones de madera del Windsor del siglo XVI, por desgracia es la única que ha sobrevivido.

El edificio se inclina como la torre de Pisa a la izquierda y lucha por mantenerse en pie dentro de un equilibro, supuestamente esto es debido a la madera de roble verde sin secar que se utilizó para reconstruir la casa después de una disputa de tierras en 1687.

El local era primeramente empleado como una carnicería y con los años ha sido la casa de los joyeros, una fábrica de cerveza y durante los últimos tres decenios, un salón de té.

El edificio de al lado es el Ayuntamiento de Windsor, se le conoce como Guildhall, su construcción es de finales del siglo XVII, destaca por la galería porticada, en sus inicios estaba el mercado de maíz.

Si miramos la galería porticada podemos ver unas columnas que no sujetan la bóveda y no tienen ningún uso, esto se debe a que un alcalde le parecía que las columnas que tenía no eran suficientes para sujetar el peso del primer piso, le pidió a un arquitecto que reforzase las columnas existentes, este le digo que no era necesario porque los pesos estaban bien calculados, después de insistir mucho el arquitecto puso las columnas que le demandaban para que se callasen, pero como no eran necesarias las dejo sin apoyar a la bóveda, después de siglos podemos ver como el edificio no se ha caído y las columnas siguen sin apoyarse en la bóveda, lo cual indica que el arquitecto tenia razón.

La calle ya esta prácticamente vacía, intentamos darnos una vuelta por la calle más comercial con el fin de ver un poco los escaparates de las tiendas, la calle es Peascod St, esta repleta de bancos y de marcas comerciales británicas como la mítica Barbour, pero los precios no son para españoles por el mundo de clase media.

Día 25 de julio (lunes)

Ruta: Londres

Por la mañana nos levantamos temprano porque sabemos que el tren a Londres sale de la estación de tren “Windsor and Eton Riverside”. Con puntualidad británica parte a las 9,25 horas y tenemos que estar unos minutos antes, esta es la línea de tren que termina en la estación Waterloo (Londres). El precio de los tickets ida y vuelta, incluye el metro ilimitado por Londres, es 51,30 £ (3 adultos y 1 niño).

Después de poco menos de 1 hora llegamos a Londres y finalizamos el recorrido en la estación de Waterloo, hacemos trasbordo a la línea de metro con destino a la torre de Londres. Las estaciones son: Waterloo - Embankment trasbordo de línea: Embankment - Temple - Blackfriars - Mansion House - Cannon Street - Monument - Tower Hill.

El primer sitio que queremos hoy visitar es la Torre de Londres, para llegar tenemos que ir hasta la estación del metro Tower Hill, líneas Circle, District y DLR. Precio familiar £63.00 Horario: 10,00-17,30h.

El primer sitio que queremos la visitar es la Torre de Londres, para llegar tenemos que ir hasta la estación del metro Tower Hill, líneas Circle, District y DLR. Precio familiar £63.00 Horario: 10,00-17,30h.

La Torre de Londres, oficialmente el Palacio Real y Fortaleza de su Majestad, es el castillo histórico situado en la ribera norte del río Támesis en el centro de Londres. Se encuentra dentro del distrito londinense de Tower Hamlets, separado del límite norte de la ciudad por un espacio abierto conocido como Tower Hill. Se fundó hacia finales de 1066 como parte de la conquista normanda de Inglaterra. La Torre Blanca , que da nombre al castillo entero, fue construida por Guillermo el Conquistador en 1070, convirtiéndose en símbolo de la opresión para la gente que vivía en Londres.

La edificación de la Torre de Londres se inicio a cargo de Gundulf, era el nuevo obispo de Rochester. En la construcción participaron canteros y albañiles normandos utilizando piedras traídas desde Normandía. Además se hizo un bando para implicar a todos los londinenses en la construcción de la torre como mano de obra barata, en treinta años la torre había concluido.

El edificio era el mayor de todo el país, tenia 36 x 32,5 metros y el punto más bajo alcanza los 17,5 metros, la Torre se divisaba en el horizonte desde varios kilómetros a la redonda.

La Torre se protegido por las murallas romanas en dos de los lados, en los lados norte y oeste se abrieron unas fosos de 7,5 metros de anchura por 3,4 metros de profundidad y rematado por una empalizada de madera. La función principal de la torre era de alcázar o plaza fuerte, papel que perduro hasta el siglo XIX.

Durante la época medieval las fortificaciones de la Torre fueron ampliándose hasta convertirse en 1350 a lo que hoy en día podemos ver. Las ampliaciones comenzaron durante el reinado de Ricardo Corazón de León, aunque que fue un rey que se dedico más a las cruzadas y dejo al obispo William Longchamp al cuidado y duplico el tamaño con la creación de nuevas defensas.

A Ricardo Corazón de León le sucedió su hermano Juan, público la primera Carta Magna (constitución).

El rey Enrique III sucedió a Juan y se dedico a la reforma del castillo ampliando los aposentos reales en la Torre , luego mando construir dos nuevas torres en la parte del río Támesis, se llamaron Wakefield dedicada a los aposentos reales y Lanthorn, probablemente dedicada a la reina. Más adelante se construyo una inmensa muralla de lienzo a los lados norte, este y oeste reforzados por nueve torres y un foso lleno de agua obra del ingeniero flamenco John Le Fossur.

El siguiente rey fue Eduardo I que pensó en completar las obras de su padre en la Torre para transformarla en el castillo concéntrico más grande de Inglaterra, tapo el anterior foso y construyó una nueva muralla y después levanto otro foso. Además utilizó el castillo como cárcel y como un depósito seguro para guardar los documentos oficiales del reino y constituyó la sede de la Casa Real de la Moneda.

La Torre fue protagonista histórica durante el reinado de Eduardo IV, al fallecer, sus dos hijos Eduardo V (12 años) y su hermano Ricardo de Shrewsburg ( 9 años) fueron llevados a la Torre por orden de su tío, el duque de Gloucester. Los príncipes fueron declarados ilegítimos y el tío fue coronado como rey de Inglaterra Ricardo III.

Durante la casa de los Tudor y bajo el mandato de Enrique VIII se levantaron nuevos aposentos con un armazón de madera para que pudiera ser utilizada por su mujer Ana Bolena pero nunca llegaron a visitarse.

La época de Enrique VIII convierte al castillo en un centro de internamiento y represión. Entre sus prisioneros más famosos fueron: Tomás Moro y Ana Bolena.

En conjunto, la Torre es un complejo de varios edificios situado dentro de dos anillos concéntricos de muros defensivos y un foso; el castillo se amplió en varias fases.

La torre se orientó de manera que sus defensas más fuertes dominasen hacia la ciudad de Londres, lo que sugiriere era deliberado porque le parecía que el peligro podía venir desde la propia ciudad no desde el exterior.

El castillo lo conforman tres recintos: el más interior contiene la Torre Blanca , corresponde con la fase más temprana de la construcción del castillo; rodeándola hacia el norte, este y oeste se encuentra la estructura más central, construida durante el reinado de Ricardo Corazón de León. Finalmente, se encuentra el recinto exterior, que abarca todo el castillo y fue construido bajo el mandato de Eduardo I. A pesar de que después de la fundación de la Torre de Londres por Guillermo el Conquistador.

El patio central engloba el área sur de la Torre Blanca , extendiéndose a lo que en su día fue la ribera del Támesis. Como en el caso de otros castillos del tipo mota castral, como el Hen Domen (siglo XI), esta zona central se llenaba probablemente con edificios de madera de la fundación de la Torre.

La Torre Blanca es un torreón (también conocida como torre principal), con frecuencia la estructura más fuerte de un castillo medieval, que contenía un alojamiento adecuado para el lord, en este caso, el rey o su representante. Era uno de los que mejor conserva su estado en el mundo cristiano, y fue descrito como “El palacio más completo del siglo XI en Europa”.

En las esquinas situadas al oeste se encuentran torres cuadradas, mientras que la torre circular nordeste alberga una escalera de caracol. La presencia de una capilla en la esquina sureste resultó en una proyección semicircular para acomodar el ábside. Sin contar el mencionado ábside, la Torre Blanca mide 36 por 32 metros en la base, elevándose a una altura de 27 metros en las murallas del sur. Dado que el edificio pretendía ser una confortable residencia a la vez que una fortaleza, las letrinas se construyeron dentro de las murallas, y se colocaron cuatro fuegos para proporcionar calor.

Nada más entrar en el castillo y dentro del primer anillo de la muralla podemos ver la Puerta de los Traidores, era el lugar por donde muchos prisioneros de los Tudor entraron en la Torre de Londres. La puerta fue construida por Eduardo I, para proporcionar una puerta de agua de entrada a la torre, que forma parte de la torre de Santo Tomás, que había sido diseñada para ofrecer un alojamiento adicional para la familia real.

Detrás de puerta de los traidores hay una piscina con un motor que se utilizó para elevar el agua a una cisterna en la azotea de la Torre Blanca. El motor funcionaba originalmente por la fuerza de la marea o tirados por caballos y, finalmente, por el vapor.

En la Puerta de los Traidores los prisioneros fueron llevados en barcazas a lo largo del Támesis, pasando por debajo del puente de Londres, donde se exponen los presos recientemente ejecutados sobre picas. Entre otros, fueron la Reina Ana Bolena y Tomás Moro entraron en la torre por la puerta de los traidores.

Entramos en el segundo anillo del castillo a través de Wakefield Tower, fue levantada en el siglo XIII durante el mandato del rey Enrique III. La Torre fue construida después de la Torre Blanca y constituye la mayor torre de la fortaleza. En su parte inferior se compone de fábrica de piedra, la parte superior hecha de capas de mampostería.

Al igual que otras partes del castillo la torre de la Torre Wakefield servido como prisión. Después durante el reinado de Eduardo I la Wakefield Torre se utilizó como un archivo de documentos estatales.

La Torre de Londres era el zoológico de la casa real, allí se enviaban ejemplares de animales exóticos desde todas las partes del mundo. La Real Casa de fieras se mantuvo en la Torre de Londres durante más de 600 años y fue el hogar de muchas especies: leones, tigres, osos, canguros, camellos, linces, lobos, cebras, cocodrilos, monos y muchas más criaturas de todo el mundo. En el siglo XVI la colección de animales se abrió al público hasta 1831 en que se abrió el zoológico de Londres con los ejemplares que se encontraban en la torre.

Más adelante podemos ver las casetas donde se cuidan los Seis Cuervos que viven cautivos en la Torre de Londres. Su presencia continua se cree que es una tradición para proteger la corona y la propia torre; una superstición de la leyenda indica que: “si los cuervos de la torre de Londres se mueren o se van volando, la Corona caerá y Gran Bretaña con ellos”.

En el jardín se encuentra el cañón llamado “Bronce Gun” fue construido en Turquía en 1530 y fue capturado en Adén (Yemen) por el oficial británico H Smith que había desembarcado para frenar los ataques piratas contra el comercio marítimo con la India en 1844.

La Torre Blanca tenía tres funciones principales. Primera, era una simple fortaleza qué seguramente sería considerada como inexpugnable en los momentos de su construcción. Segundo era utilizada por el rey y para las principales funciones del gobierno. Como tercero es para servir de recuerdo a la población de la autoridad real.

La visita se realiza por el piso de entrada que muestra el linaje de los reyes, se exponen una colección de armas y armaduras reales en caballos de madera a tamaño real. Entre ellas se encuentran las armaduras de Enrique III, Carlos I, Jaime II y Enrique VIII.

Subiendo por una escalera de madera se llega al primer piso, está dividida en dos salas donde se muestran una impresionante colección El Linaje de los Reyes, es la más antigua del mundo y la mejor conservada. Se presentan una serie de figuras sobre caballos con tallas de los mejores artesanos del mundo.

La gran colección es la del rey Enrique VIII, la colección abarca desde que el rey estaba más delgado hasta que ensancho. Es de destacar de la armadura era su tamaño pero más en concreto la armadura del rey destacaba por su enorme bragueta

La primera de las armaduras esta completa y hace juego con la del caballo “La Plateada y grabada armadura del rey Enrique VIII”, fue decorada por Paul van Vrelant. Probablemente construida en Greenwich, esta datada sobre 1515.

La armadura fue sin duda hecha en Bruselas, ya que lleva la marca M y la media luna ahora atribuida a Guille Margot. La armadura es conocida por haber sido adquirida como un arnés y decorada en Inglaterra. La decoración es obra de Paul van Vrelant, originario de Bruselas, que se llevó a cabo por la designación del Rey.

La decoración de la armadura del caballo coincide con el de la armadura del hombre, y se basa en escenas de la vida de los dos Santos. En el saliente izquierdo se encuentra la figura de San Jorge es llevado ante el procurador Dacian y se niega a retractarse de su cristianismo. En el lado izquierdo de la grupa hay tres escenas más de la vida de San Jorge. En la parte delantera es torturado en una caldera en forma de toro de plomo fundido, pero está protegido por el Señor. En la parte trasera del Santo es torturado en dos ruedas provistas de espadas.

La más famosa es la armadura gigante “Rey Henry VIII”, fue realizada en Greenwich, esta datada en 1540, el peso es de 35 kgs.

Esta armadura es la mayor de las fabricadas en Greenwich hechas especialmente para el rey Enrique VIII. Es posible que se tuviera la intención de usarla para el torneo de Mayo que se celebró durante el 1-5 de mayo de 1540. El evento contó con torneos que se celebraban a pie o el combate sobre caballo.

Destaca en la armadura la protección acorazada para la parte genital, esto se había puesto de moda durante el renacimiento en cuestiones armamentísticas fue asemejar ciertas piezas de las armaduras de la indumentaria normal. Debido a este nuevo hábito, los escarpes se empezaron a fabricar con una morfología similar a la de los zapatos, los toneletes de las armaduras tomaban la apariencia de los sayos masculinos, y en algunos casos incluso se llegaron a fabricar las piezas de los brazos como si de mangas de camisa se tratase. Pero la pieza más peculiar fue sin duda la bragueta, un accesorio que pretendía proteger la zona genital del combatiente.

Esta moda empezó a gozar de enorme popularidad, alcanzando proporciones y formas un tanto grotescas tanto en cuanto se convertían en una especie de alarde viril, como si lo oculto tuviera unas dimensiones similares a su cobertura, en el caso de la armadura de Enrique VIII era ya desproporcionada.

Las braguetas solo se instalaban para combatir a pie ya que era imposible usarlas montado a caballo. Ahora bien, ¿tenía éste aditamento una utilidad verdadera o era, como pasaba con la ropa, una simple moda falocrática?.

Estas braguetas metálicas, no cumplían con otro cometido más allá de la moda de turno, y no es otro que disimular u ocultar una enfermedad de tipo venéreo, concretamente la sífilis.

La conocida hipótesis sobre que sufría de sífilis fue difundida por primera vez unos cien años después de su muerte. Argumentos más recientes sobre esta posibilidad provienen de un mayor conocimiento de la enfermedad, que permiten suponer que Eduardo VI, María I de Inglaterra e Isabel I mostraron síntomas característicos de sífilis congénita. Eduardo murió en 1552, luego de una erupción en la piel que parecía tuberculosis sifilítica congénita. En resumen, tenemos la miopía de Isabel y María, más la presumible sordera de esta última y la base de su nariz achatada con una continua y maloliente secreción nasal; cualquiera de estos síntomas podría ser resultado de una sífilis congénita. Por último, tenemos la evidencia de los dos últimos casamientos de Enrique: si, como aseguran los historiadores, su política en este sentido era dictada por un profundo deseo de crear una rama fuerte de los Tudor, entonces se infiere que Enrique se volvió estéril o impotente cerca de los cuarenta años, lo que constituye un fuerte argumento a favor de la sífilis.

La siguiente vitrina nos muestra las armaduras de Carlos I “Armadura de niño de Carlos I", realizada en los Países Bajos, datado en 1616, tiene un peso de 19.5 Kg.

Esta armadura fue encargada por el rey Carlos I cuando era niño y Príncipe de Gales, y posteriormente fue usada por Carlos II también cuando era Príncipe de Gales a la edad de catorce años. Es otro buen ejemplo de la armadura decorada holandesa de principios del siglo XVII.

Una de las más impresionantes es la que fabrico Richard Holden para Jacobo II en 1686 por un precio de cien libras esterlinas. Esta fabricada en forma de una armadura de arcabucero: donde se puede ver el casco, la coraza y el guante largo hasta el codo para la mano izquierda. En esta época las armas de fuego ya dominaban el campo de batalla y los fabricantes de estas armaduras no sabían dar respuesta a estas armas sin que pesasen demasiado. En este caso la coraza y la parte que cubre el pecho están hechas a prueba de balas pero tiene un peso de casi 17 kgs.

Una de las habitaciones es La Cámara, era una de las más importantes del interior de la Torre Blanca. Estaba situada junto al gran recibidor contaba con chimenea y aseos. Las ventanas eran mucho más pequeñas.

Probablemente eran utiliza por los guardias del rey, los que estaban a cargo de la Torre de Londres y, en ocasiones, era utilizada por el propio rey.

La ruta nos lleva hasta el segundo piso por medio de una escalera de caracol, fue añadido en 1490. En este nivel hay una galería de bóveda de cañón. La pared del lado opuesto, está sujeta con varios arcos, en su momento sostenía el pasaje de norte a sur, a nivel de almenas. En esta zona se muestra la exposición Casa Poderosa con una gran variedad de obras que ilustran las instituciones que operaban dentro de la torre desde la Casa Real de la Moneda hasta el propio zoológico, la prisión, el registro de artillería.

Bajando la escalera se llega al sótano, en la esquina sudeste podemos admirar la Capilla de San Juan, constituye uno de los interiores mejor conservados. El rey Enrique II la embelleció con vidrieras que representan a la Virgen con el Niño y San Juan Evangelista.

Quizás la visita más especial al edificio llamado Waterloo Barracks para ver las Joyas de la Corona , en estas salas acorazadas se presentan las joyas de la corona, mayoritariamente comienza la historia hace 350 de la mano de Carlos II porque las anteriores de la dinastía de los Tudor fueron fundidas por Oliver Cromwell, un republicano que derrocó a la monarquía en 1649, durante la Guerra Civil Inglesa.

La mayoría de los objetos de oro y plata con incrustaciones de pedrería que se exponen en la exposición son los que se usan durante la coronación de los soberanos, además de trajes, espadas y mazas de ceremonia, que se llevan en procesión ante el soberano, así como orbes, cetros, trompetas y túnicas. Incluso hay una cuchara de la coronación que se usa para ungir al monarca con óleo bendecido.

Entre todas las riquezas expuestas de la colección hay algunas históricas que ya no se usan en las coronaciones, así como objetos que se usaban en el banquete de la coronación. El periodo más importante en la colección se produce tras la restauración de la monarquía en 1660, Carlos II encargó nuevas y espléndidas joyas. Se compraron tres toneladas de plata de las manos del orfebre del Rey Sir Robert Vyner para llenar las estanterías de nuevas joyas.

La primera exposición pública de las joyas de la corona se realiza en la Torre Martin en el siglo XVII, en aquella época la gente acudía en masa y se permitía tocar las joyas pagando una propina al alguacil. Esto llevaba aparejado los intentos de robo como el que intentó el irlandés Coronel Blood que con un martillo de madera golpeo al guarda y se quería llevar las joyas en el interior de la capa.

En la actualidad la seguridad de las joyas se encargan a un militar retirado, el Gobernador de la Torre que custodia la colección en los antiguos Cuarteles de Waterloo, fueron construidos en el siglo XIX para albergar la guardia de mil soldados que tenia por aquel entonces Tower of London.

La primera de las obras que vemos es la colección de plata sobredorada (en realidad es plata maciza recubierta de una ligera capa de oro). Aunque también hay numerosos objetos de oro macizo como el Cetro de San Eduardo decorado con esmaltes.

En el siglo XVII se realizaron importantes piezas como el cetro del Soberano con la cruz y la orbe. La orbe en la monarquía significa el poder terrenal, la cruz, encima, es la autoridad cristiana. La primera vez que se usaron el orbe y el cetro fue en la coronación de Carlos II y desde entonces se han usado en todas las coronaciones, incluida la Reina Isabel II.

La actual reina Isabel II fue coronada con Corona de San Eduardo es una de las más antiguas joyas de la corona del Reino Unido y una pieza central por su antigüedad. El nombre de Eduardo el Confesor, ha sido utilizado tradicionalmente para coronar a los monarcas británicos y en sus ceremonias de coronación. La versión actual fue hecha para la coronación de Carlos II en 1661

La antigua corona británica fue construida por Eduardo el Confesor llevó la corona original, en Pascua, Pentecostés y Navidad. Construida con distintos elementos incorporados de una corona que pertenecía a Alfredo el Grande. En 1066, la corona de San Eduardo se utilizó según se dice en la coronación de Guillermo el conquistador, posteriormente fue utilizada para las coronaciones de Guillermo II (1087), Enrique I (1100), de Esteban (1135), Enrique II (1154), Ricardo I (1189 y 1194) y el rey Juan (1199).

El collar y los pendientes que llevaba la reina fueron hechos para la reina Victoria en 1858 construidos con los diamantes: una gran brillante seguida de uno más pequeño, con una gran caída en forma de pera. Las gotas eran originalmente parte del Koh-I-Noor brazal.

La reina Isabel II utiliza más habitualmente la Corona del Estado Imperial, es mucho más ligera que la de San Eduardo. Esta corona es la que utiliza la Reina todos los años para la ceremonia de apertura del Parlamento Británico. Tiene cuatro diademas y se compone de 2.868 diamantes, 273 perlas, 17 zafiros, 11 esmeraldas, y 5 rubíes. En su parte superior se coloca una cruz patada o de paté (cuyos brazos se estrechan al llegar al centro y se ensanchan en los extremos) y en su interior una capa de terciopelo.

Las gemas que se exponen son más actuales porque hasta el reinado de Jorge IV, existía la costumbre de alquilar las piedras preciosas y engastarlas en sus monturas para la coronación luego eran devueltas a sus dueños. Jorge IV insistió en comprar las piedras preciosas y que se quedaran en la colección de la corona.

El diamante más importante es Cullinan I es una gema de diamante con un peso 3,106.75 quilates (621,35 g) descubiertos en la mina Premier Nº 2 en Cullinan , hoy en día, Sudáfrica, el 26 de enero de 1905. Fue nombrado después como el presidente de la mina, Thomas Cullinan.

Se presentó ante el rey Eduardo VII del Reino Unido por su 66 cumpleaños y se corta en varias gemas pulidas, el mayor de ellos se llama Cullinan I o la Gran Estrella de África, y en 530,4 quilates (106.08 g) es la piedra de mayor tamaño y transparente de diamantes del mundo. Fue el mayor diamante pulido de cualquier color hasta el descubrimiento en 1985 de la Golden Jubilee Diamond (545,67 quilates (109,13 g)), también de la mina Premier. Cullinan I se monta en la cabeza del cetro de Sovereign con la cruz. La segunda mayor es Cullinan II o la Segunda Estrella de África; a 317.4 quilates (63,48 g) es el cuarto mayor diamante tallado en el mundo, y está montado en la Corona del Estado Imperial. Tanto los diamantes son parte de las joyas de la corona que pertenecen al monarca en el derecho de la Corona.

Otros siete grandes diamantes de corte de la original con un peso total de 208.29 quilates (41,66 g) son de propiedad privada por la reina Isabel II, quien los heredó de su abuela, la reina María, en 1953, junto con noventa y seis piedras de menor importancia.

Otro de los diamantes más famosos es El Koh-i-Nur, que significa "Montaña de Luz" en persa, es un diamante de 108 quilates (21,6 gramos en su corte más reciente), fue en su momento uno de los diamantes más grandes del mundo. El Koh-i Nur es originario del estado de Andhra Pradesh en la India al igual que su doble, el Darya-ye Noor ("Luz del Mar"). Había pertenecido a gobernantes hindúes, mogoles, persas, afganos, sikh y británicos, que lucharon amargamente por él en varios puntos históricos y fue tomado como trofeo de guerra una y otra vez. Al final la Compañía de las Indias Orientales se quedó con él para hacerlo parte de las Joyas de la Corona Británica cuando la Reina Victoria fue proclamada emperatriz de la India en 1877.

La leyenda sobre el diamante: " Quien posea este diamante dominará el mundo, pero también conocerá todas sus desgracias. Solo Dios, o una mujer, pueden llevarlo con impunidad”.

Salimos nuevamente al patio de la Torre de Londres para descubrir la Torre Martin , era el lugar donde se guardaban las joyas de la corona entre 1669 y 1841 hasta su traslado a los Cuarteles de Waterloo. Tiene una construcción de ladrillo que recuerda el aspecto de la fortaleza antes de las restauraciones del siglo XIX.

Durante los doscientos años que estuvieron custodiando las joyas en esta torre, las joyas se exponían en la planta baja y la familia que las custodiaba, vivían en la planta alta. El primer Custodia nombrado por el rey fue Talbot Edwards que fue atacado y amarrado por el coronel Blood en el primer intento de robo de la historia de la joyas de la corona.

Desde aquí iniciamos un recorrido por la muralla norte, pasamos por la Torre Brick , La Torre Bowyer , la Torre Flint y la Torre Devereaux. Durante este recorrido podemos admirar una vista muy especial de Londres y de algunos de los edificios más modernos de la City.

Bajamos nuevamente al patio donde podemos ver el punto exacto donde se hacían las ejecuciones de los condenados a muerte en la Torre de Londres, ya hemos visto que durante las historia de la dinastía de los Tudor, fueron ejecutadas ciertos personajes que cambiaron la historia británica.

En su lugar se ha instalado el Memorial del Cadalso, obra de Brian Catling, realizado en vidrio y piedra de mármol grabada.

Este lugar recuerda la ejecución frente a la torre Verde de Juana Bolena, vizcondesa de Rochford, que murió junto con Catalina Howard. Por ser la dama de honor se la consideró cómplice en el presunto adulterio de la Reina. Margaret Pole, condesa de Salisbury, de 70 años, fue ejecutada por Enrique VIII por la presunta participación en la invasión católica El conde de Essez, Robert Devereux fue ejecutado por orden de Isabel I. Guillermo Lord Hastings, fue decapitado en 1483. En 1743 Farquhar Shaw y los primos Samuel y Malcolm Macpherson fueron matados por arma de fuego ante su regimiento por ser acusados de un supuesto motín.

Una dedicatoria indica: “Descansen en paz mientras caminamos las generaciones en torno a su lucha y coraje: ahí debajo los cielos inquietos”.

Enfrente del memorial se encuentra el lugar donde se enterraban las personas que eran ajusticiadas en esta parte de la torre. Enrique III hizo levantar en este cementerio la iglesia dedicada a la veneración de San Pedro. En la capilla era el lugar de enterramiento de los prisioneros más famosos ejecutados en la torre, incluyendo a Ana Bolena y Catherine Howard, las esposas decapitadas de Enrique VIII, además otros personas de sangre noble o de alta posición como la reina Grey y su marido Guilford Dudley, o Sir Thomas More y el obispo Juan Fisher, más tarde canonizados por la Iglesia Católica. Los cuerpos sin cabeza se enterraron rápida y descuidadamente en la nave o en el presbiterio, sin lápida alguna. En 1876 la Reina Victoria de Inglaterra aprobó el proyecto de restaurar la capilla, se desenterraron los cuerpos de la nave y algunos ataúdes intactos, y se enterraron en la Cripta. Los huesos hallados en el presbiterio, algunos de los cuales se identificaron, incluso los restos de Ana Bolena, se enterraron bajo el pavimento de mármol delante del altar.

En el altar del muro oeste hay una lista con los nombres de personas importantes que fueron enterradas en la capilla entre 1534 y 1747. Thomas Macaulay homenajeó a los enterrados en la capilla en su «Historia de Inglaterra» de 1848: «En verdad no existe un lugar más triste en la tierra que ese pequeño cementerio. Ahí la muerte se asocia, no como en la abadía de Westminster y San Pablo, con el genio y la virtud, con la veneración pública y el renombre imperecedero; no como en nuestras iglesias y cementerios más humildes, con lo más hermoso de la caridad social y doméstica, aquí se asocia con lo más oscuro de la naturaleza humana y del destino humano, con el triunfo salvaje de enemigos implacables, con la inconstancia, la ingratitud, la cobardía de los amigos, con todas las miserias de la grandeza caída en desgracia y de la fama arruinada. Hacia allá fueron llevadas, en sucesivas épocas, por las rudas manos de los carceleros, sin un solo doliente que las acompañase, las sangrantes reliquias de hombres que fueron capitanes de ejércitos, líderes de partidos, oráculos de senados y ornamento de tribunales».

Para terminar la visita hacemos una parada para visitar La Torre Wakefield, esta torre, que toma su nombre de la batalla de Wakefield, tras la cual fue donde se encerraron los prisioneros, fue construida entre 1220 y 1240 bajo el mandato de Enrique III, que vivió en esta torre la más grande en la Torre de Londres además de la Torre Blanca. La Torre Wakefield supuso uno de los principales puntos de apoyo defensivos de la torre, lo que ayudó a controlar la puerta principal, a orillas del río. La sala superior de la torre constituía las estancias de Enrique III, con grandes ventanales y una gran chimenea.

El muro oriental cuenta con una gran ventana de vidrio pintado en el lugar donde se erigía la capilla privada del rey. Aún quedan algunos restos, como un sagrario. La capilla es un edificio asociado en particular con el monarca Enrique VI de Inglaterra, ya que después de ser capturado por Eduardo IV en 1471 tras las Guerra de las dos Rosas, fue hecho prisionero en esta torre, y asesinado poco después.

Antes del encarcelamiento de Enrique VI de Inglaterra, la torre se usó como depósito de documentos, y centro de exposición de las Joyas de la Corona en el siglo XIX, hasta que éstas fueron trasladadas a la Casa de las joyas en 1967.

Luego visitamos la Torre Sangrienta, es conocida en inglés como Bloody Tower, constituía la entrada principal al patio interior desde la orilla del río hasta que se construyó la Torre de Santo Tomás. La cámara era un apartamento de lujo, que se usaba para retener a presos de alto rango, como los arzobispos Thomas Cranmer y William Laud de Canterbury.

La torre se denominó inicialmente Garden Tower, ya que se encuentra al lado del jardín, pero recibió su nombre actual durante el periodo de reinado de los Tudor. Varias muertes tuvieron lugar en la torre: Henry Percy, octavo Conde de Northumberland, se suicidó en 1585, supuestamente para evitar ser condenado por traición a la patria, y Sir Thomas Overbury, envenenado bajo el mandato de Jaime I.

Después de la visita a la Torre de Londres aprovechamos el idílico sitio del puente de Londres para pasear en un día soleado por una de las imágenes más evocadoras de toda la ciudad Londres. Enseguida tenemos la suerte de hacernos como dueños temporales de uno de sus bancos para descansar en el relajado ambiente del margen del río Támesis. Media hora aquí en un día tan espléndido es un buen regalo para un viajero cansado. Aprovechando el lugar y que debajo del puente hay unos pequeños puestos donde preparan comida rápida para degustar unos sándwich y unos hot dog con unos refrescos.

Por la tarde vamos al Museo Tate, para trasladarnos tomamos el metro en Tower Hill hasta la estación Blackfriars. Para llegar cogemos la línea circular y tenemos las estaciones: Tower Hill - Monument - Cannon Street - Mansion House - Blackfriars. En unos diez minutos a pie, atravesamos el puente sobre el río Támesis y llegamos al museo.

Enseguida adivinamos que el edificio tan grande revestido de ladrillo visto se trata de la antigua central de energía de Bankside, originalmente diseñada por sir Giles Gilbert Scott y construida en dos fases entre 1947 y 1963. La central eléctrica fue cerrada en 1981 y el edificio fue reconvertido en museo por los arquitectos suizos Herzog & de Meuron, quienes tras resultar vencedores en un concurso internacional dieron al edificio su imagen actual.

El horario del museo es de 10.00 a 18.00 horas, la entrada a la exposición permanente es gratuita.

El edificio exteriormente no indica nada pero una vez atravesada la puerta entramos en el museo, que es una antigua central eléctrica, nos inunda una extraña sensación fabril en un espacio inmenso que parece estar lleno y vacío a la vez.

La colección permanente de Tate Modern es considerada una de las más completas e importantes de arte contemporáneo del mundo. En ella figuran obras de gran parte de los artistas más destacados del siglo XX, entre ellos Pablo Picasso, Andy Warhol, Salvador Dalí, Mark Rothko, etc. Se encuentra ubicada entre los pisos tercero y quinto del edificio, mientras que el cuarto nivel acoge las exhibiciones temporales más grandes. En el segundo nivel hay un pequeño espacio de exposición para artistas contemporáneos. Cuando se inauguró el museo, las obras no se exhibían en orden cronológico, sino que se dividieron en torno a cuatro grandes grupos: Historia/Memoria/Sociedad, Desnudo/Acción/Cuerpo, Paisaje/Materia/Medio ambiente y Bodegón/Objetos/Vida real. Esta forma de exposición se debió a que la corriente principal de exposición de la historia del arte moderno se basaba entonces en los trazos marcados por el Museum of Modern Art de Nueva York. La primera reorganización de la colección permanente se produjo en mayo de 2006, la cual eliminó la anterior distribución en grupos temáticos para centrarse en los principales movimientos del arte del siglo XX. Actualmente, la colección permanente se encuentra dividida en los siguientes apartados:

Me gustaría indicar que el museo Tate no es fácil visitarlo y más para un turista que lo que le falta es tiempo pues es más difícil. Nosotros llevábamos la intención de visitar las obras maestras del arte moderno que tiene el museo Tatem, para lo cual habíamos consultado en Internet las 10 obras imprescindibles. Llevábamos los nombres y las ubicaciones pero al llegar allí es más complicado de lo que pensábamos poder identificar en donde estaban aquellas obras de arte, alguna de ellas ni tan siquiera estaban expuestas. Como solución era ir preguntando a los cuidadores de las salas donde estaba la siguiente obra que queríamos ver más próxima. Según nos explicaron el museo Tate es vivo y no esta sujeto a ninguna norma museística sobre los emplazamientos de sus fondos permanentes, por poner un ejemplo: en el museo del Louvre, el celebre cuadro de Leonardo da Vinci “La Gioconda” se expone en el piso 1 en la sala 6 llamada Salle des Etats desde hace más de 11 años, desde la última reforma y si vas al año que viene la veras en el mismo sitio, este museo es imprevisible donde podrás ver las obras al año que viene, esto obedecen a criterios diferentes: exposiciones temporales, modas, vanguardias, publicidad, etc.

Pues accidentalmente empezamos la visita por la primera planta para ver que pasa y podemos ver el cuadro “Cosacos”, obra de Wassily Kandisky (1866-1944), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1910-1911; tiene unas medidas de 94,6 x 130,2 cm.

Kandinsky creía que abstractas pinturas podrían transmitir valores espirituales y emocionales simplemente a través de la disposición de los colores y líneas. Los Cosacos se realizó durante un período de transición, cuando él conservó algunas de representación de elementos, como los jinetes rusos en los altos sombreros de naranja en el primer plano de la pintura. Kandinsky considera éstos como puntos en los que se pudo registrar las imágenes, en lugar del verdadero contenido de la pintura.

La siguiente obra de arte del museo “El Caracol”, obra de Henri Matisse (1869-1984), realizada con pintura al agua sobre papel cortado y montado sobre lienzo, está datado 1953; tiene unas medidas de 28,6 x 28,7 cm.

En el año de 1948 Matisse estuvo impedido por problemas de salud, pero, aunque confinado a la cama, produjo una serie de obras conocidas como gouaches y collage. Éstos fueron hechos cortando o rasgando las formas de papel que había sido pintado con pintura al agua. Las formas fueron colocadas y pegados por un ayudante trabajando bajo la instrucción de Matisse. Algunas de las obras posteriores, como el caracol, eran de muy grandes dimensiones.

La siguiente obra se ha titulado “Amarillo frente a Púrpura”, obra de Olafur Eliasson, realizado con vidrio, cable de acero, el motor, el reflector y el trípode, esta datado en el año 2003.

Instalada en una habitación de un cuarto oscuro, donde hay un gran anillo de vidrio de color amarillo tiene 750mm de diámetro, está suspendido de un cable de acero unido a un motor fijado al techo, y un reflector montado en un trípode que luce una gran haz de luz directamente al disco y en una pared blanca detrás. El disco y el reflector están ambos situados a 140 cm del suelo de manera que cuando la luz pasa a través del vidrio se crea una sombra de color amarillo en la pared detrás que cambia de forma, a partir de un círculo a una elipse y de regreso, al girar el disco. Al mismo tiempo, las propiedades particulares del vidrio también sirven para reflejar la luz, produciendo una forma de color púrpura que se mueve a lo largo de las paredes de la habitación, como si el espacio en órbita. Como la sombra de color amarillo, púrpura esta forma a los cambios de luz, de acuerdo con el ángulo del disco, sino que también cambia de tamaño dependiendo de la distancia entre el disco y la pared. Los espectadores son capaces de caminar a través de la instalación de modo que las formas y los colores cubren sus cuerpos.

El siguiente cuadro es uno de los más famosos “La Mujer que llora”, obra del pintor Pablo Picasso, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1937; tiene unas medidas de 60 x 49 cm. Se expone en el Nivel 2: artista y la sociedad, Habitación: Guerra Civil (Sala 3).

La mujer que llora en la Galería Tate fue el último de una serie de pinturas de Picasso que representa este tema. Dora Maar era la amante de Picasso desde 1936 hasta 1944. En el curso de su relación, Picasso la pintó en un número de formas, algunos realistas, algunas benignas, otros torturadas o amenazantes. Picasso explicó:”Para mí es la mujer que llora Durante años la he pintado de formas tortuosas, no a través de sadismo, y no con placer, ya sea;.. Simplemente obedeciendo a una visión que se forzó en mí corresponde con una realidad profunda, no en lo superficial” .

“Dora, para mí, siempre fue una mujer llorando .... Y es importante, porque las mujeres son unas máquinas de sufrir”.

La siguiente obra se titula “Canibalismo otoñal”, obra de Salvador Dalí, realizado en óleo sobre lienzo esta datado en 1936; tiene unas medidas de 65 x 65 cm. Se expone en el Nivel 2: artista y la sociedad, Habitación: Guerra Civil (Sala 3).

El cuadro fue realizado después de la Guerra Española en julio de 1936. Un esbozo relacionado con el cuadro, que data de 1936 y muestra dos figuras hechas de formas curvilíneas y sentadas en dos cajones de una mesa que se une a los tonos terrosos de un paisaje español en el fondo. El conflicto entre compatriotas está simbolizado por la manzana en equilibrio sobre la cabeza de la figura masculina, que se refiere a la leyenda de Guillermo Tell, en el que un padre se ve obligado a disparar a su hijo.

La siguiente obra se titula “Martirio en España”, obra de André Fougeron, realizado en óleo sobre lienzo esta datado en 1937; tiene unas medidas de 98.2 x 153.9 cm. Se expone en el Nivel 2: artista y la sociedad, Habitación: Guerra Civil (Sala 3).

André Fougeron pinto esta obra en 1937 para el Salón des Surindépendants en París. Su título, tan explícito, lo marcó como un artista comprometido con la izquierda política. Esta alineación fue especialmente significativa porque la polarización ideológica en Europa había llegado a un punto crítico en la guerra civil española, que había estallado en el año anterior, como una rebelión de los militares de la derecha contra el gobierno del Frente Popular de los partidos de izquierda. La imagen de Fougeron es de un caballo y una mujer que, por su estado colapsado, sirven para encarnar España. Él usaría la identificación del caballo herido de España en otras obras relacionadas con el tema. El caballo verde en la pintura toma la forma de un paisaje en el que se sumerge el cuerpo sin rostro y con la tendencia de la mujer amarilla, parcialmente revestido de púrpura. La mano con la que agarra y las extremidades con hebillas de los caballos y la cabeza caída sugieren que una dura lucha ha tenido lugar.

La siguiente obra se titula “Sin título”, obra de Malangatana Ngwenya, realizado en óleo sobre lienzo esta datado en 1967; tiene unas medidas de 109.5 x 192.5 cm. Se expone en el Nivel 2: artista y la sociedad, Habitación: Guerra Civil (Sala 3).

Todo el plano de la imagen está cubierta con figuras retorciéndose densamente empaquetadas que se detallan en negro y pintado en tonos brillantes de color naranja, amarillo, azul y rojo. Las figuras se superponen, aparentemente la fusión de uno en el otro y el colapso de cualquier sentido de la perspectiva o jerarquía. Rechinan de dientes blancos, las manos como garras y los grandes ojos de los seres humanos y los animales dominan la escena. Como la mayoría de las pinturas de Malangatana de este periodo, la obra representa las preocupaciones y las luchas de la gente común y la violencia y las atrocidades sufridas, mientras que su Mozambique natal luchaba por la independencia de Portugal.

La siguiente obra de arte del museo “Cosmos y desastres”, obra de David Alfaro Siqueiros (1896-1974), realizada duco, piroxilina, arena, madera de malla de cobre sobre madera contrachapada, está datado 1936; tiene unas medidas de 60,8 x 76,1 cm.

Es un artista revolucionario y activista, David Alfaro Siqueiros es uno de los principales pintores mexicanos de la primera mitad del siglo XX, fue uno de los principales muralistas, cuyas obras públicas eran parte del programa paternalista iniciado por el gobierno mexicano en la década de 1920. Los resultados fueron, en diversos grados, deliberadamente para hacer propaganda. Al mezclar Renacimiento y las tradiciones indígenas los muralistas crearon un imaginario que sirvió de base para una nueva conciencia nacional en México.

La siguiente obra de arte del museo es un díptico “Un poco de música nocturna” y “Rómulo y Remo”, obra de Peter de Francia (1921-2012), realizada en lápiz y tinta sobre papel, están datados 1969; tiene unas medidas de 77,5 x 57,1 cm.

El título “Disparates”, o también conocido como “locuras”, está tomado de los grabados realizados por el artista español Francisco de Goya en el siglo XIX que refleja los problemas derivados de la violencia y la política no resueltos de la época a través de alegorías expresando este tipo de visiones. Representaciones de proyecto de la crueldad y la codicia, es una actualización de Goya para el siglo XX en la Francia. Rómulo y Remo imagina el mito de la fundación de la antigua Roma, que muestra los líderes militares contemporáneos amamantados por una loba. Un poco de música nocturna es un juego de palabras sobre los instrumentos de tortura musicales. Se refirió a este trabajo donde ocurren cosas terribles y nadie le hace caso.

La siguiente obra de arte del museo “El ciudadano”, obra de Richard Hamilton (1922-2011), realizada en óleo sobre lienzo, están datados 1981-1983; tiene unas medidas de 206,7 x 210,2 cm. Tema: Nivel 2: artista y la sociedad. Habitaciones: Ciudadanos (Sala 10)

Hamilton ha hecho tres dípticos con pinturas relacionadas con los problemas políticos en Irlanda del Norte. Después de varios años, los presos del IRA en el Laberinto de la cárcel exigieron ser clasificados como presos políticos en lugar de los delincuentes, y por lo tanto que deben darles una serie de derechos y condiciones de vida, que se les deniega.

La siguiente obra de arte del museo “Aventura en África”, obra de Jane Alexander, realizada en resina y fibra de vidrio, arcilla, pintura al óleo y acrílica, tierra y prendas, están datados 1999-1992; tiene unas medidas variables. Tema: Nivel 2: artista y la sociedad. Habitaciones: Jane Alexander (Sala 12).

Aventura africana es una representación que comprende trece figuras tituladas individualmente, cada uno de los cuales tiene una ubicación específica en una gran área rectangular de Bushmanland tierra roja que mide aproximadamente ocho por cinco metros. Las figuras de dos patas se colocan en cajas, barriles o pedestales apoyados por placas de acero ocultas debajo de la tierra. Pangaman, la figura central en el cuadro, es una figura masculina de tamaño natural hecha de Hydrostone pintado al óleo, colocado de espaldas a la entrada a la habitación.

La siguiente obra de arte del museo “Sin titulo (para Francis)”, obra de Antony Gormley, realizada en plomo, fibra de vidrio y yeso, están datado en 1985; tiene unas medidas a tamaño natural. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Agnes Martin y Anthony Gormley (Sala 1).

Es una escultura figurativa a partir de un molde de yeso, que se ve reforzada con fibra de vidrio, y revestido de una piel de plomo de color gris oscuro. Esta envoltura exterior se compone de veinticuatro paneles soldados juntos, las líneas de soldadura gris se forma una cuadrícula visible a través de la figura, la imposición de una estructura geométrica de la forma natural del cuerpo. La postura de la figura es abierta; que se coloca con los pies separados, la cabeza inclinada hacia atrás y los brazos extendidos de manera que sus palmas se dirigen hacia adelante. La superficie de plomo ha sido perforada en el pecho, las manos y los pies por cinco pequeñas aberturas, recordando la actitud de un santo cristiano recibiendo los estigmas.

La siguiente obra de arte del museo “Retrato de una mujer joven”, obra de Meredith Frampton (1894-1984), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1935; tiene unas medidas 205,7 x 107,9 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

El cuadro representa una mujer joven elegantemente vestida con una luz que se fija fuertemente en el cabello, con piel pálida, está de pie firmemente mirando hacia el exterior y hacia su izquierda. Lleva un vestido de seda con una falda de color marfil y una blusa color lila pálida, el brazo izquierdo de la modelo se inclina a su lado y se mantiene horizontalmente a través de su cuerpo, mientras que su brazo derecho está en ángulo en posición vertical descansando estrechamente contra su pecho derecho. A la mujer la rodean varios objetos realizados en un estilo neoclásico.

La siguiente obra de arte del museo “Autorretrato”, obra de Christian Schad (1894-1982), realizada en óleo sobre madera, están datado en 1927; tiene unas medidas 76 x 62 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

El cuadro muestra un autorretrato del artista alemán Christian Schad y una mujer joven fuertemente enmarcado en un interior doméstico. El artista aparece en primer plano en la parte izquierda de la composición, girando ligeramente hacia la izquierda y mirando directamente al espectador con una expresión con los labios apretados. Él es la foto de medio cuerpo arriba y lleva una camisa sin cuello verde translúcido con una abertura de borlas en el pecho. Inmediatamente detrás de él en el lado derecho de la obra hay una mujer desnuda sentada en posición vertical sobre una cama con sábanas blancas. Se muestra en el perfil de su lado izquierdo, la mujer tiene una nariz prominente y una larga cicatriz que corre verticalmente por su mejilla. Ella tiene una pequeña cinta azul envuelta alrededor de su muñeca izquierda, mientras que la parte superior de su media roja es apenas visible en el extremo izquierdo de la pintura. Lo que hay de detrás del hombro derecho de la mujer es una sola flor de narciso con los pétalos blancos y un pistilo amarillo. En el fondo de un horizonte de la ciudad.

La siguiente obra de arte del museo “Agosta, el hombre con deformidad en el pecho, y Rasha”, obra de Christian Schad (1894-1982), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1929; tiene unas medidas 120 x 80 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

La pintura muestra a un hombre blanco (Agosta) en una silla de respaldo alto que es una reminiscencia de un trono. Está desnudo, aparte de un manto blanco y negro que está envuelta alrededor de su mitad inferior, y se gira ligeramente a la derecha en posición vertical que hace hincapié en su caja torácica inusualmente prominente. El hombre tiene una expresión de confianza, casi arrogante, y se queda mirando hacia el espectador. Colocada delante de él a sus pies hay una mujer negra (Rasha) visible desde el pecho hacia arriba, que lleva una camiseta sin mangas con cuello en rojo y blanco. Ella se muestra frontalmente y mira impasible al espectador.

La siguiente obra de arte del museo “Mañana”, obra de Dod Procter (1892-1972), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1926; tiene unas medidas 76,2 x 152,4 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

Dod Procter había empezado a pintar una serie de simples y monumentales retratos de mujeres jóvenes que conocía, utiliza la caída de la luz a través de las figuras para dar una intensa sensación de volumen. El modelo fue Cissie Barnes, la hija de dieciséis años de un pescador de Newlyn, el pueblo de Cornualles que fue el hogar de Dod Procter la mayor parte de su vida como pintor. La popularidad de esta pintura llevó a su ser visualizada en Nueva York, seguido de una gira por Gran Bretaña desde 1927 hasta 1929.

La siguiente obra de arte del museo “Café”, obra de Pierre Bonnard (1867-1947), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1915; tiene unas medidas 73 x 106,4 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

En la pintura, se muestra una mesa desde la parte frontal y en un ángulo ligeramente elevado. Está cubierta de un mantel brillante rojo y blanco a cuadros en el que se han colocado una taza de café, dos tazas de color blanco y un plato de servir la comida . La tabla se muestra sólo parcialmente y se extiende hacia el primer plano para completar el borde inferior del lienzo. Una mujer vestida de amarillo vivo se sitúa en el lado opuesto de la mesa, tomando una taza de café y girando hacia un perro pequeño, que está de pie en el borde de la silla con dos patas sobre la mesa. El torso y brazo de una segunda mujer, vestida de azul, se ve, que baja hacia un vaso sobre la mesa, y no está claro si ella está entrando o saliendo de la habitación.

La siguiente obra de arte del museo “Chloé Boughton”, obra de Gwen John (1876-1939), realizada en óleo sobre lienzo, está datado entre 1904-1908; tiene unas medidas 58,4 x 38,1 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

El cuadro representa a una mujer sentada mirando hacia delante. Su cabeza está inclinada hacia abajo y hacia su izquierda. Sus brazos cuelguen libremente y su manos descansan sobre el regazo, con la mano izquierda sujeta ligeramente un trozo de papel. La mujer lleva un vestido gris con cuello redondo, cintura alta y mangas anchas, que exponen sus elegantes muñecas y acentúan sus manos. Alrededor del cuello lleva un medallón de oro decorado con colgantes de perlas que coinciden con sus pendientes. Su pelo oscuro cae libremente alrededor de sus hombros y está atado con una cinta de color negro. El espacio alrededor de ella está desnudo, aparte de una pintura en un marco negro que cuelga en la pared.

La siguiente obra de arte del museo “Naturaleza muerta con ovejas”, obra de Marie-Louise von Motesiczky (1906-1996), realizada en óleo sobre lienzo, está datado entre 1904-1908; tiene unas medidas 40 x 80,5 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

El artista había viajado a Ámsterdam con su madre desde su casa en Viena, inmediatamente después de la llegada de los alemanes a Austria en 1938. Finalmente, el artista se instaló en Inglaterra. En esta naturaleza muerta, ella posó los objetos, incluyendo dos del siglo XVIII ovejas cloisonné chinas y un poco de fruta, en una tabla de planchar en el hotel, con la tabla de planchar que dicta la forma oblonga inusual de la pintura. Aparte de las ovejas, los objetos cuya familiaridad tranquilizadora recordó al artista de su entorno vieneses, este bodegón inusual se caracteriza por los colores vivos de la toronja y el racimo de uvas.

La siguiente obra de arte del museo “Frederick y Jessie Etchells pintando”, obra de Vanessa Bell (1879-1961), realizada en óleo sobre madera, están datado en 1912; tiene unas medidas 51,1 x 53 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

La pintura representa a dos figuras en tonos monocromos en gran medida, rodeado de fuertes bloques verticales y horizontales con bandas de color rojo y verde. El trabajo se muestra a los hermanos artistas Frederick y Jessie Etchells en el trabajo. A pesar del hecho de que es un retrato, ninguna de las figuras tienen rasgos faciales. La pintura se ha aplicado débilmente, con la pincelada con textura y bordes sin pintar todavía visibles.

La siguiente obra de arte del museo “Estudio interior”, obra de Henri Matisse (1869-1954), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1903-1904; tiene unas medidas 55 x 46 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: la práctica de estudio (sala 2).

Este cuadro muestra una esquina del apartamento de Matisse en 19 Quai Saint-Michel, París, donde vivió de 1899 a 1907. Los temas de interiores domésticos y naturalezas muertas (en esta pintura dispuestas cuidadosamente una naturaleza muerta de un jarrón de flores, jarras, un vaso que contiene una larga cuchara y un limón en la pequeña mesa en el primer plano) eran típicas de las obras de alrededor del cambio de siglo de Matisse. El pintor asistía a clases de dibujo y escultura entre 1899 a 1904 y gran parte de su trabajo en este período se centra en la materia que surge de su práctica de estudio.

La siguiente obra de arte del museo “Nenúfares”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1916; tiene unas medidas 200.7 x 426.7 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Claude Monet y Mark Rothko (Sala 9)

En la década de 1890, Monet desarrolló un estilo sobre jardín acuático japonés alrededor del estanque en su casa de Giverny, en el noroeste de París. El jardín se convirtió en un “estudio de exterior" para el artista, y los nenúfares que flotan en la superficie del estanque se convirtió en el motivo principal de sus pinturas posteriores. Llenando el lienzo, el estanque se convierte en un mundo en sí mismo, inspirando una sensación de inmersión en la naturaleza. A veces rayan en la abstracción, los cuadros de nenúfares son la culminación de la fascinación de Monet con la luz y sus efectos cambiantes del entorno natural.

La siguiente obra de arte del museo “Plano blanco”, obra de Bram Bogart (1921-2012), realizada en cemento, pintura al óleo y lona, están datado en 1974; tiene unas medidas 240 x 270. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: La pintura con el blanco (Sala 7)

Es un muy gran pintura en blanco monocromo empleando una gruesa capa de pintura se ha aplicado a la superficie del soporte llegando hasta el marco. La zona media del trabajo sigue siendo relativamente plana y lisa, con sólo los márgenes de cada trazo grueso visibles, que corre verticalmente. Sin embargo, la pintura muestra un marco de espesor, acumulaciones de pintura empaste alrededor de los bordes.

La siguiente obra de arte del museo “Metamorfosis de Narciso”, obra de Salvador Dalí (1904-1989), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1937; tiene unas medidas 51.1 x 78.1 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Internacional Surrealismo (Sala 5).

Esta pintura es la interpretación de Dalí del mito griego de Narciso. Narciso era un joven de gran belleza que se amaba sólo a sí mismo y rompió los corazones de muchos amantes. Los dioses lo castigaron por dejarle ver su propio reflejo en una piscina. Él se enamoró de ella, pero descubrió que no podía abrazarla y murió de frustración. Ceder, los dioses lo inmortalizaron como la flor del narciso (narciso). Para esta imagen Dalí utilizó una técnica meticulosa, que describió como “pintado a mano color de la fotografía” para representar con efecto alucinatorio la transformación de Narciso, de rodillas en la piscina, en la mano que sostiene el huevo y la flor. Narciso como era antes de su transformación se ve posando en el fondo.

La siguiente obra de arte del museo “Pintura”, obra de Joan Miró (1893-1983), realizada en temple y óleo sobre lienzo, están datado en 1927; tiene unas medidas 97 x 130.2 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Internacional Surrealismo (Sala 5).

La pintura es un gran lienzo en formato paisaje dominado por una tierra de color azul altamente saturado pintado al temple. Sobre esta superficie monocroma luminosa están dispuestas varias formas delicadamente irregulares. El más destacado de ellos es una forma amorfa blanca flotando a la izquierda, pintada con pinceladas irregulares que permiten vislumbrar el azul debajo. Líneas negras sinuosas y las formas orgánicas más pequeñas en toques de libración negro, rojo, verde, amarillo y marrón entre la abstracción y sugerencias poéticas de los órganos sexuales: las formas del pecho-como aparecen en la parte superior central y abajo a la derecha, y el pezón de este último es casi delimitada por un parche de color marrón oscuro. A la derecha, los pequeños círculos con líneas que cuelgan de ellos pueden sugerir globos en el aire.

La siguiente obra de arte del museo “La Anunciación”, obra de René Magritte (1898-1987), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1930; tiene unas medidas 113.7 x 145.9 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Internacional Surrealismo (Sala 5).

Los objetos en esta pintura parecen ser una hoja de metal con campanas, un recorte de papel y dos balaustradas. Su ampliación y junto con el paisaje crean una sensación de incongruencia recordando la experiencia de los sueños. En la titulación de este trabajo La anunciación, Magritte puede haber sido aludiendo irónicamente a la hostilidad hacia el catolicismo que es mostrada por los surrealistas franceses. Pero el título también sugiere que algo está a punto de suceder, una expectativa que es fundamental para la calidad de este misterioso extraño paisaje.

La siguiente obra de arte del museo “Los tres bailarines”, obra de Pablo Picasso (1881-1973), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1925; tiene unas medidas 215.3 x 142.2 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Internacional Surrealismo (Sala 5).

Las formas irregulares de tres bailarines transmiten una explosión de energía. La imagen está cargada de recuerdos personales de Picasso de un asunto triangular, lo que resultó en el suicidio el corazón roto de su amigo Carlos Casagemas. Amor, el sexo y la muerte están vinculados en una danza extática. El bailarín de la izquierda, en particular, parece poseído por el frenesí incontrolado, demoníaco. Su cara se refiere a una máscara a partir del Estrecho de Torres, Nueva Guinea, propiedad de la artista, y apunta a la asociación de Picasso con las formas primitivas con la expresividad y la sexualidad.

La siguiente obra de arte del museo “Caricias de una estrella en el pecho de una negra”, obra de Joan Miró (1893-1983), realizada en óleo sobre lienzo, están datado en 1938; tiene unas medidas 129.5 x 194.3 cm. Tema: Nivel 2: En el Estudio. Habitación: Internacional Surrealismo (Sala 5).

Esta obra fue construida alrededor de la primera línea de un poema erótico, el equilibrio de las palabras y signos. Los dos triángulos representan tocar a una mujer en el lenguaje de signos de Miró, y el esquema del bulbo con los pelos se relaciona con su signo habitual para el sexo femenino. La estrella aparece sólo como una palabra, a pesar de la escalera alude al deseo de alcanzar las estrellas. Este es un ejemplo de la capacidad de Miró para combinar las imágenes sencillas con el antiguo simbolismo y hacer contacto con los instintos profundamente arraigados en las personas.

La siguiente obra de arte del museo “Botella de Vieux Marc, el vidrio, la guitarra y periódico”, obra de Pablo Picasso (1881-1973), realizada con papel impreso y pintado con tinta, están datado en 1913; tiene unas medidas 46.7 x 62.5 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Collage (Sala 2).

Es una pequeño collage de Pablo Picasso, producido en 1913. Representa a una serie de objetos y fragmentos de papel agrupados en una mesa, el borde ovalado de los cuales se ha elaborado sin apretar en la parte inferior derecha de la composición. Las formas abstractas de una guitarra, vidrio y botella de vino de corte blanco, gris y negro, los papeles de colores se yuxtaponen con las líneas dibujadas indican otros elementos de la forma de cada objeto. La palabra "Vieux", escrita a mano en el cuello de la botella, es oscurecida en parte por, y se solapa, las formas negras. Dos piezas cortadas del mismo periódico Le Figaro –es la cabecera del periódico– se pegan en ángulo recto hacia el centro.

La siguiente obra de arte del museo “La celosía”, obra de Juan Gris (1887-1927), realizada con aguada, papel, tiza y carboncillo sobre lienzo, están datado en 1927; tiene unas medidas 92.1 x 72.7 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Collage (Sala 2).

El cuadro representa una persiana veneciana parcialmente cerrada, a través del cual la luz ilumina una copa de vino y proyecta su sombra sobre la superficie de una mesa de madera. Planos lisos en negro y gris indican las zonas de sombra y de la luz que juega en toda la superficie del vidrio. La luz azul y blanca se ha utilizado para poner de relieve, otros pasajes de la luz y la sombra hacia abajo los extremos ciegos, el lado derecho del cristal y alrededor de la forma de tabla. El tallo de la copa ha sido vagamente esbozado con tiza blanca para dar un sentido de forma.

La siguiente obra de arte del museo “Regalo”, obra de Man Ray (1890-1976), realizada con hierro, están datado en 1921; tiene unas medidas 17.8 x 9.4 x 12.6 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Collage (Sala 2).

Es uno de los iconos más famosos del movimiento surrealista. Se compone de una plancha plana continental para ser calentada en una estufa, transformado aquí en un objeto perturbador, no funcional, mediante la adición de una sola fila de catorce uñas. La transformación de un elemento de la vida doméstica ordinaria en un objeto extraño, innombrable con connotaciones sádicas ejemplifica el poder del objeto dentro del surrealismo para escapar de la regla de la lógica y la identificación convencional de las palabras y los objetos. Man Ray dijo una vez: “Hay objetos que necesitan nombres”.

La siguiente obra de arte del museo “Objeto Marino”, obra de Eileen Agar (1899-1991), realizada en terracota, están datado en 1939; tiene unas medidas 42 x 34 x 23 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Collage (Sala 2).

A pesar de su conocimiento de las principales figuras del Surrealismo Europeo, Eileen Agar se manifestó en las estrategias surrealistas aparentes en su propio trabajo durante la década de 1930, ella no se adhirió a la política radical de sus homólogos europeos. En 1936 fue invitada por Herbert Read y Roland Penrose a exhibir su trabajo en el Surrealista Internacional de Exposiciones en el New Burlington Galleries, Londres. La notoriedad de la exposición elevó el perfil público de Agar considerablemente y, en 1937, fue uno de las pocas artistas solicitado que presente trabajo para el Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo exposición celebrada en el Museo de Arte Moderno, Nueva York.

La siguiente obra de arte del museo “ La Fuente ”, obra de Marcel Duchamp (1899-1991), realizada en porcelana, están datado en 1917; tiene unas medidas 42 x 34 x 23 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Collage (Sala 2).

Es una obra de arte atribuida a Marcel Duchamp. En ese año expuso un inodoro en el museo de Nueva York, este trabajo lo tituló “ La Fuente ” (Fountain) y lo firmó como "R. Mutt". Es una pieza denominada readymade, (también como un objeto encontrado, del francés objet trouvé), habla del arte realizado mediante el uso de objetos ya existentes que normalmente no se consideran artísticos. Con esta obra, Duchamp inició una auténtica revolución en el mundo del arte (introduciendo el vanguardismo) al demostrar que cualquier objeto mundano podía considerarse una obra de arte con tal de que el artista lo quitara de su contexto original (en este caso, un baño) y lo situara en un nuevo contexto adecuado –una galería o un museo– y la declarara como tal. Además, la obra ha sido interpretada de infinidad de maneras, incluso como órganos sexuales femeninos.

Las bases de la muestra de arte a la que Duchamp presentó la pieza establecían que todas las obras serían aceptadas, pero la Fuente fue retirada rápidamente. El inodoro original se ha perdido. La obra es considerada como un hito importante en el arte del siglo XX. Las réplicas echar por encargo de Duchamp en la década de 1960 están ahora en exhibición en una serie de diferentes museos.

La siguiente obra de arte del museo “El tributo americano al pueblo inglés”, obra de Louise Nevelson (1899-1988), realizada en madera pintada, están datado en 1960-1964; tiene unas medidas 311 x 442 x 92 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Louise Nevelson (Sala 7).

La escultura abstracta realizada en color oro está compuesto por treinta y cinco cajas de madera con poca profundidad como un libro abierto, ensamblado en una forma monumental de más de cuatro metros de largo y tres metros de altura. Pertenece a la serie de esculturas “pared” de Nevelson, y la mayoría de las cajas están dispuestas para formar un plano elevado, aplanado como una escultura en relieve, que se coloca contra la pared de la galería. En cada lado, un grupo inferior de cajas sobresale en ángulo recto hacia el espectador, la creación de un espacio de poca profundidad, que encierra. Las cajas, cuyos frentes abiertos están orientadas hacia delante.

La siguiente obra de arte del museo “Pared negra”, obra de Louise Nevelson (1899-1988), realizada en madera pintada, están datado en 1959; tiene unas medidas 264.2 x 216.5 cm. Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Louise Nevelson (Sala 7).

Nevelson comenzó a hacer relieves apilando cajas y cajas de madera, cada una de las cuales contendrían objetos encontrados que ella recogió mientras caminaba por las calles de la ciudad de Nueva York. Muro Negro es un ejemplo temprano de este enfoque, llena de trozos de madera de desecho, tales como recortes de carpintería y fragmentos de muebles. Los elementos dispares se unifican al ser pintada de negro, un color que sugiere Nevelson hará que cualquier aspecto material sea más distinguido.

La siguiente obra de arte del museo “Embriología”, obra de Magdalena Abakanowicz (1930-), realizada en arpillera, gasa de algodón, cuerda de cáñamo, nylon, están datado en 1978-1980; Tema: Nivel 4: Los materiales y objetos. Habitación: Magdalena Abakanowicz (Sala 9).

La embriología es una colección de objetos de distintos tamaños, hechos de varias telas toscas y rellenas. Una vez instaladas, las formas de presentación anárquica se acumulan en grandes grupos que el espectador puede entrar. Los objetos habitan en un lugar ambiguo, perturbadora entre los organismos, materia orgánica y roca. Mientras aparecen firmes y pesadas , las costuras y cortes del tejido traicionan su suavidad. Sus formas son evocadoras y parecen las formas de un capullo larvario, algo que también sugiere el título de la serie, Embriología. Magdalena Abakanowicz hizo estas obras para reflexionar sobre la regeneración y el desarrollo de los sistemas nerviosos humanos y de los animales, los temas que se discutió con los científicos en Polonia durante la década de 1970. Los materiales y la escala de este trabajo son ejemplos de la preocupación de Abakanowicz por la superficie, la textura y la serialidad.

La siguiente obra de arte del museo “Díptico de Marilyn”, obra de Andy Warhol (1928-1987), realizada en acrílico sobre lienzo, están datado en 1962; tiene unas medidas de 205,4 x 144,8 cm.; Tema: Nivel 4: Media Networks. Habitación: Andy Warhol y Las Guerrilla Girls (Sala 1).

El Díptico de Marilyn es una serigrafía realizada por el artista de pop americano Andy Warhol. La pieza es una de las obras más conocida del artista y ha sido alabada por muchos críticos culturales convirtiéndola en un icono del siglo XX.

El trabajo se completó durante unas semanas después del fallecimiento de Marilyn Monroe en agosto de 1962. Contiene cincuenta imágenes de la actriz, todas basadas en una fotografía publicitaria de la película Niagara (1953).

Los veinticinco cuadros situados en el lado izquierdo del díptico son de colores brillantes, mientras que los veinticinco de la derecha se muestran en blanco y negro. Se ha sugerido que la relación entre el lado izquierdo y el lado derecho de la obra es evocadora de la relación entre la vida de la celebridad y la muerte. El trabajo ha recibido el elogio de escritores como el académico y crítico cultural estadounidense Camille Paglia, quién escribió Glittering Images en el 2012, alabando la forma en que se muestra la «multiplicidad de significados» en la vida y el legado de Monroe.

La siguiente obra de arte del museo “Maiastra”, obra de Constanton Brancusi (1876-1957), realizada en bronce sobre una base de piedra caliza, están datado en 1911; tiene unas medidas de 90,5 x 17,1 x 17,8 cm.; Tema: Nivel 4: Media Networks. Habitación: Tiempos modernos (Sala 2)

Mientras trabajaba en París Brancusi conservó una fuerte asociación con las tradiciones de su país natal, Rumanía: Maiastra ejemplifica esta inspiración. La forma pulida evoca un pájaro de oro con poderes milagrosos, que incluía en los cuentos populares rumanos. Las formas de aves talladas de la base de piedra se relacionan con la decoración popular rústica. Haciendo hincapié en una conexión con la naturaleza idealizada, Brancusi había programado originalmente toda la escultura en una alta columna de madera en el jardín de su primer propietario, el fotógrafo Edward Steichen.

El siguiente cuadro es uno de los más famosos “Busto de mujer”, obra de Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1937; tiene unas medidas de 81 x 65 cm. Se expone en el Nivel 4: Media Networks. Habitación: Tiempos modernos (Sala 2).

Representa a una mujer cuyo cuerpo está dibujado en un estilo semi-abstracto. La cara está pintada la mitad en blanco y la otra mitad en gris, lo que sugiere la luz y la sombra, mientras que las líneas verticales y horizontales púrpuras rojas en las mitades superior e inferior de la tela proporcionan un fondo caótico. El vestido de la mujer es de color verde, y este color es recogido en el copa de su sombrero, como es el amarillo de su pelo.

Picasso pintó Busto de una mujer en París el 5 de mayo de 1944, durante los últimos meses de la ocupación nazi. Aunque su trabajo en tiempos de guerra es a menudo visto como austeramente monocromática, cuanto mayor sea la coloración de este trabajo puede sugerir la posibilidad de la liberación. Su modelo era la fotógrafa Dora Maar y la pintura muestra la fisonomía típica que se la atribuyó y que había aparecido en forma sumamente angustiosa siete años antes en la Mujer llorando 1937. En Busto de mujer , Maar se muestra con un sombrero y ropa de color verde, y se sienta en una silla de metal negro. La estructura angular y plana de la cara se logran con una simplicidad lineal, lo que permite la orientación del contraste de la nariz y la boca.

El siguiente cuadro es “Formas únicas de continuidad en el espacio”, obra de Umberto Boccioni (1882-1916), realizado en bronce, esta datado en 1910; tiene unas medidas de 117,5 x 87,6 x 36,8 cm. Se expone en el Nivel 4: Media Networks. Habitación: Tiempos modernos (Sala 2).

En los primeros años del siglo XX, la industrialización se extendió por toda Italia. El movimiento futurista fue fundado por escritores y artistas como Umberto Boccioni, que con entusiasmo sobre los nuevos inventos tales como automóviles y la electricidad. En Formas únicas de continuidad en el espacio, la figura se deforma aerodinámicamente por la velocidad. Boccioni exagerando el dinamismo del cuerpo para que encarna el impulso hacia el progreso. La escultura puede reflejar las ideas del cuerpo mecanizado que aparecían en los escritos futuristas.

El siguiente cuadro es “Carnaval”, obra de Max Beckmann (1884-1950), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1920; tiene unas medidas de 186,4 x 91,8 cm. Se expone en el Nivel 4: Media Networks. Habitación: Tiempos modernos (Sala 2).

Este trabajo representa el punto culminante del Carnaval, una temporada de fiestas de disfraces, bailes de disfraces y desfiles callejeros acompañados de música y el baile. Los dos personajes pudieran ser amigos cercanos de la artista, que posiblemente está representado por el payaso enmascarado. La obra de Beckmann, con sus figuras grotescas y distorsionadas, resume lo que los nazis consideraban era un arte degenerado. Fue despedido de su puesto de profesor en Frankfurt en 1933. Varias de sus obras fueron incluidas en el programa Arte degenerado 1937, que lo impulsaron a abandonar Alemania para trasladarse a Ámsterdam.

El siguiente cuadro es uno de los más famosos “Botella de ron y periódico”, obra de Juan Gris (1887-1927), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1913-1914; tiene unas medidas de 46,7 x 37 cm. Se expone en el Nivel 4: Media Networks. Habitación: Tiempos modernos (Sala 2).

Juan Gris comenzó a pintar en un estilo cubista en 1912 y, bajo la influencia de sus amigos cercanos Picasso y Braque, progresó rápidamente a través del cubismo analítico, con sus formas facetadas y las cambiantes perspectivas, al cubismo sintético, utilizando planos lisos superpuestos de color y de textura .

El siguiente cuadro es uno de los más famosos “Cuenco de fruta, violín y botella”, obra de Pablo Picasso (1881-1973), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1913-1914; tiene unas medidas de 46,7 x 37 cm. Se expone en el Serie: Constelaciones. Habitación: Pablo Picasso - Cuenco de fruta, violín y Botella.

Esta escena de sobremesa, con su periódico (pintado) frutero, el violín, la botella y, se construye a partir de áreas de color que se asemejan recorte de hojas de papel. El fondo se ha dejado en blanco. Picasso y Braque habían estado haciendo collages que experimentaron con la representación y la realidad desde 1912. Pronto comenzaron a simular la apariencia de materiales de collage en sus pinturas al óleo, a veces añadiendo arena a la pintura para dar una realidad aumentada a la superficie del cuadro.

La siguiente obra es “¿Quién es el dueño de qué?”, obra de Barbara Kruger (1945-), realizado en serigrafía fotográfica en vinilo, esta datado en 2012; tiene unas medidas de 292,5 x 279,6 cm. Se expone en el Serie: Nivel 4: Media Networks. Habitaciones: Explora Media Networks (Sala 5).

Es una gran serigrafía fotográfica en vinilo mide casi tres metros cuadrados. Representa una mano que sostiene una pequeña caja entre el pulgar y el dedo índice contra un fondo negro llano. La pregunta provocativa ¿quién posee qué? se superpone en letras mayúsculas blancas sobre fondo rojo a lo largo del lado de la caja. Este objeto se asemeja a la forma y tamaño de una cajetilla de cigarrillos, con el texto que cubre el espacio en el que estaría la marca. Al igual que en muchas de las obras de Kruger al gran tamaño del vinilo y el tratamiento gráfico del texto trata de imitar deliberadamente el lenguaje de la publicidad.

Como nos sucede en todos los museos somos los últimos en abandonarlos, siempre llevamos a los cuidadores a nuestras espaldas hasta la puerta y en esta ocasión no iba a ser menos.

Son las 18,00 horas pasadas cuando salimos del museo Tate, ahora ya no podemos hacer muchas más cosas, incluso el hecho de ir de compras en Londres también es un problema.

A última hora de la tarde la dedicamos a la compra en Londres, hemos elegido la visita al Victoria's Secret of London, se encuentra en la esquina de las calles Brook Street con New Bond Street. Cogemos el metro en Blackfriars y en una parada de la línea roja en la central una estación hasta Bank, trasbordo línea morada y seis minutos más llegamos a Bond Street.

Salimos en plena calle Oxford Street, ya no tiene la efervescencia de un día de compras porque ya casi todos los comercios están cerrados, todavía tenemos tiempo de cambiar 100 euros en una oficina de cambios de la misma calle, conseguimos un cambio de 1 libra 1,25 euros.

La tienda de Victoria's Secret of London, se encuentra en la esquina de las calles Brook Street con New Bond Street. Tiene una cosa buena porque por su horario hasta las 21,00 horas puedes dejarla para la ultimísima hora de la tarde y aprovechar mejor el tiempo.

La compañía que lleva la gestión de la franquicia Victoria's Secret se hizo famosa por la cantidad de supermodelos que trabajaron para presentar sus novedosos modelos, entre otras: Miranda Kerr, Valeria Mazza, Alessandra Ambrosio, Doutzen Kroes, Gisele Bündchen, Candice Swanepoel, Erin Heatherton, Elsa Hosk, Adriana Lima, Izabel Goulart, Chanel Iman, Behati Prinsloo, Ivana Crites, Tyra Banks, Naomi Campbell, Karolina Kurkova, Heidi Klum, Brooklyn Decker, Eugenia Silva, Inés Rivero, Rosie Huntington, Lindsay Ellingson, Karlie Kloss, Lily Aldridge, Barbara Palvin o Cara Delevingne.

Cada año, de veinte a cuarenta de las mejores modelos del mundo de la moda son seleccionadas para caminar en el desfile de moda de la compañía. En un año la empresa contrata alrededor de media docena de mujeres, y se publicitan como «las ángeles de Victoria's Secret», que ayudan a difundir la personalidad de la marca.

La tienda nos ofrece unos escaparates que definen el espíritu de la compañía mostrando lo que ellos llaman con las estrellas del desfile: los ángeles han aterrizado en Londres, donde se ven los modelos de lencería rodeadas de grandes y glamurosas alas blancas.

El interior de la tienda Victoria Secret en Londres, es impresionante por lo lujosa y bonita que es, cuenta con varias plantas comunicadas con una escalera donde se proyectan en distintos paneles escenas de las fiestas y desfiles de las mejores modelos del mundo. Entre los modelos de lencería que exponen es difícil no encontrar algo que verdaderamente te guste porque además las tallas que ofrecen cada modelo es imposible que no encuentres la tuya.

En una de sus plantas vemos en la tienda la submarca Pink, fue fundada en 2004 y dirigida a adolescentes y jóvenes universitarias, vende lencería, pijamas, productos de belleza y accesorios acordes a su edad.

La verdad es que todo este lujo se paga y cuando das la vuelta a la etiqueta te llevas la sorpresa que es difícil encontrar una prenda que baje de las 20 libras pero esto no sirve de impedimento para que muchas chicas de corta edad hagan cola con sus nuevas adquisiciones. Vemos muchas chicas jóvenes musulmanas con sus velos que no tienen ningún problema para comprar las prendas mas sexys, diminutas y ajustadas, es un síntoma de normalidad comercial.

Poco antes de las 21,00 horas llegamos a la estación de metro Waterloo, rápidamente tenemos que espabilar para poder coger el tren de regreso a Windsor. En poco más de 50 minutos estamos en nuestro destino.

Día 26 de julio de 2016 (martes)

Ruta: Windsor-York Km 330 tiempo estimado 4h15'

Por la mañana temprano partimos para el siguiente destino del día en la ciudad de York, antes de salir pido permiso al encargado del parking para que me deje llenar de agua potable la autocaravana.

La mañana la tenemos cubierta porque nos separan 330 km hasta nuestro siguiente destino en York. La circulación por las autopistas inglesas es cuando menos complicada por la cantidad de camiones que transitan y la densidad del tráfico.

Cuando llegamos a York encontramos un parking cercano al centro, el precio es de 8 libras por 24 horas, el único inconveniente es que indica que está reservado para autobús. Llamamos a la policía para ver si podemos quedarnos, nos indican que este parking es tolerado, pero que mejor marchemos al situado en la calle Foss Island.

Les hacemos caso y este parking está situado en plena calle, hay que sacar un ticket que te permite aparcar y pernoctar durante 24 horas, el precio es 6 libras. Las coordenadas del lugar corresponden con: N 53.95661 // W 1,07062 .

Nada más llegar nos marchamos rápidamente para poder descubrir la ciudad de York, el parking se encuentra situado extramuros, tenemos que acceder a la ciudad amurallada por la puerta Walmgate, la más completa de los cuatro principales puertas de entrada a la ciudad medieval. Su parte más antigua es un arco de piedra del siglo XII, tiene una ventana barbacana construida en el siglo XIV, sobre unas puertas de madera del siglo XV y el edificio de entramado de madera en el interior del siglo XVI.

Desde aquí andando hasta atravesar el margen del río Foss. No muy lejos de allí, adentrándose por el laberinto de calles se llega hasta una pequeña colina sobre la que se levanta la Clifford 's Tower. El precio de la entrada en tarifa familiar es de 12,20 libras; el horario es de 10,00 a 18,00 horas.

Clifford's Tower es una reconstrucción del siglo XIII de una de las dos torres que los normandos erigieron a cada lado del río. Muy cerca de ella está el Castle Museum, un museo etnográfico muy interesante en el que, entre otras cosas, se pueden ver recreadas calles con fachadas de casas victorianas y el interior de algunas viviendas de aquella época.

Clifford's Tower formaba parte de las torres del antiguo castillo normando. Originalmente construida por orden de Guillermo I dominaba la antigua ciudad vikinga de York. El castillo sufrió una tumultuosa historia temprana antes de que se convierta en una fortificación importante con extensas defensas de agua. Después de una gran explosión en 1684 las defensas militares restantes se declararon inhabitables, el castillo de York continuó siendo utilizado como cárcel y prisión hasta 1929.

La primera mota del castillo en el sitio fue construido en 1068 después de la conquista normanda de York. Después de la destrucción del castillo por los rebeldes y un ejército de vikingo en 1069, el castillo de York fue reconstruido y reforzado con amplias defensas de agua, incluyendo un foso y un lago artificial. El Castillo York formaba parte de una importante fortificación real en el norte de Inglaterra.

En 1190, 150 judíos locales fueron asesinados en un pogromo multitudinario en la torre del homenaje del castillo, la mayoría de ellos se suicidó con el fin de no caer en manos de los asesinos. Enrique III reconstruyó el castillo de piedra hacia la mitad del siglo XIII, la idea era crear un diseño con forma de un trébol de cuatro hojas. Durante las guerras de Escocia entre 1298 y 1338, el castillo de York se utiliza con frecuencia como el centro de la administración real en Inglaterra, así como una importante base militar para operaciones de contención .

El Castillo York cayó en mal estado entre los siglos XV Y XVI, llegando a ser cada vez más utilizado como cárcel para los delincuentes locales y los presos políticos. En la época de Isabel I se estimó el castillo haber perdido todo su valor militar, pero se mantuvo como centro de la autoridad real en York. El estallido de la Guerra Civil Inglesa en 1642 sirvió para que el castillo de York fuese reparado y fortificado, y juega un papel importante en la defensa de York en 1644 contra parlamentarios. Castillo York continuó siendo una guarnición hasta 1684, cuando una explosión destruyó el interior de la torre de Clifford. El castillo Bailey fue reconstruido en un estilo neoclásico en el siglo XVIII como un centro para la administración del condado de Yorkshire, y fue utilizado como cárcel y prisión. La reforma de la prisión en el siglo XIX dio lugar a la creación de una nueva cárcel construida en estilo gótico Tudor en el sitio del castillo en 1825; utilizado por primera vez como un condado y luego como una prisión militar, esta instalación fue demolida en 1935. En el siglo XX la ruina de la torre de Clifford se había convertido en un destino turístico muy conocido y declarado monumento nacional.

Desde lo alto de Clifford's Tower hay una bonita panorámica de toda la ciudad de York, en cierta forma los edificios más cercanos tienen una apariencia francesa por la plaza donde se levanta el edificio del Tribunal de Justicia del siglo XVIII. En la misma plaza se encuentra el edifico de la antigua cárcel de mujeres.

Desde aquí vamos andando hasta la catedral York Minster, cuando llegamos ya está cerrada para la visita turística, tenemos oportunidad de poder contemplar un hecho insólito. En estos momentos esta una pareja con rasgos chinos haciendo su book fotográfico en las puertas de la catedral, ella va vestida con su maravilloso vestido de novia blanco, cuando sale de la catedral la encargada de la seguridad y les dice que allí en la calle y en las puertas de la catedral no se pueden fotografiar. Como los chinos son tan disciplinados enseguida atienden la prohibición y se marchan. Algo así nos paso a nosotros el día anterior en Londres cuando estábamos haciendo fotografías en el exterior del edificio Tower Bridg House, cuando salió la encargada de la seguridad para decirnos que no podíamos hacer fotografías de los reflejos de la ciudad sobre las cristaleras del edificio, por supuesto, nosotros no la hicimos caso.

Mirando por internet he podido descubrir que no somos los primeros que somos molestados en el exterior de los edificios por fotografiarlo, parece que, en virtud de una aplicación un tanto torticera de sección 44 del Terrorism Act (la ley introducida en el Reino Unido tras los atentados de julio del 2005 en Londres), fotografiar edificios representativos de la capital británica puede convertirse poco menos que en un deporte de riesgo.

A la sombra de la Catedral de York se encuentra la iglesia de St. Wilfrid es una iglesia católica ubicada en el centro de York. Es de estilo neogótico. El arco sobre la puerta principal tiene la talla de estilo victoriano más importante de la ciudad. La actual iglesia fue terminada en 1864 y se considera que es una de las iglesias católicas más perfectamente acabadas de toda Inglaterra, es rica en esculturas, pinturas y vidrieras.

La Iglesia fue diseñada dentro de un estilo neogótico. El arquitecto realizo una copia del estilo del siglo XIII y XIV. Realizando una portada con arco sobre la puerta principal a su lado está la torre que hace que la iglesia parezca más grande.

La iglesia fue terminada en 1864, que costaba alrededor de 10.000£, y fue inaugurada por el cardenal Wiseman en junio de ese año. Se considera que es una de las iglesias católicas ricas en esculturas y pinturas y vidrieras.

Enfrente, esta la plaza Duncombe donde en el siglo XVIII se levanto un memorial con unos pináculos estilo neogótico el llamado Memorial Gardens, donde en 1905 un monumento a los muertos en la guerra Boer. Hasta aquí han llegado la pareja de chinos para hacerse sus fotografías, todavía miran de reojo por si algún miembro de la seguridad pueda molestar su presencia.

Muy cerca de la catedral se encuentra una estatua dedicada a Constantino el grande fue aclamado como emperador en el año 306 en la ciudad de York, después de la muerte de su padre el emperador romano Constancio.

Constantino se convierte en el primer emperador cristiano romano , era un hombre que llegó a cambiar el mundo. Conquisto Constantinopla (Estambul) y toleró la religión cristiana en Roma. Su apoyo al cristianismo dio lugar a que se convierta en la religión de Europa Occidental.

A pesar de los grandes atractivos de esta bella población inglesa, son muy escasos los vestigios de la Eboracum romana que encontramos en la York actual. Entre estos cabe mencionar los cimientos del cuartel general legionario o principial, descubiertos al realizar labores de refuerzo en la torre de la catedral de York. En los exteriores del acceso sur de la catedral se ha erigido una de las columnas pertenecientes a la basílica romana.

Ya es tiempo de solamente caminar por las calles comerciales de la ciudad, hasta que nos topamos con un hombre anuncio sobre el Tour Fantasma de York. El tour incluye: un recorrido turístico de York en un autobús Routemaster vintage, negro y tenebroso para conocer en profundidad el oscuro pasado que albergan los lugares más famosos de la ciudad, como la Torre de Clifford y York Minster. Escucha historias de fantasmas y visita la tumba del legendario salteador de caminos Dick Turpin. Disfruta de un espectáculo de comedia y horror con la narración y comentarios de actores en vivo. El tour parte diariamente a las 7 p.m. desde la columna romana enfrente de la catedral, tiene una duración de: 60-75 minutos precio 5 libras adultos y 4 niños. Decidimos no hacerlo porque estamos muy cansados.

Caminando nos encontramos con la iglesia de St. Henlen's Church que afortunadamente está abierta. La planta de la iglesia (aparte de la capilla mayor) es básicamente medieval, pero la mayoría de las partes del edificio se han reconstruido en un momento u otro, con el resultado de que la iglesia es un compuesto de partes de varias fechas y de varios estilos. La historia exacta del edificio aún no se ha aclarado completamente.

Más adelante llegamos a St. Martin's Church, fue construida en el siglo XI y posteriormente se le añadió la torre en el siglo XV.

Fue restaurada entre 1853 y 1854] por JB y W Atkinson de York. La actuación más importante se realizó en el lado sur y en los extremos orientales de las naves laterales, y se añadió la almena, para reemplazar una que había sido retirada 40 años antes. El pórtico se añadió en el extremo este de la calle Coney, y se levante un porche al sur cerca de la torre. Las vidrieras se cambiaron sustituyendo las antiguas de la mano de William Wailes.

En el frente de la iglesia se añadió el reloj en 1856 por el Sr. Cooke, con una figura tallada que se puede ver la figura de la “Little Almirante” desde 1778.

La iglesia fue gravemente dañada por los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial el 29 de abril de 1942 y fue reconstruida entre 1961 y 1968 bajo la supervisión de George Pace.

Desde aquí marchamos a la calle Foss donde tenemos el aparcamiento, hoy vamos a dormir en una calle llena de transito, no somos muy tiquismiquis y seguro que dormimos a pierna suelta.

Día 27 de julio (miércoles)

Ruta: York Castle Howard Km 26; Fountain's Abbey 64 km.

Esta mañana lo primero que vamos a hacer es ver la catedral de York porque ayer no tuvimos tiempo, antes, por la mañana sacamos nuevamente un ticket para otras 5 horas, en total pagamos 6 £, creemos que será el importe suficiente para que nos dé tiempo a la visita la catedral de York, que ayer nos cerraron en nuestra cara.

Caminamos nuevamente hacia York Minster. La entrada a la catedral de York tiene una tarifa familiar para 2 adultos y dos niños es de 20 £, no sacamos la subida a la torre que vale otras 5 £. El horario es de 9,00 a 17,00 horas.

La catedral es de estilo gótico y por sus grandes dimensiones constituye la segunda catedral gótica más grande del norte de Europa, después de la de Colonia. En inglés, la denominan como «York Minster» hace referencia al título honorífico de la minster, que corresponde a iglesias de fundación monástica en época anglosajona.

La amplia nave y la sala capitular son de estilo gótico inglés decorado, el coro es de estilo gótico perpendicular y el transepto gótico primitivo inglés. En la nave se encuentra la vidriera West Window, construida en 1338 y sobre la capilla de la Virgen (Lady Chapel) en el este, se encuentra la Great East Window, terminada en 1408.

El transepto es la parte más primitiva de la actual edificación y su construcción se produjo entre 1220 y 1270, se encuentra orientado de norte a sur. En la parte norte se sitúa la vidriera de las cinco hermanas, cinco ventanales contiguos de forma ojival de más de 16 metros de altura. En la parte sur se localiza un famoso rosetón, cuyos cristales datan de alrededor del año 1500 y que conmemoran la unión de las casas reales de York y de Lancaster. La cubierta del transepto es de madera, la de la parte sur se quemó en el incendio de 1984 y fue reemplazada en los trabajos de restauración que se llevaron a cabo.

Los trabajos de la sala capitular y el vestíbulo que la comunica con el transepto, se comenzaron después de acabado la construcción completa del transepto.

Su estilo es de los primeros ejemplos del estilo gótico decorado o gótico curvilíneo inglés (decorated period), de patrones geométricos que se utilizaron en la tracería de las ventanas, que son más amplias que las realizadas hasta entonces.

Sin embargo, el trabajo se terminó antes de la aparición del Arco conopial, en forma de doble S tumbada que se utilizó ampliamente en el final de este período. Las ventanas abarcan casi todo el espacio superior de la pared, llenando de luz la sala capitular. La forma de esta sala es octogonal, como en muchas otras catedrales, pero en este caso es destacable la ausencia de columna central que sostenga la techumbre. La cubierta de madera, fue un diseño innovador, es suficientemente ligero para poder ser soportado por los contrafuertes. La sala se encuentra decorada con esculturas de cabezas, estas representan unas de las mejores representaciones de escultura gótica del país, son cabezas humanas, no hay dos iguales, ángeles, animales y figuras grotescas. Exclusivo del transepto y la sala capitular es el uso de mármol de las canteras de Purbeck para adornar los pilares, que se añade a la riqueza de la decoración.

La nave fue construida entre 1291 y 1350 en estilo gótico. Es una nave amplia, la más amplia de Inglaterra y tiene cubierta de madera, aunque pintada con apariencia de piedra y las naves laterales tienen bóveda de piedra. En su extremo oeste se encuentra La Gran ventana del Oeste, conocida como “Heart of Yorkshire” (el corazón de Yorkshire).

La parte más oriental de la catedral fue construida entre 1361 y 1405 en estilo gótico perpendicular. A pesar del cambio de estilo perceptible en detalles como la tracería y los capiteles, este ala preserva el mismo patrón del resto de la nave.

La Torre Central escasamente decorada fue construida entre 1407 y 1472 y está también en estilo perpendicular. Por debajo de ésta, separando el coro de la nave, se localiza una celosía que contiene esculturas de los reyes de Inglaterra, desde Guillermo el Conquistador a Enrique VI. Por encima se encuentra el órgano, que data de 1832. Las Torres de Oeste, en contraste con la torre central, están muy decoradas y están rematadas con almenas y pináculos.

En la girola podemos ver una pantalla que la separa del altar mayor es llamado “Pantalla de los Reyes” también conocida como la pantalla de la mano de papel, es una de las piezas más famosas de la catedral de York. Inusualmente, la pantalla es asimétrica, con 15 estatuas talladas que representan a los reyes de Inglaterra, lo que significa que la puerta que conduce a la mano de papel está descentrada.

La pantalla fue diseñada en torno a 1420 y cuenta con reyes ingleses que van desde Guillermo el Conquistador a Henry VI. Se cree que fue pensado originalmente para ofrecer 14 estatuas hasta Henry V, pero se necesitaba una revisión apresurada cuando su reinado fue inesperadamente truncado en 1422 antes de que se terminara la pantalla, y se hizo necesario incluir Enrique VI.

Detrás del altar mayor se sitúa La Gran ventana del este, (the Great East Window), el de mayores dimensiones de todo el mundo.

El Gran Vitral del este data de 1405 y es la obra maestra medieval de maestro vidriero John Thornton. Es una obra de gran ambición, que representa el principio y fin de todas las cosas desde el libro del Génesis, al Libro de la Revelación , conocido en la Edad Media como el Apocalipsis.

Las escenas de la Apocalipsis esta llena de escenas con una complejidad, en el que cada una de ellas forman una narrativa única, hacen de esta una tarea particularmente difícil, los vitrales se caracterizan por la originalidad y frescura fruto de una visión diferente de Thornton.

Bajando a la Cripta de la Catedral podemos admirar la parte más antigua con unos capiteles en las columnas labrados y la hermosa bóveda de nervadura curvada. La cripta tiene un estilo arquitectónico romano normando ejecutada durante arzobispos Thomas y Roger.

En la cripta de la catedral podemos ver una obra curiosa la llaman “Doomstone” o Alivio de los diablos, es un relieve sobre una piedra caliza del siglo XII.

El relieve muestra un caldero en el que están siendo empujados y torturados las almas condenadas. Por encima de la caldera hay una mujer bien vestida que representa el lujo, y hay dos figuras con carteras pesadas colgadas alrededor del cuello que representan la avaricia. El caldero, lamido por las llamas, se apoya en dos demonios y dos diablos mantienen un alma torturada en las llamas. A la derecha hay tres bocas del infierno. Las ventanas de la cara central están siendo limpiadas por sapos. Se cree que durante mucho tiempo la piedra formó parte de un friso externo en la catedral el arzobispo Roger Pont l'Evêque, pero fue muy poco usado, es más probable que vino originalmente de alguna estructura interna.

En la misma cripta podemos ver la capilla “Santa Ana enseñando a leer a la Virgen ”, obra de un escultor anónimo, esta datada en el siglo XV.

La escultura estuvo policromada y todavía conserva algunos restos, esta formada por Santa Ana que se encuentra de pie, lleva en su mano izquierda un libro, a su derecha, también de pie esta la Virgen a la edad de siete u ocho años, escuchando las indicaciones de su madre, aunque parece que por su mirada su imaginación se encuentra en algún pasaje de su vida posterior.

Más adelante podemos ver la escultura “ La Virgen y el niño”, obra de un autor desconocido, esta datada en el siglo XII.

Destaca porque conserva una inscripción Sca Maria “Saint Mary”. La mano del Cristo infantil se convierta en bendiciones.

También podemos ver una fuente bautismal del siglo XV construida en época medieval, se ha añadido un mueble con forma de retablo para taparla diseñado en 1946 por Sir Ninian Comper, construido por Ratee and Kett. La fuente se encontraba originalmente en la capilla Bedern, York.

Mención aparte tiene los memoriales que se introducen en la nave de la catedral. Uno de ellos, se encuentra situado en el ala norte del coro pertenece Thomas Watson Wentworth (m. 1723), la obra diseñada por William Kent, ejecutada por Giovanni Baptista Guelfi.

Era un parlamentario que 1695 Watson heredó la fortuna del conde de Strafford, incluyendo el Wentworth Woodhouse, como el hijo del segundo conde. Esto fue una preferencia del conde, y dio lugar a una feroz rivalidad entre las familias. En reconocimiento del legado, Watson adoptó el nombre de Wentworth, convirtiéndose Thomas Watson-Wentworth a partir de entonces.

Más adelante podemos ver el memorial de Sir Henry Bellasis 1555-1624. Destaca por su policromía y su vestimenta medieval, se representa arrodillado acompañado de su esposa

Era un noble que se dedico a la política, fue parlamentario y nombrado juez de paz, era también un miembro del Consejo de la Norte desde 1603 hasta la muerte. Fue nombrado Alto Sheriff de Yorkshire para 1603-1604.

Podemos ver un arcosolio con la “Tumba del Arzobispo Thomas Savage”, fue enterrado en 1507.

Thomas Savage (1463-1507) fue capellán del rey y un arzobispo de York, su vida eclesiástica llega hasta lo mas alto el 3 de diciembre de 1492, Thomas Savage fue nominado obispo de Rochester, luego fue nombrado obispo de Londres , se traslado el 18 de enero 1501 para ser nombrado arzobispo de York, un puesto que mantuvo hasta la muerte. Entro de lleno en la historia inglesa porque mientras que era arzobispo se ocupó de la ceremonia del matrimonio de Arturo, Príncipe de Gales con Catalina de Aragón. Desgraciadamente en príncipe Arturo murió joven, y su hermano Henry, que se convirtió en Enrique VIII, y luego se casó con Catalina.

Después de visitar la catedral damos una vuelta por el centro comercial de York, en estos momentos está muy animado pero decidimos continuar el viaje hasta nuestro siguiente destino es el castillo de Howard.

Antes de abandonar la ciudad tenemos una gasolinera enfrente del parking a un precio muy bueno 1,077 libras, pedimos permiso para llenar agua, aunque nos advierten que el agua es no potable, y podemos vaciar en la zona del lavadero de coches. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 54.96008 // W 1.07117.

El castillo de Howard está a unos 20 km dentro del mismo condado de York, la distancia la hacemos en poco más de 40 minutos.

El Parking para visitar el Castillo Howard para autocaravanas, es gratuito, se encuentra situado en las coordenadas GPS del lugar corresponden: N 54.11907 // W 0.91071 .

El parking es muy grande, tiene separada la zona de los autobuses donde nos situamos. Tiene una zona donde podemos ver tiendas de campaña, durante el verano funciona como camping y poder pasar la noche. El Holiday Home Park está abierto todo el año Camping & Touring desde 1 de marzo al 31 de octubre el año 2016. El horario para la visita al castillo es de 9,00 a 17,00 horas y el precio durante el verano es de 23 libras.

La entrada conjunta al Castillo de Howard más la visita a los jardines, tarifa familiar 2 adultos y 2 niños es de 44 libras.

El castillo fue construido por Charles Howard, era un noble y se dedicaba a la política, tenía el titulo de tercer conde Carlisle, contrato a los arquitectos John Vanbrugh y Nicholas Hawksmoor. Fruto de los trabajos crean uno de los edificios barrocos más distinguidos de Inglaterra en el siglo XVIII, modificando el paisaje que lo rodea para crear un jardín con templos, monumento y mausoleo.

El diseño de Vanbrugh se definía en una estructura barroca con dos alas simétricas en cada uno de los lados de un eje norte-sur. La cúpula central se añadió en posteriores diseños, después de que se hubieran iniciado las obras. Se empezó por el ala Este que se construyó entre 1701 y 1703. Se siguió por la zona este de la fachada del jardín (1701 a 1706), el bloque central (incluyendo la cúpula) (1703 a 1706) y la zona oeste de la fachada del jardín (1707-1709). Todo estaba decorado en estilo barroco, con querubines, cornisas y urnas, con columnas de estilo dórico en la fachada norte y de orden corintio en la sur.

La entrada al edifico destaca la Gran escalinata, fue construida debajo de una linterna, decorada en las paredes con los retratos de los seis primeros condes de Carlisle y un precioso retrato de Antonio Pellegrini en el que se representan las tres hijas del 1er conde. Sobre el rellano que se le dio el nombre de China Landing se colgaron dos retratos del noveno conde y la condesa, estos fueron los últimos condes, a su muerte, la propiedad se dividieron entre sus hijos y hoy en día el Castillo de Howard es la residencia de los descendientes de Geofrey Hoeard, el hijo pequeño del noveno conde y condesa. También podemos contemplar el retrato de Simon Howard vestido de Alto Sheriff del condado de North Yorkshire, fue pintado por el artista chino Chen Yan Ning. Entre la decoración podemos ver una vitrina de estilo victoriana donde se encuentra la colección de las vajillas de porcelana, tiene estilos diferentes Meissenm Sèvres y Chelsea.

La primera estancia del castillo es el dormitorio y vestidor de Lady Georgiana, fue decorado en 1801 para el enlace entre Georgiana Cavendish y el sexto Conde de Carlisle, sirvió para la unión de dos grandes casas nobles las del Castillo Howard y las de Chatsworth en el condado Derbyshire. En el dormitorio podemos ver el retrato de la familia Howard del siglo XIX, así como de sus parientes más cercanos. En la pared Este se encuentra un sonajero de plata dorada y de coral debajo está la imagen donde se ve a la pequeña Georgiana con un sonajero idéntico. En el vestidor se encuentra un Opflaptafel holandés (aparador de baño) del siglo XVIII, parece un armario pero en la parte superior se abre para dejar a la vista una urna de peltre –es una aleación metálica–, con un lavamanos y dos espejos.

Pasamos al vestidor y dormitorio del Castillo de Howard, decorado con mueble de madera de satín, obra del ebanista georgiano, John Linnell, están datados entre 1777 y 1789. La cama se cortó el dosel en el siglo XIX; el gran armario es de madera de satén fue construido en 1775 y se le atribuye al maestro Christopher Furlohng. Los paisajes de las paredes son obra del pintor veneciano Marco Ricci, que trabajo en el castillo de Howard entre 1709-1710.

El pasillo se le llama Pasaje de las antigüedades, aquí tuvo la intervención del cuarto conde, era un gran coleccionista y logro reunir: bustos, estatuas, encimeras de mármol y vitrinas que compro durante su visita a Italia entre 1739-1740. La mayoría de estas piezas son de la época clásica, aunque hay varias copias.

La joya del diseño de Vanbrugh es la construcción del Gran Hall, es una bóveda de 21 metros de altura que confiere una silueta única al Castillo de Howard. Las paredes fueron pintadas por Antonio Pellegrini donde se plasman los cuatro elementos y los signos del zodiaco, así como el cuento de Faetón y la caída del carruaje de su padre. Desgraciadamente un gran incendio en 1940 destruyó un tercio de las estancias, entre ellas está parte. La parte exterior se rehabilitó entre 1960 y 1962.

La parte superior del castillo esta dedicada a la estancia que se conocían con el nombre de High South. Era la prolongación del Grat Hall, y se utilizaba para recibir a los visitantes más importantes en ocasiones públicas. En el siglo XIX estas estancias se convirtieron en cámaras y la reina Victoria se alojó en ellas durante su visita en 1850. Al principio las paredes estaban decoradas con frescos de Antonio Pellegrini pero debido al gran incendio de 1940 muchas de ellas se perdieron. No fue hasta 1990 cuando comienza su rehabilitación, aunque solamente se hacen distintas actuaciones para el rodaje de la película Retorno a Bradisheadm basada en la novela Evelyn Waugh. La productora pintándola transformó la sala central en una espectacular estancia. Las paredes, los frescos, la chimenea, el espejo y los marcos de las puertas son un reproducción de sus originales, así como la gran cama; la única excepción es el suelo de roble que se instalo durante el rodaje.

La sala de música exhibe los pianos de Broadwood, están datados entre 1796 y 1805, también se puede ver un arpa inglés, datado en 1800. Era el lugar para tocar en directo música delante de la familia, también hay una gran colección de partituras reunidas durante los siglos XVIII y XIX. En las paredes podemos ver lienzos de Leandro Bassano, Giralomo Bedoli y Annibale Carracci, es la colección que consiguió reunir el quinto conde. Hay una serie de retratos musicales titulados The Opera Rehearsal, pintado por Marco Ricci.

La siguiente estancia es el comedor carmesí, donde se exhibe una vajilla de postre Crown Derby, esta datada entre 1796-1801, está decorada con imágenes de plantas y tienen un borde amarillo vivo. En las paredes se puede ver cuadros veduta venecianas pintadas por Bellotto y Canaletto, a su lados hay varios cuadros ecuestres son de George Stubbs y John Wootton.

Más adelante pasamos a la Sala de Estar Turquesa, fue rehabilitada en el año 2002 se empapeló de nuevo en un color damasco azul turquesa. En sus paredes se pueden ver una importante colección de retratos, entre los que se incluye el grandioso retrato del quinto conde, obra de Sir Joshua Reynolds; a sus pies se ve a su perro Rover, que le acompaño durante su recorrido por toda Italia en 1768. Otros de los retratos está el de Frederic Leighton de la novena condesa, fue pintado justo antes de su matrimonio en 1865. La escena rural de Thomas Gainsborough, Girl with Pigs (Niña con cerdos), es el cuadro más famoso de los que se exponen en el Castillo de Howard. En la sala está decorada con muebles de madera dorados de Linnell, están datados en el año 1775.

La siguiente estancia se le llamo Sala del Museo, donde se puede ver unos paisajes de Giovanni Costa por encargo del noveno conde que sirvió de mecenas al pintor italiano. Se formo la Escuela Etrusca de pintura. En los armarios de siglo XVII procedentes de Italia se puede ver una variada colección de mármoles y piedras semipreciosas; el gran jarrón tulipanero de Delft es de finales del siglo XVII, se solían colocar flores en las boquillas que tienen forma de una criatura extraña.

Más adelante podemos ver la Long Gallery tiene 54 metros de largo con un octógono en el centro. Se construyó como una zona dedicada a las exposiciones, el interior fue diseñado por Charles Heatcote Tatham entre 18100 y 1810. En las paredes se colocaron una serie de tapices sobre el octógono, obra de John Vanderbank, donde se describen las cuatro estaciones. El séptimo conde recibió el enfriador de vino de madera de pantano construido en plata dorada como un regalo después de la derrota en las elecciones parlamentarias de 1841. En la pared norte de la galería se hallan seis vistas de una imaginaria Roma pintadas por Paolo Pannini y cuatro vistas del Castillo de Howard a finales del siglo XVIII, obras de William Marlow.

El castillo de Howard, como muchas de las casas de la nobleza debían de contar con su capilla privada, ésta , fue levantada entre 1870 y 1875, fue decorada por la famosa empresa Morris & Co. Los frescos fueron diseñados por Charles Kempe, y las vidrieras son de Edward Burne-Jones y representan escenas de la vida de Cristo. La mampara bordada es obra de William Morris y representa escenas de tres heroínas. La capilla se utiliza durante todo el año en el rito de la iglesia anglicana.

Saliendo del castillo hay un gran jardín formal inmediatamente detrás de la casa. La casa ocupa un lugar destacado en un promontorio y esto fue aprovechado para crear un parque natural de estilo inglés, que se abre desde el jardín formal y se funde con el parque.

Dos importantes edificios del jardín se pueden ver en este paisaje: el Templo de los Cuatro Vientos en el extremo del jardín, y el Mausoleo en el parque. También hay un lago a cada lado de la casa. Hay un jardín arbolado, obra de Ray Wood, y el jardín amurallado contiene decorativos rosales y jardines de flores. Otros edificios fuera de los jardines protegidos incluyen Pirámide de Hawksmoor restaurada en el año 2015, un obelisco y varias construcciones con forma de fortificaciones que han sido restaurados en los últimos años.

La fuente más importante del jardín se llama Atlas Fountain, junto con el estanque fue construido en 1850. Fue exhibida en la Exposición antes de la instalación.

Fue diseñado por William Andrews Nesfield y las figuras esculpidas fueron talladas en piedra de Portland por John Thomas quien se le pagó £ 1.183 10s .

Las elementos de la fuente: la taza, los pedestales, conchas y cuenco fueron hechas por artesanos locales. La ingeniería en el diseño de los conductos del agua se terminó por James Easton, que toma el agua de un arroyo en Coneysthorpe y el uso de una máquina de vapor para bombearla cuesta arriba hasta el depósito de Ray Wood.

La fuente destaca por el impresionante gran globo de bronce que está apoyado sobre los hombros de un Atlas. Cuatro reclinados tritones soplan agua a través de las conchas sobre el Atlas que está de rodillas sobre un pedestal en el centro del cuenco. Otros surtidores llenan las cuencas inferiores con formas de conchas de vieiras, que anegan el cuenco central produciendo una cascada espectacular de agua blanca.

Después de la visita al castillo situamos la autocaravana en una sombra del parking para poder comer a gusto porque hoy pica el sol y el calor, pero enseguida abrimos las ventanas y el aire baja la temperatura.

Nuestro siguiente punto es la visita a la Abbey Fountains , nos separan unos 58 km, el recorrido es sencillo pero tardamos 1 hora y 15' en llegar, mientras buscamos el parking el tiempo se nos echa encima.

Llegamos a última hora de la tarde cuando ya está cerrado el parking para visitar la Abadía de Fountains, que se encuentra situada en el mismo condado de Yorkshire. Siguiendo las indicaciones de un hombre de una granja, nos trasladamos dos kilómetros donde se encuentra un parking perteneciente al Parque Nacional, donde nada indica que no se pude pernoctar, es gratuito. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 54.10817 // W 1.58800 .

El parking es solitario en estos momentos y sirve para hacer excursiones dentro del Parque Nacional de Fountains, si no tienes miedo, es un sitio ideal para pasar la noche tranquila.

Antes de llegar al parking vemos una inquietante señal que indica Weak Bridge con una limitación de peso de 3·toneladas m.g.w. La verdad es que pasamos el puente porque es de piedra e imaginamos que no tendría consecuencia, además vemos pasar vehículos que aparentemente pesan más que nosotros, imagino que nuestros vehículos en este momento superamos con creces ese peso.

Día 28 de julio (jueves)

Ruta: Abadía de Fountains en Yorkshire del Norte -North Berwick- Edimburgo

A primera hora de la mañana vemos como llega un 4x4 con personal del Parque Nacional pero no nos dice nada, hace un pequeño recorrido por el parking, ve que somos gente de fiar y se marcha rápidamente.

A las 9,30 salimos del parking en dirección a la Abadía , son 2 escasos kilómetros hasta el parking de la propia abadía, en ese momento no esta abierta porque el horario comienza a las 10,00 horas, no nos importa mucho porque comienza a llover. Nos equipamos con nuestras mejores galas para la lluvia porque este es un paraje muy grande y distante que te puede sorprender con una intensa lluvia sin que tengas un sitio donde poder resguardarte.

El parking para autocaravanas para la visita a la Abadía de Fountains es muy amplio, está delimitado para coches y otro para vehículos autocaravanas y autocares, es gratuito. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 54.11367 // W 1.58273 .

A las 10,00 en punto en horario británico abren la taquilla, somos los primeros, la tarifa familiar 2 adultos + 2 niños son 32,50 libras.

La mujer que nos atiende al comentar las previsiones del tiempo nos indica que lloverá un poco pero no con mucha intensidad lo que nos permitirá una visita especial del monasterio. Quizás hemos sido muy benevolentes al creerla porque imagino lo que quiere es vender las entradas y las cosas del tiempo son más responsabilidad del cielo.

La Abadía de Fountains tuvo su origen en 1132 por el desacuerdo surgido en la Abadía de Santa Mary de York, debido a 13 de sus monjes re revelaron y pidieron protección del Arzobispo Thurstan de York, este le concedió unas tierras en el valle del río Skell, estos fueron trasladados a su nueva implantación donde llegaron el 21 de diciembre de 1132.

El lugar elegido era un lugar lleno de paz y protegido de las inclemencias del tiempo. Disponía de todas las condiciones naturales para un desarrollo como era la madera y la piedra que garantizaba la construcción con un río y varios arroyos que garantizan el elemento más importante para la vida. Este grupo de monjes dio el nombre de Santa María de las Fuentes que pudo derivar de la ubicación geográfica bien de San Bernard de Fontaines –conocido como Bernardo de Claraval– que era el abad cisterciense de Clairvaux de Francia, entre 1115 a 1153, este animo a los monjes a unirse a la orden cisterciense en 1135. Gracias al apoyo de esta orden, la nueva abadía establece un ambicioso plan de construcción.

La orden cisterciense promueve el ascetismo, el rigor litúrgico dando importancia al trabajo manual. Además de la función social, la orden ejerció una influencia importante en los ámbitos intelectual o económico, así como en el ámbito de las artes y de la espiritualidad. Los monjes cistercienses desarrollaron una caligrafía redonda, regular y muy legible. Inicialmente, los manuscritos se decoraban con motivos florales, escenas de la vida cotidiana o del trabajo en el campo, alegorías sobre el combate de la fe o sobre el misterio divino.

Su hábito es unas túnicas blancas confeccionadas con lana de oveja blanca y los escapularios negros, retenida por un cinturón que se lleva por debajo; el hábito de coro es la tradicional cogulla monástica, de color blanco. El uso de ropa interior estaba prohibido, aunque se permitían calzones para poder hacer viajes largos. De hecho, se los llamó en la Edad Media «monjes blancos», en oposición a los «monjes negros» que eran los benedictinos.

Los monjes tenían como uno de los deberes más importantes la educación, sabían leer y escribir. Hacían votos y pasaban sus vidas dedicadas a la oración y a la meditación. Permanecían en silencio la mayor parte de su vida y utilizaban un sistema de señas para poder comunicarse entre ellos. Se esforzaban en buscar la perfección espiritual al conjugar el ascetismo y el rigor litúrgico rechazando la ociosidad en contraposición al trabajo manual.

El canto gregoriano, componente importante del oficio monástico, no era ajeno a la búsqueda cisterciense de la autenticidad de la tradición monástica y el desposeimiento de las formas. Durante ocho veces al día cantaban su adoración al Señor en los servicios religiosos que celebraban ocho veces al día.

El éxito económico de la abadía comenzó porque los nobles empezaron a dar donativos y terrenos a cambio de las oraciones de los monjes para la salvación de sus almas, esto contribuiría progresivamente a una transformación radical de la orden, que se apartaba cada vez más de la austeridad de Bernardo de Claraval. La transformación de los cistercienses en diezmeros se produjo a partir de los años 1200. Con ello, aquello que proporcionó popularidad a la orden en sus comienzos desapareció, y decayó en favor de las órdenes mendicantes.

Los monjes comenzaron a dedicar su tiempo a la oración y entraron los Hermanos Laicos, eran monjes que trabajan las granjas y las tierras. Habían hecho votos monásticos, pero llevaban hábitos marrones en lugar de blancos. Realizaban los trabajos rutinarios de la abadía, y asistían a menos servicios religiosos.

Dado que hacen los trabajos duros del monasterio se les permitía dormir más horas y consumir más alimentos para que pudieran realizar los trabajos físicos. Gracias a ellos la Abadía de Fountains nunca hubiera sido tan rica. Muchos trabajan para la abadía como albañiles, curtidores, zapateros, canteros, herreros, pero su principal tarea era cuidar de los grandes rebaños de ovejas. Vivían en granjas situadas al oeste del Lake District (Distrito de los lagos) y en la parte norte en dirección a Teeside. Esta abadía tenia como principal recurso económico la venta y manufacturas de la lana, pero también participaba en la extracción de hierro y plomo, la explotación de las canteras de piedra y la cría de caballos.

El monasterio llego al 1400 en que comenzaron las crisis porque estos monjes que hacían el trabajo duro empezaron a faltar porque los hombres legos tenían otras oportunidades en la vida, mientras el monasterio había crecido tanto que no podían administrar sus tierras y bienes.

El siglo XV empezó mucho peor, las malas cosechas, enfermedades entre los rebaños de ovejas y los ataques de las tribus escocesas y por su puesto la plaga de la peste negra fue tan grande que ante la falta de hermanos se vieron abocados al arrendamiento de muchas de sus tierras y granjas monásticas. Entonces los monjes empezaron a cobrar dinero y productos en concepto de renta. A finales del siglo las granjas lecheras empezaron a sustituir a la tradicional cría de ovejas.

El último abad responsable de la abadía entre 1495 y 1526 Marmaduke Huby, era un hombre muy poderoso, mando construir una torre impresionante, Pero la situación política en Inglaterra entre Enrique VIII y el papa no pasa por buenos momentos, al rey le molesta la independencia de las ordenes religiosas, además de controlar sus riquezas. Mediante una ley parlamentaria clausuró todas las abadías y los conventos en lo que llegó a conocerse como la Disolución de los Monasterios. Al ser una de las abadías más grandes del país, Fountains fue una de las últimas en cerrarse lo que se produjo en noviembre de 1539.

Algunos monasterios intentaron resistir, pero después de que tres abades fueran ejecutados, el resto se resignó a los hechos; la creación de la Iglesia Anglicana era un hecho irreversible hizo que Enrique VIII ofreciera también a numerosos abades y monjes la posibilidad de integrarse a dicho núcleo religioso como predicadores pagados por el gobierno, mientras que otros monjes recibirían una pensión vitalicia como compensación financiera por perder su medio de vida. Tal posibilidad hizo que muchos monasterios aceptaran la confiscación real sin mayor resistencia.

El abad Fountains recibió una pensión de 100 libras al año, una importante cantidad para la época, su prior 8 libras y los 30 monjes les entregaron 5 libras a cada uno. En tanto la Corona se había reservado la entrega de los objetos de oro y plata, los cristales, ornamentos, y objetos similares fueron vendidos a ricos terratenientes, inclusive los edificios religiosos fueron deliberadamente destruidos en el afán de extraer piedras para otras construcciones o vigas metálicas para su reventa. También se perdieron importantes libros y manuscritos antiguos, algunos destruidos pero muchos otros vendidos a coleccionistas ricos y luego sacados de Inglaterra y dispersados por Europa. En el monasterio se empezaron a derribar algunas dependencias, el plomo del tejado se desmonto para fabricar armas. Se quitaron las vidrieras de las ventanas y algunas de ellas fueron a parar a las catedrales de Ripon y York. Finalmente la abadía se vendió en 1540 a Sir Richard Gresham, era parlamentario e hizo uno de los pelotazos urbanísticos más importantes de la época, por la suma de 1163 libras; en 1596 Sir Stephen Proctor la adquirió por 4500 libras; después pasó a la familia Messenger; en 1786 Sir W. Aislabie la compró por 18.000 libras; a principios de siglo era propiedad del marques de Ripon y pasó más tarde a manos del Estado.

La construcción de la abadía comenzó en 1132, con roca de los alrededores y utilizando la madera sufrió un ataque y fue muy dañada en 1146, la reconstrucción se hizo enteramente en piedra siguiendo la arquitectura de la orden del cister, sin embargo los edificios del monasterio original fueron alterados en la etapa posterior de la orden, por lo que el monasterio perdió la estructura estricta del tipo cisterciense.

La iglesia se levanta a poca distancia al norte del río Skell, en 1170 se había completado y la nave mide 91 metros con 11 bahías entre las capillas laterales, es alargada y desemboca en un corto transepto que fue ampliado en el lado norte levantado una torre de 49 metros de altura entre 1494 y 1526 por orden del abad Huby con el lema “Soli Deo honor et Gloria”, el transepto sur tenía una pequeña sacristía, el coro era profundamente alargado al gusto de la arquitectura inglesa y el altar mayor formado con forma de un rectángulo .

En el extremo sur se levanto un enorme Cellarium, la palabra viene del latín y significa despensa, también conocido como una cripta, era un almacén o trastero. En los monasterios ingleses se encuentra normalmente dentro o debajo de los edificios de la gama al oeste del claustro.

La estancia servía para almacenar los materiales de construcción, además de alimentos, cerveza y vinos bajo la supervisión del cillerero, en la mayoría de los monasterios era asistido por un sub-bodeguero.

Fue construido con piedra con unas columnas de nervios en forma de palmera de una gran robustez para sujetar los grandes pesos de los materiales almacenados, a lo largo de la nave se abrieron grandes arcos góticos para producir ventilación. Encima de esta nave se encontraba el edificio que albergaba las estancias de los monjes.

Al oeste del Cellatium y al sur de la nave de la iglesia se levanto el Claustro, era un recinto cuadrado del que solamente se conservan las cuatro paredes y el lavatorio en el centro del jardín. En el lado este se levanta la sala capitular que limita con el brazo sur del transepto.

En el extremo sur del coro se levantaron el amplio refectorio, la cocina y el calefactorio, ya muy cerca del margen del río Skell.

Encima del calefactorio se levantaba una sala que se llamaba Muniment, y se utilizaba para guardar libros, escrituras, y el dinero –en aquella época era la caja fuerte y hacia la función de un banco por parte de los monasterios donde se guardaban los artículos se podría dejar con seguridad.

Hacia el este del claustro se levantó el edificio del abad, era uno de los más grandes e importantes de toda Inglaterra, no se puede decir que era lujoso porque esa palabra no podía entrar dentro de la regla del cister pero si de una especial construcción.

En dirección oeste se levantaron un edificio pequeño con pequeñas celdas para los monjes y las letrinas en una posición muy cercana al río Skell.

Un pasaje que comunicaba la sala capitular con la casa del Abad y el altar mayor de la iglesia se unía con otro de los edificios importantes: la enfermería. Estaba situada en el lado más al este y además del edificio principal disponía de unas habitaciones, una capilla y una propia cocina separada de la del monasterio. Aquí se cuidaba de los enfermos y se preparaban a los muertos, se lavaban para el entierro. Este fue el lugar donde se alojaron los monjes enfermos y ancianos, y fue dirigido por un monje llamado el Infirmarius que sirvió como el médico. Todo lo que queda de la enfermería y sus edificios circundantes ahora están en ruinas, solamente quedan los contornos y algunas ocasionales de paredes interiores.

La sala principal de la enfermería tenía 170 pies de largo y consistía en una nave central con un pasillo corrido. Había una chimenea en cada extremo. Al este de la sala estaba la cocina de la enfermería. El interior se divide en dos secciones : cocina y lavadero. Un pequeño patio se extendía entre la cocina y la capilla enfermería, está última era para el uso de los enfermos y ancianos que no podían hacer llegar hasta la iglesia principal.

En la parte oeste se levantaban las casas y servicios para los hermanos legos, además de una pequeña enfermería.

Después de la desamortización propia efectuada por Enrique VIII y la especulación del terreno por la propiedad privada la abadía entra en un periodo de sombras durante 200 años. No es hasta 1767 en que entra en una historia sorprendente, la finca fue adquirida por William Aislabie, que pronto se puso a trabajar en el diseño de un elegante jardín dedicado a la contemplación, el ocio y el placer. Para ello plantó árboles, lagos y excavando para crear caminos para integrar los restos de la Abadía Gótica , la edificación de las casas de verano hasta un punto en el lado opuesto al valle, donde los huéspedes pudieran disfrutar de una visión sorpresa de la Abadía en su pintoresco estado de descomposición. Se puso tan de moda que los poetas y artistas llegan a explorar y servir de inspiración en sus obras: como JMW Turner que pintó la Abadía en varias ocasiones.

Se construye en el siglo XVIII el Jardín Acuático Real de Studley tiene una vistas románticas y edificios clásicos, desde sus inicios apenas ha cambiado, momento en que llegaban las primeras visitas a la finca real de Studley como parte del “Gran Recorrido” del norte de Inglaterra. En aquella época, los nobles visitaban el lugar llegando en carruajes atravesando un parque de ciervos para adentrarse en la gran puerta junto al lago Studley.

Los comienzos de la idea del jardín es la obra de John Aislabie (1670-1742) y de su hijo William (1700-1781), en sus principios refleja las modas cambiantes: el estilo formal y las líneas clásicas del jardín original que más adelante cedieron paso a senderos sombreados a través de un paisaje pintoresco.

John Aislabie heredó la finca de Studley en 1693. Era un hombre social y políticamente ambicioso, primero fue un miembro tory del Parlamento por Ripon en 1695 y en 1718 se convirtió en Canciller del Exchequer (ministro de Hacienda). En 1720 le alcanzó el desastre. Aislabie fue uno de los principales promotores de la South Sea Trading Company (Compañía del Mar del Sur), cuya ley promovió él personalmente. John alentó a otros nobles para que invirtieran en la compañía y en contrapartida por sus contactos recibió la suma de 20.00 libras en acciones. Después, en 1720, esta burbuja financiera estalla finalmente ( la Burbuja de los mares del Sur), fue expulsado del Parlamento e inhabilitado de por vida para los asuntos públicos y su carrera se vio sesgada porque se le declaró culpable de corrupción, se le encarceló y se le puso una multa de 47.000 libras e inhabilitado para ejercer un cargo público (esto os suena a algo y además muy cercano y de actualidad). John regreso a Studley, era su hogar en el norte de Inglaterra, para poner en marcha sus diseños del grandioso jardín.

Los jardines acuáticos se pusieron muy de moda en Francia y hasta allí marchan los pudientes ingleses para admirarlos, cuando regresaban a casa entusiasmados y dispuestos a imitarlos en las extensas fincas inglesas. Templos clásicos, añadiendo grutas, puente y torres elementos que no debía de faltar en sus jardines.

John contrató a un arquitecto, un ingeniero hídrico, peritos y jardineros para que le ayudaran, En un momento dado hubo más de 100 hombres trabajando en excavar el valle para imponer el paisaje natural con sus especiales líneas rectas de acuerdo con la moda de jardín.

El río fue encauzándose para crear unos canales rectos, se hicieron cascadas y estanques formales como espejos. Trato de ordenar el terreno para que el visitante se dirigiera hacia los caprichos arquitectónicos de estilo clásico que había construido en piedra, con senderos que conducen a las vistas más espectaculares. Se plantaron setos de tejos para luego podarlos con formas geométricas que por un lado ocultaban y por el otro revelaran los elaborados placeres. Toda la energía política que había conseguido la desvió en la creación de este hermoso jardín.

John construyó estanques en forma de luna y un templo dedicado a Hércules, igual la idea era hacer una alusión a la fuerza empleada en crear el jardín. Su hijo William les dio el nombre “Templo de la Piedad ” con posterioridad en homenaje a sus padres, añadió una insignia de yeso con el relieve de “La hija griega alimentado a su padre”. Se construyó un invernadero que luego pasó a ser una Casa de Banquetes, con un poco de césped en forma de ataúd para los visitantes celebraran los juegos de ocio.

El jardín de las delicias de los Aislabies situado en lo alto del promontorio se completó con la Torre Octagonal de estilo gótico. Cerca de allí hay una cocina de estilo rústico para preparar la comida caliente. Se accede por un túnel Serpentino que ofrecía una sorprendente travesía a las visitas, con su retorcido recorrido a través de un oscuro túnel de piedra caliza.

Según avanzaba el siglo XVIII, las rigurosas líneas del diseño de los jardines ingleses fueron atenuándose ya que la moda del momento comenzó a favorecer un estilo más natural y romántico. En el jardín romántico los espacios antes delimitados pasan a ser lugares abiertos con amplias praderas, así como numerosos árboles y arbustos colocados al azar.

Los setos antes recortados y de aspecto ordenado se transforman en setos de crecimiento libre donde se combinan una amplia variedad de arbustos que se acaban fundiendo con el resto de la vegetación del jardín. Otro elemento es el agua, que se incluye en lagos, estanques o riachuelos artificiales siempre buscando que tengan un aspecto silvestre, al igual que cada uno de los elementos de este tipo de jardines.

En el año 1768 el hijo William por fin hizo realidad el sueño de su padre cuando pudo comprar la finca de Fountains Abbey por 18.000 libras a los antiguos dueños Messengers de Fountains Hall. Inmediatamente se puso a trabajar para conectar el valle de Skell superior con el Jardín Studley.

William atenuó el carácter ceremonioso del jardín, ajardinando los laterales de las calles y creando High Ride. Construyó el Templo de la Fama , cuyas columnas son de madera pero imitan a la construcción en piedra maciza. Quizás este detalle era advertir a los demás sobre el falso carácter de la fama, aludiendo así a la caída en desgracia de su padre.

Desde la finalización en la construcción del jardín apenas ha sufrido muchos cambios, si volviese, un visitante del siglo XVIII apenas notaría los cambios. Es uno de los pocos jardines de ese siglo que han sobrevivido en su formato original. Pude tratarse del más espectacular jardín acuático de Inglaterra.

Como decía antes de empezar el recorrido comienza llover, aunque no es muy copioso pero es molesto, aun así, decidimos empezar el recorrido porque no hemos equipado bien para ello con paraguas y chubasqueros, es difícil tomar una determinación porque quizás nunca tengas la oportunidad de volver a ver esta maravilla de la naturaleza, también nos anima porque es posible que quizás tenga un plus de romanticismo poder ver el Jardín de Studley incluido las ruinas de la abadía mojadas por unos ojos mojados, lamento la excursión por la cámara fotográfica que es la que mas sufrirá.

Nada más comenzar el recorrido llegamos a un observatorio para contemplar las aves del lugar, entramos y con mucho cuidado, esperamos que los pájaros de la zona lleguen, han instalado unos comedores especiales donde las aves pueden ir sin miedo a ser fusiladas por los cazadores.

Entre las especies que se pueden ver: están los arrendajos con su precioso pelaje azul, marrón, negro y blanco; los Cresta dorada con su cresta color oro y amarillo, su pelaje marrón con franjas negras y blancas; el pardillo común es una especie de jilguero que le encanta las semillas del lino; los gorriones de color gris y marrón; los reyezuelos son pequeños, grandes cazadores y destacan por su cante; el siskin es un pinzón pequeño, el macho tiene un cuerpo de color amarillo-verde veteado y una corona y babero negro. Hay una veintena de especies de aves que se pueden ver desde este mirador.

Cuando estamos en silencio nos sorprende un ejemplar de ardilla que tiene a su disposición todo lo que el hombre ha diseñado para poder ver de forma directa las aves, ella lo aprovecha para comerse sus huevos, dicen que en este momento no son muy bien consideradas por los ingleses que las ven como auténticas ratas graciosas.

Siguiendo el camino del Abbey Field dejamos a la izquierda el Fountain Hall, es una pequeña casa fue construida por Stephen Proctor entre 1598 y 1604, en parte con piedra de las ruinas de la abadía. Ignoramos si es visitable pero lo dejamos por si acaso podemos a la vuelta.

La lluvia arrecia y vemos en el horizonte como sobresale por encima de los altos árboles la imagen de la Torre de la Abadía de las Fuentes.

Llegar hasta la abadía es bajar por un camino sin mucha pendiente para recrearse en la sorpresa que produce al salir de la zona de bosque cuando se despeja totalmente y aparece por completo las ruinas de la abadía. Imagino que es la misma que les producía a los viajeros del siglo XVIII habidos en sentir las imágenes románticas que producían las ruinas clásicas.

«El romanticismo no se halla ni en la elección de los temas ni en su verdad exacta, sino en el modo de sentir. Para mí, el romanticismo es la expresión más reciente y actual de la belleza. Y quien dice romanticismo dice arte moderno, es decir, intimidad, espiritualidad, color y tendencia al infinito, expresados por todos los medios de los que disponen las artes.»

Lo románticos llegan hasta aquí en este período en Inglaterra en busca de iniciar el descubrimiento de la naturaleza, con sus paisajes, la luz y los colores. Se refleja un paisaje que progresivamente está viéndose afectado por la Revolución industrial.

Los románticos se sienten profundamente defraudados ante la aparición de la Revolución porque surge un sentimiento de decadencia, el estado de debilidad de la razón, de la muerte, de la pérdida de un futuro mejor.

La belleza de la naturaleza es una obra divina y la del arte es humana, es una lucha dual que podemos ver en la abadía y las ruinas simbolizan el triunfo de la Naturaleza sobre el arte, o de otra forma, el triunfo de lo divino sobre el hombre. Así, la ruina ante nuestros ojos, es el ejemplo más vivo del triunfo de esa potencia devastadora dentro de una concepción cíclica acompañada debidas a la genialidad del hombre. Como símbolo de la fugacidad, las ruinas nos llegan hasta nuestros ojos como un testimonio del vigor creativo de los hombres, pero a la vez como las huellas de su sumisión a la cadena natural de la vida y la muerte.

El vestigio de ese pasado tan lejano se convierte en el símbolo de la transitoriedad del hombre por la tierra, creando un sentimiento humano de soledad. La ruina representa un mundo hundido en la lejanía, con bosques y parajes vírgenes, son espacios donde se adivina la vida y la muerte, sin puntos intermedios, donde las catástrofes son dignas y heroicas.

El culto a la ruina de los antiguos románticos es la expresión más íntima de la desesperanza y el reconocimiento de la caducidad humana, además de una materialización de una protesta natural ante una época determinada.

La muerte, la noche, la lluvia, las brumas tienen un protagonismo de esa visión con un mundo demoníaco de los sentimientos. La oscuridad se erigirá como el símbolo de la primacía del inconsciente. Las imágenes sombrías, confusas y desdibujadas tienen un mayor poder para suscitar en la imaginación las grandes pasiones que aquellas, que por el contrario, se manifiestan limpias y claras.

La ruina represente un nuevo espacio estético y mental, con carácter caótico, regido por fuerzas del mal. Es un espacio y un tiempo ruinoso que se dispondrá como una iniciativa para comenzar un nuevo camino en la regeneración del arte consiguiendo que la belleza, el amor y la muerte lleguen a su final. El provenir de la belleza es la propia muerte, una muerte que describe belleza y vida. El romántico no admira como el ilustrado sino que además siente como un hombre.

El romanticismo tiene una visión de la poética de las ruinas que se irá asimilando plenamente, pero esa visión se proyectará como un cambio de rumbo que obligara a la restauración.

Las ruinas son sagradas cuando el hombre las abandona y se apoderan de la naturaleza para administrar otro tipo de arte. La ruina pasará a dejar de ser una metáfora caduca y llena de soledad para convertirse en una idea de reconstrucción para sobrevivir a los cambios históricos y sirven de referencia en las situaciones críticas.

En el siglo XIX nace la idea del monumento que es definido como “un valor del recuerdo intencionado” que quita la sombra del pasado para convertirse en el sentir de las generaciones futuras puedan conocer la historia, la antigüedad y la contemporaneidad.

Los últimos románticos admitirán la teoría de la restauración entre un valor histórico y de contemporaneidad. Es una teoría idealizada, proclive a eliminar impurezas que se han adherido al monumento a través de los siglos y que trata de devolver el estado original.

El día sigue echando agua a nuestro lado y nos podemos considerar unos románticos privilegiados porque no hay mayor romanticismo de ver las ruinas bañadas en agua, somos tan románticos que estamos completamente solos, hasta los románticos ingleses han abandonado la idea de hacer la visita en un día tan especialmente romántico.

Seguimos el curso del río hasta que hace un meandro que salva el desnivel, hay un puente de piedra que crea una cascada se llama Rustic Brige. Llegamos a la zona denominada Water Garden, aquí el agua se amansa gracias a la acción del hombre que por medio de canales y cascadas va llevando el agua a su antojo.

Podemos ver en el lado contrario al jardín acuático el Templo de la Fama , más adelante el templo de la Piedad , dedicado a Hércules en 1729. La forma de media luna continúa con el tema clásico rodeado de estatuas de plomo de Baco, Neptuno y Galeno, mientras que la estatua de Hércules y Anteo da forma al canal.

Desde la lejanía el Templo de la Fama parece una obra de piedra traída directamente desde Grecia. Las columnas en el templo de la fama se ven como piedra sólida. Sin embargo, en una inspección más cercana, que son, de hecho, acaba de madera pintada. El templo de la fama es una locura fue creado como un lugar para entretener y ofrecer un picnic a los visitantes de los jardines. El templo mira hacia abajo en los jardines y en sí Abbey es otra réplica de una locura europea, probablemente vista por primera vez en las revistas de la época y que originalmente solamente eran accesibles en caballo o en carro.

Después de pasar por el túnel Serpentine y subir hasta el promontorio donde se encuentra La Torre Octogonal desde donde se pueden contemplar una vistas impresionantes sobre el Jardín Acuático.

Abandonamos la puerta controlada de la abadía Lakeside para salir del monumento. Un camino lleno de robles comunica con otra de las atracciones de la zona es la Iglesia de San Mary.

La Iglesia de Santa María es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura de estilo victoriano neogótico de la alta Inglaterra. Fue diseñado en la década de 1870 por el extravagante arquitecto William Burges. Ubicado en Studley Royal Park, un sitio del Patrimonio Mundial de la Humanidad y también está incluido dentro de las ruinas de Abadía de las Fuentes .

La iglesia fue construida por el marqués y marquesa de Ripon después de una muerte trágica de la familia en 1870. La decoración extravagante de su interior está influenciada por el gótico inglés del siglo XIII decorado con pantallas de mármol de color, vitrales de colores, un espléndido órgano, frescos y figuras doradas en toda su gloria original.

La iglesia ocupa el terreno más alto de la avenida de Studley Royal, anteriormente había un obelisco del siglo XVIII, está situada en línea recta con la catedral de Ripon al este. La iglesia destaca por su exterior con una enorme torre puntiaguda que empieza en la portada principal y demuestra el resurgir por lo religioso de la época victoriana. La silueta es llamativa y su decoración es atrevida forman un gran contraste de la vista de esta pequeña iglesia parroquial de Aldfied.

En la puerta del Oeste se puede ver unos pájaros tallados. Dentro de la tracería de la vidriera del oeste, así como en la del este, se puede ver una rosa –es uno de los emblemas de Burges– A medida que se pasa hacia el este, se puede ver como hay un cambio en el estilo arquitectónico, desde las tallas sencillas de la nave hasta los ornamentos delicados del antecoro. Estas formas sirven para dar énfasis en la parte del este que contiene el altar. En las paredes meridionales y septentrionales del antecoro se ven figuras talladas que representan toda clase y tipo de raza humana. La gran vidriera está situada en la pared oriental queda dominada por tres tabernáculos, estos, y las vidrieras de las rosas reflejan la influencia del antiguo estilo gótico francés más que el propio inglés.

El acceso a la iglesia se hace por el portal meridional, tiene tallas de metal muy elaboradas. El interior de la nave parece demostrar las influencias inglesas y quizás recuerde el estilo arquitectónico de la catedral de Salisbury, Tiene detalles del primer periodo gótico por las columnas pequeñas a cada lado de color oscuro, que están juntas a las columnas mayores. Subiendo los peldaños del antecoro, pasamos por una expresión de blanco y negro para gozar de una explosión de colores refulgentes. En el suelo hay un pavimento de mosaico, en mármol rojo, las paredes están pintadas junto con las vidrieras por Weekes, todos tratan de evocar la Ciudad Celestial descrita en el Libro del Apocalipsis. Además cuando te acercas a los peldaños se ve la inscripción “Entraremos en la Casa del Señor, nuestro pies se hallarán dentro de sus portales, oh Jerusalén” El techo está adornado con ángeles que están ofreciendo una vista de los cielos sobre el mar.

En uno de los laterales esta la sepultura familiar del marqués y la marquesa que se encuentra debajo de la capilla de San Jorge. El marqués era un reformador, una vez que llegó al título en Virrey de la India , allí se convirtió al catolicismo mientras construía la iglesia. Se dice que su esposa ayudó al arquitecto, apoyándole en el tablero del dibujo y en los diseños. Guliel Burges gozaba de una renta privada considerable y esto le permitía escoger los proyectos que más le interesaban. Visitó Europa varias veces, dibujando las catedrales que vio y diseño su propia catedral, la de San Finbarre de la ciudad de Cork, la cual se parece en grande a esta iglesia de Santa María.

Aquí damos por finalizada la visita a este precioso paraje, la verdad es que hubiéramos hecho la visita mucho más espectacular con el suelo seco, los cielos azules y el color de la piedra gris mate en lugar de gris brillo por el efecto del agua.

Solamente tenemos que andar un kilómetro por un camino hasta regresar al parking de autocaravanas denominado Pb del Visitor Centre. Son las 4 de la tarde y nos queda secarnos y comer antes de proseguir el viaje.

Nuestro siguiente punto a visitar está atravesando la virtual frontera de Escocia, es el pueblo pesquero de North Berwich, nos separan 276 km. y el tiempo estimado en llegar 4 h y 20', hay que tener en cuenta que solamente circularemos 123 km por autopistas.

A las 21,30 horas llegamos al puerto costero de North Berwick y nos dirigimos directamente al parking último situado en la playa, donde en estos momentos hay varios huecos, aunque vemos carteles que indica claramente “not overnaith”, pero somos tantas autocaravanas que no parece que existan problemas. Las coordenadas GPS del Lugar corresponden con N56.05841//W2.69430 .

Es difícil describir el lugar donde pasaremos la noche, es quizás uno de los más bonitos de los últimos tiempos, situado sobre un promontorio, a nuestra derecha hay una enorme pradera con los bankers del Golf Club Course. Debajo una playa salvaje blanca combinada con el negro de las rocas, al fondo, unas pequeñas islas dominadas por la imponente Bass Rock, a la izquierda, la playa blanca de North Berwick que se baña del mar de la Bahía Milsey, y al fondo, la propia ciudad y su puerto pesquero a la derecha. A todo esto añadimos la puesta de sol de una tarde maravillosa que parece ha sido hecha ex profeso para esta zona.

Día 29 de julio (viernes)

Ruta: North Berwick – Edimburgo

Nada más levantarnos marchamos a la ciudad de North Berwick para hacer la excursión en barco a las islas cercanas, en particular, a la isla de Bass Rock o isla de los Alcatraces.

Cogemos la autocaravana para desplazarnos al puerto porque el parking está alejado como unos dos kilómetros. Aparcamos en la calle Station Hill, la zona del centro urbano es más complicado dejar el vehículo.

Lo primero que hacemos es ir a la oficina de la compañía Seabird Cruise para sacar los billetes de la excursión por las islas, es una travesía de 1 hora pero nos dicen que para el día de hoy tienen todos los barcos completos. Pero nos indica que en breves minutos saldrá desde el puerto un pequeño barco que hace el mismo recorrido.

Nos damos prisa y está a punto de partir el barco de madera Sula II, preguntamos y nos dicen que hay sitio para nosotros, el precio es de 40 libras (dos adultos y dos niños).

Es una compañía familiar que opera durante los días de buen tiempo, a los mandos de la embarcación se encuentra el capitán Robin, es un lobo del mar que lleva haciendo este recorrido durante más de 40 años.

Lentamente abandonamos el puerto de North Berwick en dirección a la isla de Craigleith, empezamos con una velocidad de 2 o 3 nudos pero enseguida el capitán se anima y pone el barco a unos 8 nudos, a nuestro lado hay mucha gente haciendo deportes acuáticos: remo, piragüismo, esquí acuático, vela, surf, windsurf.

La isla de Craigleith es una de las cuatro que se encuentra más cercana a la costa, tardamos pocos minutos en llegar, Robin baja las revoluciones y entre en la zona cercana con el impuso de la navegación para no incomodar a los animales, enseguida vemos en el mar los primeros grupos de Frailecillos o Puffings , la isla tiene una de las mayores colonias del Reino Unido, se calcula que puede haber unos 28.000 ejemplares, a su lado hay otro nutrido grupo de anades, más adelante un grupo las focas salen a saludarnos. Nos acercamos con mucho cuidado a la isla para poder ver las especies, vamos cormoranes negros, varias especies de gaviotas que cuidan de sus polluelos más grandes que los progenitores pero con las plumas con manchas que luego cambiaran cuando empiecen a volar. Las hay de varias tipos: patiamarillas y reidoras.

Los cormoranes son de un tamaño grande y plumaje negro (excepto los ejemplares más jóvenes). Nadan y bucea con pasmosa facilidad. Algunos están posados sobre las piedras con las alas abiertas secándolas al sol, son de las pocas aves que no pueden impermeabilizarse el plumaje con cera, así que se secan al aire cuando se mojan en sus buceos).

Aparentemente entre las distintas especias hay una calma pactada pero enseguida que alguno de los ejemplares se atrave de salir de su territorio definido los limítrofes gritan en tono amenazante, puedo asegurar que es de pocos centímetros.

Desde hace unos años han bajado los ejemplares de puffins en la isla y se cree porque está siendo colonizada por una especie de planta Lavatera o árbol de malvas que cada vez coge más suelo e impide que los puffins puedan poner sus huevos.

Los frailecillos son robustos, tiene alas cortas, con partes superiores negras y partes inferiores blancas o de color marrón-gris. La cabeza tiene un gorro negro, la cara es principalmente blanca, y los pies son de color naranja-rojo.

Frailecillos se reproducen en colonias en las costas y en las islas , los sitios de reproducción se conocen como Puffin Island. El frailecillo de mar del Norte macho construye el nido y exhibe una fuerte fidelidad del sitio de anidación. Ambos sexos se ayudan para construir su nido. Las madrigueras del frailecillo tienen por lo general alrededor de 1 metro de profundidad, que terminan en una cámara, mientras que el túnel que conduce a una madriguera. El sustrato de nidificación de los frailecillos del mar del Norte y es terreno blando, en el que se excavan túneles; aunque otros consiguen anidar en grietas de la roca de los acantilados.

Aunque los frailecillos no es la única sorpresa que se puede ver en la isla de Craigleith. Las paredes de la roca estaban repletas de araos (guillemots), unas aves que recuerdan a los pingüinos pero que, a diferencia de estos, levantan el vuelo: en cuanto el barco se acercó a ellos, comenzaron a saltar de sus refugios y a sobrevolar el mar.

El capitán Robin rodea completamente la isla de Craigleith lentamente para tratar de no molestar a las aves, aunque parecen que están acostumbradas a nuestra presencia durante varias visitas al día.

Enseguida ponen rumbo hacia Bass Rock, es una isla volcánica que se encuentra a pocas millas de la costa aproximadamente 2 Km. Según nos vamos aproximando vemos que va cambiando de color a un color blanco amarillento, fruto de las deposiciones de las más de 150.000 Alcatraces, se ha calculado que sus excrementos anualmente suponen unos 150.000 kg. El equivalente a una granja de 10 millones de pollos. La roca está actualmente deshabitada, pero históricamente hasta aquí llego inicialmente un ermitaño cristiano, y más tarde fue el sitio donde se levanto un importante castillo, que después del período de la Commonwealth fue utilizado como prisión. La isla pertenece a Sir Hew Hamilton-Dalrymple, cuya familia la adquirió en 1706, según la leyenda, se dice que la isla que fue un regalo del rey Malcolm III de Escocia. El escudo de sus armas heráldicas es, propiamente, un alcatraz sentado sobre una roca. El faro de la roca Bass fue construido sobre la roca en 1902, y los restos de una antigua capilla todavía sobreviven.

El barco afloja su motor y funciona solamente con su timón, se puede escuchar el típico sonido ¡toot, toot!... ¡toot, toot!... para poder contemplar “una de las maravillas de la fauna del mundo”. Mayoritariamente esta habitada por el Alcatraz Sula bassana o Morus bassanus, aunque también se pueden ver: guillemot, alcas, cormoranes, frailecillos, pato grande llamado eider y numerosas gaviotas.

Lentamente vamos rodeando la isla, entre las rocas, en los lugares más insospechados vemos el terreno que tiene los cormoranes para vivir, en algunos casos son simplemente el espacio de la roca donde se asientan sus patas.

Morus bassanus tienen un plumaje de los adultos que es mayoritariamente de color blanco puro, con las puntas de las alas oscuras, con colores que van del pardo al negro. La cabeza, las mejillas y los lados del cuello tienen coloraciones, dependiendo de la época del año y del individuo, que varían entre el amarillo claro y el oscuro. En algunos individuos puede faltar. Las plumas son impermeables, lo que les permite pasar largos períodos en el agua. La impermeabilización la consiguen untando las plumas con la secreción producida por una glándula sebácea, que esparcen por el cuerpo usando el pico o la cabeza. En la cara tienen un área desnuda con la piel de color negro, que les da una expresión facial característica.

En estos momentos estamos en época de cría, los pollos acabados de salir del huevo están desnudos y son azules oscuros o negros. En la segunda semana de vida se cubren de un plumón blanco (en estos momentos así los vemos) y parecen estar cubiertos de lana. Desde la quinta semana se van cubriendo de plumas castañas oscuras sucias de blanco.

A nuestro paso vemos como hay un sonido ensordecedor, su repertorio acústico no tiene grandes particularidades. La llamada típica es un rab-rab-rab, que emiten cuando están pescando y también en el nido. Emiten un grito especial cuando se aproximan a la colonia, lo que, por causa de la llegada constante de individuos a la colonia, se oye muy a menudo. El repertorio es semejante en machos y hembras.

Los alcatraces cazan por el día, en general dejándose caer en picado en el agua. Pueden cazar cerca de la costa pero buscan alimento a grandes distancias de ellas. Se sabe que aves que están criando pueden pescar a distancias de hasta 320 Km. de la colonia. Un dos por ciento de las aves que crían en esta la colonia escocesa de Bass Rock buscan peces en los bancos de Dogger, a entre 280 y 320 Km. de distancia. Probablemente pueden alcanzar mientras buscan comida distancias aún más largas, incluso doblando las mencionadas, pero, por norma, éstas son de menos de 150 Km.

Además de arenques y caballas, también pescan otros peces: como sardinas, anchoas, eglefinos, bacalaos y otras especies de peces que forman bancos. En el caso de las especies grandes, como el bacalao, capturan solamente los ejemplares más jóvenes.

La agresividad en el área del nido es la base para muchas pautas de su conducta relacionadas con el apareamiento. Las luchas tienen lugar solo entre aves del mismo sexo. El comportamiento de las hembras, que bajan la cabeza ante un macho agresivo, mostrándole la parte posterior del cuello, hace que sean cogidas por el cuello por machos que defienden el nido y expulsadas. Una hembra no reacciona si un macho ajeno se acerca al nido, pero lo defiende ferozmente si la que se acerca es otra hembra.

Una vez completada la vuelta a la isla Robin pone en timón en dirección a la costa, lo primero que vemos en el horizonte es el castillo de Castle Tantallon, que junto con el otro castillo cercano y que no podemos ver Dirleton Castle constituye una oportunidad para prolongar la visita. Vemos pequeñas islas colonizadas por manadas de cormoranes negros.

Poco a poco vamos navegando paralelos a la costa contemplando el espectáculo que ofrece el paisaje con sus casas y el verde del césped escocés, hasta que regresamos hasta el puerto de North Berwick ¡toot, toot!... ¡toot, toot!...

Robin hace unas arriesgadas maniobras para conducir el barco hasta el punto de atraque lo que demuestra su experiencia diaria en esta travesía.

Cuando llegamos, ya en tierra firme, damos una vuelta por la zona portuaria y podemos ver como hay varios chiringuitos que venden comida cocinada con multad de peces del mar de la zona, también descubrimos que hay ya grandes criaderos de mariscos especialmente de Lobster o bogavante.

A la salida del puerto se encuentra los restos de la primera iglesia St. Andrew's Old Kirk, este edificio es una sencilla iglesia de piedra rectangular que comprende una nave y un coro construida a mediados de la ultima década de 1100. La iglesia habría servido a la comunidad local, y el flujo constante de peregrinos que pasaban a través de North Berwick para coger un barco en el camino a St. Andrews. Estos peregrinos debían seguir siendo una característica importante de la economía local hasta que la Reforma de 1560 por ingresos que proporcionan pagó por una serie de mejoras a Old Kirk de San Andrés.

En el interior de la iglesia de hoy se exponen una muestra de algunos de los objetos descubiertos durante las excavaciones en la década de 1950 y 2000. Ello incluye parte de una lápida mesa, y parte de una lápida, probablemente, marcando el entierro de un caballero en el año 1200. Estos son los únicos vestigios grandes que quedan.

En el jardín hay una cruz celta que se encuentra un poco más al sur del pórtico. Este fue erigido en memoria de Catalina Watson, quien, el 27 de julio 1889 a la edad de 19 años, salvó a un niño que se ahogaba en North Berwick East Bay, pero era ella misma se ahogó mientras hacia el salvamento.

Son las 13,00 horas cuando decidimos que es tiempo de comer, nos dirigimos hacia el centro de la ciudad con la esperanza de encontrar un sitio o chiringuito donde poder comer unos fishs and chips, decidimos entrar en el restaurante The Ship Inn, afortunadamente comemos un buen plato de pescado de merluza, pagamos por los cuatro plazos y la bebida 50 libras.

La zona de North Berwick East Bay tiene innumerables atractivos para quedarnos un par de días, porque podemos ver dos castillos y otras importantes islas con unas importantes reservas marinas.

Decidimos según lo previsto continuar el viaje hasta la capital de Escocia en Edimburgo, nos separan poco más de 40 Km. Marchamos hasta el P&R+Bus situado a las afueras de la ciudad.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Edimburgo se encuentra en el típico aparcamiento disuasorio situado a las afueras con acceso en bus a la ciudad. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N53.39553//W2.98669 .

El parking se encuentra en la localidad de Wallyford y se denomina Park & Ride, es gratuito. Tiene una parada de bus de la línea X24 que por un importe 4 libras diarias puedes estar viajando por la ciudad durante 24 horas y, para toda la familia, en poco más de 40 minutos estas en el centro de Edimburgo, nos bajamos en la última parada en Melville Street.

El autobús nos lleva hasta el mismísimo centro, vemos como para en el Monumento Scott y allí nos bajamos, sin quererlo hemos llegado ante el edificio clásico que indica “Scottish National Gallery”, justo es el museo de Pintura el que queríamos visitar en primer lugar.

La Galería Nacional Escocesa se encuentra situado en la colina llamada The Mound, en la calle de los Príncipes (Princes Street). Sobre un edificio neoclásico que recuerda la acrópolis de Atenas . El horario es de 10 a 17,00 horas, la entrada es gratuita.

Estamos ante un museo de pintura relativamente pequeño pero tiene tal concentración de buenas pinturas que por si solo da un repaso a todo el arte desde sus inicios en el arte gótico italiano hasta llegar a artistas ingleses del siglo XX pasando por el renacimiento, la pintura holandesa, española, el barroco o los impresionistas franceses.

Comenzamos la visita por la Sala I que expone el arte gótico italiano hasta el renacentista desde 1300-1550. Está presente en la transformación espectacular del arte italiano entre el fin de la tradición artística medieval con el estilo bizantino llegando hasta el Alto Renacimiento.

La sala tiene otro espacio dedicado al Renacimiento septentrional del periodo entre 1470 y 1550 donde se puede descubrir la pintura holandesa y alemana: es importante porque se puede ver la evolución del tema religioso en el cambio hacia la pintura mundana y de los retratos.

El primer cuadro de la sala I “Retrato de un Hombre”, obra de un pintor anónimo holandés, realizado en temple sobre tabla de madera, esta datado entre 1520-1525; tiene unas medidas de 60,70 x 45,50 cm.

El retrato fue pintado por algún pintor anónimo o reconocido que no se ha podido descubrir la autoría, aunque este retrato fue claramente pintado por un artista holandés de gran habilidad. Sobre la base de la vestimenta, la composición y ejecución, que puede fecharse en torno a 1520-1525. Es estilísticamente muy cerca de la obra de Jan Gossaert (también conocido como Mabuse), pero posiblemente podría ser una pintura temprana de Jan Cornelisz Vermeyen. Fue propiedad del polémico coleccionista y escritor Richard Payne Knight antes de 1800, y se quedó en la familia de Adam Elsheimer.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra de Quentin Massys, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1501-1520. Tiene unas medidas de 84.0 x 64.50 cm.

Este retrato de medio cuerpo muestra a un hombre en un escritorio o mesa delante de un detallado paisaje montañoso, visible a través de ricas arcadas de mármol. Originalmente, el joven está vestido con sobriedad sosteniendo sólo el capullo de rosa, un símbolo tradicional del amor, que también podría referirse a la fugacidad de la belleza y la vida. Los rayos X han revelado que los otros objetos prominentes, incluyendo el halo que transforma al hombre en un santo, eran todas las adiciones posteriores. El cuidador debe haber sido un hombre rico para encargar un retrato de esta calidad desde el pintor principal de Amberes en el momento.

El siguiente cuadro “Tríptico. Centro: la Deposición de la cruz; izquierda: San Juan Bautista con un donante; la derecha: St Margarita de Antioquía con un donante”, obra de Joos van Cleve, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1518. Tiene unas medidas central: 106.7 x 71 cm; las alas, 109,2 x 31,8 cm.

El tríptico representa la escena de la Deposición. El ropaje y el vestuario son suntuosos, como era costumbre para las pinturas de Amberes de este período. Detrás de la escena principal, el paisaje se aleja en la distancia. Los donantes aparecen en las alas, acompañado por sus santos, San Juan Bautista y Santa Margarita de Antioquía. Los donantes han sido identificados como Ene Perls, era el burgomaestre de Amberes, y su esposa, Digna de Herde.

El pintor tiene una clara influencia de los talleres en Kalkar y Brujas, en sus primeras obras tiene una inclinación artística combinada por varios pintores. Se puede ver la intensa emotividad de Hugo van der Goes, y las ideas iconográficas de Jan van Eyck y Robert Campin. Además en la obra muestra la fuerte influencia del arte italiano combinado con color y luz propia sensibilidad de Joos van Cleve hacer sus obras especialmente único.

El siguiente cuadro “Retrato de Marie Haneton”, obra de Bernard van Orley, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1518-1519. Tiene unas medidas 75,20 x 56,20 cm.

El cuadro se desconocía a quien pertenecía pero una inscripción en la parte posterior de esta pintura fueron descubiertos en 1971 durante la limpieza. Se reveló la identidad del retratado como Marie Haneton. Marie era la segunda hija de Philippe Haneton, que en 1518 había sido nombrado primer secretario del Gran Consejo por Carlos V. En 1520 encargó el gran tríptico Haneton de Van Orley, ahora en el Museo Real de Bellas Artes de Bruselas. En el tríptico, Marie se muestra con su madre Marguerite Numan, y sus cuatro hermanas. En este retrato Marie es instantáneamente reconocible como la misma chica. La débil inscripción de la parte posterior dice que murió poco después de su matrimonio, ya sea entre 1525 o 1526.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con Santa Ana enseñando”, obra de Ambrosius Benson, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1527. Tiene unas medidas 80,70 x 59,10 cm.

En esta pintura de la Virgen y de su madre, Santa Ana, está sentada al otro lado . Ofrecen el Niño Jesús una manzana, una referencia a la fruta prohibida Eva ofreció a Adán en el Jardín del Edén. También es un símbolo de la carga de los pecados de la humanidad que Cristo va a soportar. El pintor plantea figuras elegantes que están pintadas con colores vivos usando su típico toque delicado, y tanto la Virgen y su madre se les da la misma importancia compositiva. El resultado es una imagen magníficamente equilibrada. En el fondo a la izquierda, aparece un ángel que extrae agua de la fuente de la vida. Benson era conocido por este tipo de piezas devocionales a pequeña escala, lleno de fuerza y detalle.

El siguiente cuadro “Señora Canaples (Marie d'Assigny, 1502-1958)”, obra de Jean Clouet, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1525. Tiene unas medidas 38 x 28.5 cm.

El retrato de tres cuartos muestra a una mujer de la aristocracia, descansa sus manos en una repisa, se describe un espacio ilusorio creíble. También llama la atención a sus muchos anillos. El retrato fue pintado probablemente en 1525, el año en que se casó Marie d'de Assigny con Jean de Crequi, señor de Canaples. La pintura está cerca en carácter a un dibujo de Clouet (ahora en Chantilly), que lleva una inscripción que identifica como la señora de Canaples, una señora de la corte de Francisco I.

El siguiente cuadro “El Altar de la Trinidad ”, obra de Hugo van der Goes, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1478-1479. Tiene unas medidas todo el panel de 202.00 x 100.50 cm.

Estos paneles forman parte de uno de los retablos más importantes jamás pintados para una capilla escocesa, y se cree que han sido las alas de un tríptico. El trabajo fue encargado por Edward Bonkil, rector de la Capilla Colegiata de la Santa Trinidad en Edimburgo. (La capilla fue demolida en 1848 para dar paso a la estación de Waverley.) El panel central faltante posiblemente mostró la Virgen y el Niño en el trono, y puedo haber sido destruido durante la Reforma. Cuando está abierto, las alas muestran a un devoto rey Jaime III con su hijo mayor y la reina Margarita de Dinamarca, acompañada de San Andrés y San Jorge. El león rampante en el escudo de armas del rey se invierte en deferencia a las figuras sagradas en el panel central que falta. Las alas cerradas cuentan con una visión de la Santa Trinidad que aparece ante el arrodillado Edward Bonkil.

El siguiente cuadro “Antes de la Crucifixión ”, obra de Bernard van Orley, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1530. Tiene unas medidas de 67,30 x 85,70 cm.

El tema de esta pintura devocional, muestra la figura atada y sentada de Cristo inmediatamente antes de la crucifixión, es una posición bastante inusual en la pintura. La afligida Virgen María, María Magdalena y San Juan Evangelista se representan como aparecerían más tarde, a los pies de la cruz. La cruz se prepara detrás de Cristo a la derecha. La pintura era uno de los cuatro paneles que representan episodios que conducen a la crucifixión de Cristo propiedad de Enrique III, conde de Nassau y su esposa, Mencía de Mendoza. Estaban destinados para el castillo de Mencia en Jadraque, España.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra de Garlach Flicke (1495-1558), realizado en óleo sobre madera, esta datado en el siglo XVI.

El retrato muestra a un hombre probablemente se trata de John Digby, lleva una inscripción en latín que dice que el hombre tiene una edad de 40 años y que fue pintado en 1547. Aparece con su vestimenta de la época con larga barba, espada y abrigo de piel.

El siguiente cuadro “Alegoría del viejo y nuevo testamento”, obra de Hans Holbein el Joven (1497-1543), realizado en óleo sobre madera, esta datado en el siglo XVI. Tiene unas medidas de 64,20 x 74,20 cm.

Las imágenes e inscripciones que describe el cuadro transmiten un sermón pintado. El tema central, animado por la Reforma , es el contraste entre la ley implacable del Antiguo Testamento (LEX) a la izquierda, y el perdón mediante Gracia del Nuevo Testamento (GRATIA) a la derecha. El fracaso del hombre (HOMO) de obedecer los mandamientos que Dios dio a Moisés, condujo al pecado (PECCATUM) y la muerte (MOR - el esqueleto). Sin embargo, el hombre se perdona y logra la salvación (Victoria NOSTRA) a través de la crucifixión y resurrección de Cristo. El hombre se sienta entre el Antiguo Testamento del profeta Isaías y San Juan Bautista, que señala el camino a seguir a Cristo “el Cordero de Dios” (Agnus Dei).

El siguiente cuadro “Lamentación de Cristo con un grupo de donantes”, obra atribuida al Maestro de Franconia, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1515. Tiene unas medidas de 120,50 x 97,00 cm.

El pintor logra transmitir en esta pintura un gran alcance, altamente emocional, gracias a los colores vivos, formaba parte originalmente del panel central de un retablo, que fue flanqueado con alas en el que se describían a San Jorge y San Cristóbal. En la tabla se puede ver el cuerpo de Cristo a la izquierda se ha bajado de la cruz en la parte superior derecha. También aparece destacado el tarro de ungüento en el primer plano pertenece a María Magdalena, que expresa su dolor en un gesto dramático, es la forma tradicional junto a las otras figuras sagradas. Dos de los donantes llevan la insignia de oro de la Orden caballeresca y religiosa del Cisne que había sido fundada en 1440 por el elector de Brandeburgo. La Orden fue particularmente popular en Franconia, en el que el artista trabajó.

El siguiente cuadro “Venus y Cupido”, obra de Lucas Cranach (1472-1553), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1537. Tiene unas medidas 38.1 x 27 cm.

El cuadro representa una de las diferentes variantes que hizo Lucas Cranach de la figura de Venus y Cupido. En este caso, Cupido está desnudo, sosteniendo su arco, identifica la dama desnuda lánguida como su madre Venus, la diosa del amor. Tiene el pelo ralo y las transparentes alas alrededor como si se tratase de una brisa suave, su ligereza que contrasta con los collares de oro macizo. Ella se ajusta al ideal de Cranach de la belleza femenina de la gente del norte, inspirado en la teoría del arte clásico en lugar de mirar más de cerca en los ejemplos prácticos. Cranach firmó la pintura en el pedestal de Cupido con una serpiente alada. Este motivo aparece en el escudo de armas otorgado a él por el elector de Sajonia en 1508. Desde aproximadamente 1537 las alas de la serpiente aparecer doblada como en este caso.

El siguiente cuadro “Alegoría y Melancolía”, obra de Lucas Cranach (1472-1553), realizado en óleo y temple sobre madera, esta datado en 1528. Tiene unas medidas 113 x 72 cm.

Este cuadro es una obra temprana de Lucas Cranach que ha llegado hasta nosotros, esta modificado y cortado por la derecha porque las alas de la mujer sentada no aparecen. El cuadro identifica todos los objetos de la Melancolía : el perro, los niños, las herramientas, etc.

El siguiente cuadro “Una impresionante multitud: Fragmento de la pasión de Cristo”, obra de Hans Memling (1430-1494), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1537. Tiene unas medidas 20.3 x 58.4 cm.

El cuadro muestra una impresionante multitud mientras Cristo discurre entre los soldados romanos y pertenece a un fragmento de la Pasión de Cristo.

Hans Memling es un pintor que en sus obras recoge la tradición flamenca y reitera las formas de sus anteriores maestros. Su estilo es suave y delicado, con figuras bellas y un magnífico colorido. Aporta una concepción germánica, sensual, de la belleza humana y de los destacados fondos paisajísticos de sus cuadros. Es considerado uno de los pintores más importantes y que lograron crear verdaderas obras maestras de la pintura.

Unas de las obras de escultura “Dos monjes de luto”, obra de un escultor anónimo de la escuela de Bergundy, realizadas en alabastro, están datadas en el siglo XV.

Estas dos esculturas estuvieron en la tumba de Jean France, duque de Berry ( 1340-1416), ubicada en la Santa Capilla de Bourges, pertenecían a un grupo de cinco esculturas que fueron encargadas después de su muerte para la decoración de su tumba en 1450.

El siguiente cuadro “Tres leyendas de san Nicolás”, obra de Gerard David, realizado en temple sobre madera, esta datado entre 1500 y 1520. Tiene unas medidas de 55.9 x 33.7 cm.

En el primer cuadro de la izquierda aparece la figura de San Nicolás, se representa como un bebé recién nacido milagrosamente de pie y orando. En el panel central, es cuando el santo es ya mayor de edad, mirando a través de la ventana de la casa de una viuda empobrecida. De forma anónima entrega el dinero y proporcionará dotes de matrimonio (regalos) para las tres hijas del viudo y logra salvarlos de la miseria. Por último en el panel de la derecha, se muestra como un obispo reanimando a tres niños asesinados. San Nicolás fue arzobispo de Myra, Asia Menor, en el siglo IV, famoso por su bondad para con los niños, se asoció más tarde con Santa Claus. Los tres paneles formaban parte de una predela de un retablo mayor desmembrado (los otros paneles están en la Galería Nacional de Arte, Washington y el Museo de Toledo, Ohio).

El siguiente cuadro “Escena en la vida de Santo Tomas el Apóstol”, obra de Luca di Tommé (1356-1389), realizado en temple y oro sobre madera, esta datado en 1362.

El cuadro muestra la reunión que tuvo lugar en Abbanes donde se ve a Santo Tomas en Cesarea antes de coger el barco que le conduciría a extender la palabra de Dios con la predicación del Evangelio por tierras de la India. Según la tradición, el apóstol llegó a Muziris, en la India en el año 52 y bautizado varias personas, la fundación de lo que hoy se conocen como cristianos de santo Tomás o Nasranis.

El siguiente cuadro “Escena en la vida de Santo Tomas el Apóstol”, obra de Luca di Tommé (1356-1389), realizado en temple y oro sobre madera, esta datado en 1362.

Luca di Tommé fue un pintor activo desde 1355 hasta 1389, además también participó en política. Sirvió en el ayuntamiento (Consiglio Maggiore della Repubblica di Siena) en 1373. Su formación como pintor fue probablemente en el taller de los hermanos Ambrogio y Pietro Lorenzetti. También influyó en su trabajo Simone Martini.

El siguiente cuadro “Madonna y el Niño”, obra de Maestro del Bordado Follaje (1356-1389), realizado en óleo sobre madera, esta datado en el siglo XV.

El cuadro fue atribuido al Maestro del Bordado del Follaje, activo en el siglo XV en los Países Bajos. Se desconoce si era un solo pintor o un grupo que practicaban la misma técnica artística. En todos los cuadros aparece el modelo de mujer en la Virgen idealizado por la cultura holandesa, los mismos colores en los ropajes y la misma proyección en el espacio.

El siguiente cuadro “Escena en la vida de Santo Tomás el Apóstol (3)”, obra de Luca di Tommé (1356-1389), realizado en temple y oro sobre madera, esta datado en 1362.

El cuadro pertenecía a una de las tablas de un políptico y narra la historia de Santo Tomás apóstol en los mares del sur de la India en esta ocasión habla del momento en que fue encerrado en la cárcel.

El siguiente cuadro “Escena en la vida de Santo Tomás el Apóstol (4)”, obra de Luca di Tommé (1356-1389), realizado en temple y oro sobre madera, esta datado en 1362.

El cuadro representa como fue martirizado el apóstol Tomás . Se sabe poco de la vida y de la muerte de Santo Tomás aunque sufrió el martirio en la costa de Coromandel, India, donde su cuerpo fue descubierto, con ciertas marcas de que fue muerto con lanzas y ese tipo de muerte es tradición en los países del Este. Se sabe que su cuerpo fue trasladado a Edessa, donde fue enterrado en los grandes sepulcros donde también se hallaban San Pedro, San Pablo y San Juan.

El siguiente cuadro “Efrén el Sirio”, obra atribuida a Giuliano Amidei (pintor activo 1446-1498), realizado en temple sobre madera, está datado en 1450. Pertenece a la escuela florentina.

El cuadro muestra la historia de Efrén nació hacia el año 306 en la ciudad de Nisibis (ahora Nusaybin en Turquía), en la región fronteriza de controversia entre el imperio sasánida en Asiria y la romana Mesopotamia, entonces recién adquirida por Roma.

El siguiente cuadro “Cristo disputa con los doctores”, obra de Bernardino Butinone (pintor activo 1480-1507), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1480-1485. Tiene unas medidas de 25,1 x 23,30 cm.

Este es uno de los dieciséis sobrevivientes con escenas de la vida de Cristo, con un tamaño y estilo similares, que originalmente deben haber formado parte del mismo retablo o el trabajo devocional. Un tríptico portátil de este tipo pintado por Butinone, también tiene escenas con de la vida de Cristo, está en el Castello Sforzesco de Milán. El trono con forma de caracol es algo inusual en el que Cristo está sentado en este panel puede ser una alusión a la Torre de Babel y la confusión de las lenguas asociadas con ella, donde triunfa la sabiduría divina de Cristo.

El siguiente cuadro “Cristo conduce a los mercaderes”, obra de Benvenuto Tisi conocido como Garofalo (1481-1559), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1550-1550. Tiene unas medidas de 45,7 x 37,2 cm.

Garofalo fue un pintor italiano, activo principalmente en Ferrara. Su apodo se dice que proviene de su gusto por incluir la flor de un alhelí (It., Garofano) en un rincón de sus pinturas. Según Vasari visitó dos veces Roma, y su trabajo estaba muy bien elaborado, fue fuertemente influenciado por Rafael. Él fue el primero en pintar de una manera tan importante en la escuela de Ferrara y fue un pintor influyente en la difusión del estilo del Alto Renacimiento.

El siguiente cuadro “La Sagrada Familia con la Virgen el Niño y san Juan Bautista”, obra de Giulio Romano (1495-1546), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1520. Tiene unas medidas de 82,5 x 63,2 cm. Pertenece al estilo manierista.

El cuadro es conocido con el nombre de la Virgen de Novar, donde se puede ver al grupo retratado de una forma informal, inspirado en una composición de Raphael, se muestra en un patio por la noche. Al fondo, en segundo plano, es posible vislumbrar a José con una lámpara que lleva un burro a través del arco de fondo. El contacto es animado entre los dos niños llama la atención sobre las letras América en el rollo, parte de la descripción de San Juan de Cristo como “el Cordero de Dios”. Las formas precariamente equilibradas y los estridentes colores tan contrastados son característicos del manierismo de Giulio Romano.

El siguiente cuadro “San Juan Bautista en el desierto”, obra de Bernardino Lanino (1509-1581), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1550. Tiene unas medidas de 24 x 24 cm. Pertenece al estilo manierista.

Es una interpretación sorprendente de San Juan en el desierto, aquí se le describe como una persona joven y posa semidesnudo cubierto con una pequeña prenda, esta en el interior de una cueva y en dos puertas deja entrever sendos paisajes.

Bernardino Lanino, que era pintor de Milán. En su segundo período de la creación que fue fuertemente influenciado por Leonardo da Vinci. En la pintura aparecen interesantes detalles enigmáticos: podemos ver claramente el verdugo en el lado derecho de la pintura. Quizás se trate de Judas. A continuación, la forma de la colina en la oscuridad misteriosa es la montaña Gólgota en las afueras de Jerusalén.

El siguiente cuadro “La Flagelación de Cristo con santos”, obra de Francesco Marmitta (1462-1505), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1495-1500.

El cuadro es un tanto tosco donde se representa el castigo que sufrió Cristo, bajo la tarima esta presenciado por San Jerónimo acompañado con un león, en el lado contrario hay un benedictino.

El siguiente cuadro “La Natividad con dos ángeles”, obra de Filippino Lippi (1457-1504), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1457-1504. Tiene unas medidas 25 X 37 cm.

La figura central se representa a la Virgen María , está de rodillas en la adoración del Niño Jesús, es un tipo de composición inventada por el padre de Filippino Lippi, cuyo nombre era Filippo Lippi. Filippino elaboró el tema mediante la inclusión de la figura sentada de José y dos ángeles que sostienen el manto de María. Este gesto poco común, enfatiza los patrones lineales obtenidos por los pliegues de cortinas. La influencia de la pintura flamenca es evidente en las torres con almenas y el fondo del paisaje. Las proporciones de este pequeño panel sugieren que fue pintado originalmente como parte de una predela de un retablo.

El siguiente cuadro “La Madonna del Passeggio”, obra de Raffaello Sanzio (1483-1520), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1515-1518. Tiene unas medidas 88 x 62 cm.

La composición probablemente quería hacer alusión al encuentro fortuito, narrado en los evangelios apócrifos, referido a la Sagrada Familia durante su regreso de la huida a Egipto con el joven Juan Bautista, anteriormente un ermitaño en el desierto. Paseo por el campo, de hecho, toda la figura Madonna parece presentar al Niño al otro niño representado por Bautista, quien lo mira de cerca, en un intenso intercambio afectivo; José es cómplice de la escena mientras lleva un paquete atado a un palo en el hombro, camina detrás de un arbusto. Bautista, como de costumbre, sólo llevaba el pelo de camello, sostiene una cruz, que lo califica como Precursor (Jesús parece apoderarse de ella, como para aceptar su destino), y desplazarse con la inscripción “Ecce Agnus Dei”.

El siguiente cuadro “La Familia Santa con una palmera”, obra de Raphael (Raffaello Santi), realizado en óleo sobre madera, esta datado en el siglo XVI. Tiene unas medidas circular 101.5 cm.

El tondo (pintura circular) era popular en la Florencia renacentista de los apartamentos privados. Raphael ha planeado cuidadosamente su composición para complementar la forma, con el Niño en su centro, y ha creado una relación sumamente armonizada y equilibrada entre las tres figuras. Esta es una de las diversas variaciones sobre el tema de la Virgen con el Niño y la Sagrada Familia que Rafael exploró durante sus cuatro años en Florencia. La palmera, flores y una fuente puede ser inspirado por referencias en las devociones especiales (letanías) a la Virgen María , que sería apropiada para una imagen devocional privada.

El siguiente cuadro “Madonna Bridgewater”, obra de Raphael (Raffaello Santi), realizado en óleo sobre madera, esta datado en el 1515-1518. Tiene unas medidas 88 x 62 cm.

El cuadro esta realizado sobre un fondo oscuro, en el que se puede ver sólo unos pocos elementos de una habitación (un nicho con una puerta abierta, un banco), María sostiene en sus brazos el niño que lucha por la izquierda. Las dos figuras, representan excepcionalmente una armonía, se caracterizan por un movimiento opuesto y divergente, con una concatenación de gestos (brazos al Niño que toma el velo de su madre, las manos de María que rozan el cuerpo de su hijo) que genera un movimiento serpentino.

El siguiente cuadro “Cuatro figuras desnudas masculinas”, obra de Pietro Vannucci conocido como Perugino ( 1445-1523), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el 1500-1510. Tiene unas medidas 71 x 52 cm.

En el cuadro aparecen cuatro figuras desnudas eran conocidas como el Tribunal de Apolo cuadro realizado por uno de los pintores más importantes de la historia del arte, Perugino fue un pintor cuatrocentista italiano, en transición hacia el Alto Renacimiento. El apodo de Il Perugino («el Perusino») proviene de su ciudad natal de Perugia. Sus dos influencias fundamentales fueron Piero della Francesca y el Verrocchio, aunque filtrados por los modos suaves de la pintura de la Umbria , de cuya escuela fue líder. Fue titular de dos activísimos talleres contemporáneos, uno en Florencia y otro en Perugia. Su fama se vio oscurecida por la de su alumno más prestigioso, Rafael.

El siguiente cuadro “San Jerónimo en el desierto”, obra de Jacopo del Sellaio (1441-1493), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el 1480. Tiene unas medidas 62 x 82 cm.

El apodo de Sellaio (talabartero o guarnicionero) lo debe al oficio de su padre Arcangelo. A él le debemos la primera noticia cierta de Jacopo, pues en 1446 lo menciona en el catastro como niño de cinco años.

Jacobo se formó como artista bajo la dirección de Fra Filippo Lippi. En su taller tuvo como compañero a Sandro Botticelli, cuyo estilo le influiría durante el resto de su trayectoria. En 1460 se inscribió como miembro de la Compagnia di San Luca. En 1473 está documentado que compartía taller en la plaza de San Miniato con otro pintor, Filippo di Giuliano. Durante su carrera se asociaría con otros artistas para realizar encargos diversos, entre ellos Zanobi di Domenico o Biagio d'Antonio (Casone Nerli, 1472).

Aunque realizó encargos de cierta envergadura (Crucifixión con San Lorenzo, 1490), su especialidad fueron las obras devocionales de pequeño formato y la decoración de cassoni, un tipo de rica arca que se realizada con fines nupciales. Han sobrevivido muchas de estas piezas que, aunque no documentadas por el mismo carácter del encargo, denotan claramente el estilo de Jacopo, de suave paleta cromática claramente deudora de la manera de pintar de Botticelli.

El siguiente cuadro “ La Virgen que adora al niño del Cristo durmiente”, obra de Sandro Botticelli, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1485. Tiene unas medidas de 122,00 x 80,30 cm.

La composición que emplea el pintor Botticelli en el cuadro, inspirado en la obra de Filippo Lippi, es inusual en dos aspectos: los lienzos estaban ya eran poco común en este momento y el Niño Jesús rara vez se demostraba dormido. Esta variación podría ser interpretada como un recordatorio de la muerte de Cristo. Su sufrimiento futuro para la humanidad también puede ser simbolizado por las plantas y frutos detallados. Las fresas de color rojo, por ejemplo, pueden referirse a la sangre de Cristo. También complementan el hermoso rosedal que forma un “jardín cerrado”, un símbolo de la Virgen derivado del Antiguo Testamento. La pintura fue probablemente diseñada para un entorno doméstico.

El siguiente cuadro “ La Virgen y el Niño con dos ángeles”, obra de un pintor anónimo de la escuela de Ferrara, realizado en temple, óleo y oro sobre madera, esta datado en 1470-1480. Tiene unas medidas de 122.00 x 80.30 cm.

Esta imagen impresionante de la Virgen y el Niño Jesús se presenta un ejemplo del tormento de la pintura ilusionista. La tela o pergamino en el que aparece el artista que ha estado pintando, parece milagrosamente arrancada de su bastidor de madera, que revelan una visión de las Santas figuras. Esta ilusión se ve reforzada por los bordes rotos de pergamino. La forma elegante y alargada Virgen sostiene una granada, un símbolo de la resurrección, mientras que el pequeño niño de Jesús está dormido y se sujeta gracias a la cuerda del cinturón de su madre, una referencia a su futura pasión.

El siguiente cuadro “La Virgen con el Niño”, obra de Andrea del Verrocchio, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1470. Tiene unas medidas de 106.7 x 76.3 cm.

El cuadro se representa de rodillas a la Virgen María adorando a su hijo en medio de un paisaje de ruinas. El niño está en la acción de chupar un dedo es a la vez un efecto natural y simbólico, ya que parece que puede haberse pinchado el dedo y esta chupando la sangre derramada, una premonición de su crucifixión. La arquitectura describe con mucho cuidado la perspectiva, representa probablemente un templo romano que, según la leyenda, se derrumbó cuando Cristo nació. Esto representa el triunfo de la nueva religión sobre la vieja. La pintura se transfirió desde el panel de lienzo y ampliamente restaurada. John Ruskin, el crítico del siglo XIX y el artista, fue su dueño durante un tiempo, de ahí su título popular “El Ruskin Madonna”.

El siguiente cuadro “La Virgen entronizada con el Niño”, obra de Lorenzo Monaco (Pier di Giovanni), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1418. Tiene unas medidas de 55.9 x 33.7 cm.

Lorenzo de Monaco denota en el cuadro una clara influencia de la tradición de la pintura de Siena y de su gran maestro Giotto. La Virgen se representa con un vestido con pliegues en cascada que completan las curvas estilizadas de la figura sedente de la Virgen y el Niño de pie. El trono con remates de cabeza de león en sus pies probablemente se refiere al “Trono de la Sabiduría ” del rey Salomón. Este panel forma la parte central de un retablo y habría sido flanqueado por santos de pie. Un fragmento de la pañería carmesí de uno de éstos es apenas visible en el borde izquierdo. El suntuoso color y los patrones decorativos exquisitos diseñados para brillar en las velas indican la riqueza del primitivo retablo.

El siguiente cuadro “Tríptico. En el Centro: La Virgen y el Niño en el trono. Izquierda: La Natividad ; El ángel del anuncio. La derecha: La Crucifixión ; La Virgen anuncian”, obra anónima de un maestro de la escuela Toscana, realizado en temple sobre madera, esta datado en el siglo XIV. Tiene unas medidas centro: 71 x 31 cm; alas: 51,3 x 11,20 cm.

Este tríptico es de pequeño tamaño seguramente fue pintado para devoción privada de algún miembro de la iglesia o bien de alguna acaudalada familia. Las alas se abren para representar la imagen de la Virgen y el Niño. Jesús flotando en un resplandor de radiación dorada. Los cuatro hombres santos y las santas que aparecen no han sido identificados. El niño de Cristo recibe una rosa de un obispo, posiblemente San Ambrosio. El anuncio se incluye en la parte superior de las alas, con Gabriel frente a la Virgen. A continuación se presentan la Adoración de los Reyes y la Crucifixión. El cuadro tiene un punzonado decorativo que enriquece los halos y el fondo de oro de todas las tablas.

El siguiente cuadro “ La Madonna de la Rueca ”, obra de Leonardo da Vinci (1452-1519), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1501. Tiene unas medidas 48,3 x 36,9 cm.

La composición muestra a la Virgen de la rueca con el niño Jesús torciendo el cuerpo lejos de los brazos de su madre, sus ojos están sorprendidos por su rueca cuyos radios parecen darle la forma de una cruz; precozmente se le reconoce como un símbolo de su destino. La reacción de la Virgen es ambigua, una mezcla de alarma por el daño a su hijo llegará y una renuncia y aceptación de la misma. El gesto de suspenso hecho con la mano derecha se repite en un retablo de Leonardo La Virgen de las rocas. El uso de un símbolo de la pasión como un objeto de un juego infantil se repite a lo largo de la obra de pintura de Leonardo. Al igual que con los trabajos posteriores de Leonardo, las figuras aparecen en un vasto paisaje despoblado. El afloramiento rocoso en el primer plano de la Madonna está pintado con una minuciosa con una atención al detalle geológico.

El siguiente cuadro “Tríptico de la Crucifixión”, obra de Bernardo Daddi, realizado en temple y oro y plata sobre madera, esta datado en 1338. Tiene unas medidas centro: 53.5 x 28; las alas: 58 x 15.5 cm.

Este pequeño tríptico es de uso devocional privado se utiliza como una ayuda para la oración y la meditación, significaba que era fácil de transportar y podría ser usado en los viajes. Las alas abiertas revelan una imagen de la crucifixión de Cristo flanqueado por pequeñas escenas. La elección de los temas debe haber tenido un significado especial para el patrón. A la izquierda está la Natividad y la Crucifixión de San Pedro (que fue crucificado al revés). En frente, y bastante inusual ala, con la entronización de la Virgen y el Niño con los Santos y San Nicolás.

El siguiente cuadro “ La Adoración de los Magos”, obra de Vitale da Bologna (Vitale Daimo de Cavalli), realizado en temple y oro sobre madera, esta datado en 1353-1355. Tiene unas medidas de 60.40 x 38.60 cm.

En la escena, parte superior derecha, se ve a uno de los Reyes como está indicando a la estrella que los condujo ante el Niño Jesús en Belén. Las dos mujeres santas son identificadas por sus atributos como Santa Catalina con la rueda, y Santa Úrsula, acompañados de algunas de las once mil acompañantes (con quien, de acuerdo con su leyenda) fue martirizada. Esta pintura fue originalmente el panel izquierdo de un díptico con bisagras en el medio; el panel relacionado, pintado con Cristo llorado por santos, se encuentra ahora en la Fondazione Longhi , Florencia y que se titulaba Díptico del Martirio.

El siguiente cuadro “Tríptico. Centro: Escenas de la Vida de los Santos Tebaida. En las Alas: Escenas de la pasión de Cristo”, obra de Grifo di Tancredi, realizado en temple sobre madera, esta datado en 1290-1300. Tiene unas medidas del cuadro abierto 118,50 x 124.50 cm.

El tríptico está pintado de forma inusual con una combinación de imágenes por su forma particular son únicos en el arte italiano. El panel central representa en la parte inferior, el funeral del teólogo del siglo IV y escritor San Efrén de Siria, cuya alma se muestra en la parte superior, se transporta al cielo por los ángeles. El terreno rocoso, con sus animales salvajes y el variado follaje, representa el desierto alrededor de Tebas en Egipto, poblada por ermitaños, muchos de los cuales eran santos. El panel puede estar basado en un prototipo bizantino. Cristo y los ángeles arriba y las escenas de la pasión de Cristo en las alas son característicos de la pintura del siglo XIII italiano.

Bajamos las escaleras y pasamos a la sala II y III del museo dedicada al arte del Renacimiento Italiano en el periodo que abarca desde 1500-1600. Se exponen obras de pintura elaboradas en la república de Venecia y dentro de los territorios de Italia del Norte.

El arte del Renacimiento Italiano en la pintura abarca el período que comenzó a finales del siglo XIII y floreció desde principios del siglo XV hasta finales del siglo XVI en la península Itálica, que en ese tiempo ese encontraba dividida en muchas áreas políticas. Los pintores de la Italia Renacentista , recorrían Italia comúnmente ocupando un estatus diplomático y difundiendo ideologías artísticas y filosóficas.

La ciudad de Florencia en la Toscana se conoce como el lugar de origen del Renacimiento, en especial de la pintura Renacentista. Se puede dividir en cuatro períodos: Protorrenacimiento (1300–1400), Renacimiento Temprano (1400–1475), Alto Renacimiento (1475–1525), y Manierismo (1525–1600). Estas fechas son aproximadas ya que la vida de cada artista y sus estilos personales traspasaron diferentes períodos.

Durante este periodo se recuperaron un gran número de textos clásicos que se habían perdido. Entre estos se encontraban textos de filosofía, poesía, drama, ciencia, arte, y teología Cristiana. Gracias a esto despertó un interés especial por la filosofía humanista. Se desarrolló una nueva filosofía en la cual la relación del hombre con la humanidad, el universo y con Dios no era exclusiva para la Iglesia.

El siguiente cuadro “ La Virgen y el Niño con cinco santos”, obra de Lorenzo Lotto (1480-1557), realizado en temple sobre madera, esta datado en 1505. Tiene unas medidas 80.5 x 102.5 cm.

El Niño Jesús se inclina para desplazarse hacia los ancianos encima de San Jerónimo. La rigidez de la pose del niño se repite en los pliegues angulares de cortinas de María. Ella reconoce a San Francisco con su mano levantada. Un paño de honor se extiende a través de la pintura que separa el primer plano del grupo (que también incluye a San Pedro y una santa mujer) del paisaje de atrás. Los leñadores cortando un árbol aluden a la madera de la cruz y, por tanto, a la pasión de Cristo. Se trata de una obra temprana, pintada por Lotto en 1505.

El siguiente cuadro “ La Virgen y el niño con San Juan Bautista y un santo no identificado”, obra de Tiziano Vencellio (1485-1576), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1518-1520. Tiene unas medidas 62.7 x 93 cm.

Tiziano se dedica a perfeccionar este tipo de pintura pequeña, destinada a la devoción privada, que representa a la Virgen María y el niño Jesús en un paisaje acompañado por uno o más santos. Los colores ricos y los lujosos pliegues de la vestimenta de María llaman la atención y el azul intenso se repite en el cielo y en la tierra muy lejana. La figura en primer plano de San Juan Bautista por la presencia del cordero, una referencia a Cristo como el “Cordero de Dios”. El Cristo infantil reconoce el otro santo de rodillas que probablemente tenía un significado especial para el patrón de la pintura

El siguiente cuadro “Venus saliendo del mar”, obra de Tiziano Vencellio (1485-1576), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1520. Tiene unas medidas 75.8 x 57.6 cm.

La pintura parece más un retrato donde surge la figura Venus de Tiziano que llena el lienzo. La pequeña concha que flota en el agua identifica la hermosa mujer desnuda como la diosa del amor. El antiguo poeta griego Hesíodo describió cómo nació Venus saliendo por completo de la mar acompañada en la orilla de una concha de vieira. Tiziano muestra a la diosa retorciendo su pelo, una pose inspirada en la escultura clásica y por una cuenta de una pintura de Apeles, el pintor más célebre de la antigua Grecia. Venus de Tiziano demostró que podía competir con el arte de la antigüedad y que podía hacer que el ideal pareciese real.

El siguiente cuadro “Adoración de los reyes”, obra de Jacopo Bassano, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1540. Tiene unas medidas 183 x 235 cm.

La familia santa, a la izquierda, está pintada con la paleta de colores vivos de Bassano, en el momento en que visitan a los reyes. La figura central de la pintura, sin embargo, es el rey con un doblete de rayas. Él puede ser identificado como un retrato del patrón de la pintura, Jacopo Gisi. Los dos pajes detrás de él también pueden ser retratos de sus hijos. El interés de Bassano en poses escorzo complejos es evidente en el grupo densamente poblados, sobre todo en las figuras y animales vistos desde atrás. Muchos detalles se basaron en sus composiciones anteriores y en sus estudios de la naturaleza, aunque la arquitectura en ruinas es una adaptación que pudo ver en un grabado de Durero.

El siguiente cuadro “Santa Ágata”, obra de Giovanni Busi conocido como Cariani (1485-1547), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1512-1518. Tiene unas medidas 69 x 58 cm.

El cuadro identifica el martirio de la santa mediante la hoja de palmera y los pechos en una placa , representan a la joven como la virgen y mártir Santa Ágata. Según la leyenda, Agatha, era una hermosa mujer noble que vivía en Catania, Sicilia, en el tercer siglo, había hecho un voto de castidad. Entre sus pretendientes era el gobernador romano, que intentó torturándola hasta la sumisión al ordenar cortar sus pechos. Ella se salvó milagrosamente y, como un modelo de valor y virtud, se convirtió en un popular nombre de-santa. Desde esta pintura sensual se ajusta en su composición y carácter del retrato veneciano contemporáneo es, posiblemente, una imagen idealizada de una joven llamada Agatha.

El siguiente cuadro “Las tres edades del hombre”, obra de Tiziano Vencellio (1485-1576), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1512-1514. Tiene unas medidas 90 x 150.7 cm.

Tiziano en este trabajo representa las tres etapas de la vida: la infancia, la edad adulta y la vejez. Cupido se encarama sobre los bebés que duermen, que puede crecer hasta ser como los jóvenes amantes de la derecha. Su relación intensa e íntima con el tiempo se verá interrumpida por la muerte, simbolizada por dos cráneos, que el anciano contempla. Tiziano nos invita a meditar sobre la fugacidad o como un pasaje de la vida humana y nos recuerda el amor eterno. Para sus contemporáneos de la iglesia en el fondo puede haber indicado la promesa de la vida eterna en el cielo. El exuberante paisaje complementa el tono lírico, haciéndose eco de la clásica poesía pastoral y contemporánea.

El siguiente cuadro “El banquete de los dioses”, obra es una copia de Gioavanni Bellini (1485-1576), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1650. Tiene unas medidas 174 x 190.5 cm.

Esta es una obra de tamaño completo, copia exacta de uno de los grandes logros de los últimos años de Bellini, “El festín de los dioses” de 1514 (Washington, National Gallery of Art). El original fue encargado por Alfonso de Este, duque de Ferrara, para su estudio privado (“Camerino”) en el complejo del palacio en Ferrara. La imagen muestra una fiesta organizada por Cibeles, diosa de la naturaleza y de la fertilidad, por sus compañeros los dioses olímpicos. Las pinturas de “Camerino”de Alfonso fueron trasladadas a Roma en 1598, y la presente copia, probablemente, no se hizo hasta mediados de la década de 1620, muy posiblemente por el célebre artista francés Nicolas Poussin (1594-1665).

El siguiente cuadro “El regreso a Egipto”, obra Paris Bordone (1500-1570), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1540. Tiene unas medidas 104 x 140.8 cm.

Este cuadro representa a la Sagrada Familia en un descanso en su viaje de regreso a la Tierra Santa después de su huida a Egipto, donde incluye el legendario episodio de la primera reunión de los niños Cristo y San Juan Bautista. Pintado alrededor de 1550, la imagen fue muy elogiada por el escritor veneciano en arte Marco Boschini (1660), cuando pertenecía a la familia patricia Venier. El paisaje panorámico es sorprendente y se repite en varias otras obras de madurez del artista.

El siguiente cuadro “Retrato de un arquero”, obra de un seguidor de Giorgione o algún miembro de su taller, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1506-1510. Tiene unas medidas 53,5 x 41,5 cm.

Esta obra está llena de misterio en cuanto a su autoría, aunque se ha determinado que pudiera ser de un seguidor de Giorgione o de su taller, hay que recordar que Giorgione murió muy joven como consecuencia de la peste, algunas de sus obras fueron terminadas por Tiziano, lo que añada confusión a su obra.

El siguiente cuadro “Busto de Cleopatra”, obra de Simone Bianco (activo 1512-1553), realizado en mármol, esta datado en 1530. Tiene unas medidas 53.5 x 41.5 cm.

Cleopatra, cuyo nombre significa “ Gloria de su Padre ”, nació durante el invierno del 69 al 68 a.C. en la capital de Egipto, Alejandría.

Su padre fue Ptolomeo XII y su madre probablemente fue Cleopatra VI, aunque otras fuentes aseguran que era hija de una egipcia de clase alta. Cuando ascendió al trono de Egipto, a los 18 años, Cleopatra ya había desarrollado un atractivo irresistible, fruto de una intensa educación y de su presunta belleza. Poco más se conoce acerca de los primeros años de la vida de Cleopatra. Su figura está irremediablemente ligada a los últimos años de la historia de Egipto, un período que supuso la decadencia de una larga estirpe: la de los Ptolomeos.

El siguiente cuadro “San Antonio Abad como Patrono de un donante de rodillas”, obra de Paolo Veronese (1528-1588), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1563. Tiene unas medidas 198.5 x 117.8 cm.

Este lienzo es un fragmento de la parte inferior izquierda de un retablo pintado por Veronese montado en 1563 para la capilla de la familia Petrobelli en la iglesia de San Francisco de Lendinara, cerca de Rovigo. La enorme pintura fue cortada y puesta a la venta en 1788-9. Otros dos fragmentos grandes sobreviven, donde se muestra el Cristo muerto con los ángeles (Galería Nacional de Canadá, Ottawa) y San Jerónimo con el Donante, Girolamo Petrobelli (Dulwich Picture Gallery, Londres). Partes de un ala, un brazo con una lanza, y un diablo visible en la parte derecha de esta lona pertenecían originalmente a una figura central del arcángel San Miguel, a quien se dedicó la capilla. La cabeza de esta figura se ha identificado recientemente en el Museo de Arte Blanton, Austin, Texas. Un cambio importante en la posición de la cabeza de San Antonio es ahora detectable entre las columnas.

El siguiente cuadro “Cristo es llevado a la tumba”, obra de Jacopo Tintoretto (1519-1594), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1563-1565. Tiene unas medidas 164 x 127,5 cm.

La pintura de Tintoretto se hizo para el altar de la capilla de la familia Dal Basso, en la iglesia veneciana de San Francesco della Vigna. El retablo fue cortado dañando su aspecto original. Era más alto y estaba arqueado, con un ángel que volaba en la parte superior que sostiene una corona de espinas. Los pies del ángel son sólo visibles en la parte superior del lienzo. A continuación el cuerpo alargado de Cristo en el centro está acompañado del desmayo angustiado de su madre. El parpadeo de la luz de la antorcha pintado eleva el estado de ánimo de la desesperación.

El siguiente cuadro “Marte, Venus y Cupido”, obra de Paolo Veronese (1528-1588), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1580. Tiene unas medidas 165.2 x 126.5 cm.

El lienzo muestra como en el centro de la escena está Venus que consuela suavemente a su hijo Cupido, este se sobresalta por un pequeño perro spaniel. Este detalle incidental mejora el atractivo inmediato de los personajes mitológicos. La diosa del amor sensual, envuelta en tela de lujo, se apoya en la rodilla de Marte. Se cree que el dios de la guerra puede haber sido incluido a última hora en el diseño en él (posiblemente por un ayudante), ya que sólo las figuras de Venus y Cupido aparecen en los dibujos preparatorios relacionados (British Museum, Londres). El tratamiento muy superficial de las alas de Cupido sugiere que la pintura puede haber sido dejado sin terminar.

El siguiente cuadro “Busto de una mujer”, obra de un escultor anónimo romano, realizado en mármol, esta datado en 20 al 40 a. C.

Esta escultura fue descubierta durante la época del hermano de Napoleón (1775-1840) descubierto en Tusculum cerca de Roma. Esta mujer ha sido identificada como Antonia Augusta, hija de Marco Antonio y Octavia.

El siguiente cuadro “Paisaje con Santa María Magdalena penitente”, obra de Pietro Berrettini, conocido como Pietro da Cartona (1596-1669), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1630. Tiene unas medidas 49 x 64.5cm.

Pietro de Cortona pertenece al período inicial del Barroco. Es conocido fundamentalmente por su trabajo en el terreno de los frescos decorativos y de la pintura. Durante el pontificado de Urbano VIII (de quien hizo un retrato), fue uno de los principales artistas establecidos en Roma, junto a Bernini y Borromini. Se puede decir que representa el máximo exponente del arte decorativo del estilo Barroco pleno, haciendo olvidar a artistas anteriores como Giovanni da San Giovanni y oscureciendo a competidores como Giovanni Lanfranco.

El siguiente cuadro “El rapto de Europa”, obra de Agostino Carracci (1557-1602), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1595-1600.

El cuadro representa la leyenda mitológica de Europa, momento en que Zeus se transformó en un toro blanco y se mezcló con las reses que tenía el padre de la muchacha. Mientras Europa y su séquito recogían flores cerca de la playa, ella vio al toro y acarició sus costados y, al notar que era manso, se montó en él. Zeus aprovechó esa oportunidad: corrió al mar y nadó hasta la isla de Creta llevando a Europa en el lomo. Ya en Creta, Zeus reveló su auténtica identidad, y Europa se convirtió en la primera reina de la isla.

Zeus dio a Europa un collar hecho por Hefesto y otros tres regalos: Talos (un autómata de bronce), Lélape (un perro que nunca soltaba su presa) y una jabalina que nunca erraba. Más tarde Zeus recreó la forma del toro blanco en las estrellas que actualmente se conocen como la constelación Tauro. Algunas leyendas cuentan de ese toro que es el mismo con el que se topó Heracles y que es el que engendró al Minotauro.

El siguiente cuadro “ La Virgen con el Niño y san Juan Bautista”, obra de Giovanni Francesco Barbieri es conocido como Guercino (1591-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1615-1616.

El medio cuerpo sentado Virgen, el Niño Jesús durmiendo y San Juan Bautista se presentan en el primer plano dramático de este cuadro . No es un tema idealizado y se modelan en gran medida por la luz y la sombra contrastada . La intensa coloración y el escorzo es audaz, sobre todo por la mano de la Virgen , que apunta a la inscripción de desplazamiento del Bautista “Ecce Agnus Dei” (He aquí el Cordero de Dios) son característicos del estilo temprano de Guercino. La pose de niño Jesús , durmiendo sobre un paño blanco, alude deliberadamente para eventos posteriores, cuando su madre mantiene a su cuerpo muerto, como se representa en escenas conocidas como la Piedad , o el llanto sobre Cristo muerto.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre”, obra de Jacopo Tintoretto (1519-1594), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1563-1565. Tiene unas medidas 127 x 98 cm.

El personaje retratado es considerado desde hace tiempo como Jacopo Bassano, la composición de este bello retrato está vinculada estrechamente al taller de Tintoretto. Probablemente data de alrededor de 1580. En el cuadro está decorado con una cortina, la columna grandiosa y la base, además de una mesa cubierta de tela con un crucifijo y una carta plegada, encuentra particularmente estrechos paralelos con la obra de Domenico Tintoretto, el hijo de Jacopo. El cuadro fue comprado en Génova en 1830 por el pintor escocés y distribuidor Andrew Wilson, este retrato fue parte de uno de los primeros lotes de pinturas de los viejos maestros adquiridos por la Institución Real de Edimburgo, que formó parte de la colección del fundador de la Galería Nacional de Escocia.

El siguiente cuadro “Retrato de Cosimo I”, obra de Alessandro Allori (1537-1607), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1555-1560. Tiene unas medidas 86 x 65 cm.

Alessandro Allori nació del matrimonio de Cristofano di Lorenzo y Dianora Sofferoni. Entró siendo todavía un niño en el taller de su tío (según algunos autores), el pintor manierista Agnolo Bronzino (1503-72); a los catorce años fue de ayudante de su maestro que, según el testimonio de Vasari (1511–1574), siempre lo trató como un hijo más que como a un estudiante. Los registros de pago por la Historia de José en el Palacio Vecchio, un proyecto ejecutado por Bronzino, “Sandrino Tofano” donde se menciona por primera vez como pintor.

El siguiente cuadro “Retrato de Domenico di Jacopo Becuccio”, obra de Andrea del Sarto (1486-1528), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1525-1528. Tiene unas medidas 86 x 67 cm.

Durante algún tiempo se pensó que la persona retratada era un autorretrato del pintor, pero se ha identificado de manera convincente como su buen amigo Becuccio el fabricante de vidrio (bicchieraio). La inclusión de una jarra de vidrio y un plato llama la atención sobre la artesanía del sujeto y las habilidades propias del artista como un pintor. Aún más sorprendente, sin embargo, es el giro rotundo de tres cuartos de Becuccio de la pose y la importancia concedida a los juegos de luz en la zona oscura. El uso expresivo de la sombra en las esquinas de los ojos y la boca refleja la influencia de Del Sarto y del tradicional sfumato que empleaba Leonardo da Vinci, una mezcla gradual de luz y sombra .

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño”, obra de Andrea del Sarto (1486-1528), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1530.

El pintor debe su apodo «del sarto» a que era hijo de un costurero («sarto» en italiano) llamado Agnolo di Francesco. Su madre, Costanza di Silvestro, también era hija de un costurero.

En 1508 comienza a pintar sus primeras obras, inspiradas directamente de los pintores que le eran más familiares a él y a su amigo Francesco Franciabigio: Fra Bartolomeo y Mariotto Albertinelli, junto a otros pintores que trabajaban en el estudio de Rafael Sanzio.

El siguiente cuadro “Retrato de un hombre joven que ata su liga”, obra de un pintor anónimo de la escuela toscana, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVI. Tiene unas medidas de 113.2 x 90 cm.

La identidad del hombre es desconocida, además del artista que hizo esta pintura no ha sido identificado , el trabajo es a menudo descrito como perteneciente a una escuela nacional o regional. Esto se debe a que parece compartir características estilísticas con pinturas de artistas de ese país o región. Así que una pintura descrita como de la “Escuela de la Toscana ” donde un artista que trabaja en la provincia italiana de Toscana, que fue posiblemente asociado a uno de los talleres florentinos influyentes.

El siguiente cuadro “Moisés golpea las tablas”, obra de Francesco Ubertini, conocido como Bacchiacca (1494-1557), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1525-1550. Tiene unas medidas de 100 x 80 cm.

Sobre esta obra Bacchiacca utiliza este tema del Antiguo Testamento como un medio para incluir una amplia gama de figuras vestidas exóticamente y diversas aves y animales en un paisaje estilizado, rocoso. Moisés se arrodilla en el centro, delante de las tablas para que aparezca el agua milagrosamente para aliviar la sed de los israelitas en su viaje a la tierra prometida. Esto se recoge con entusiasmo bebido agua en jarras maravillosamente hechas a mano. La imagen puede muy bien un encargo que recibió el pintor de un gremio florentino de los jarrones para decorar un festival en 1525 con escenas del Antiguo Testamento

El siguiente cuadro “Mujeres venecianas en el baño”, obra de Paris Bordon (1500-1571), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1540-1550. Tiene unas medidas de 97 x 141 cm.

Las dos mujeres más jóvenes habrían sido reconocidas inmediatamente por los contemporáneos como cortesanas. Sus moños de pelo elaboradamente trenzados sobre sus hombros desnudos, y el corpiño desabrochado de la figura central es sensualidad y provocación. Ella admira su reflejo en el espejo sostenido por la mujer de avanzada edad con una tez más oscura, que puede ser su alcahueta. El espejo también alude, sin embargo, a la fugacidad de la belleza física. El cuadro esta adornado con una caja que contribuye a la ambigüedad espacial de la pintura y su aspecto decorativo. Probablemente fue pintado para un rico patrón veneciano.

El siguiente cuadro “Retrato de Giovanni Bressani”, obra de Giovanni Battista Morino (1490-1560), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1562. Tiene unas medidas de 116.2 x 88 cm.

El lienzo representa la visión de Morini del distinguido escritor de Bérgamo, Bressiani, fue pintado dos años después de la muerte del autor. Su mirada hacia el exterior y la forma de la silla contribuyen al impacto sorprendente de la obra. La tabla proporciona una superficie para la visualización de objetos asociados con Bressiani, que aparece sosteniendo un lápiz y papel. Junto a los volúmenes de la envolvente y las hojas del verso, son un tintero en forma de un pie, y una forma temprana de papel secante, que fue utilizado para la dispersión de arena sobre la tinta húmeda.

La siguiente escultura “Mucius Scaevola”, obra de Giovanni Maria Mosca (1507-1574), realizado en mármol, esta datado en 1520.

La escultura en un relieve con la figura que trata de contar la historia de Roma, con Caius Mucius Scaevola fue un héroe en la guerra de Roma contra el rey etrusco Lars Porsena. Bajo un disfraz penetra en el campo enemigo, y se acerca entre la multitud que se apiñaba ante el tribunal de Porsena, pero no habiéndole visto antes, se equivoca, y mata a un hombre distinto.

Pronto es arrestado y conducido ante el rey, que le interroga. Lejos de intimidarse, Mucio responde y se presenta como ciudadano romano dispuesto a matarle. Para apoyar su propósito y castigar su error en la ejecución de su víctima, pone su mano derecha sobre el fuego de un brasero encendido para un sacrificio, y mirando a Porsena, dice: «Mira, mira qué poca cosa es el cuerpo para los que no aspiran más que a la gloria». Sorprendido e impresionado por esta escena, el rey ordena que se retire a Mucio del fuego y le pone en libertad.

El siguiente cuadro “Una alegoría de la virtud”, obra de Antonio Allegri, conocido como Correggio (1489-1534), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1520. Tiene unas medidas de 100 x 83 cm.

Antonio Allegri nació en Correggio, Italia, una pequeña ciudad cerca de Reggio Emilia. Su fecha de nacimiento es incierta (hacia 1489). Su padre era un comerciante. Poco se conoce sobre la vida o la formación temprana de Correggio. Es, sin embargo, a menudo se supone que tuvo su primera formación artística del hermano de su padre, el pintor Lorenzo Allegri.

Correggio fue el pintor más importante del Parma de la escuela del renacimiento italiano, que fue responsable de algunos de los más vigorososas y sensuales obras del siglo XVI. En su uso de la composición dinámica, la perspectiva ilusionista y el escorzo dramático, Correggio prefiguró el rococó del arte del siglo XVIII. Se le considera un maestro del claroscuro.

Pasamos a la Sala IV está dedicada a la pinturas de gabinete abarca el periodo entre 1560-1700, son obras de pequeño formato realizadas en los estudios de los pintores y abarcan la variación de estilo del siglo XVII por los artistas barrocos de la Europa del Sur.

El siguiente cuadro “La mujer toca el Laúd”, obra de Frans van Mieris el Viejo (1635-1681), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663. Tiene unas medidas de 30 x 40 cm.

Frans van Mieris fue un dibujante, grabador y pintor barroco holandés, especializado en pintura de género y retratos.

A menudo escogió tablas de pequeño tamaño, de 30 x 40 cm, nunca se atrevió a dibujar figuras a tamaño natural. Se le clasifica, junto a él y con Gabriël Metsu dentro de los fijnschilders neerlandeses, esto es, pintores en los que la precisión es tal que las pinceladas se hacen invisibles a simple vista. La forma en que representa las telas, la seda en particular, es, en este punto, notable. El aspecto final es de efectos brillantes y un bruñido metálico.

El siguiente cuadro “Retrato de un Hombre”, obra de Jan de Bray (1626-1697), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663. Tiene unas medidas de 21.5 x 15.8 cm.

El cuadro representa el retrato de un hombre de mediana edad, su identidad no ha podido autentificarse pero por sus ropajes se trata de un miembro de una familia acomodada de la ciudad de Haarlem, la inscripción indica que tenía 47 años.

El siguiente cuadro “Retrato de un muchacho”, obra de Jan de Bray (1626-1697), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663. Tiene unas medidas de 21.5 x 15.8 cm.

Esta pintura muestra el hijo menor de un grupo familiar, cuyos retratos ejecutados por Braij que se encuentran en la Galería Nacional de Escocia. Una muy débil inscripción afirma que tiene siete años, y que de Braij lo pintó en 1663. Este fue el mismo año en que se hizo el retrato de su madre. No se sabe si hubo o no algún otro miembro de esta familia que Braij había pintado. Muy pocos grupos de retratos individuales de la familia como ésta han sobrevivido.

El siguiente cuadro “Retrato de un muchacho”, obra de Jan de Bray (1626-1697), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663. Tiene unas medidas de 21.5 x 15.8 cm.

Jan Bray era hijo del pintor Salomón Bray, Salomón fue padre de diez hijos, de los que al menos tres continuaron el oficio paterno, en el que destacaron Dirck de Bray y Jan de Bray, y murió probablemente a causa de la peste que asoló Haarlem en 1664, y que se llevó también a cuatro de sus hijos, fallecidos todos entre abril y mayo de ese año.

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer”, obra de Jan de Bray (1626-1697), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1663. Tiene unas medidas de 21.5 x 15.8 cm.

En el retrato aparece la madre de toda la familia retratada. El pintor era miembro de una familia católica, fue pintor de cuadros de historia con sus temas sacados tanto de la Biblia y de la mitología clásica como de la antigüedad grecorromana, sirviéndose en ocasiones como modelos de los miembros de su familia y de sí mismo.

El siguiente cuadro “Retrato de los gemelos Clara y Alberto de Bray”, obra de Salomón de Bray (1597-1664), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1646. Tiene unas medidas de 82 x 64.8 cm.

El pintor Salomón de Bray nació en Ámsterdam, donde probablemente comenzase su formación artística con maestros como Jan Pynas, Nicolaes Moeyaert y Pieter Lastman, debió de trasladarse muy pronto a Haarlem, pues ya en 1617 figuraba en esta ciudad inscrito en la milicia cívica de San Adrián y en la cámara de retórica o sociedad dramática llamada “De Wijngaertranken”, donde pudo conocer a su esposa Anna, hermana de artistas, con la que casó en 1625. En Haarlem completó su formación en dibujo y pintura con Karel van Mander, Hendrick Goltzius y Cornelis van Haarlem y en 1630 se inscribió en el gremio de San Lucas de la ciudad, del que entre 1632 y 1641 formó parte de la junta.

El siguiente cuadro “La boda en el pueblo”, obra de Jan Steen (1626-1679), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1655-1660. Tiene unas medidas de 52.9 x 47.90 cm.

El cuadro es del tipo costumbrista y muestra como después de una boda en la Holanda del siglo XVII, era costumbre que los novios hacían una procesión hasta la casa del novio o de una posada. El novio dio la bienvenida a la novia allí, y entonces el matrimonio se celebró con un banquete, con baile y entretenimiento que a veces duraban durante varios días. La pareja lleva guirnaldas festivas, con el novio está posicionado como una alusión obscena a la noche de bodas.

El siguiente cuadro “Retrato de Pietro Verdonck”, obra de Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1627. Tiene unas medidas de 46.7 x 35.5 cm.

El retrato es de un hombre de cabello alborotado con un gran bigote empuñando una mandíbula de un animal tiene un impacto sorprendente. También muestra una notable capacidad de Hals para transmitir apariencia y carácter. El hombre es, probablemente, Pieter Verdonck, un miembro prominente del grupo más puritano de menonitas en Haarlem, que era agresivo y argumentativo. Sus ataques verbales se consideraron tan fuertes como los golpes que el personaje bíblico Sansón golpeó con la quijada de un trasero; de hecho, un grabado contemporáneo del retrato incluía la inscripción “Verdonck ese tipo abierto cuyos ataques todos se quejaban”.

El siguiente cuadro “Una visión de Colonia con la Karthausekirche y san Pantaleón”, obra de Jan Van der Heyden (1637-1712), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1652.

Jan van der Heyden nació en Gorinchem, 1637 y murió en Ámsterdam, 1712, fue un pintor barroco, dibujante, grabador e inventor neerlandés.

No se tienen noticias sobre su formación, pero al contraer matrimonio con Sara ter Hiel, natural de Utrecht, el 28 de mayo de 1661, se declaraba pintor. Dadas las relaciones familiares de su esposa con Emmerich y Wesel en Alemania viajó por los Países Bajos del Sur y la región del Rin, según demuestran sus obras, en las que son reconocibles paisajes urbanos de Bruselas, Colonia, Bonn, Xanten, Aquisgrán y Cléveris, además de Emmerich y Wesel. En 1670 fue nombrado superintendente municipal y con su hermano Nicolaes, ingeniero hidráulico, perfeccionó la máquina de bombeo para la extinción de incendios, sobre lo que publicó un tratado en 1690 en el que le ayudó su hijo mayor, Jan. También ideó un sistema de iluminación de la ciudad y, por encargo del ayuntamiento, diseñó las primeras farolas instaladas en Ámsterdam.

El siguiente cuadro “Paisaje de Wageningen”, obra de Hercules Pieterszoon Seghers (1589-1638), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1630. Tiene unas medidas de 40.3x 48.2 cm.

El pintor fue un gran paisajista holandés que trabajó en Haarlem y Ámsterdam. Se especializó en la pintura y el grabado de escenas de paisajes montañosos. Por el dramático contraste de luces y sombras, sus obras poseen una calidad mística y perturbadora; el ser humano queda reducido en ellas a una figura solitaria y ocasional en un marco intimidante. Fue uno de los artistas más originales de su época y el primero de los holandeses en realizar grabados en color. Ejerció gran influencia en artistas posteriores, entre los que puede citarse a Rembrandt.

El siguiente cuadro “Paisaje de Invierno”, obra de Hendrick Avercamp (1585-1634), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1610-1620. Tiene unas medidas de 28.6 x 42.2 cm.

Esta escena de invierno está llena de gente, presenta una sección transversal de la sociedad holandesa que disfruta de una amplia gama de deportes de invierno, en los canales congelados. Las figuras en primer plano llevan palos largos están jugando al “KOLF”, una forma temprana de golf. El recinto amurallado en el fondo se pensaba anteriormente podía ser la ciudad natal del artista, Kampen, pero en realidad es un sitio imaginario. A la izquierda del molino de viento hay una posada, indicada por el signo con una media luna blanca. Las figuras de colores brillantes se destacan contra los sobrios y sutiles tonos del paisaje.

El siguiente cuadro “Milagro de los panes”, obra de Abrham Bloemaert (1564-1651), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1593.

Bloemaert probablemente pintó esta obra recientemente descubierta poco después de su estancia en Ámsterdam entre 1591-1592. Allí habría conocido a artistas de Haarlem, el lugar de nacimiento del manierismo holandés. La escena es típica de las pinturas manieristas, se lleva a cabo en la media distancia. La historia se relata en los cuatro Evangelios. Cristo milagrosamente alimentó a cinco mil de sus seguidores con sólo cinco panes y dos peces. La escena está enmarcada y parcialmente oscurecida por figuras retorcidas monumentales en el primer plano, modelado en fuertes contrastes de luces y sombras y colores ácidos. La pintura tiene una estructura inusual, ya que la tela original se ha pegado a la madera que ha numerado incisiones por todas partes (parte inferior izquierda visible). Probablemente estaban destinados a la transferencia de la composición, posiblemente para una impresión.

El siguiente cuadro “Estudio de la figura humana”, obra de Cornelius van Haarlem (1562-1638), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1627-1630. Tiene unas medidas de 31.8 x 23.7 cm.

Se trata de una serie de estudios o bocetos al óleo como este se enumeran en el inventario del taller de Cornelis van Haarlem, a su muerte. Parece que los han creado copiando figuras de sus propias pinturas terminadas. Exactamente por eso que el artista podría haber hecho esto no se conoce, aunque es posible que estuvieran destinadas a servir como una especie de “patrón-book” de ejemplos para los asistentes de los talleres de pinturas. Inusualmente, hay otro boceto de un artista diferente en el otro lado del papel tiene una visión marina con el envío de Cornelis van Wieringen (1580-1633), que trabajó con en el mismo estudio que Cornelis van Haarlem. La obra data probablemente de finales de los años 1620 a 1630.

El siguiente cuadro “Cimón y Ephigenia”, obra de Carnelis van Poelenburch (1594-1667), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1630-1640. Tiene unas medidas de 31.8 x 23.7 cm.

Cornelis van Poelenburch o Poelenburgh fue un pintor barroco neerlandés especializado en la pintura de paisajes con figuras.

Estudió con Abraham Bloemaert en su ciudad natal, residiendo posteriormente en Roma entre 1617 y 1625. En la Ciudad eterna fundada con Jan van Bijlert el grupo llamado de los Bentvueghels, que reunía a los pintores nórdicos allí establecidos y aprendió el estilo de paisaje clásico, que posteriormente llevó a su país, siendo el principal exponente de esta corriente junto con Bartholomeus Breenbergh. En 1625 y 1626 residió en Florencia donde coincidió con Jacques Callot. A su regreso a Utrecht, su obra tuvo un gran éxito, sobre todo en círculos aristocráticos, y tuvo numerosos discípulos e imitadores,

El siguiente cuadro “Interior de una posada”, obra de Sebastián Bourdon (1616-1671), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1640.

Estamos ante una obra costumbrista que representan el interior de una taberna, durante algún tiempo este tipo de pinturas fueron muy demandadas por los nueva burguesía que exhibían en sus hogares para poder disfrutar de la realidad social de aquella época.

El siguiente cuadro “Paisaje clásico con Judá y Tamar”, obra de Pierre Patel el Viejo (1605-1676), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1620. Tiene unas medidas de 51.1 x 66.4 cm.

El cuadro muestra un paisaje que en realidad es idealizado donde aparece un templo clásico. La pintura representa el encuentro entre Judá y Tamar, relacionados en el libro de Génesis. Tamar, está disfrazado, seduce a Judá (su padre-en-ley) y más tarde da a luz a gemelos. Patel nunca visitó Italia, pero a pesar de ello su obra está impregnada de la luz, amplias vistas y ruinas antiguas sinónimo de ese país.

El siguiente cuadro “Patanes Bebiendo”, obra de Pierre Patel el Viejo (1605-1676), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1620. Tiene unas medidas de 51.1 x 66.4 cm.

Característico de la pintura de género principios de Teniers, este trabajo representa deleitándose a los típicos “patanes” en una taberna. Un grupo de campesinos se reúnen alrededor de una pequeña mesa y se dedican a beber y fumar. Tales escenas de comportamiento eran muy populares entre aquellos lo suficientemente ricos como para comprar pinturas. Tenían una implicación moralizante, y fueron disfrutados por los clientes ricos que compararon sus propios comportamientos a la de los campesinos toscos, midiendo así sus propios principios superiores y el bienestar moral. Las personas que se muestra a menudo tienen gestos sin escrúpulos legibles, por ejemplo, el hombre que fumar tiene su mano izquierda (tradicionalmente la mano siniestra) oculta en su abrigo y el sombrero calado hasta los ojos para denotar su falta de confiabilidad.

El siguiente cuadro “El Contento”, obra de Adam Elsheimer (1578-1610), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1606-1610. Tiene unas medidas de 30 x 42 cm.

El cuadro ilustra un episodio de la novela picaresca española “Guzmán de Alfarache”, publicado por Mateo Alemán en Madrid en 1599 y publicado en una versión italiana en 1606. En la historia, los habitantes de la Tierra adoraron al dios Contento (dios de la alegría y la felicidad) más que cualquier otro lugar. Celoso de esto, Júpiter envió a Mercurio para secuestrar a Contento y reemplazarlo con su hermano gemelo Descontento. Elsheimer fue el primer artista para representar esta historia, pero se desvió de la novela cambiando la figura de Contento en una diosa femenina. A la izquierda, Júpiter se cierne en el aire mientras se dirige a Mercurio, que es visto con su sombrero de alas distintivo y tirando Contento por encima de la multitud devota. En el fondo, la gente disfruta de una gran variedad de deportes y juegos, conscientes de su inminente “descontento”.

El siguiente cuadro “Paisaje Fantástico”, obra de Paul Brill (1553-1626), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1598. Tiene unas medidas de 21.30 x 29.20 cm.

Este pequeño paisaje realizado sobre plancha de cobre es un buen ejemplo de paisajes imaginarios de Bril. Él utilizó la convención establecida de dividir una vista lejana en bandas de colores para sugerir la idea de retroceso de espacio, desde del primer plano de color marrón cálido, a través de la tierra de en medio con un color verdoso ligero y el fondo un azul fresco. Bril también combina elementos de la tradición paisajística flamenca nativa, como los troncos de los árboles retorcidos, afloramientos rocosos y el escarpado de los valles y ríos, con su interés por fragmentos clásicos y ruinas arquitectónicas. Las figuras animadas proporcionan notas de color y algo de interés humano.

El siguiente cuadro “El Bautismo de Cristo”, obra de Pieter Lastman (1583-1633), realizado en óleo sobre madera, esta datado en 1629. Tiene unas medidas de 51.1 x 66.4 cm.

Pieter Lastman fue un pintor holandés de la época barroca. Se recuerda a Lastman, sobre todo, porque entre sus alumnos estuvieron Rembrandt (entre 1622-1623) y Jan Lievens.

Era hijo de un correo, que fue despedido en 1578 porque siguió siendo católico. Su madre apreciaba mucho el arte de la pintura. Su aprendizaje se produjo con Gerrit Sweelinck, hermano de Jan Pieterszoon Sweelinck y que, a su vez, había sido aprendiz de Cornelis van Haarlem; por esta vía llegan a su obra las influencias de la antigua escuela de pintura de Haarlem. Pero tuvo mayor importancia el viaje que hizo, aproximadamente entre 1604 y 1607, a Italia. Allí descubrió la obra de Caravaggio (lo mismo que los pintores de la Escuela de Utrecht unos pocos años más tarde), de los Carracci y de Adam Elsheimer, quien le influyó en el paisaje y el modelado de las figuras .

El siguiente cuadro “Paisaje de Cristo y San Juan Bautista”, obra de Goffredo Wals (1590-1638), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1625. Tiene una medida circular de 28,50 cm.

El cuadro tiene forma de tondo circular, es una composición con unos evocadores paisajes italianos típicos de Wals, aunque algo inusual para él, se incluye dos figuras en primer plano. Aunque se supone que las figuras son Cristo y San Juan Bautista, la falta de cualquier narrativa hace que esta identificación sea incierta. Las figuras podrían posiblemente ser alguno de los apóstoles o Cristo y San Pedro. Wals parecía rechazar la narrativa en la mayor parte de sus pinturas, concentrándose en cambio en el paisaje y los edificios que lo pueblan, así como los efectos de la luz. En esta pintura, el edificio en la otra orilla del río se puede basar en el Tor di Quinto en el Tíber, cerca de Roma.

El siguiente cuadro “La lapidación de San Esteban”, obra de Adam Elsheimer (1578-1610), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1603-1604. Tiene unas medidas de 34,7 x 28,60 cm.

El cuadro hace una interpretación de la lapidación de San Esteban, fue el primer mártir cristiano y experimentó una visión de los cielos abiertos mientras era lapidado. Se había enfurecido a las autoridades de Jerusalén con su predicación, fue acusado de blasfemia. Lleva la túnica de un diácono, como también fue uno de los primeros siete diáconos nombrados por los apóstoles. Un haz de luz intensa brilla entre el santo de rodillas y los ángeles del cielo, él lleva las hojas de palma del martirio y una corona de laurel.

El siguiente cuadro “ La Sagrada Familia con el niño San Juan Bautista en un paisaje”, obra de Denys Calvaert (1540-1619), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1590-1600. Tiene unas medidas de 42 x 32 cm.

El cuadro representa el momento en que la Sagrada Familia huye a Egipto, mientras que los ángeles proporcionan fruta refrescante y agua de manantial. El niño de Cristo bendice el niño San Juan Bautista, cuya cruz de caña se hace eco de la cruz de madera que aparece en la visión milagrosa anteriormente. Un Putti emerge de una abertura en las nubes sobre el paisaje montañoso, la celebración de los instrumentos de la pasión de Cristo: la cruz y los clavos, y la columna sobre la que es flagelado. La lámina de cobre lisa sobre la que se pinta este trabajo proporciona una superficie ideal para el estilo fluido de Calvaert, la mejora de los colores brillantes y acabado como una verdadera joya.

El siguiente cuadro “Adoración de los Magos”, obra de Giorgio Vasari (1511-1574), realizado en óleo sobre panel de madera, esta datado en 1567. Tiene unas medidas de 65 x 48 cm.

Este cuadro es un boceto o una replica a escala de un retablo pintado en 1566 para el recién elegido Papa Pío V, que estaba destinado a capilla funeraria del Papa en la iglesia de Santa Croce en su ciudad natal de Bosco Marengo en Piemonte. Un dibujo preparatorio está en los Uffizi, Florencia. La investigación reciente ha revelado que esta pequeña versión fue casi con toda seguridad se pintó para el amigo cercano de Vasari Vincenzo Borghini, antes del Spedale degli Innocenti (Hospital de los Inocentes) en Florencia.

El siguiente cuadro “La edad de oro”, obra de Francesco Morandini conocido como Poppi (1544-1597), realizado en óleo sobre panel de madera, esta datado en 1567-1568. Tiene unas medidas de 43 x 32.60 cm.

En la mitología clásica, la Edad de Oro fue la primera y más idílica de las cuatro edades del mundo, seguidos por los de plata, bronce y hierro. En la parte superior de este panel, las cuatro estaciones flanquean el símbolo de Aries, el primer signo del zodiaco. Por debajo hay una multitud de figuras disfrutando de los beneficios de esta era abundante y armoniosa. La composición sigue un dibujo de Giorgio Vasari ahora en el Louvre, que a su vez ilustra un programa escrito por Vincenzo Borghini. El cuadro fue encargado a Poppi, que fue uno de los alumnos más talentosos de Vasari, por sí mismo el Gran Duque Francesco de Medici. El Gobierno de los Médicis se decía que había traído una segunda edad de oro a Florencia.

El siguiente cuadro “Minerva y la forja de Vulcano”, obra de Jacopo Zucchi (1540-1596), realizado en óleo sobre panel de estaño, esta datado en 1565. Tiene unas medidas de 38,7 x 29.2 cm.

El cuadro representa una historia de la mitología donde Minerva fue a la fragua de Vulcano en la que se forjaban las armas y armaduras de los dioses, se encontraba en el monte Etna, fue a adquirir armas y armadura; Vulcano sufrió un ataque de lujuria y la atacó.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con San Juan Bautista”, obra de Giulio Cesare Procaccini (1574-1625), realizado en óleo sobre panel de madera, esta datado en 1610-1615. Tiene unas medidas de 43,80 x 32.30 cm.

El cuadro fue concebido como una visión celestial íntima, se habría hecho esta pintura para uso devocional privado . Su estilo, es una combinación de pinceladas cortas y una textura líquida, casi esmaltes transparentes, está fuertemente influenciado por el gran artista del siglo XVI parmesano, Parmigianino (a quien se le atribuye incorrectamente en el siglo XIX). Procaccini fue uno de los artistas más prolíficos y exitosos de la escuela lombarda de principios del siglo XVII.

El siguiente cuadro “Cristo muerto con ángeles”, obra de Giulio Cesare Procaccini (1574-1625), realizado en óleo sobre panel de madera, esta datado en 1589. Tiene unas medidas de 49 x 64 cm.

Procaccini se estableció en Milán como un pintor de una gran reputación, después de haber practicado y trabajado como escultor. Él nació en Bolonia, pero se trasladó a Milán como un niño con su familia. Su padre y hermanos mayores eran también pintores. Las pinturas religiosas dramáticos de Procaccini incluyen el escorzo audaz y numerosas figuras. Sus formas sólidas se refieren a su experiencia de proyectos escultóricos. Él también fue influenciado por Rubens, a quien conoció mientras trabajaba en Génova, y el efecto de esto es evidente en su obra posterior de la corte de Saboya en Turín.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño con santos”, obra de Francesco Vanni (1563-1610), realizado en óleo sobre plancha de cobre, esta datado en 1600. Tiene unas medidas de 42 x 32 cm.

Francesco Vanni fue un pintor y grabador del italiano. Durante su carrera evoluciona su estilo desde el Manierismo y se considera un pintor barroco. Fue influenciado y fascinado del arte de Raphael, de Federico Barocci y Annibale Carracci

En los años noventa del siglo XVI regresó a Siena donde se dedicó a realizar numerosas obras de arte sacro, fue uno de los encargados de cumplir con los nuevos cánones de la Contrarreforma. Se da cuenta del altar de Sant'Ansano, evangelizador y protector de la ciudad, en la catedral de Siena y el altar mayor de la iglesia de San Nicolás en Sasso.

La siguiente escultura “Caín y Abel”, obra de Adriaen de Vries (1555-1626), realizado en bronce, esta datado en 1612.

Adriaen de Vries fue un escultor manierista nacido en los Países Bajos, cuyo estilo internacional sirvió de tránsito desde el Renacimiento hacia el Barroco; sobresalió en el modelado refinado y los fundidos en bronce y en la manipulación de las pátinas y se convirtió en el escultor europeo más famoso de su generación. También sobresalió en la ejecución gráfica.

Pasamos a la Sala V está dedicada a la pintura del Barroco Meridional que abarca el periodo entre 1580-1680.

La pintura barroca tuvo un marcado acento diferenciador geográfico, ya que su desarrollo se produjo por países, en diversas escuelas nacionales cada una con un sello distintivo. Sin embargo, se percibe una influencia común proveniente nuevamente de Italia, donde surgieron dos tendencias contrapuestas: el naturalismo (también llamado caravagismo), basado en la imitación de la realidad natural, con cierto gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—; y el clasicismo, que es igual de realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado. Posteriormente, en el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII), la pintura evolucionó a un estilo más decorativo, con predominio de la pintura mural y cierta predilección por los efectos ópticos (trompe-l'oeil) y las escenografías lujosas y exuberantes.

El siguiente cuadro “ La Adoración de los pastores”, obra de Domenico Zampieri conocido como Domenichino (1581-1641), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1606-1641. Tiene unas medidas de 143 x 115 cm.

El cuadro se puede ver como siguiendo las indicaciones de los ángeles a un grupo de pastores como están fascinados a su alrededor para admirar el recién nacido Jesús. El bebé está rodeado de una luz divina que baña la escena con una luz cálida. Una fuente temprana describe esta pintura como una copia después de un trabajo perdido por el capitán del Domenichino, Annibale Carracci. De hecho, la composición propia de Domenichino, aunque fuertemente influenciada por Carracci. En el momento se hizo esta pintura Domenichino todavía estaba haciendo frecuentes visitas al estudio de Carracci en Roma.

El siguiente cuadro “Retrato de Giambologna”, obra de un miembro anónimo de la escuela flamenca, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVI. Tiene unas medidas de 171.2 x 133 cm.

Jean Boulogne conocido en Italia como Giovanni Da Bologna o más abreviadamente Giambologna y en España como Juan de Bolonia, fue un escultor francés que trabajó en la Italia de finales del Renacimiento.

Fue el autor de algunas de las esculturas más famosas, en mármol y bronce, sobre temática mitológica. Ocupa asimismo un puesto clave en la historia de la escultura europea, como puente entre el Renacimiento de Miguel Ángel y el Barroco de Bernini.

El siguiente cuadro “Matrimonio místico de santa Catalina”, obra de Nicolas Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1629. Tiene unas medidas de 171.2 x 133 cm.

Las figuras están dispuestas a través de la imagen como si se tratase de un bajorrelieve esculpido clásico . Su amplia solidez y las ropas de colores vivos reflejan la influencia de Rafael y Tiziano en los primeros trabajos de Poussin en Roma. Santa Catalina de Alejandría recibe un anillo que simboliza su unión espiritual con Cristo. Ella fue bautizada al cristianismo (supuestamente en el siglo IV) y se negó a casarse con el emperador romano. El emperador la torturó en una rueda pero se rompió milagrosamente. Para después, decapitarla. Se representa con una hoja de palma y la espada simboliza su martirio. Inusualmente, la pintura esta realizada sobre cinco planchas de roble en lugar de lienzo ya de la época.

El siguiente cuadro “ La Adoración de los pastores”, obra de Pietro Testa (1612-1650), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1638-1640. Tiene unas medidas de 88.3 x 125.50 cm.

Pietro Testa fue un artista italiano de la época barroca, apreciado principalmente por su actividad en el grabado y el dibujo. Es un nombre “de culto”, apenas popular en comparación con otros grabadores de calidad similar o incluso inferior. De carácter conflictivo, tuvo una agitada vida y murió ahogado en el río Tíber, seguramente por suicidio.

Testa siguió el precedente de Leonardo da Vinci en cuanto a la observación del paisaje y de los fenómenos naturales. Pasaba días enteros en el campo, observando y dibujando, lo que seguramente le restó tiempo para producir y perjudicó su salud.

La siguiente escultura “ La Inmaculada Concepción ”, obra de Giacomo Antonio Ponsonelli (1654-1735), realizado en mármol, esta datado en 1700. Tiene unas medidas de alto 113 cm.

Giacomo Antonio Ponsonelli comenzó a trabajar en su ciudad natal de Massa con su padre, John Ponsonelli, escultor y decorador, la realización de los primeros trabajos en Liguria en Finale Ligure y Savona. En 1680 se casó con la hija del escultor Filippo Parodi, pasando a vivir en Génova y empezando con el suegro una larga colaboración artística. Se especializó principalmente en el campo del retrato, acompañado del Parodi en Venecia y Padua, la ciudad en la que los dos realizan muchos trabajos entre 1685 y 1697. Durante este período, su trabajo fue fuertemente influenciado por el estilo Parodi, y su estrecha colaboración es difícil identificar con certeza las contribuciones de Ponsonelli las numerosas obras creadas durante este período.

El siguiente cuadro “Paisaje con Apolo y musas”, obra de Calude Lorrain (1600-1682), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1653. Tiene unas medidas de 186 x 290 cm.

El cuadro muestra en la mitad izquierda una colina boscosa, representa una fusión de Helicón y Parnaso, una referencia de las montañas en la mitología griega que se asocian con la inspiración poética. Apolo está mostrado tocando su lira y está rodeado de sus nueve musas. Un número de poetas está vestido con una toga para tomar la difícil ascensión por el bosque para ser recibida por la figura de la Fama , que se sitúa en el umbral del templo en la cumbre de la colina. A continuación el templo, no es sólo posible distinguir el caballo alado Pegaso golpeando sus pezuñas contra una roca para liberar la fuente sagrada Hippocrene, la fuente de inspiración para poetas.

Las referencias a la fama, la inmortalidad y la creatividad a través de la composición habrían sido diseñadas para halagar al joven patrón de Claude que estaba fascinado por el mundo de la antigüedad clásica. Pero es la belleza del paisaje que se extiende más allá del dios del río que descansa en la mitad derecha de la imagen que capta nuestra atención. Los paisajes de Claude fueron creados en el estudio, pero utilizando dibujos y bocetos que realizó en los viajes al campo de Roma como una materia prima para futuras pinturas. Sus lienzos finales son evocaciones idealizadas, bajo los efectos de un sentido de anhelo por el mundo clásico. Sin embargo, de pie delante de este trabajo, es fácil entender cómo sus contemporáneos estaban igualmente sorprendidos por la luminosidad convincente y la frescura de su visión.

El siguiente cuadro “San Sebastian”, obra de Francesco Furini (1603-1646), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1640. Tiene unas medidas de 50,5 x 38,5 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Francesco Furini fue un pintor barroco italiano, uno de los más relevantes de Florencia en el siglo XVII. Es un artista peculiar, pues produjo cuadros de un atrevido erotismo aún después de hacerse sacerdote.

Gran admirador de la escultura clásica, que había podido estudiar en las colecciones de los Medici de Florencia, visitó Roma en 1619, y allí conoció el tenebrismo de Caravaggio y sus seguidores. Entre ellos parece que tuvo una especial relación con Bartolomeo Manfredi y Giovanni da San Giovanni.

El siguiente cuadro “Cupido”, obra de Giulio Cesare Procaccini (1574-1625), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1618-1620. Tiene unas medidas de 70 x95 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro es un fragmento que originalmente formado la parte inferior derecha de la imagen más grande, una de las obras seculares raras de Procaccini. El manejo y la influencia en la pintura muestra el claro influjo de Rubens, en muchas de las obras Procaccini había estudiado en Génova. Una observación porque la aljaba y cortinas detrás fueron añadidas por una mano posterior.

El siguiente cuadro “La cocinera”, obra de Bernardo Strozzi (1581-1644), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1630-1640. Tiene unas medidas de 174,60 x 160 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Esta pintura recientemente redescubierta es la segunda versión de Strozzi de “ La Cuoca ” (la cocinera ) que se halla en el Palazzo Rosso, Génova. Este fue uno de los cuadros de género de moda a finales del siglo XVII. Estas pinturas formaban parte de un grupo de pinturas de género que Strozzi pintó en la década de 1620. La representación de escenas de la vida cotidiana era relativamente nueva en la pintura italiana, y representaciones de sirvientes, pastores y músicos rústicos de Strozzi se encuentran entre las contribuciones más memorables y novedosas a este nuevo género.

La siguiente escultura “El rapto de Proserpina”, obra de Gian Lorenzo Bernini (1598-1686), realizado en bronce, esta datado en 1680-1700. Tiene unas medidas de alto 56 cm.

La obra es una copia a pequeña escala realizada por Bernini de la escultura en mármol realizada en 1621.

Bernini fue un escultor extraordinariamente dotado, un arquitecto excepcional, y un diseñador urbano y pintor. Aprendió el arte de la escultura de su padre y contemporáneos asombrados por su virtuosismo y sofisticación técnica, que rivaliza con los escultores de la antigüedad clásica. Durante su larga y prolífica carrera trabajó para una sucesión de ocho papas al servicio de la Iglesia católica y para sus familias. Él disfrutó de una reputación internacional y más que cualquier otro artista, a él se debe la forma de gran parte de Roma tal como aparece en la actualidad.

El siguiente cuadro “Personificación Poética”, obra de Francesco Furini (1603-1646), realizado en óleo sobre papel y plancha de madera, esta datado en 1640. Tiene unas medidas de 41.4 x 34.5 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

La obra de este pintor refleja la tensión entre el manierismo de Florencia, ya un tanto conservador, y las novedades del barroco. Abordó temas bíblicos y mitológicos con un sfumato muy efectista. Presenta ciertos paralelismos con Guido Reni.

Se describe el estilo artístico como «lleno de una sensualidad morbosa». Sus figuras femeninas frecuentemente desnudas contrastan con su sentimentalismo religioso.

La siguiente escultura “Monseñor Carlo Antonio del Pozzo”, obra de Gian Lorenzo Bernini (1598-1686), realizado en mármol, esta datado en 1620. Tiene unas medidas de alto 82 x 70 cm.

La potencia de la detención y la vitalidad de este retrato son típicas de los logros de Bernini con dichas obras. Su cincelado es tan fino que el mármol parece adquirir las propiedades de la piel, pelo y seda. El pequeño giro a la cabeza y los hombros y los pliegues ondulantes y los botones mejoran su apariencia natural, a pesar de que fue tallada quince años después de la muerte de la modelo. Bernini hizo el busto para el sobrino del arzobispo, Cassiano dal Pozzo, alrededor de 1622-4. Era una de las figuras más distinguidas y solicitadas en la vida cultural de Roma. El busto fue presentado en una posición prominente en su palacio.

El siguiente cuadro “San Jerónimo”, obra de un seguidor de Pier Francesco Mola (1612-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1670-1675. Tiene unas medidas de 61 x 79 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Pier Francesco Mola nació en el canto italiano de Suiza, fue un pintor italiano del Barroco, trabajo fundamentalmente en la escuela de Roma.

Su estilo fue suelto, con una paleta muy naturalista, y un manifiesto interés en la exploración de las posibilidades del paisaje. Mola se rebeló contra el imperante clasicismo de alta conceptualización teórica, típico de muchos pintores romanos contemporáneos, tales como Andrea Sacchi.

El siguiente cuadro “Retrato de Gian Lorenzo Bernini”, obra de Goivanni Battista Gaulli conocido como Baciccio (1639-1709), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1670-1675. Tiene unas medidas de 94 x 74.5 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro presenta una iluminación espectacular y con el fondo oscuro contribuyen al fuerte impacto del retrato. La pintura fue hecha en 1675, cuando Bernini estaba en sus finales de los setenta, y registra la imagen distinguida del escultor y arquitecto brillante y complejo. Baciccio, que según su biógrafo, alentó a sus modelos para moverse y hablar, mientras que los pintaba, ha capturado el estado de alerta del artista más viejo y el gesto de animación de la mano que emerge de los pliegues de la capa. Esta pintura se convirtió en el modelo para el frontispicio grabado con la biografía de Bernini de Baldinucci y para el retrato oficial de Bernini en la Academia Romana de San Lucas.

El siguiente cuadro “ La Transfiguración ”, obra de Ludovico Carracci (1555-1619), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1588. Tiene unas medidas de 102.5 x 83.4 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Esta pintura ilustra el episodio místico que describen en tres de los evangelios cuando Cristo demostró su naturaleza divina a sus discípulos Pedro, Santiago y Juan. En una montaña remota se transforma, apareciendo en una visión que se describe en el Antiguo Testamento conversando con los profetas Moisés y Elías, el rostro lo muestra radiante de luz y su ropa blanca deslumbrante. Los apóstoles están aturdidos postrados en el suelo en poses complicadas. Pintado hacia 1588, esta es una obra típicamente espiritual de Ludovico Carracci, que con sus primos más jóvenes Agostino y Annibale eran influyentes artistas en su natal Bolonia habían fundado una academia a principios de esa década .

El siguiente cuadro “El Infante Moisés con la corona del faraón”, obra de Guido Reni (1575-1642), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1638-1640. Tiene unas medidas de 132.2 x 172.2 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Los protagonistas del cuadro no están muy claros , pero parece ser que el infante de Moisés está sosteniendo la corona del faraón justo antes del pisoteo. Esta acción simboliza su rechazo de la regla de Pharoah sobre los israelitas exiliados. El color pastel pálido y líquido, incompleto, aparentemente sin terminar, la técnica empleada tiene características comunes de las últimas obras de Reni. Él puede haber tenido la intención de dar algunos detalles, como los pies estirados al joven Moisés, más acabado, pero esto no es en absoluto cierto. La planta de color marrón medio visible ayuda a definir las sombras y medios tonos. La pintura fue probablemente una de los que se quedaron en el estudio del artista cuando murió.

El siguiente cuadro “ La Santa Trinidad ”, obra de Simone Cantarini (1612-1648), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1645-1648. Tiene unas medidas de 190 x 126 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Simone Cantarini, también conocido como il Pesarese y Simone da Pesaro es un pintor y grabador italiano que vivió y trabajó durante el barroco.

En 1635 marcha a Bolonia con el propósito específico de conocer a Reni. Así ocurrió, y Cantarini entró a formar parte del extenso taller del boloñés. Sin embargo, pronto la relación entre ambos se deterioró de manera ostensible. El fuerte carácter de Cantarini y la confianza en su propio talento y capacidades le hicieron rebelarse contra una posición subalterna. La tensión fue creciendo entre maestro y pupilo hasta que un incidente provocó la ruptura definitiva: Reni enmendó ante el resto de sus compañeros una Transfiguración que Cantarini acababa de ejecutar para los Barberini.

El siguiente cuadro “San Antonio de Padua reanimando un hombre muerto”, obra de Andrea Sacchi (1599-1661), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1635. Tiene unas medidas de 110.7 x 76.2 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro muestra el momento que es sacado un muerto de la tumba, su color es amarillento, se coloca en la presencia de San Antonio que ante la gente le devuelve a la vida. Su fama de obrar actos prodigiosos nunca ha disminuido y aún en la actualidad es reconocido como el más grande taumaturgo de todos los tiempos.

El siguiente cuadro “San Pedro Penitente”, obra de Giovanni Francesco Barbieri es conocido como Guercino (1591-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1639. Tiene unas medidas de 103.7 x 85.8 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro muestra la noche del arresto de Cristo, Pedro fue interrogado sobre si conocía a Jesús. Tres veces negó que él lo conociera, pero más tarde se lamentaban amargamente de su negación y se arrepintió, es el momento en que se muestra aquí. Esto es casi seguro que la pintura encargada en 1639 por el cardenal Ciriaco Rocci, legado papal de Ferrara, para los que se registra el pago en la cuenta del libro Guercino en abril de ese año. Un boceto preparatorio de la pintura está en el Museo Teylers de Haarlem y otras dos pinturas de Guercino de este tema son conocidos. Una réplica de este taller de composición se encuentra en el Palazzo Venezia, Roma.

El siguiente cuadro “Una Alegoría (fábula)”, obra de Domenico Theotokopoulos es conocido como El Greco (1541-1614), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1590. Tiene unas medidas de 67.3 x 88.6 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Este cuadro tuvo varias interpretaciones y copias , en este caso podemos ver el busto de un personaje (probablemente una mujer de piel oscura ocultando su pelo) con cuello blanco e imprecisa túnica parda; tiene en su mano izquierda un tizón al que sopla para prender una candela que sostiene con la derecha. Tras él, sobre su hombro, asoma un mono (colgado de una cadena apenas visible) que parece contribuir a avivar la llama soplando también. Al otro lado, en primer plano, se recorta, de perfil, un hombre, riendo, con manto amarillento y gorra de color rojo. Toda la pintura está resuelta con pinceladas sueltas y vibrantes.

El siguiente cuadro “San Cristóbal” obra de Orazio Borgianni (1578-1616), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1612-1615. Tiene unas medidas de 104 x 78 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro representa como en otras ocasiones la enorme figura de San Cristóbal se cierne sobre el fondo oscuro, como se inclina bajo el peso del diminuto niño de Jesús. Según la leyenda, fue sólo cuando Cristóbal llegó al otro lado del río, después de haber llevado a un niño al otro lado, cuando Cristo reveló su verdadera identidad. Explicó al santo que había estado llevando el peso del mundo sobre sus hombros. La configuración nocturna hace hincapié en la luz divina de Cristo y se suma al drama. Borgianni pintó varias versiones de esta composición.

El siguiente cuadro “Una anciana friendo huevos” obra de Diego Velázquez (1599-1660), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1618. Tiene unas medidas de 100.5 x 119.5 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Velázquez tenía dieciocho o diecinueve años cuando pintó esta imagen tan notable. Demuestra claramente su talento para la pintura de género de las personas y los objetos cotidianos directamente de la vida. Su fascinación con materiales y texturas contrastantes y el juego de luces y sombras sobre superficies opacas y reflectantes dio lugar a pasajes brillantes de la pintura, especialmente los huevos para cocinar en aceite caliente y la variedad de utensilios domésticos. Al inicio de su carrera Velázquez pintó una serie de estas escenas de cocina o taberna, llamada “Bodegones españoles”.

El siguiente cuadro “ La Virgen Inmaculada Concepción con San Joaquín y Santa Ana” obra de Francisco Zurbarán (1598-1664), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1635-1640. Tiene unas medidas de 255.5 x 177 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

La Virgen María aparece en un pedestal con cabezas de querubines por encima de una luna creciente, bañado en luz dorada. Las figuras que la acompañan son sus padres, los Santos Joaquín y Ana. El tema de la Inmaculada Concepción se refiere a la propia concepción milagrosa de la Virgen en su madre en el vientre de Ana, no a la concepción de Cristo. Era un tema popular en Sevilla, pero la inclusión de los padres de la Virgen es inusual. Desde San Joaquín y Santa Ana fueron particularmente venerados por los monjes cartujos esta pintura puede haber sido hecho para un cartuja.

El siguiente cuadro “El Salvador del Mundo”, obra de Domenico Theotokopoulos es conocido como El Greco (1541-1614), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1600. Tiene unas medidas de 73 x 56,50 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro representa la figura de medio cuerpo de Cristo que mira directamente hacia nosotros con la mano derecha levantada en señal de bendición es una forma tradicional de composición. A pesar de una obra tardía, este lienzo recuerda la pintura de un icono bizantino realizada durante la juventud de El Greco. El artista incluye una esfera de cristal o de un globo terráqueo que representa el mundo; más habitualmente este tipo de imágenes se compone de un libro de escritura. Su pincelada es fluida y extensa utilizando del color blanco, admirablemente transmiten la idea de la luz divina. La pintura puede haber formado parte de una serie, popular en España, que representa a Cristo y los doce apóstoles.

El siguiente cuadro “Un filosofo” obra del taller de José Ribera conocido como El Españoleto (1591-1652), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1630-1640. Tiene unas medidas de 126 x 93.4 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

José Ribera hizo muchos retratos de filósofos, se decía de él que cogía gentes de los bajos fondos de Nápoles para que sus rasgos fueran más naturales, en lugar de recrear un personaje su barroquismo daba miedo.

El siguiente cuadro “Herminia encuentra a Tancredo herido”, obra de Giovanni Francesco Barbieri es conocido como Guercino (1591-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1650-1652. Tiene unas medidas de 244 x 297 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Este gran cuadro dramático ilustra una escena de un gran poema épico de Torquato Tasso sobre las cruzadas: “Gerusalemme Liberata” (Jerusalén Liberada) (1581). Herminia ha llevado al punto donde su amante Tancredo yace gravemente herido. Su escudero Vafrino se arrodilla sobre él. Las posturas complementarias, gestos y expresiones de los tres personajes reflejan sus emociones y la intensidad del momento. Las tonalidades sombrías del paisaje mejoran la gravedad del evento. Fabricio cardenal Savelli, era el legado papal de Bolonia, encargó la imagen en 1650, pero permitió que los duques de Mantua pudieran comprarlo antes al artista en 1652.

La siguiente escultura “ La Beata Ludovica Albertoni”, obra de Gian Lorenzo Bernini (1598-1686), realizado en bronce, esta datado en 1670. Tiene unas medidas de alto 19 x 44 x17.6 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

Es un replica en bronce de la famosa escultura de Ludovica Albertoni fue una mujer noble de Roma que ingresó en la Orden de los Franciscanos tras la muerte de su marido. Vivió una vida piadosa trabajando para los pobres bajo la protección de los padres franciscanos de la iglesia de San Francesco de Ripa, lugar éste donde fue enterrada a su muerte en el año 1533. Es recordada sobre todo por sus visiones místicas y con el paso de los años la iglesia de San Francesco se convirtió en lugar de culto a Ludovica siendo beatificada en 1671, año en el que la Familia Altieri decide construir una capilla dedicada a ella. Varios artistas presentaron sus proyectos pero finalmente fue a Bernini a quien se le encargó el trabajo que decidió aceptarlo sin cobrar.

El siguiente cuadro “Paisaje clásico”, obra de Gaspard Dughet es conocido como Gaspard Poussin (1615-1675), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1658. Tiene unas medidas de 244 x 297 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El carácter y la iluminación de esta escena pacífica fueron inspirados directamente por el paisaje y la arquitectura de la campiña romana. Las figuras, entre ellas la madre y el niño en el primer plano, el pescador en el lago y los de la barca más allá, fomentan la exploración del espacio de la imagen, proporcionando acentos de color y de luz, pero teniendo un punto puramente visual que sirve para un papel en la narrativa. Contribuyendo a la armonía global de la composición que cumple con el ideal clásico en su equilibrio con una cuidada estructura. Se considera que es una obra tardía del artista.

El siguiente cuadro “Moisés golpeando la roca”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1637. Tiene unas medidas de 98.5 x 136 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro muestra el pasaje en que encuentran agua. Entonces Moisés y Aarón se apartaron del pueblo y fueron a la entrada del tabernáculo, donde pusieron el rostro sobre la tierra. Allí la presencia gloriosa del Señor se les apareció, y el Señor le dijo a Moisés: «Tú y Aarón tomen la vara y reúnan a toda la comunidad. En presencia de todo el pueblo, háblale a la roca y de ella brotará agua. De la roca proveerás suficiente agua para satisfacer a toda la comunidad y a sus animales

El siguiente cuadro “ La Elevación de la Cruz ”, obra de Giulio Cesare Procaccini (1574-1625), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1615. Tiene unas medidas de 218 x 148.6 cm. Se exhibe en la Sala V del museo.

El cuadro muestra una diagonal dramática con el cuerpo torturado de Cristo en la cruz, esto proporciona un enfoque poderoso para la composición cargada emocionalmente y físicamente de mucha energía. La iluminación teatral mejora el dolor y el poder de la escena, que ilumina, por ejemplo, las heridas de Cristo y la cara afligida de María. Los destellos de colores brillantes: azules profundos, rojos y verdes se suman a su impacto. El trabajo puede haber sido pintado como una de varias escenas de la pasión de Cristo, que Procaccini produjo entre 1615 y 1620. Su ubicación prevista y el posible patrón, sin embargo, no se conocen.

La sala VI del museo Muestran la serie titulada “Sacramentos” del pintor Nicolas Poussin. Los siete sacramentos fueron encargados por el amigo de Poussin el romano patrón Cassiano dal Pozzo a mediados de la década de 1630 como un conjunto, cada uno representa a los Sacramentos de la Iglesia Católica Romana. Consistían en los ritos: Bautismo, Confirmación, Eucaristía, Penitencia, Extremaunción, Ordenación y Matrimonio. Poussin y dal Pozzo recogieron las escenas de la vida cristiana que mejor ejemplifican los rituales de los sacramentos que ilustran con escenas del Nuevo Testamento, o en los primeros días del Cristianismo .

El siguiente cuadro “El Sacramento del Bautismo”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1644-1648. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

La escena muestra a San Juan bautizando a Cristo en las orillas del río Jordán. La inclusión de las ruinas en el paisaje fue pensado para evocar el mundo antiguo y dar a la escena un entorno auténtico. El tema del bautismo de Cristo tenía una larga tradición visual, que Poussin habría sabido. De acuerdo con la convención, todos los centros de acción sobre la figura de Cristo y de San Juan, con la paloma del Espíritu Santo flotando por encima, ante el asombro de los tres hombres en el extremo derecho. El bautismo es el medio por el cual una persona entra en la fe cristiana, y es el primer sacramento que reciben. A través del acto del bautismo, los cristianos creen que una persona comienza su vida espiritual y son adoptados como hijos de Dios.

El siguiente cuadro “El Sacramento de la Confirmación ”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1644-1648. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

Poussin muestra esta escena en un entorno paleocristiano. La ceremonia se lleva a cabo en las catacumbas romanas, aunque en la escena los personajes usan una vestimenta con el traje contemporáneo. Poussin incluso se aseguró de que los peinados de las mujeres correspondían a los de bustos romanos contemporáneos. Las figuras de la línea de la derecha antes de que el sacerdote, son representados casi como una procesión. Los niños y los adultos se confirman en la misma ceremonia, y las mujeres marcan el comienzo con sus niños tímidos de frente para recibir el sacramento. La confirmación fue para reafirmar la fe de un individuo, que fue anunciada por primera vez en su bautismo. El cura los unge con el crisma (aceite bendito). Esta escena, a pesar de su contexto cristiano temprano, habría sido fácilmente reconocible para los contemporáneos de Poussin como algo que experimentaron en sus propias vidas.

El siguiente cuadro “El Sacramento del Matrimonio”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1644-1648. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

Poussin ilustra el Sacramento del Matrimonio, mostrando el compromiso de ficción entre la Virgen María y José. El matrimonio se considera un sacramento en la fe cristiana (un signo externo de la gracia interior), pero es diferente de los otros sacramentos, ya que implica el consentimiento mutuo de las dos partes. La unión de la pareja está regulada divinamente por Dios. En esta imagen, Poussin representa a José colocando el anillo en el dedo de la Virgen. José aún mantiene la corona de flores, lo que le había distinguido de los otros hombres como el pretendiente más adecuado para María. Esta pintura fue muy admirada por el artista Bernini cuando la vivió en París en la década de 1660. En particular, le gusta la mujer con velo misterioso detrás de la columna en el extremo izquierdo de la composición y comentó sobre la falta de vestimentas ceremoniales del cura.

El siguiente cuadro “El Sacramento de la Penitencia ”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1646. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

Poussin representa el episodio bíblico en el que María Magdalena se arrepiente de sus pecados y pide perdón lavando los pies de Cristo. Se cree que han lavado sus pies con sus lágrimas y los secó con su cabello largo de color rojo antes de besarlos y los ungía con aceite. La escena tuvo lugar en una fiesta en la casa de Simón y el fariseo, y Poussin retrata a los invitados sentados en los sofás romanos (triclinia) en torno a una gran mesa de banquetes. El uso del auténtico comedor romano permitió Poussin construir una composición simétrica. Incluso contrapesada con las figuras de Cristo y de María a la izquierda, con una escena en la extremo derecho que muestra a Simón, tiene sus pies lavados convencionalmente por un criado. Esta imagen es la más dramática y elaborada de los siete sacramentos de Poussin.

El siguiente cuadro “El Sacramento de la Ordenación ”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1646. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

Cristo tiene las llaves simbólicas del cielo antes de presentarlas a Pedro su principal discípulo y “la roca” en el que se va a construir la iglesia. La gran letra “E” en la columna de la derecha libre puede referirse a “Ecclesia” ( la Iglesia ). Los otros discípulos reconocen este momento significativo a través de sus variados gestos y expresiones. Poussin planea cada detalle para garantizar una composición equilibrada y más apropiada a su estado de ánimo. Fue el primer artista en pintar los siete sacramentos o ritos de la Iglesia cristiana como una serie de imágenes individuales, lo que hizo dos veces. Esta obra pertenece a la segunda serie de 1644 a 1648, pintado para Paul Freart de Chantelou.

El siguiente cuadro “El Sacramento de la Eucaristía ”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1646. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

El lienzo representa el momento en que Cristo da la Eucaristía. La Iglesia católica afirma que la institución de la eucaristía por Jesucristo, tal como lo relatan los evangelios sinópticos, se realizó cuando tomando en sus manos el pan, lo partió y se los dio a sus discípulos diciendo:

Tomad y comed, este es mi cuerpo, que será entregado por vosotros. Del mismo modo, tomó el cáliz y se lo dio a sus discípulos diciendo: Tomad y bebed todos de él, porque esta es mi sangre, sangre de la alianza nueva y eterna, que será derramada por vosotros y por muchos para el perdón de los pecados. Haced esto en conmemoración mía.

El siguiente cuadro “El Sacramento de Extremaunción”, obra de Nicolás Poussin (1594-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1644. Tiene unas medidas de 117 x 178 cm. Se exhibe en la Sala VI del museo.

Poussin representado este Sacramento de la bendición final con la escena en movimiento de un soldado romano cristiano moribundo ungido con óleo santo por un cura. La figura del grupo se asemeja a una escultura en relieve clásica en su énfasis horizontal, mientras que la perspectiva central de la sala ofrece un escenario como el establecimiento. Poussin hizo uso de una etapa de modelo con figuras de cera para planificar algunas de sus composiciones y estudiar el juego de luces y sombras. Aquí la luz de la vela complementa la intensa emoción de la escena. Fue una de las primeras pinturas terminadas en la segunda serie del artista de los Siete Sacramentos (1644-1648) creados por Paul Freart de Chantelou.

La sala VII del museo se titula Rubens y Van Dyck (1610-1640). Lo dos artistas del siglo Sir Peter Paul Rubens y Sir Anthony van Dyck fueron los pintores flamencos más destacado de la época. Ambos eran pintores activos en Amberes, Italia e Inglaterra; Rubens también trabajó en España. Los dos artistas fueron nombrados caballeros por el rey Carlos I; Rubens en 1630, Van Dyck dos años más tarde.

Rubens y Van Dyck tanto producen cuadros de historia con temas religiosos y mitológicos, a menudo realizan pequeños bocetos al óleo para desarrollar las composiciones y estudios de figuras individuales, retratos de cuerpo entero de los aristocráticas por Van Dyck, perfeccionadas durante su estancia en Génova en el norte de Italia (1621-1627), también tenían una gran demanda y tuvo un enorme impacto en el desarrollo del retrato en Gran Bretaña.

El siguiente cuadro “San Sebastian camino del martirio”, obra de Sir Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1620-1621. Tiene unas medidas de 230 x 163,30 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

El tratamiento de este tema es muy diferente al que habitualmente se representa, ya que San Sebastián se representa comúnmente traspasado por flechas. Según la leyenda, era un miembro de la guardia imperial del emperador romano Diocleciano, quien fue condenado a muerte por ser cristiano. Aquí Van Dyck no representan el mismo martirio, sino el momento antes de producirse, cuando el santo estaba siendo preparado para su fin espantoso. El artista pintó varias versiones del tema en torno al 1620-1621. En esta versión, el joven es más atlético y se distingue de las otras figuras, su mirada hacia el cielo enfatizado por el paño rojo dramático. La pintura ha sido recientemente restaurada.

El siguiente cuadro “El banquete de Herodes”, obra de Sir Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1635-1638. Tiene unas medidas de 208 x 264 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

La hija de Herodías, Salomé, había bailado tan bien que Herodes había prometido concederla cualquier deseo. Impulsada por Herodes , Salomé pidió la cabeza de Juan el Bautista. Esta fue la venganza de Herodías para la crítica abierta al Bautista de su matrimonio con Herodes. Aquí Salomé presenta la cabeza de San Juan Bautista a Herodes. Herodes se contrae de nuevo con horror. A su izquierda , Herodes empuja la lengua del Bautista con un tenedor. Rubens transmite el momento dramático a través de las acciones y expresiones de sus grandes personajes dando vida por medio del tamaño de las figuras, sus ricos colores y contrastes en negrilla de la luz y la sombra. El cuadro fue pintado probablemente para Gaspar de Roomer, un comerciante flamenco con sede en Nápoles, e inspiró una serie de artistas italianos.

El siguiente cuadro “Retrato de un noble italiano”, obra de Sir Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1626. Tiene unas medidas de 237,6 x 154.3 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

Van Dyck produjo numerosos retratos de hombres vestidos con armadura durante su estancia en Génova, en la década de 1620. Por el casco de la armadura y la guerrera de este hombre de cercanías podría significar que él es un soldado, mientras que las espuelas y fusta indican que él es un jinete hábil. Tradicionalmente, los retratos de armas fueron utilizadas por los reyes y nobles como manifestaciones externas de la fuerza, el mando y la riqueza. De 1625 a 1626, la República de Génova estaba en guerra con la Casa de Saboya, y durante este período de Van Dyck pintó muchos hombres ricos genoveses en la armadura militar. Tales retratos pueden entenderse no sólo como un símbolo de lealtad, sino también como una muestra de la riqueza y del gran alcance que tenia su estatus social .

El siguiente cuadro “Reconciliación de Jacob y Eseú”, obra de Sir Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1624-1628. Tiene unas medidas de 42.5 x 40,3 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

Este animado boceto al óleo ilustra la historia del viejo testamento de Jacob hace las paces con su hermano gemelo Esaú, muchos años después de que él había robado a Esaú su primogenitura. Es el modelo o el diseño final a partir de una serie de estudios preliminares realizados para la realización de una gran pintura (en el Alte Pinakothek, Munich). Dichos trabajos se muestran a menudo al patrón de una pintura encargada para su aprobación. En el taller extraordinariamente ocupado de Rubens, los bocetos ayudaron a los clientes como una guía, ya que luego trabajaban en esta pintura siguiendo el diseño del maestro. Un trabajo como este era muy apreciado porque era en su totalidad obra del propio Rubens.

El siguiente cuadro “ La Familia Lomellini ”, obra de Sir Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1627. Tiene unas medidas de 237,6 x 154.3 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

Como un joven artista, Van Dyck pasó seis años en Italia, entre 1621 y 1627. llegó al rico puerto de Génova, donde pintó suntuosos retratos de la nobleza local. Este es el retrato más grande y más ambicioso de Van Dyck de la época, fue pintado para la familia Lomellini. Giacomo Lomellini en ese momento era el Dux de Génova (jefe de gobierno de la ciudad) a partir de 1625-1627. Él no aparece aquí, porque los retratos del dogo en la oficina estaban prohibidos para evitar la promoción personal. Los dos hijos mayores de Giacomo se muestran de pie junto a su segunda esposa y sus dos hijos. Es una imagen magnífica de orgullo y prestigio de la familia y se anticipa a los retratos de la familia real de Van Dyck de Carlos I.

El siguiente cuadro “Un estudio de una retrato (San Ambrosio)”, obra de Sir Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1616-1617. Tiene unas medidas de 49.6 x 38.10 cm. Se exhibe en la Sala VII del museo.

Las pinceladas vivaces y una fuerza convincente de la cara de este hombre de edad avanzada indican que se trata de un estudio realizado directamente de una persona viva. Casi podría ser un retrato acabado, pero es un estudio preparatorio, que se utiliza para la cabeza de San Ambrosio en un gran retablo. Rubens a menudo hizo estudios detallados de las figuras individuales para las grandes composiciones, además de bocetos de todo el diseño. Estos podrían ser utilizados por él mismo o copiados por los asistentes del taller que trabajan en la pintura final.

Pasamos a las Salas VIII y IX donde se exponen obras de artistas neerlandeses y flamencos del periodo que abarca desde 1590-1720. La exposición principalmente se centra en los géneros de pintura particulares: retratos, paisajes y naturalezas muertas.

En 1588 las siete provincias protestantes del norte de Holanda se separan de las del sur, gobernadas por la monarquía española católica. Esta nueva república holandesa, de la que Holanda era la provincia más grande, creció rápidamente, con el tiempo dominando el comercio mundial con su flota de transporte marítimo. El éxito económico alimentó la edad de oro del arte holandés y permitió a mucha gente poder comprar obras de arte.

Tanto al norte como al sur de la línea divisoria, los artistas de este período cada vez más se especializan en géneros específicos de pintura. A pesar de que los artistas en los Países Bajos del norte y sur desarrollaron temas y estilos distintos, hubo mucho intercambio entre los dos países, y muchos pintores trabajaron en ambas áreas.

El siguiente cuadro “Decapitación de San Juan Bautista”, obra de Taller de Hendrick ter Brugghen (1588-1629), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1620-1630. Tiene unas medidas de 166 x 218cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Aquí podemos ver unos de los temas favoritos de Ter Brugghen fueron figuras de medio cuerpo de bebedores o músicos, pero también produjo imágenes religiosas a gran escala y retratos de grupo. Llevaba consigo la influencia de Caravaggio, y en sus obras hay un dramático uso de la luz y la sombra, así como sujetos con una gran carga emotiva. Aunque murió joven, su obra fue bien recibida y tuvo gran influencia en otros. Su tratamiento de temas religiosos puede verse reflejado en la obra de Rembrandt.

El siguiente cuadro “Naturaleza muerta con fruta y caza”, obra de Abraham van Beyeren (1620-1690), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1660. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

En este “pronkstilleven” (estilo de naturalezas muertas ostentosas) donde van Beyeren representa una gran variedad de objetos de lujo, como el tazón de porcelana, las copas venecianas, mortero de bronce, y el faisán y dos liebres. Son expresiones de la riqueza, así como una demostración de virtuosismo pictórico del artista.

El siguiente cuadro “Caballero tocando el laúd a una dama”, obra de Jan Steen (1629-1679), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1626. Tiene unas medidas de 38.2 x 32.4 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Steen es conocido por sus escenas ingeniosas y caóticas de la vida cotidiana diseñadas para educar y entretener. A menudo transmiten un mensaje moral conectada con proverbios holandeses, y sus propias pinturas dieron lugar a arreglos domésticos desordenados. También pintó retratos y escenas bíblicas y mitológicas. Él nació en Leiden, y vivió en varias ciudades de los Países Bajos. Estaba en Haarlem desde 1661 hasta 1670, donde produjo algunas de sus mejores pinturas.

El siguiente cuadro “La práctica del canto”, obra de Gerard ter Borch (1617-1681), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1655. Tiene unas medidas de 73.80 x 79.60 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El cuadro representa a una mujer joven que está de espaldas a nosotros tiene un libro de canciones entre las manos . La relación entre ella y las figuras sentadas puede ser intencionalmente un tanto ambigua. El gran interés del hombre que acompaña a la chica sugiere que su papel podría ser un pretendiente en lugar de tutor. La mujer de más edad disfruta de una copa puede haber sido fundamental en la organización de la “lección”. La composición restringida complementa la sutileza otorgando una intriga en la escena y también hace hincapié en los complementos del ropaje como: satenes y sedas brillantes de la ropa de los personajes. Es uno de al menos tres versiones de un mismo tema.

El siguiente cuadro “Retrato de Francois Wouters”, obra de Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1600-1601. Tiene unas medidas de 115 x 86.1 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El retratado se ha identificado como Francois Wouters era un gran fabricante de cerveza y además llegó a ser alcalde de Haarlem. El cuadro presenta una composición equilibrada tanto en la cara entre sí y el mundo más allá del marco de la imagen. Hals debía de haber pintado estos retratos en la década de 1640. Su magnífico manejo del pincel, el uso sutil de los tonos negros, cuidando modular el color, y la fuerte caracterización de los personajes hacen de estos cuadros algunos de los mejores retratos del periodo de Hals.

El siguiente cuadro “Paisaje boscoso”, obra de Meindert Hobbema (1638-1709), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1662-1663. Tiene unas medidas de 93.7 x 130.8 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Este es un ejemplo excepcional de paisajes boscosos de Hobbema, representa la pintura en que se había especializado el artista . Estas obras parecen estar basadas en lugares reales, pero fueron compuestas cuidando de su imaginación. El primer plano de la sombra se abre a una distancia media brillantemente iluminada, y desde allí los caminos llenos de baches conducen a un horizonte lejano. La escena está animada por el grupo de figuras. Este tipo de sujeto resultó ser muy popular entre los coleccionistas británicos durante los siglos XVIII y XIX.

El siguiente cuadro “Retrato de Susanna Bailly”, obra de Frans Hals (1582-1666), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1645. Tiene unas medidas de 115 x 85.8 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Hals empleaba una pincelada fuerte y el uso sutil de blanco y negro son evidentes en la deslumbrante variedad de tonos y texturas que emplea sobre el traje de la dama. (Van Gogh más tarde se maravilló de la gama de “veintisiete negros” de Hals.) La señora era Susanna Bailly segunda mujer de Francois Wouters, era una mujer de buena posición que vestía a la última moda. En el momento de este retrato fue pintado, con grandes pañuelos.

El siguiente cuadro “Flores con naturaleza muerta”, obra de Jan van Huysum (1682-1749), realizado en óleo sobre cobre, esta datado en 1718. Tiene unas medidas de 80.1 x 61.40 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Se trata de un ramo de flores un tanto extravagante se compone de flores de diferentes que representan las estaciones del año, incluyendo las distintas variedades de tulipanes y rosas, y también se describen ejemplares de mariposas y otros insectos. Jan van Huysum fue el mejor pintor holandés de flores del siglo XVIII. Recibió encargos de prestigio de casas reales y aristócratas de toda Europa.

El siguiente cuadro “Retrato de un grupo familiar”, obra de Nicolaes Maes (1634-1693), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1655. Tiene unas medidas de 50.5 x 38 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Esta pintura es el típico trabajo a pequeña escala de Maes de mediados de la década de 1650. El retrato es de un grupo familiar en un entorno exterior, están sentados en una terraza con una vid subiendo por la pared detrás de ellos. A pesar de que el niño lleva faldas, pero es de hecho un niño. Los niños usaban calzones a las cinco o seis años. Tiene un caballo de juguete, un juguete típicamente masculino. La iluminación espectacular y el colorido de la escena son indicativos de que la formación previa de Maes con Rembrandt. Una firma falsa de Rembrandt fue retirado de la imagen cuando se limpió en 1952.

El siguiente cuadro “Una mujer en la cama”, obra de Rembrandt van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1647. Tiene unas medidas de 81.1 x 67.80 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El cuadro representa a una mujer como abre una cortina suponen que la imagen pintada parece una verdadera tentación. La ilusión se ve reforzada por la fuerte iluminación dirigida desde el contraste de las sombras profundas a la izquierda. Mientras Rembrandt pudo haber utilizado una persona de su círculo más íntimo como una modelo, la pintura no era necesariamente un retrato. El tocado de oro, ropa de cama rica y la proximidad a una pintura de la maestra de Rembrandt, Lastman, indican que la persona era probablemente Sara, la esposa de Tobías. Según el Antiguo Testamento apócrifo Libro de Tobías, este fue derrotado con éxito un demonio que había matado a sus siete maridos anteriores en su noche de bodas.

El siguiente cuadro “La profetisa Ana en el templo”, obra de Rembrandt van Rijn (1606-1669), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1650. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El cuadro habla de la presentación en el Templo ante la profetisa, Ana, hija de Fanuel, de la tribu de Aser. Era una mujer muy anciana. De joven había vivido siete años casada y tenía ya ochenta y cuatro años de edad. No se apartaba del templo ni de día ni de noche, sirviendo a Dios con ayunos y oraciones. Cuando José y María entraban en el templo para la presentación del niño, se acercó Ana, dando gracias a Dios y hablando del niño a todos los que aguardaban la liberación de Israel.

Una vez que José y María cumplieron todo lo que prescribía la ley del Señor, se volvieron a Galilea, a su ciudad de Nazaret. El niño iba creciendo y fortaleciéndose, se llenaba de sabiduría y la gracia de Dios estaba con él.

El siguiente cuadro “Puente de Piedra”, obra de Adam Pynacker (1620-1673), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1654. Tiene unas medidas de 77 x 63.2 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Pynacker era el hijo de un comerciante de vino, que era un miembro de la vroedschap, o regencia de la ciudad. Viajó a Italia donde había vivido durante tres años. En 1658 se convirtió al catolicismo para casarse con Eva María de Geest, Wybrand de Geest hija. En Schiedam bautizó a sus dos hijos, pero a partir de 1661 hasta su muerte, vivió en el Rozengracht en Ámsterdam.

El siguiente cuadro “Seis mariposas y una polilla en una rama de rosas”, obra de William Gouw Ferguson (1632-1695), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1690. Tiene unas medidas de 20.5 x 26 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Ferguson llegó a ser bien conocido por sus pinturas de naturaleza muerta, en sus escenas muestra a aves de caza muertas. Esta pintura de mariposas vivas y una polilla, es un tanto rara porque Ferguson presenta criaturas que siempre están vivas y en un entorno naturalista. Ninguna otra pintura hecha por él de este tipo ha sido encontrada. Las mariposas han sido identificadas como Small Heath, azul común, Prado Brown, Almirante rojo, Pequeño blanco, y una señora pintada. La única polilla es un del tipo amarillo grande.

El siguiente cuadro “Interior con un joven violinista”, obra de Gerrit Dou (1613-1675), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1637. Tiene unas medidas de 310.1 x 23.70 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El cuadro muestra a un joven que ha dejado de tocar momentáneamente al ser interrumpido. El pintor se deleitaba evidente en el juego de luces y sombras, y la presentación de texturas superficiales, especialmente materiales reflectantes. El músico está rodeado de libros, instrumentos y un globo, que aluden al aprendizaje.

El siguiente cuadro “Un colegio de niños y niñas”, obra de Jan Steen (1625-1679), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1670. Tiene unas medidas de 81.7 x 108.6 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Este cuadro es una de los muchos que hizo el autor con escenas cambiantes del mismo aspecto. La composición se basa libremente en el fresco de Rafael de “la escuela de Atenas” en el Vaticano, que representa a los más grandes eruditos de la antigüedad. Basando esta escena rebelde en la famosa reunión de grandes, Steen hizo una broma visual, que también se hizo eco en el detalle incidental. Los adultos parecen ignorar el mal comportamiento de sus alumnos. A la derecha hay una lechuza, símbolo tradicional de la sabiduría y el atributo de la diosa Atenea. Aquí un niño ofrece un par de gafas que aluden al proverbio holandés “¿De qué sirven las gafas o la luz, si la lechuza no quiere ver?”. Esto podría aplicarse a los alumnos y profesores

El siguiente cuadro “Paisaje con ganado”, obra de Aelbert Jacob Cuyp (1620-1691), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1657. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Albert Jacob Cuyp fue uno de los paisajistas holandeses más destacados del siglo XVII. El más famoso de una familia de pintores, alumno de su padre Jacob Gerritsz Cuyp (1594–1651/52), es conocido principalmente por sus vistas holandesas compuestas al amanecer o al atardecer, aunque como todos los pintores de la época, cultivó también otros géneros como el retrato, las escenas de interior y los bodegones.

El siguiente cuadro “Una mujer mayor alimenta un perro”, obra de Gabriel Metsu (1629-1667), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1658. Tiene unas medidas de 44 x 33 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Gabriël Metsu fue un pintor neerlandés de la época barroca, autor de algunas obras de tema bíblico y de numerosas escenas de género, algunas de las cuales pueden ser interpretadas también como retratos.

En la ejecución de su pintura pronto abandono los temas religiosos. Probablemente observó que el arte sagrado era poco apropiado para su temperamento, o encontró que era un campo en el que había mucha competencia, y se orientó hacia otros temas para los cuales estaba mejor preparado. Así será conocido sobre todo por sus cuadros de género y escenas de interior.

El siguiente cuadro “Paisaje con caballo y ganado”, obra de Aelbert Jacob Cuyp (1620-1691), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1650. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Las pinturas de los paisajes de Cuyp combinan la luz dorada de cielos italianos con un paisaje holandés contemporáneo. El contacto con artistas de Utrecht, que había pasado un tiempo en Roma, lo inspiró para utilizar una amplia gama de colores. Se especializó en tierra, mar y riachuelos, a menudo incluyendo grupos de ganado y señales reconocibles. También pintó retratos ecuestres. La mayor parte de su obra fue adquirida por las familias ricas de su ciudad de Dordrecht nativa. A mediados del siglo XIX muchas de sus mejores pinturas estaban en colecciones británicas. La claridad de sus composiciones y su calidad de la luz era muy admirado por los paisajistas británicos.

El siguiente cuadro “Naturaleza muerta”, obra de Davidsz de Heem (1606-1683), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625-1675. Tiene unas medidas de 40.5 x 32.6 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Aunque el autor de esta obra todavía no se conoce con exactitud, aunque está cerca de los primeros trabajos de Davidsz de Heem, es uno de los pintores más dotados del siglo XVII holandés especializado en naturalezas muertas. De hecho, durante la limpieza en el año 1955, se eliminó una firma falsa de Heem. El artista hizo uso hábil de la luz que se vierte desde una ventana, lo que se refleja en el vidrio de vino adornado holandés (conocida como “Roemer”). Las uvas parecen brillar, ya que cada fruta tiene un punto brillante en el que la luz se refleja en su piel. El limón con un vivo y profundo color amarillo; las ciruelas moradas son ligeramente más oscuras en su reflexión sobre la placa de peltre –es una aleación compuesta por estaño, cobre, antimonio y plomo. Es maleable, blando y de color blanco con alguna similitud a la plata– que aparecen en la escena.

El siguiente cuadro “Interior del cuerpo de guardia”, obra de Gerbrand van den Eckhout (1621-1674), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1657. Tiene unas medidas de 70.8 x 62.5 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo

Gerbrand van den Eeckhout pertenece a la pintura edad de oro holandesa, fue el estudiante favorito de Rembrandt. También fue un grabador, un poeta aficionado, un colector y un asesor en el arte.

Eeckhout no se limita a copiar los sujetos en sus retratos, intenta tomar las formas, las figuras, los vestidos y los efectos pictóricos de la persona. Es difícil formar un juicio exacto de las cualidades de Eeckhout al comienzo de su carrera. Sus primeras piezas son, probablemente, aquellas en los que se reproduce con mayor fidelidad las peculiaridades de Rembrandt. Exclusivamente el suyo es un tinte de color verde en las sombras que estropean la armonía de la obra, una vulgaridad de tintes, discordante en una superficie uniforme y un toque más rápido de lo sutil.

El siguiente cuadro “Gabinete de arte”, obra de Willem (Guillam) van Haecht, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1630. Tiene unas medidas de 73 x 104 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El cuadro es uno de los más importantes del pintor van Haecht en donde se muestra la obra de Anthony van Dyck se representa en sus paredes sus obras dentro del Gabinete de Arte, entre las obras más destacadas podemos ver en el frente de la primera fila el famoso cuadro “Matrimonio místico de Santa Catalina”.

La obra es una copia de las que hacia La galería de Cornelio van der Geest para mostrar como era la Galería de Arte de Rubens. Otro de los lienzos similares de este autor es Mauritshuis, Alejandro Magno visitando el estudio de Apeles.

El siguiente cuadro “Retrato Marchese Ambrogio Spinola”, obra de Sir Anthony van Dyck (1599-1641), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1627-1628. Tiene unas medidas de 121.9 x 96.5 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

El retrato corresponde a un general genovés al servicio del archiduque Alberto y la archiduquesa Isabel de España. Van Dyck le debe haber pintado poco después del regreso a Italia en 1627 y antes de que Spinola se fuera a Madrid el 3 de enero 1628, para no volver nunca a los Países Bajos. Existen varias versiones similares a esta imagen, incluso un dibujo preparatorio relacionadas con el manejo y de la pintura sugieren que este trabajo fue realizado en el estudio.

El siguiente cuadro “Mercurio cogiendo a Psique en el cielo”, obra de Sir Peter Paul Rubens y el taller (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625. Tiene unas medidas de 72 x 99 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Rubens, un artista excepcional, académico y diplomático, disfrutó de una carrera larga, prolífica y exitosa a nivel internacional. Pintó temas de la Biblia y de la mitología clásica, retratos, paisajes y temas alegóricos. Después de pasar ocho años en Italia, regresó a Amberes en 1608, donde estableció un taller floreciente. Por lo general pintando a gran escala, y se destacó en la descripción de episodios dramáticos a través de amplias figuras en posturas dinámicas, colores suntuosos y una iluminación brillante. Rubens empleó a muchos asistentes para satisfacer la demanda de su trabajo, que provenía de los clientes ricos en el país y en el extranjero, incluidos los reyes de España, Francia y Gran Bretaña.

El siguiente cuadro “Adoración de los pastores”, obra de Sir Peter Paul Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1625. Tiene unas medidas de 73.8 x 92.4 cm. Se exhibe en la Sala VIII y IX del museo.

Peter Paul Rubens poseía una amplia formación humanista y tuvo siempre un profundo interés por la Antigüedad clásica. Dominaba diversas lenguas, incluido el latín, y llegó a ejercer como diplomático entre distintas cortes europeas. Fue además ennoblecido tanto por Felipe IV de España como por Carlos I de Inglaterra.

Pasamos a la Sala X dedicada al arte holandés del periodo entre 1635-1700. La pintura del siglo de oro de estilo barroco termina en el año 1700 cuando acabó la autoridad de los Habsburgo españoles con la muerte Carlos II, pasando a depender el territorio por el Tratado de Utrecht de la rama austriaca. Flandes, entendido así en un sentido amplio, abarca todas las provincias meridionales de los antiguos Países Bajos, a grosso modo la actual Bélgica, que en aquella época, tras la escisión de las Provincias Unidas del Norte y el asedio de Amberes, permanecieron bajo el dominio de los Austrias españoles y conservaron la fe católica.

El siguiente cuadro “Cristo en la casa de Marta y María”, obra de Johannes Vermeer (1632-1675), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1654-1655. Tiene unas medidas de 158.5 x 141.5 cm. Se exhibe en la Sala X del museo.

Esta es sin duda la más grande y una de las pinturas más antiguas que sobreviven de Vermeer. También es su única obra conocida de un tema bíblico. Evangelio de San Lucas nos habla de la visita de Cristo a la casa de las hermanas. Cristo alabó la voluntad de María a sentarse y escuchar sus enseñanzas, a diferencia de Marta, que estaba más preocupada con la limpieza. El juego fuerte de la sombra y la luz, la caracterización de las figuras y el amplio manejo de la pintura fueron probablemente inspirada en la obra de artistas de Utrecht, que a su vez fueron influenciados por el arte de Caravaggio. Dado el tamaño inusual y el objeto es probable que la pintura fuera un encargo específico.

El siguiente cuadro “La orilla de un río”, obra de Jacob van Ryuisdael (1628-1682), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1649. Tiene unas medidas de 14 x 20.2 cm. Se exhibe en la Sala X del museo.

Ruisdael fue uno de los más notables e influyentes pintores de paisaje en la Holanda del siglo XVII. Se especializó en temas de paisajes de época para incluir escenas de bosques, ríos y cascadas, así como escenas de playas y dunas, vistas panorámicas. Obviamente, en base a un estudio minucioso de la naturaleza, las pinturas de Ruisdael siempre aparecen creíbles y naturales sobre todo atendiendo a su composición, el tratamiento de la luz y el color natural. Con frecuencia muestran escenas típicamente holandesas, celebrando así la riqueza de los paisajes de Holanda. El trabajo del pintor abarca la pintura paisajística del siglo XVIII y XIX en Gran Bretaña. La admiración por sus pinturas, grabados y dibujos inspirados por los estudios de paisaje Gainsborough, Wilson, Constable y Turner.

El siguiente cuadro “Paisaje con cazadores”, obra de Jan Weenix (1642-1719), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1697. Tiene unas medidas de 14 x 20.2 cm. Se exhibe en la Sala X del museo.

Este enorme lienzo representa un paisaje arbolado, el escenario de las actividades de caza, visto a través de una abertura que sirve como un estante para la exhibición de una naturaleza muerta. Las habilidades del artista en la prestación de los diferentes materiales y texturas, y donde se representan personajes animados e inanimados (incluyendo la estatua de Pan, el antiguo dios de los bosques), es claramente evidente. Los perros proporcionan la clave de tema alegórico de la pintura, que es el sentido del olfato. Fue una de las cinco obras (cada una representando un sentido) que forman un esquema decorativo en la casa de Ámsterdam de un rico patrón portugués.

El siguiente cuadro “Interior de la iglesia de san Bavón, Haarlem”, obra de Pieter Jansz Saenredam (1597-1665), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1648. Tiene unas medidas de 174.8 x 143.6 cm. Se exhibe en la Sala X del museo.

Este punto de vista del interior de la catedral gótica de Haarlem es uno de los más grandes pinturas de Saenredam. Hizo una serie completa de al menos once imágenes que muestran la iglesia desde diferentes puntos de vista, de los cuales esta es, con mucho, la más grande. El trabajo de la Galería Nacional se basó en un boceto preliminar y un dibujo a escala más preciso lo que demuestra su estudio detallado de la arquitectura, pero también indica que Saenredam ejerce licencia artística en el acabado del cuadro. Se distorsiona deliberadamente las proporciones de los pilares y la bóveda para aumentar la sensación de escala monumental. Se incluyó su firma y la fecha en la columna de la izquierda, más bien como si fuera un graffiti, junto con un dibujo garabateado, posiblemente representando a San Bavón.

El siguiente cuadro “Paisaje con una vista Valkhof Nimega”, obra de Aelbert Cuyp (1620-1691), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1655-1660. Tiene unas medidas de 113 x 165 cm. Se exhibe en la Sala X del museo.

Pasamos a la Sala XI titulada la revolución Rococó en el periodo de 1700-1815. La pintura rococó se desarrolló a lo largo del siglo XVIII por toda Europa partiendo de Francia, cuna de este estilo de origen aristocrático y se dividió en un principio en dos campos nítidamente diferenciados: como parte de la producción artística, es un documento visual intimista y despreocupado del modo de vida y de la concepción del mundo de las élites europeas del siglo XVIII, en tanto también como una adaptación de elementos constituyentes del estilo a la decoración monumental de las iglesias y palacios, sirvió como medio de glorificación de la fe y del poder civil.

El siguiente cuadro “Reunión de Antonio y Cleopatra”, obra de Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1747. Tiene unas medidas de 66.8 x 38.4 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Este colorido boceto al óleo sobre lienzo se hizo en preparación para la elaboración del fresco de Tiepolo sobre el mismo tema en el Palazzo Labia, Venecia. Muestra al comandante romano Marco Antonio saludando a Cleopatra, la reina de Egipto. El boceto está cerca en la composición y los detalles al fresco, aunque el Marco Antonio planteado aquí es más apasionado se sustituye por una postura más vertical en el trabajo final. Los esquemas decorativos de Tiepolo están llenos de aire y de la luz donde se reflejan la influencia del pintor veneciano del siglo XVI de Veronese. Su pincelada rápida y fluida contribuye al carácter vivo del boceto e ilustra su virtuosismo aparentemente sin esfuerzo.

El siguiente cuadro “Retrato de John Canpebell, 4º duque de Argyll”, obra de Thomas Gainsborough (1727-1788), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1767. Tiene unas medidas de 235 x 154.3 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

El retrato de cuerpo entero de Gainsborough del cuarto Duque de Argyll le muestra vestido con una magnifica túnica que le identifica su categoría social , un tema perfecto para una pincelada del deslumbramiento del artista. El Duque se apoya una mano en la corona y en la otra sostiene la batuta del Maestro hereditario de la Casa del Rey. Lleva la cadena espléndida de la Orden del Cardo. Él heredó el ducado cuando tenía sesenta y siete años, después de haber tenido una distinguida carrera como soldado. En 1745 defendió el oeste de Escocia contra las fuerzas del príncipe Charles Edward Stewart, y en 1746 logró el duque de Cumberland como comandante en Escocia.

El siguiente cuadro “Marie-Laetitia Bonaparte”, obra de Francois Baron Gèrard (1770-1836), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1800-1803. Tiene unas medidas de 210.8 x 129.8 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Este retrato de cuerpo entero señorial de la madre de Napoleón, conocida como Madame Mère, la muestra suntuosamente vestida y sentada en un gran apartamento con una vista a las Tullerías en París. Ella venía de una familia de la Toscana y nació en Córcega. Un busto esculpido de su hijo como cónsul, cerca en el personaje tallado por Louis-Simon Boizot en 1800, confirma su condición. Napoleón fue el segundo varón mayor de sus trece hijos, ocho de los cuales sobrevivieron. El retrato fue llevado a Italia por su nieta, Mathilde, sobrina de Napoleón, cuando se casó en la familia florentina Demidoff.

La siguiente escultura “ La Venus de Medici”, obra de Innocenzo Spinazzi (1726-1798), realizado en mármol blanco, esta datado en 1784. Tiene unas medidas de 163.20 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Innocenzo Spinazzi fue un escultor italiano rococó del siglo XVIII que estuvo activo en Roma y Florencia. Era hijo de un orfebre. Fue aprendiz de Giovanni Battista Maini. Desde Roma, se trasladó a Florencia en 1769 como escultor oficial del Gran-duque Pedro Leopoldo para completar algunos fragmentos antiguos de mármol.

El siguiente cuadro “James Dawkins y Robert Wood. El descubrimiento de las ruinas de Palmira”, obra de Gavin Hamilton (1723-1798), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1758. Tiene unas medidas de 309.9 x 388.6 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

En 1751, James Dawkins y Robert Wood exponen en una expedición para estudiar los restos de la antigua ciudad de Palmira en Siria. Los dos hombres estaban fascinados por la exploración. En este tiempo hubo un gran interés en el descubrimiento del mundo antiguo. Las conclusiones y dibujos de hombres como Dawkins y Wood ayudaron a informar el gusto por el estilo neoclásico que se extendía por Europa. Aquí, Hamilton muestra a los hombres con sus acompañantes turcos cuando se acercan a Palmira. Se presenta como una escena de la historia clásica, con los dos exploradores vestidos con togas. James Dawkins murió en 1757, y esta pintura fue encargada por su hermano Henry, en conmemoración de sus estudios importantes en Palmira.

La siguiente escultura “Lorenzo Ganganelli, el Papa Clemente XIV”, obra de Christopher Hawetson (1737-1798), realizado en mármol blanco, esta datado en 1772. Tiene unas medidas de 163.20 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Nacido con el nombre de Giovanni Vincenzo Antonio Ganganelli, posteriormente lo cambió por el de Lorenzo al profesar como fraile franciscano, era el menor de los cuatro hijos de Lorenzo Ganganelli, doctor en medicina, y de su esposa Ángela Serafina María Mazza.

Estudió en un colegio de los jesuitas de Rímini y luego en la escuela de los Hermanos Piaristas de Urbino. Ingresó en la orden de los Franciscanos Conventuales en Mondaino, provincia de Forlí. En 1731 obtuvo el doctorado en teología en la Universidad La Sapienza de Roma. Definidor de su orden en 1741, renunció por dos veces al generalato de la misma. Fue un excelente teólogo, pero también músico, poeta y un consumado jinete.

El siguiente cuadro “Las Mujeres Waldegrave”, obra de Sir Joshua Reynolds (1723-1792), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1780. Tiene unas medidas de 143 x 168.3 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Reynolds fue particularmente hábil en la elección de las posturas y acciones que sugiere el carácter de una niñera para crear una composición sólida. Aquí, las tres hermanas, las hijas de la segunda Earl Waldegrave, se muestran en colaboración trabajando en una pieza de costura. La actividad conjunta une a las chicas. A la izquierda, el mayor, lady Charlotte, tiene una madeja de seda, que la hermana media, Lady Elizabeth, mira una tarjeta. A la derecha, el más joven, Lady Anna, esta con un bastidor de costura, utilizando un gancho para que encaje en una red tensa.

El siguiente cuadro “La honorable señora Graham”, obra de Thomas Gainsborough (1727-1788), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1775-1777. Tiene unas medidas de 237 x 154 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Este es uno de los mejores retratos de cuerpo entero de Gainsborough siguiendo la tradición de Van Dyck. El traje y los accesorios se hacen eco deliberadamente la moda del siglo XVII y realzan la belleza elegante de la honorable señora Graham (1757-1792). Era hija de la honorable Cathcart María, hija de noveno barón de Cathcart, quien fue embajador de Catalina la Grande. Se casó con el propietario Perthshire, Thomas Graham en 1774, y compraron la casa en Lynedoch cerca de Methven, Perthshire en 1787. El retrato fue muy aclamado cuando se exhibió en la Real Academia en 1777. Thomas Graham, devastado por la muerte prematura de su esposa en 1792, regaló la pintura a su hermana. Que fue legada a la National Gallery por uno de sus descendientes, a condición de que nunca salga de Escocia.

La siguiente escultura “Las hermanas Campbell”, obra de Lorenzo Bertolini (1777-1850), realizado en mármol blanco, esta datado en 1821-1822. Tiene unas medidas de 170 x 92 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Este grupo escultórico muestra Emma y Julia, las dos hijas menores de Lady Charlotte Campbell, hermana del Duque de Argyll, y su primer marido Coronel John Campbell, de Shawfield. El escultor Bartolini describe las niñas en la acción de “bailando un vals”, ejecutando el resultado con la habilidad transmitida por sus poses elegantes, de puntillas y cortinas suavemente flotando. Por encargo de su hermano mayor, el mármol terminado fue enviado desde Livorno a Edimburgo, y se instaló en el comedor en el castillo de Inveraray, el asiento de los duques de Argyll. La base está inscrita con una dedicación al escultor Inglés John Flaxman, cuyos grabados de temas homéricos Bartolini admiraba enormemente. Esta es la pieza más importante de la escultura italiana tallada para un patrón de Escocia en el siglo XIX.

El siguiente cuadro “Aquiles lamenta la muerte de Patroclo”, obra de Gavin Hamilton (1723-1798), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1763. Tiene unas medidas de 227.3 x 391.20 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Aquiles se niega a la actitud tomada por sus compañeros griegos, él se lamenta por el cuerpo muerto de su asistente devoto y amigo, Patroclo, que fue matado por los troyanos. El enorme tamaño de la pintura de Hamilton transmite una sensación de su ambición de representar episodios de Homero ”La Ilíada” en un modo que represente una abrumadora épica. Sus composiciones heroicas fueron diseñadas para transmitir la gama dramática y emocional del poema épico, basado en la traducción de Alexander Pope. Hamilton pintó seis cuadros, cada uno encargado por un cliente diferente. Éste, el más fino de la serie, fue hecho para Sir James Grant entre 1760 y 1763, y se fija una audiencia internacional a través de los grabados de Cunego.

El siguiente cuadro “El encuentro de Moisés”, obra de Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1730. Tiene unas medidas de 202 x 342 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

El cuadro representa el impacto dramático de la pintura de Tiepolo se ve aumentada por su gran tamaño, coloración suntuosa y el carácter teatral. El tema del Antiguo Testamento se hace aún más inmediato a través de aspecto contemporáneo de las figuras y los detalles similares a la vida, tales como la representación de Moisés, que se muestra al revés. La pintura fue originalmente aún mayor, pero una parte, que muestra un alabardero y un perro en un paisaje del río, fue retirada de la derecha, posiblemente en el siglo XIX (ahora en una colección privada). Andrea Rincón, probablemente, encargó la obra para su Palazzo Corner della Regina en el Gran Canal, Venecia.

La siguiente escultura “Busto grotesco de una mujer mayor”, obra de Antonio Montauti (1685-1740), realizado en mármol blanco, esta datado en 1730. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Antiguamente había una demanda de este tipo de bustos a finales del siglo XVI y que se originan en el círculo de Miguel Ángel, pero parece cierto que en este caso fueron ejecutados más tarde , probablemente de principios del siglo XVIII. Varios investigadores han sugerido una atribución provisional de Montauti, que estuvo activo en Florencia y luego en Roma; comenzó como una medalla de bronce y escultor, y sólo parece haberse dedicado a esculpir mármol durante un período relativamente corto de tiempo desde mediados de los años 1720.

El siguiente cuadro “La apoteosis de san Jerónimo y san Pedro Alcántara”, obra de Giovanni Battista Pittoni (1687-1767), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1725. Tiene unas medidas de 275 x 143 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

El cuadro representa a San Jerónimo en una nube es guiado hacia el cielo por un ángel de la guarda. Su mano se descansa en un cráneo, que simboliza la fugacidad de la vida terrenal. La pintura fue hecha para un altar en la nave de la iglesia veneciana de Santa Maria dei Miracoli. La iglesia fue dirigida por monjas franciscanas y en primer plano es un fraile franciscano que puede ser identificado como el reconocido predicador español del siglo XVI, San Pedro de Alcántara. Se hace hincapié en el carácter espiritual del evento, experimentando la visión de San Jerónimo hacia el interior. El retablo, que fue pintado hacia 1725, se arqueó originalmente en la parte superior.

El siguiente cuadro “El Médico”, obra de Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1779. Tiene unas medidas de 95.8 x 120.20 cm. Se exhibe en la Sala XI del museo.

Un médico sentado en compañía de dos estudiantes calienta sus manos sobre carbones calientes. Este gesto y el árbol sin hojas que se pinta detrás de ambos, conecta con el invierno, que puede ser el tema general de la imagen. Es un dibujo animado (diseño de tamaño completo) para un tapiz destinado a una habitación en el palacio real de El Pardo. Era para ser colgado por encima de una puerta que da cuenta de los colores llamativos, la composición ordenada y con un punto de vista bajo, dando protagonismo al plato de carbones y a los libros del doctor. Goya ya había producido diseños para tapices para el mismo palacio, que ilustra pasatiempos contemporáneos, las costumbres y modas.

Pasamos a la Sala XII-XIII se titula La pintura es un espectáculo en el periodo 1785-1870. Sus tablas son enormes y espectaculares dedicadas a las exposiciones públicas.

El siguiente cuadro “La entrada al Cuiraing en la isla de Skye”, obra de Waller Hugh Paton (1746-1828), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1873. Tiene unas medidas de 111.80 x 162.80 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Esta pintura es un ejemplo espectacular de la obra paisajística madura de Paton. Se muestra el Cuiraing (o Quiraing en el uso moderno), un notable corrimiento de tierra en la península de Trotternish de Skye. Paton había visitado la zona durante una gira por Skye en 1866 e hizo una serie de bocetos y acuarelas. Aquí, el pico dentado del alta pináculo 30,7 metros conocido como la aguja. Paton describe el Quiraing como un lugar horrible, a pesar de que se había convertido en un destino para los artistas como para los turistas. Paton exhibió este vasto cuadro en la exposición 1873 Royal Scottish Academy.

El siguiente cuadro “Rentistas en el desierto”, obra de Sir Edwin Landseer (1802-1873), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1868. Tiene unas medidas de 122 x 265 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Los animales y el paisaje juegan un papel tan importante como puntos de información de esta pintura de historia inusual. Fue encargado por el distinguido geólogo Sir Roderick Impey Murchison, Presidente de la Real Sociedad Geográfica. Se modeló para la figura de su bisabuelo Coronel Donald Murchison, el cobrador de la renta que lleva un peto debajo de la chaqueta. Coronel Murchison estaba desafiando la ley en nombre del Conde jacobita de Seaforth, exiliado en París después de la derrota del ejército del Viejo Pretendiente en la batalla de Sheriffmuir en 1715. Los arrendatarios del conde mantienen oculto al grupo de los casacas rojas en todo el lago.

La siguiente escultura “Hebe rechazada”, obra de William Calder Marshall (1813-1894), realizado en mármol, esta datado en 1837. Tiene unas medidas de 137 cm de altura. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

En la mitología griega, Hebe era la personificación de la juventud, descrita como hija de Zeus y Hera. Según la Ilíada , Hebe era la ayudante de los dioses: llenaba sus copas con néctar, ayuda a Hera a enganchar los caballos a su carro y bañaba y vestía a su hermano Ares. Según la Odisea , se casó con Heracles tras la apoteosis de éste, siendo sustituida en sus labores por el joven príncipe troyano Ganimedes. Sin embargo, tradiciones posteriores contaban que había sido madre con él de dos hijos, Alexiares y Aniceto.

El siguiente cuadro “Salto del Niágara, desde el lado americano”, obra de Frederic Edwin Church (1826-1900), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1867. Tiene unas medidas de 257.5 x 227.30 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Estamos ante un gran lienzo capta magníficamente el drama de Niagara Falls, uno de los lugares más famosos de su país. Esta pintura, sobre la base de una Iglesia dibujo realizado en Niagara en julio de 1856 y en una fotografía en sepia tocó con el color, fue encargado por el comerciante de arte de Nueva York, Michael Knoedler en 1866. En un principio puede haber sido destinado para la Exposición Universal de París, como iglesia fue seleccionada para representar a los Estados Unidos allí. Fue comprado en 1887 por John S. Kennedy, quien lo presentó a su Escocia natal. Es el único ejemplo importante del trabajo de la Iglesia en una colección pública europea.

El siguiente cuadro “La familia Hunter Blair”, obra de David Allan (1744-1796), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1785. Tiene unas medidas de 122 x 249 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

David Allan nació en Alloa, asistió a la Academia Foulis en Glasgow durante siete años. En 1767 se trasladó a Roma, donde vivió durante diez años; este fue el período más exitoso de su vida. En Roma Allan pintó cuadros ambiciosos históricos, retratos, caricaturas y escenas de género. A su regreso a Londres en 1777, pasó dos años tratando de establecerse a sí mismo. Sin éxito y enfermo, regresó a Escocia, donde se especializó en la pintura de los grupos familiares. También produjo ilustraciones de libros y fue nombrado maestro de la Academia de los Custodios en Edimburgo.

El siguiente cuadro “El General Sir David Baird descubriendo el cuerpo del sultán Sahib Tippoo”, obra de Sir David Wilkie (1785-1841), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1839. Tiene unas medidas de 348.5 x 267.90 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Este enorme cuadro fue encargado después de la muerte de Sir David Baird por su esposa la señora Baird como un monumento privado. Tardó cuatro años en completarse, y por semejanza póstuma del general. Baird había estado en la India con el ejército británico en 1779, y poco después de su llegada, fue hecho prisionero por Haidar Ali, el gobernante de la India de la Mysore Unido. Encarcelado por cuatro años, no quedó en libertad después de la firma del tratado de Mangalore. Baird permaneció en el ejército, volviendo a la India en 1791 para participar en la tercera fase de la Guerra Anglo-Mysore. Baird se vengó al derrotar al hijo de Haidar Ali, Tippoo Saib, en Seringapatam en 1792. Aquí, Baird se plantea simbólicamente por encima de la mazmorra en la que había estado preso.

El siguiente cuadro “Alejandro III de Escocia rescatado de un ciervo”, obra de Benjamin West (1738-1820), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1786. Tiene unas medidas de 366 x 521 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Estamos ante el lienzo más grande del museo, representa el estilo heroico y monumental de West. Se ilustra una leyenda en la que el primer jefe del clan Mackenzie salva la vida del rey escocés. Colin Fitzgerald se muestra a punto de lanza de un ciervo feroz que se había cebado con el rey de Escocia, Alejandro III, durante una expedición de caza. West incluye otros personajes con caballos y perros cuyas poses y gestos llamativos dinamizan el dramático momento. Francis Humberston Mackenzie se convirtió en jefe del clan Mackenzie en 1783 y encargó la pintura para conmemorar, en lugar visible, su ilustre antepasado.

El siguiente cuadro “Interior de la Galería Nacional de Escocia”, obra de Escuela de pintura escocesa, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1867. Tiene unas medidas de 50.5 x 61 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

El cuadro muestra como era la Galería Nacional en sus comienzos diseñada por William Henry en 1859. La escena del interior muestra algunos de los mejores cuadros y esculturas en su situación en la galería, además de estudiantes y profesores.

El siguiente cuadro “Retrato Anne Emily Sophia Grant”, obra de Sir Francis Grant (1803-1878), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1857. Tiene unas medidas de 223,5 x 132,3 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Afectuosa representación de Sir Francis Grant de su hija Margarita fue pintado en febrero de 1857, y la primera muestra en Escocia en el Royal Scottish Academy en 1859. Este retrato está en excelentes condiciones, y muestra al artista a la altura de sus habilidades. Fue pintado justo antes de la boda de Margarita con el Coronel William Markham.

El siguiente cuadro “Retrato Coronel Alastair Ranaldson Macdonell”, obra de Sir Henry Raeburn (1756-1823), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1812. Tiene unas medidas de 241,9 x 151,1 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Macdonell de Glengarry aparece, en este retrato, como la imagen perfecta de un jefe de la Montañas. Sin embargo, el apego romántico de Macdonell a los usos y costumbres de la cultura gaélica no le impidió desalojar a sus inquilinos para limpiar sus tierras para la cría de ovejas. El escritor Walter Scott era un amigo cercano, y probablemente estaba pensando en Macdonell cuando creó el personaje del jefe del clan jacobita clan.

El siguiente cuadro “Interior de la Galería Nacional de Escocia”, obra de Stanley Cursiter (1887-1979), realizado en papel, esta datado en 1938. Tiene unas medidas de 36,5 x 25,4 cm. Se exhibe en la Sala XII y XIII del museo.

Cursiter fue la última distinguido académico de la Royal Scottish para ser nombrado director de la Galería Nacional , una tradición que se remonta a la inauguración de la Galería Nacional (ahora Scottish National Gallery) en 1859. Esta es una de una serie de estudios pintados por Cursiter como Director (1930-1948), para la exploración de las ideas alternativas de combinaciones de colores interiores para poder colgar ciertos cuadros. Las columnas corintias y cúpulas poco profundas diseñado por Cursiter se retiraron en 1988, restaurando el interior en su aspecto original.

El siguiente cuadro “La Crucifixión de San Pedro”, obra de Pierre-Hubert Subleyras (1699-1749), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1740. Tiene unas medidas de 46,7 x 31 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

El cuadro es un pequeño boceto al óleo representa los primeras ideas de Subleyras para un retablo sugerido (nunca se llego a materializar) que representa la crucifixión de San Pedro, para ser colocado en la basílica del Vaticano.

El siguiente cuadro “Vista de la plaza de San Marcos, Venecia”, obra de Francesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1775-1780. Tiene unas medidas de 55,2 x 85,4 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

El cuadro de estilo vedute donde aparece la Plaza de San Marcos está dominado por la Basílica de San Marcos, con sus cúpulas y los mosaicos brillantes y el campanille. Guardi puede haber usado una cámara óptica, una caja de visión óptica en la que los espejos reflejan la escena exterior, para ayudar con la perspectiva dinámica de la plaza. Los edificios a ambos lados son las viejas y nuevas oficinas del gobierno veneciano: el Vecchie Procuradurías y Nuove. El pintor utiliza una la luz brillante y fuerte sombra para animar la escena y se rellena con una variedad de figuras descritas con unas pocas pinceladas directas.

El siguiente cuadro “La curación del ciego”, obra de Sebastiano Ricci (1659-1734), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1712-1716. Tiene unas medidas de 55,2 x 85,4 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

El cuadro es de pequeño diseño algo poco inusual en la pintura de Sebastiano Ricci, manifiesta una equilibrada composición, de colores vivos cuenta con una arquitectura monumental y animado detalle. El lienzo fue propiedad del médico del rey Jorge II, el Dr. Richard Mead, y pudo haber sido pintado como un regalo, tal vez de un paciente agradecido.

El siguiente cuadro “San Giorgio Maggiore, Venecia”, obra de Francesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1770. Tiene unas medidas de 49,5 x 40 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

San Giorgio Maggiore, una de las tres grandes iglesias diseñadas por el arquitecto Andrea Palladio en Venecia, está situado en un lugar prominente en una pequeña isla a través del Bacino di San Marco enfrente del palacio del Doge y la plaza de San Marcos. Fue construido entre 1566 y 1589, aunque la fachada no se completó hasta 1611.

El siguiente cuadro “Riva degli Schiavoni, Venecia”, obra de Antonio Canaletto (1697-1568), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1712. Tiene unas medidas de 44,45 x 74,93 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

La Riva degli Schiavoni es un encantador y animado paseo que se encuentra frente al mar en la cuenca de San Marcos en Venecia. El edificio fue construido en el siglo IX a partir de sedimentos de dragado y fue empleado para retener a los hombres eslavos que trajeron de carga a Venecia desde el otro lado del mar Adriático.

Los puestos de mercado que se agolpan en la zona probablemente tuvieron su inicio en el siglo XV, cuando los eslavos y griegos se trasladaron a la zona y se alinearían el paseo para vender su carne y pescado seco cerca del muelle. Hoy en día, los puestos están todavía presentes, aunque la carne y el pescado ya no son las mercancías actuales de venta. Lo que los visitantes encontrarán hoy en día es una variedad de aperitivos, pastas, dulces de todo tipo, y un montón de recuerdos de Venecia.

El siguiente cuadro “Santa María Della Salute, Venecia”, obra de Francesco Guardi (1712-1793), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1770. Tiene unas medidas de 50.5 x 40.90 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

Al fondo del cuadro se representa la elegante iglesia de Santa María de la Salud , con sus distintivos contrafuertes de la bóveda, se encuentra en la entrada oriental del Gran Canal y es la obra maestra de su arquitecto, Baldassare Longhena. Su construcción se inició en 1631, pero no se completó hasta 1687, después de la muerte del arquitecto. Se trata de una obra de madurez característica de Guardi, cuyos puntos de vista de Venecia pobladas por figuras vivas contrasta con la claridad cristalina de los paisajes urbanos de la atmósfera Canaletto.

El siguiente cuadro “Vista del Molo con la columna de san Teodoro, Venecia”, obra de Antonio Canaletto (1697-1568), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1712. Tiene unas medidas de 44,45 x 74,93 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

Esta obra inspiro a muchos copistas eran pintores dedicados a replicar la obra de artistas que llegaron a gozar de gran popularidad. Durante el siglo XVIII se inició entre la aristocracia inglesa la costumbre de viajar a Italia en busca de las fuentes de la cultura clásica, lo que se conoció como el Grand Tour. El interés que produjeron entre los turistas ingleses, entre ellos el cónsul Joseph Smith, las vistas de Venecia realizadas por Canaletto, impulsó un mercado creciente.

El siguiente cuadro “Retrato Lesson Book”, obra de Jean-Baptiste Greuze (1725-1805), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1757. Tiene unas medidas de 62,50 x 49,00 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

En el cuadro se ve a un joven memorizando un libro y, literalmente, es un cuadro de concentración. Aunque Greuze pintó este cuadro cuando finalizaba su estancia en Italia y muestra la fuerte influencia de la pintura holandesa del siglo XVII. El pintor afirma el carácter tridimensional del niño en un espacio convincente a través de detalles tales como la manga y el libro se solapa el borde de la mesa. La obra consigue poner de manifiesto una serie de texturas como: la piel, el pelo, chaqueta, cuello y puños de la camisa del niño.

El siguiente cuadro “Una chica con un canario muerto”, obra de Jean-Baptiste Greuze (1725-1805), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1765. Tiene unas medidas de 53,30 x 46,00 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

Esta pintura ovalada es típica de un modelo perfeccionado por Greuze, que juega en las emociones del espectador. Aquí se nos invita a simpatizar con la joven que esta pasando el duelo por su canario muerto. Tales sujetos tenían un gran atractivo para los contemporáneos de Greuze y la pintura atrajo mucha atención crítica cuando se exhibió en el Salón de 1765. Greuze hace hincapié en la expresión facial de la niña y también los contrastes de textura entre el pañuelo, las flores, la jaula de madera y el canario muerto. El Greuze esmalte amarillo que se usa se ha vuelto transparente con la edad por lo que el canario se muestra en blanco, y lo que debería ser follaje verde se ha vuelto azul.

El siguiente cuadro “Retrato de Mary Degg”, obra de Allam Ramsay (1713-1784), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1760. Tiene unas medidas de 73 x 63,5 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

María Degg era la hija del capitán William Degg, un oficial del ejército británico, y Catherine Meighen. La madre de María murió pocos meses después del nacimiento, y su padre se volvió a casar posteriormente durante su servicio en Irlanda. El 1 de enero de 1756, María se casó con Lord Robert Manners, y pocos días después de su boda, ella y su nuevo marido se presentaron al rey. María fue descrita como una gran belleza. Un retrato imponente de ella después de su muerte fue pintado por Sir Thomas Lawrence en 1826 y también se encuentra en la colección de la Galería Nacional de Escocia.

El siguiente cuadro “Baño de damas”, obra de Jean-Baptiste Pater (1695-1736), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1720. Tiene unas medidas de 58,6 x 71 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

Jean-Baptiste fue un pintor francés de estilo rococó. Nacido en Valenciennes, era el hijo del escultor Antoine Pater y estudió con él antes de convertirse en un estudiante del pintor Jean-Baptiste Guía. Pater luego se trasladó a París, convirtiéndose brevemente en un alumno de Antoine Watteau en 1713. Watteau, a pesar de tratar mal a Pater, tenía una influencia significativa sobre él.

El siguiente cuadro “Retrato Teniente-Coronel George Lyon”, obra de Sir Henry Reaburn (1756-1823), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1788. Tiene unas medidas de 90,6 x 70,6 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

La modelo lleva el uniforme militar de los 11 Dragones Ligeros. No llegaría a alcanzar el rango de Teniente Coronel hasta 1798. Él tiene una cartera sobre sus rodillas, y esta dibujando como oficial del ejército, un logro fundamental para la grabación de fortificaciones y posiciones estratégicas.

El siguiente cuadro “Retrato Mary Nisbet”, obra de François-Pascal Simon Gerard (1770-1837), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1804. Tiene unas medidas de 64.38 x 54.60 cm. Se exhibe en la Sala XIV y XVI del museo.

El cuadro representa a María Nisbet lleva un vestido de terciopelo azul que destaca de su piel clara. El artista ha definido cuidadosamente la delicada gola del cuello alto de encaje, los toques de oro en la decoración bordada y su joyería fina. El retrato fue pintado probablemente en París, donde el esposo de María, Thomas Bruce, era el séptimo conde de Elgin, fue embajador británico. Ella intercedió con éxito en su nombre cuando fue encarcelado en 1803, después de que Napoleón revocó el Tratado de Amiens, poniendo fin a la paz temporal entre Gran Bretaña y Francia.

Pasamos a las Salas XVII-XVIII, está dedicada al arte de los impresionistas franceses. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del posimpresionismo y las vanguardias.

El siguiente cuadro “Iglesia de Vetheuil”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1878. Tiene unas medidas de 65.20 x 55.70 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Claude Monet en 1878 alquilo una casa en Vetheuil para tratar a su esposa Camille aquejada de una grave enfermedad. Camille murió al año siguiente, pero Monet permaneció en Vétheuil hasta 1881. Esta es una vista tomada desde el oeste de la iglesia románica del siglo XIII que domina el pueblo. Fue pintada poco después de la llegada de la familia Monet. Aunque el pintor se sentía atraído por la iglesia debido no por su aspecto pintoresco o su arquitectura, sino por los efectos ópticos de la luz y de tiempo en el edificio en diferentes momentos del día. Obsesivamente persiguió este estudio de luz para el resto de su carrera, y fue para volver a la pintura de fachadas eclesiásticas con su célebre serie de la catedral de Rouen, en la década de 1890.

El siguiente cuadro “Dique Molesey, Hamton Court”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1874. Tiene unas medidas de 51.10 x 68.80 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Sisley le gustaba pintar el agua, en este cuadro hace una captura espléndidamente de la espuma que se crea gracias a la fuerza del río que se desliza sobre el muro del primer plano o brota más allá a través de la barrera. La presa rompe el flujo del río Támesis para crear una cuenca de flotación y para dirigir el agua hacia la presa de Molesey. El pintor representa la vista de aguas arriba del puente de Hampton Court, al oeste de Londres, con la isla de Ash y la orilla norte del Támesis. El grupo de bañistas incluido en la parte izquierda ofrece el interés humano y un sentido de la escala, mientras se combina perfectamente con la escena del río.

El siguiente cuadro “Niño Pobre”, obra de Jules Bastien-Lepage (1848-1884), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1882. Tiene unas medidas de 132.10 x 89.50 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Un muchacho joven mira directamente en la pintura está vestido con ropas harapientas y grandes botas desatadas. Su aire relajado encaja con el título que es una abreviatura de la jerga francesa: “Il n'y a pas Meche” que significa: No hacer nada. El látigo es un signo, y el cuerno colgado en la espalda sugieren que era un niño barcaza que habría controlado los caballos que tiran de la barcaza. La pintura fue hecha por los comerciantes de arte de Londres Arthur Tooth and Sons y fue incluido en la exposición conmemorativa del artista celebrada en París en 1885.

El siguiente cuadro “Paisaje sobre el Sena y Suresnes”, obra de Alfred Sisley (1839-1899), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1880. Tiene unas medidas de 65.3 x 46.4 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Sisley pintó esta escena del río Sena en Suresnes a principios de 1880, cuando aún vivía en las cercanías de Sèvres. Pintó otras dos versiones de este punto de vista, tal vez a modo de despedida a la zona, ya que quería pasar por la localidad de Veneux-Nadon cerca de Moret-sur-Loing. Suresnes estaba cerca de París, justo al oeste del Bois de Boulogne. Sisley concentra todos los efectos de la luz opaca y el frío de la atmósfera de invierno en el paisaje. La vasta extensión de cielo gris, nublado sólo es interrumpida por las columnas de humo de las chimeneas de la fábrica a la izquierda. El pintor estaba fascinado por los aspectos fugaces de la luz y la atmósfera en este momento, y fue, sin duda, atraído por la escena, ya que le permitió representar elementos transitorios tales como las nubes y el humo.

El siguiente cuadro “Barcos en un puerto”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1873. Tiene unas medidas de 71.20 x 54.00 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Monet pintó probablemente este trabajo en su ciudad natal de Le Havre, donde trabajaba en 1873. Las escenas portuarias eran mucho más pintadas por su amigo Boudin, pero mientras que Boudin estaba más interesado en topográfica con vistas marinas, Monet se ha centrado aquí en tan sólo tres naves y sus reflejos en el agua. En esta pintura, el casco del barco situado en medio está siendo objeto de reparaciones a su popa. Un número de trabajadores vestidos con monos azules están situados alrededor de una plataforma flotante de madera, lo que les permite preparar el enorme barco para la navegación marítima. Monet pintó varias vistas del puerto entre 1872-73, uno de los cuales era su famoso “Impresión: Amanecer”, que dio lugar a la expresión referida al arte: “Impresionismo”.

El siguiente cuadro “Un río y una garganta en la montaña”, obra de Gustave Courbet (1819-1877), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1872-1873. Tiene unas medidas de 81,40 x 64,70 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Desde mediados de los años 1860 Courbet produjo una serie de paisajes que muestran la espectacularidad de su ciudad natal de Ornans en las montañas del Jura. La ubicación exacta de este cuadro no ha sido identificada, pero es de suponer el curso superior del río Doubs o uno de sus afluentes, como el Loue o la Conche. Courbet fue fascinado por las enormes cascadas y gargantas profundas que se formaron en las rocas de piedra caliza. Él viajo hasta las montañas para pintar al aire libre, utilizando su burro Jérôme para llevar sus materiales. La vista inflexible de Courbet de la naturaleza y la técnica audaz, haciendo uso frecuente de la espátula, tuvo una influencia importante en la próxima generación de paisajistas, en particular los jóvenes impresionistas.

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer campesina”, obra de Vincent van Gogh (1853-1890), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1885. Tiene unas medidas de 46.40 x 35.30 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro representa la cara de una mujer campesina lleva un tocado que enmarca su rostro, y se destaca del fondo oscuro de esta imagen pequeña. Pertenece a una de una serie de estudios de Van Gogh realizadas en relación con una pintura más grande “Los comedores de la patata” (Vincent van Gogh Museum, Ámsterdam), completado, en mayo de 1885. En gran parte autodidacta Van Gogh, en estas primeras pinturas de campesinos holandeses. La pintura refleja un color oscuro y sombrío que refleja su estado de ánimo, además de las duras vidas de sus modelos. Los pintó mientras vivía con sus padres en Nuenen, Holanda del Sur.

El siguiente cuadro “En el Amstel”, obra de Jacob Maris (1837-1894), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1885. Tiene unas medidas de 94.00 x 125.40 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Maris realizó su primera visita a Ámsterdam poco después de su regreso a Holanda desde París. Él parece estar fascinado por los puntos de vista de los edificios a lo largo del río, y cómo se reflejan en el agua. Durante este período, Ámsterdam fue objeto de importantes transformaciones: viejos canales fueron rellenados para trazar calles, los puentes se redujeron para dar cabida a los nuevos tranvías, y la vista de la ciudad desde el río estaba siendo destruida por la construcción de la nueva estación central de trenes (1882-1889), que redujo la ciudad fuera de las aguas abiertas. Maris era conocido por su enfoque casual casi de precisión topográfica, sin embargo, parece haber ignorado deliberadamente la invasión de la vida moderna en la ciudad, y se concentró en cambio en una visión más tranquila y nostálgica de los edificios más antiguos.

El siguiente cuadro “ La Ola ”, obra de Gustave Courbet (1819-1877), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1869. Tiene unas medidas de 46.00 x 55.00 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Gustave Courbet durante su vida artística estuvo fascinado por el poder del mar. Pasó el verano de 1869 en la costa de Normandía, pintó varios cuadros de las olas rompiendo en la orilla. La pequeña escala de su tela no inhibió su capacidad de transmitir la vasta extensión del cielo de tormenta y el mar. Courbet aplicada en la pintura densamente usando cepillo y vigorosos golpes de la paleta-cuchillo que complementan la vigorosa oleada de la onda. El motivo de la onda solo se inspiró en impresiones del color japoneses, que eran ampliamente estudiados en París en la década de 1860.

El siguiente cuadro “Los árboles en la nieve”, obra de Gustave Courbet (1819-1877), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1865. Tiene unas medidas de 72.30 x 91.50 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Courbet primero comenzó a pintar escenas de nieve en el invierno de 1856 a 1857, pero fue sólo en la década de 1860 que desarrolló un fuerte interés por este tema. Estaba, sin duda inspirado por el paisaje de su natal Condado Franco, que sufrió particularmente fuertes caídas de nieve en el invierno de 1866-1867. El motivo del primer plano de dos árboles de haya se repite en una serie de pinturas de Courbet a partir desde 1858 hasta 1866. Es muy probable que esta imagen muestre un paisaje imaginario, en lugar de representar un paisaje real, en el que se reutilizaron elementos del paisaje favorito como las hayas. Las escenas de nieve de Courbet fueron una fuente de inspiración para los impresionistas, especialmente Sisley, Monet y Pissarro.

El siguiente cuadro “Jardín en la cocina del Hermitage, Pontoise”, obra de Camille Pissarro (1830-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1874. Tiene unas medidas de 72.70 x 84.20 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro está dominado por la luz del sol de otoño que impregna el lugar donde trabajan los cultivos en las huertas. El tema de Pissarro contemporáneo, es el uso de colores brillantes, evita los tonos oscuros y la pincelada sin embargo es fluida, rompe con todas las características de la pintura impresionista. La imagen está fechada en 1874, el año de la primera exposición impresionista. Pissarro y familia regresaron a Pontoise, al noroeste de París, en 1872.

La siguiente escultura “Gran Arabesco”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en bronce, esta datado en 1882. Tiene unas medidas de 40.30 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Degas observa con frecuencia los bailarines de la Ópera de París, y estaba fascinado por su gracia y disciplina. En esta escultura, Degas trabaja sobre la figura de una bailarina practicando el “penchée arabesque”, una posición que requiere un gran control. La bailarina debe mantenerse constante en un pie mientras levanta la otra pierna tan alta y tan recta como sea posible. Degas hizo el modelo de cera original entre 1882 y 1895. Tras la muerte de Degas, Adrien Hébrard-Aurélien hizo de bronce la figura, y se designa a cada uno una letra del alfabeto entre A y T. Este molde se inscribe con la letra “G” y el número 17. Este número se refiere a la tirada; todos los moldes hechos de HEBRARD sobre los modelos de las bailarinas de Degas se numeran del 1 al 37.

El siguiente cuadro “Montones de heno”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1891. Tiene unas medidas de 65,00 x 92,00 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Los colores complementarios aplicados en este lienzo son naranja y azul que enriquecen las formas sólidas y las sombras de los montones de heno en la nieve. Se detuvieron en un campo justo al oeste de la casa de Monet en Giverny, donde estableció sus famosos jardines con los lirios de agua. Monet convenció al agricultor de la zona para dejar las pilas para el otoño y el invierno relativamente suave de 1890 para que pudiera pintar una serie de cuadros. Él combinó el trabajo fuera de las puertas de su casa con algunos de estudio y produjo al menos treinta pinturas de los montones de heno en diferentes luces. Su lírica, casi abstracta, la calidad influyó en muchos artistas posteriores.

El siguiente cuadro “La señora Agnew de Lochnaw”, obra de John Singer Sargent (1856-1925), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1892-1893. Tiene unas medidas de 127 x 101 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro representa el cuerpo de la Señora Agnew tiene una mirada directa y una pose informal, enfatizado por la tela que fluye y la faja de su vestido lila garantiza un impacto notable del retrato. Andrew Noel Agnew, un abogado que había heredado el título de barón y las fincas de Lochnaw en Galloway, encargó esta pintura de su joven esposa, Gertrudis Vernon (1864-1932), en 1892.

El siguiente cuadro “Álamos en el río Epte”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1891. Tiene unas medidas de 81.80 x 81.30 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Los álamos elegantes en las orillas del río Epte, visto contra un cielo azul de un verano irregular, se fusionan con su imagen reflejada en una red de pinceladas de colores brillantes. Esta es una obra de la célebre serie de Monet de pinturas hechas de álamo entre la primavera y el otoño de 1891, el año después de que se había instalado en Giverny. Usó un barco como estudio flotante y capturó maravillosamente los efectos brillantes de la luz del sol sobre el agua. Los árboles estaban listos para ser vendidos para la madera, pero Monet, en asociación con un comerciante de madera, los árboles comprados en una subasta para que pudiera continuar pintándoles.

La siguiente pintura “Mujer secándose”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1890. Tiene unas medidas de 64.40 x 62.30 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Durante los años 1880 y 1890, Degas hizo una serie de desnudos femeninos solitarios visto desde atrás. Muchos de estos grandes pasteles estaban densamente trabajados utilizando fuertes fondos de color contra el que se recortaba la figura. Los colores pastel habían sido tradicionalmente un medio de menor importancia, pero los experimentos audaces de Degas ampliado en gran medida su potencial. Aquí, los trazos de tiza agitados dan la impresión de que Degas estaba trabajando a gran velocidad, lo que hace que la superficie de la composición parece parpadear. A pesar de la aparente informalidad del sujeto, el modelo se habría planteado a propósito. Se la puede haber sacado de la vida en el estudio, o han trabajado mediante una fotografía, ya que esta postura se repite en otras obras.

La siguiente escultura “Una madre con niño”, obra de Auguste Rodin (1840-1917), realizado en mármol, esta datado en 1906. Tiene unas medidas de 60,96 x 48,26 x 30,48 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

En 1885, cuando Rodin hizo esta escultura, que estaba demostrando un renovado interés en el tema de la maternidad. Rodin tenía poco contacto con su primer hijo (nacido en 1866) de su amante Rose Beuret. Cuando llegó a hacer esta escultura, ya estaba en pleno proceso de una nueva historia de amor con el joven artista Camille Claudel. Se ha sugerido plausiblemente que ella dio a luz a dos niños de Rodin, lo que puede explicar su interés por la madre y el niño que sujeta en este momento. El pintor a menudo produce una serie de variaciones sobre un tema en particular.

La siguiente pintura “Visión de un sermón”, obra de Paul Gauguin (1848-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1888. Tiene unas medidas de 52.20 x 91.00 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro fue realizado en 1888 en Pont-Aven, Bretaña, es una de las más famosas obras de Gauguin. Las mujeres bretonas, están vestidas con el traje regional, están escuchando un sermón basado en un pasaje de la Biblia. Génesis (32: 22-32) relata la historia de Jacob, que, después de vadear el río Jaboc con su familia, pasó toda la noche luchando con un ángel misterioso. En una carta que el artista escribió a Van Gogh, dijo: Para mí el paisaje y la lucha sólo existen en la imaginación de las personas que rezan después del sermón.

La siguiente pintura “Retrato de Diego Martelli”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1879. Tiene unas medidas de 110.40 x 99.80 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro de Degas representa a su amigo Diego Martelli. El punto de vista convencional parece enfatizar el voluminoso tamaño de Martelli, especialmente en lo que se equilibra precariamente en un taburete de madera. Los objetos de la mesa, probablemente, pertenecían a la crítica del arte florentino que era partidario de un grupo de artistas italianos conocidos como los Macchiaioli, algunos de los cuales fueron influenciados por el impresionismo. Degas incluye a menudo los objetos en sus retratos que expresan algo sobre la vida de la modelo. La parte inferior de un mapa circular multicolor de París es visible en la pared del fondo. Un ligero bosquejo del lápiz de Martelli está en la colección de la Galería Nacional de Escocia

La siguiente escultura “La bañera”, obra de Edgar Degas (1834-1917), realizado en bronce, esta datado en 1889. Tiene unas medidas de 22,20 x 45,70 x 42,00 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Esta pequeña escultura de bronce muestra a una muchacha joven que se lava suavemente a sí misma en un cuenco poco profundo. Degas empezó modelando la figura en cera de color rojo oscuro y yeso. Después de la muerte de Degas, este molde fue descubierto en su estudio y fundido en bronce. La Galería Nacional de la versión de Escocia es uno de los veintidós moldes que se hicieron.

La siguiente pintura “Tres tahitianos”, obra de Paul Gauguin (1848-1903), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1899. Tiene unas medidas de 73 x 94 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro representa las figuras de tres cuartos que destacan contra un fondo vivo de gran colorido. Dos mujeres que flanquean un hombre joven, visto desde atrás. Pueden ser ofreciéndole una elección, posiblemente entre el vicio, simbolizada por la manzana, y la virtud, simbolizado por las flores. Esta sugerencia se vincula con el carácter alegórico de muchas de las pinturas tahitianas de Gauguin en el que las ideas de diferentes culturas se fusionan. Gauguin utiliza las mismas dos mujeres jóvenes como modelos en otras pinturas realizadas en la misma época, durante su segundo periodo en Tahití 1895-1901.

La siguiente pintura “Luzerne, Saint Denis”, obra de Georges Seurat (1859-1891), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1884-1885. Tiene unas medidas de 65.30 x 81.30 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro tiene una forma de trabajar especial de Seurat con el uso de pinceladas cortas, sin mezclar, fuertemente coloreados ha creado una obra viva y vibrante. Los edificios y casas rurales distantes se ven a través de un campo de alfalfa (Luzerne), marcada en todo momento por las flores rojas de la amapola. Esto es parte de la amplia llanura, que en el siglo XIX, todavía separaba París de Saint-Denis (ahora un barrio al norte de la capital). Es un ejemplo fascinante de la técnica de la pintura de Seurat había desarrollado, llamado “divisionismo” o “puntillismo”.

El siguiente cuadro “Prado en Giverny”, obra de Claude Monet (1840-1926), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1885. Tiene unas medidas de 76.20 x 91.44 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Monet, que rompió con las técnicas pictóricas establecidas, supo captar los efímeros efectos de las horas del día, la atmósfera y las estaciones sobre el color y la luz. Su arte, al igual que un prisma, descomponía el color en elementos individuales y nunca utilizaba el negro o los tonos grisáceos. Pintaba con frecuencia los mismos lugares para representar los cambios de luz y las condiciones atmosféricas.

El siguiente cuadro “Grandes árboles”, obra de Paul Cézanne (1839-1906), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1902. Tiene unas medidas de 81 x 65 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Estamos ante una obra tardía de Cézanne, esta composición presenta un primer plano de árboles, ricos en color y con una estructura casi geométricas. El árbol delgado en posición central llama la atención en la pintura entre los troncos oscuros y entrelazadas ramas de arriba. Cézanne establece los intervalos espaciales entre los árboles, mientras que su integración en una red colorida por pinceladas, que hace hincapié en la superficie plana de la pintura. Áreas de lona blanca pueden haber sido dejado deliberadamente sin pintar para contribuir al personaje lleno de luz, y la propia lírica de la imagen.

El siguiente cuadro “Tres olivos”, obra de Vincent van Gogh (1853-1890), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1889. Tiene unas medidas de 51,00 x 65.20 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

La pincelada retorciéndose de los colores estridentes contribuye al fuerte impacto de la pintura. Van Gogh estaba fascinado por las estructuras retorcidas y cambiantes de los colores de olivos. También era plenamente consciente de su asociación con la historia de la pasión de Cristo y el episodio de Cristo en el huerto de Getsemaní en el Monte de los Olivos. Este cuadro es uno de al menos catorce lienzos de olivos de Van Gogh pintado mientras estaba en el asilo de Saint-Remy, y su carácter intenso bien puede reflejar estado agitado de la mente del artista.

Pasamos a las salas de la parte baja del museo Sala B1-B7, se trata de una exposición dedicada completamente al arte de la pintura escocesa que abarca el periodo desde el siglo XVII al siglo XX.

El siguiente cuadro “Retrato de Helen Sowerby”, obra de Sir James Guthrie (1859-1930), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1882. Tiene unas medidas de 161,00 x 61,20 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro es un retrato de cuerpo entero que refleja la fascinación contemporánea con grabados japoneses. Margaret Helen Sowerby era la hija mayor de JG Sowerby, presidente de Ellison fábrica de vidrio de Sowerby en Tyneside, el mayor productor del mundo de artículos de vidrio prensado. Parece que Guthrie fue introducido en Sowerby por su amigo y compañero “Glasgow Boy” Joseph Crawhal.

El siguiente cuadro “Retrato de una mujer mayor”, obra de John Alexander (1686-1765), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1736. Tiene unas medidas de 161,00 x 61,20 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

La fecha de 1736 está inscrita en el reverso de la tela este retrato coincide con la fecha en que Alexander llegó a Escocia tras su regreso a Gran Bretaña desde que se marchó a Italia en 1720. Su mecenazgo aristocrático permaneció concentrado en el noreste de Escocia, que le obligaba a operar desde su estudio en Edimburgo como retratista itinerante a lo largo de la década de 1720 y la década de 1730. En 1933. Se ha identificado provisionalmente el personaje retratado como Helen Taylor, también conocida como Lady Braco, es apoyado por la comparación con un retrato que se hizo ella en la vejez y fue pintado por William Mosman en 1738.

El siguiente cuadro “Retrato de Anna Harker”, obra de David Allan (1744-1796), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1779. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

David Allan fue un pintor escocés, conocido sobre todo por temas históricos. Nacido en Alloa, cuando dejó la academia de pintura de Foulis en Glasgow (1762), después de siete años de estudio exitoso, obtuvo el mecenazgo de Lord Cathcart y de Erskine de Mar, en cuya finca había nacido. Erskine le posibilitó viajar a Roma (1764), donde permaneció varios años ocupado principalmente en copiar a los antiguos maestros.

El siguiente cuadro es uno de los más famosos del museo “Reverendo Dr. Robert Walker patinando sobre Duddingston Loch”, obra de Sir Henry Raeburn (1756-1823), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1795; tiene unas medidas de 76.20 x 63.50 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Este patinador tan sereno se piensa que es el reverendo Robert Walker, ministro de la Iglesia de Canongate y miembro de la Sociedad de patinaje de Edimburgo. El club es el más antiguo de su tipo en Gran Bretaña, por lo general se reunió en los lagos congelados de Duddingston o Lochend en las afueras de Edimburgo. La pose de Walker, mientras se desliza a través del hielo, se ve sin esfuerzo, pero habría sido reconocido por sus compañeros patinadores como una maniobra difícil y sofisticada. Esta pequeña imagen, que muestra una figura en acción, es muy diferente a otros retratos conocidos por Raeburn.

El siguiente cuadro “Lutero en Erfurt”, obra de Sir Joseph Noel Paton (1821-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1861; tiene unas medidas de 121.5 x 99.20 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Esta composición elaborada fue influenciada por Holman Hunt en el cuadro “El despertar de la conciencia” (Tate, Londres). Representa Lutero después de pasar por una crisis y por el cuestionamiento de la propia fe . La agonía de Cristo en el jardín, se representa en el atril, se hace eco de las propias incertidumbres de Lutero, mientras que al fondo sobre la pared se puede ver un tondo con la figura del Papa, colgado con el fin de ocultar un mural de Cristo crucificado, alude a las prácticas corruptas de la Iglesia contra la cual el reformador se rebela.

El siguiente cuadro “La disputa de Oberón y Titania”, obra de Sir Joseph Noel Paton (1821-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1850; tiene unas medidas de 99 x 152 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

La pintura es una interpretación imaginativa de un incidente en la obra de Shakespeare “El sueño de una noche de verano. Donde Oberon y Titania, rey y la reina de las hadas, pelea por la posesión de un niño cambiado (un niño humano, llevado al reino de las hadas y que sustituye por un niño de hadas). Las principales figuras están rodeados por una multitud de criaturas más pequeñas hadas, algunos de forma grotesca, otros más bellas , cuyo carácter sobrenatural excusado su apariencia y comportamiento sensual.

El siguiente cuadro “Reconciliación de Oberón y Titania”, obra de Sir Joseph Noel Paton (1821-1901), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1847; tiene unas medidas de 76 x 122.60 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

El cuadro representa como Oberon y Titania están reunidos y punto de resolver la confusión inducida por el arte de la magia entre los dos amantes humanos mostrados para dormir separados.

El siguiente cuadro “Francesa da Rimini”, obra de William Dyce (1806-1864), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1837; tiene unas medidas de 142 x 176 cm. Se exhibe en la Sala XVII-XVIII del museo.

Su tema fue inspirado por los malogrados amantes descritos por Dante en su poema épico “El Infierno”. Donde Francesca, está casada con un anciano marido y deforme Gianciotto, la llegada de su hermano más joven Paolo y se enamoraron. Gianciotto sorprendió a los amantes y los asesinó. Él se incluyó originalmente en la composición de Dyce.

Este blog sigue en una segunda parte que puedes abrir en el siguiente enlace:

Blog de viaje por Inglaterra y Escocia- Islas Hébridas parte 2ª

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A. López

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