BLOG DEL VIAJE POR ITALIA SEMANA SANTA PARTE 2

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La noche ha sido muy tranquila en el área antes de salir los responsables del recinto nos preguntan por cómo hemos pasado la noche.

Hacemos el recorrido inverso a la noche anterior, vamos andando hasta la estación de Bovisa para coger el tren de cercanías hasta la estación Centrale Fs donde cogemos el metro con destino a la estación del Duomo.

Nada más salir del metro tenemos la oportunidad nuevamente de asombrarnos de la figura con la inmensidad que constituye la catedral gótica . En estos momentos está custodiada por el ejército italiano que ha desplegado grandes controles de seguridad que ralentiza la entrada. Hacemos una cola para sacar los tickets. El horario de la taquilla es de 9,30 hasta las 18,00 horas. Puedo asegurar para sacar la entrada a este espacio es lo más farragoso del mundo porque son tantas las opciones que es difícil decidirse, La entrada a la catedral son 2 euros pero si quieres ver las terrazas de la catedral, lo puedes hacer en ascensor o por la escalera, con dos precios diferentes, en ascensor 13 euros y por la escalera 7 euros; el área arqueológica son 4 euros; la iglesia de San Gottardo en Corte con 2 euros. En total pagamos 53 euros.

La construcción de esta joya de la arquitectura gótica lombarda fue una obra ejecutada y financiada por suscripción popular mediante la aportación de dinero de forma individual, también se podían aportar materiales de construcción o con su propio trabajo. Todas estas contribuciones según sus estamentos sociales servían para tener un reconocimiento eterno en una obra que se mantendría en el tiempo sin fecha de caducidad. Cada persona contribuía con lo que podía, fuera poco o mucho, a la construcción. Notarios, vendedores de especias, pescadores, orfebres, panaderos, molineros o carniceros prestaban gratuitamente sus brazos para excavar los cimientos. Los ingenieros y trabajadores de la obra entregaban a veces su salario o renunciaban a él a cambio de una indulgencia por sus pecados. Las prostitutas, cuando terminaban de hacer la calle por la noche, depositaban una parte de sus ganancias en el altar. Se celebraban espectaculares procesiones, llamadas “triunfos”, se organizaban anualmente desde las seis puertas de Milán para llevar hasta el Duomo la propia ofrenda; cada una de las puertas rivalizaba por ser la más fastuosa y se escenificaban dramas sacros o mitológicos sobre carros aprestados por todo el pueblo. Cuando llegaban a la plaza de la Iglesia los cortejos eran recibidos por una gentío capitaneado por duques, damas y caballeros y cada uno recibía un jarrón de vino.

La catedral de Duomo de Milán tiene un estilo gótico aunque fue ejecutado hasta el siglo XVII pero siempre manteniendo una uniformidad en estilo único que parece haber sido ejecutado en el mismo periodo de tiempo.

La estructura de soporte se compone de torres y muros perimetrales reforzados con contrafuertes en las mismas torres de alta tensión. Esta es una característica que diferencia a la catedral de Milán de catedrales transalpinas, limitando, en comparación con el gótico tradicional, la apertura de ventanas (largas y estrechas) y dando el todo (con la excepción del ábside) una forma predominantemente “cerrada”, donde la pared es, sobre todo, un elemento de fuerte demarcación, también hace hincapié en la parte superior del zócalo de la tradición lombarda. Lo que parece faltar el impulso del alzado libre. Esto es evidente también cuando se considera que las torres y pináculos no tienen ninguna función de soporte, de hecho, se añadieron de forma esporádica durante los siglos, hasta la finalización de la coronación en el siglo XIX.

Nos adentramos en el interior de la Catedral del Duomo de Milán, tiene una planta con forma de cruz latina, con Piedicroce –corresponde con el área entre la fachada y el presbiterio– en cinco naves y el transepto de tres, con un profundo presbiterio rodeado por un deambulatorio con ábside poligonal.

Las naves tienen cincuenta pilares agrupados que dividen los pasillos abovedados y sirven de apoyo de costillas simulando una tracería gótica. Esta decoración fue iniciada por el ábside (mediados del siglo XV), continuó en la linterna (1501).

Los nichos son muy originales porque contienen estatuas monumentales capiteles y agujas que decoran los pilares a lo largo de la nave, crucero y el ábside. Algunos capiteles son de doble registro, con estatuas de santos en nichos coronados por estatuas de profetas en las cúspides. Los otros pilares están decorados con motivos vegetales.

Empezamos la visita a la catedral por la nave de la derecha donde se encuentra los siguientes monumentos:

En el primer tramo se halla la tumba Ariberto dedicada al sarcófago del arzobispo está coronada por una copia del famoso crucifijo en una lámina de cobre dorado (el original está en el Museo del Duomo), donado originalmente por Aribert en el monasterio de Saint-Denis (ahora destruido).

Una reproducción de la “Aribert” Cruz es también el símbolo de la victoria en el Palio di Legnano, el cual se asigna una carrera de caballos que tiene lugar cada año el último domingo de mayo en la citada ciudad de Lombardía. El jinete ganador expondrá esta cruz durante todo un año en la iglesia a la que se refiere, hasta la próxima edición del Palio.

Un poco más adelante de la nave podemos ver el sarcófago de Ottone y Giovanni Visconti es una tumba hecha por un anónimo maestro Campionese para albergar los restos de Ottone Visconti y Giovanni Visconti, arzobispo de Milán.

El monumento es uno de los más antiguos ejemplos de la escultura gótica de Milán ejecutado a finales del siglo XIII. El mausoleo está hecho de mármol rojo de Verona con la estructura que hace referencia a las tumbas romanas de pórfido, el sarcófago está apoyado por dos columnas que fueron agregadas a finales del siglo XIV, presenta la figura del arzobispo tumbado en la parte delantera, en los lados esta flanqueadas por dos estatuas de los evangelistas y diáconos.

Seguimos por la nave y encontramos el sarcófago de Marco Carelli fue un comerciante y banquero que dejo toda su herencia para la construcción de Duomo, se calcula que eran unos 35.000 florines, en compensación después de su muerte en Venecia se traslado su cuerpo hasta una iglesia en Milán y se puso en la catedral el sarcófago.

Un poco más adelante podemos ver el Altar dedicado a Santa Ágata, donde en el 2014 se coloca el relicario del papa Pablo VI, ya tenia en la mesa del monumento el cuerpo del arzobispo San Martiniano, cerca de las de los arzobispos benditos Andrea Carlo Ferrari y Alfredo Ildefonso Schuster.

Siguiendo por la nave podemos ver el alar del Sagrado Corazón, sustituye al antiguo dedicado a San Juan Evangelista, ofrecido en 1447 por el Colegio de Notarios, que también financió la vidriera dedicada al mismo santo.

El retablo actual es de mármol con un Sagrado Corazón, acompañado de San Ambrosio y San Carlos. Las estatuas del frontón son barrocas y son obra de escultores Andrea, Michele Rinaldi Prestinari y Pietro Antonio Daverio.

Continuamos por la nave hasta llegar al Altar de la presentación de la Virgen es un retablo de mármol de Agostino Busti llamado Bambaja, trabajo que fue encargado el 25 de octubre 1543. El altar tiene la forma de un templo clásico, realizado en su totalidad en mármol blanco de Candoglia. La escena está concebida como si fuera el interior del templo cuyas columnas y frontón del altar son el exterior. María Niña se representa en la parte inferior central, en el acto de subir la escalera en la parte superior de los cuales el cura está rodeado de los fieles y listo para darle la bienvenida con los brazos abiertos. En los lados de la escalera están situados a la izquierda, los padres, Ana y Joaquín y, a la derecha, un grupo de fieles que se cargan con las ofrendas .

En la ampliación de la nave podemos contemplar el Monumento a Giangiacomo Medici llamado "el Medeghino". El trabajo ofrece una interpretación original de la enseñanza de Michelangelo. El centro del altar de mármol y en la cima del entablamento que iba a ponerse el sarcófago, jamás se ha hizo (en relación con las normas sobre enterramientos en las iglesias dictadas por el Concilio de Trento) porque ya estaba prohibido el enterramiento en las catedrales .

Atravesando el ala derecha del transepto se llega al altar de San Giovanni Bono está situado cerca de las puertas laterales sur, fue construido en 1689 dentro de una arquitectura barroca con unos elementos clásicos.

En el centro, está la estatua del santo que según la tradición fue traída desde Génova a Milán después de la invasión de los lombardos. A los lados se colocaron las estatuas de San Miguel y el ángel de la guarda.

En pilastras que rodean la capilla narra la vida del santo en seis paneles de mármol de Carrara. Entre los seis relieves que se destacan las representaciones de las virtudes cardinales. También se decoro con otras esculturas de mármol en diferentes tramos con: ángeles, santos, obispos en el cielo y la bendición de Cristo.

En el centro del presbiterio se levanta el altar mayor de la catedral con el tabernáculo con forma de torre cilíndrica, fue un regalo de 1591 del Papa Pío IV Medici a su sobrino Carlo Borromeo. El templo tiene una forma circular clásica, sostenido por ocho columnas corintias, cuya cúpula está decorada con estatuas de ángeles y coronado por el Salvador.

Detrás del altar mayor podemos ver el Coro con un conjunto de sillerías de madera que delimita la zona se remonta al siglo XVI y fue construido por St. Charles. Se compone de una doble hilera de sillerías talladas, para los canónigos , la inferior para el clero. Estas fueron talladas por Santiago y Juan Giampaolo, Paul de Gazzi y Virgilio de Conti siguiendo los diseños proporcionados por Pellegrini, en 1567-1614. Los relieves de las decoraciones narran 71 episodios de la vida de San Ambrosio.

Si seguimos por la derecha y antes de entrar en la girola vemos una de las imágenes más sorprendentes de toda la catedral se trata la estatua que representa a San Bartolomé apóstol, es una obra de Marco d'Agrate, un alumno de Leonardo y se inspiro en estudios anatómico de su maestro, que lo representa según su martirio, murió desollado con la Biblia en la mano; la obra se caracteriza por pequeña precisión anatómica con el que está hecho el cuerpo humano sin piel, que está tallada cubierta alrededor del cuerpo, con la piel colgando de la cabeza de la espalda del mártir.

En la base de la escultura se puede leer una inscripción en latín que dice: Non me Praxiteles, sed Marc' finxit Agrat, algo así como “no me hizo Praxíteles, sino Marco d'Agrate”, hizo una comparación con la obra de uno de los artistas más destacado en la escultura griega de la antigüedad.

Desde aquí bajamos a la cripta donde se encuentra el cuerpo de San Carlos Borromeo después de la beatificación en 1602 se colocó en una urna de cristal y plata regalo de Felipe IV de España. El corazón fue extraído de su cuerpo, se venera en la Iglesia de San Carlos y San Ambrosio de Roma.

El arca que contiene el cuerpo está grabada con fecha de 1638, unos años antes, 14 de junio de 1630 el cuerpo de San Carlos fue llevado en procesión por las calles de la ciudad para detener la plaga de la peste, a continuación, fue expuesto en el altar mayor de la catedral durante ocho días. Las reliquias de San Carlos se expusieron en la mesa del altar de la catedral, sin embargo, en 1751, con motivo del año jubilar, y en 1704 para alejar el peligro de una invasión por el ejército francés En el siglo pasado se hizo una máscara de plata para cubrir el cráneo. En la historia reciente del ataúd salió de la cripta para ser colocado bajo el altar mayor entre los años 1982-83, durante las obras de la restauración de la Catedral .

En el extremo norte del transepto se encuentra la capilla de la Madonna dell'Albero fue diseñada por el escultor Rinaldi (1571), luego se recuperó y fue modificada por Richino y completada por Mangone. Muestra una serie de relieves con escenas que describen la vida de la Virgen , estos se intercalan con cuatro bustos de los profetas: David, Salomón, Isaías y Jeremías (mediados del siglo XVI).

El altar está presidido por la escultura de María con el Niño, el último trabajo de Elia Buzzi del siglo XVIII, y coronado con las estatuas San Carlos y San Doménico con los padres de María.

Más adelante podemos ver el altar de Santa María de Siena es el único altar gótico de la catedral, formado por numerosas figurillas relacionadas con el arte de Giovannino de Grassi y Salomone de Grassi, mientras que la imagen de la santa, en el compartimiento central, en madera policromada es una obra barroca. El dorado restante sobre arquitecturas y estatuas de mármol son típicas de escuela lombarda de principios del siglo XV, de acuerdo a una moda importada de Francia.

El siguiente altar de la nave izquierda está dedicado a San Ambrosio es de plata con el dorado en algunos detalles, y se enfrenta al ábside, y está reservado exclusivamente para los sacerdotes y para los que se les permitió ver la tumba del santo patrón.

En el centro hay dos puertas que cierran la ventana de la capilla, cada una decorada con cuatro medallones: los dos primeros tienen un arcángel cada uno (Miguel y Gabriel de izquierda a derecha); los dos de abajo representan escenas de homenaje en la vida de Ambrosio.

Por una estrecha escalera accedemos al área arqueológica situada en la fachada interior, donde a unos cuatro metros por debajo del nivel actual de la plaza están los restos del Baptisterio de San Juan Alle Fonti, construido en año 378 y terminado en el 397, en la que San Ambrosio bautizó a San Agustín, la noche de la Pascua del año 387. Tenía una planta octogonal con un diámetro de 19,3 metros, con nichos que se abrían en las paredes alternativamente semicirculares y rectangulares. En el centro se encuentra hoy la fuente octogonal, la más antigua documentada, aunque no se conserva gran parte de las decoraciones originales de mármol.

Salimos al exterior y rodeamos toda la catedral y a la altura del ábside norte encontramos el acceso al ascensor que nos conduce hasta las terrazas de la Catedral es una de los escenarios más sugerentes de toda la visita a la ciudad de Milán, desde donde se puede disfrutar de una vista extraordinaria de las agujas, arbotantes (donde se ocultan los vertidos de aguas pluviales), pináculos y estatuas y de toda la ciudad.

Las estatuas fueron instaladas en la primera mitad del siglo XV que recuerdan las formas de los borgoñones. La parte final fue hecha más recientemente, mientras que las estatuas de la parte superior, lo que representa Gian Galeazzo Visconti es una copia del original Giorgio Solari, que se conserva en el museo de la catedral. Entre todos los demás, seis torres se levantaron en los siglos XV y XVI y una docena son del siglo XVII y XVIII.

El punto más alto de la catedral se levanta la Madonnina fue inaugurada el 30 de diciembre de 1774. La estatua fue diseñada por el escultor Giuseppe Perego y se fundió por el orfebre Giuseppe Bini, tiene una altura de 4,16 metros. El interior de la estatua conserva un esqueleto de metal, que se fue degradando hasta que en los años sesenta del siglo XX, fue llevada al museo y se sustituye por un esqueleto de acero.

Una vez situados sobre las terrazas de la iglesia, es visitable, con 8000 metros cuadrados es la más grande del mundo después de la de Roma donde podemos observar el mayor conjunto de esculturas del mundo con 3400 estatuas nos ofrece un panorámica que se acerca y completa por un viaje por la piedra de los últimos seis siglos. Podemos descubrir una gran variedad de representaciones con: santos, caras, animales, símbolos, monstruos, gárgolas y rarezas que va desde los finales de estatuas góticas del renacimiento, desde el siglo XVI a las figuras barrocas, hasta terminar con las neoclásicas .

Una vez que descendemos a la altura del suelo de la catedral cruzamos por la plaza del hasta llegar al edificio del antiguo Palacio Real, donde se sitúa en la actualidad la sede del Museo del Duomo de Milán. Se fundo para exponer las obras y que deben protegerse, cuyo importe se incrementó en gran medida después de los daños causados por los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. La degradación de numerosas obras de arte, causadas por la contaminación del aire, y la disponibilidad de otros materiales de los almacenes de la fábrica o en la sacristía de la catedral, pronto hicieron necesario un mayor espacio de exposición.

Somos conscientes que el Museo de la Catedral del Milán no tiene nada que ver con el Museo de la Catedral de Florencia, que tuvimos oportunidad de ver en el anterior viaje, porque no podremos encontrar obras de arte pertenecientes a los grandes maestros de la escultura y la pintura, sabemos que no encontraremos obras de los escultores como: Donatello, Ghiberti. Miguel Ángel, Luca della Robbia, o Andrea Pisano, Tampoco encontraremos obras de la pintura de los maestros: Bernardo Daddi, Giovanni del Biondo, Jacopo di Cione o de Stefano Rosselli, como tampoco podremos ver al maestro de la arquitectura Filippo Brunelleschi.

La primera de las salas esta dedicada al Tesoro de la catedral de Milán se compone de obras en marfil, de oro y la pintura en el periodo que abarca desde el siglo V hasta el XIX.

En la primera sala, se pueden admirar los evangelios (cubiertas de un libro de los Evangelios), incluyendo el Cruz de Ariberto de fama mundial, obra maestra de la Edad Media orfebre del siglo XI. En la segunda habitación, además de los magníficos cálices y custodias, se muestra la tabla del gran maestro gótico Michelino da Besozzo, "Madonna de la Idea" (1418) y una de las plumas de colibrí de una mitra del siglo XVI. En la parte inferior de la segunda habitación, un busto-relicario de principios del siglo XVI que representa San Carlo Borromeo.

La primera de la obras del museo es una de las obras maestras de la orfebrería “Cruz de Ariberto”, obra de un orfebre anónimo, esta datada entre 1037 y 1039, realizada en madera recubierta de una lamina de cobre dorado; tiene unas medidas de 220 x 168 cm.

Su presencia en el altar de la iglesia de San Dionisio representa una innovación, conectado por un lado con el desarrollo de la devoción a la humanidad de Cristo en su pasión y muerte, y el otro a la reciente detención y la humillación del poderoso arzobispo de Milán. La representación de Cristo en la cruz se convertirá en un elemento indispensable de la liturgia en los siglos siguientes. Bajo la figura de Cristo esta la de Ariberto. Hay una copia de este original en el interior de la catedral de Milán.

La siguiente obra es una tapa del Evangelio “Díptico de las Cinco partes”, obra de un maestro anónimo de Ravena, corresponde con el arte bizantinos, esta datado en el siglo V, realizado en marfil y madera siguiendo las técnicas miniaturistas.

Esta cubierta forma parte desde tiempo inmemorial en el tesoro de la catedral, tal vez servia para adornar un libro litúrgico. Cada placa se divide en cinco partes, razón por la que determina el nombre. La primera situada a la derecha presenta, alrededor cordero místico, muestra los frutos de las cuatro estaciones para simbolizar la fertilidad del paso del tiempo bajo la atenta mirada del Cordero, escenas de la humanidad de Jesús, sobre todo la vida de María y el niño Jesús. En la parte superior, dentro de las coronas de roble, el ángel (Mateo), y el buey (Lucas), a la que la parte inferior coinciden con los bustos de los dos evangelistas, los dos más grandes tratan de la infancia de Jesús.

El díptico de la izquierda, presenta ocho paneles con algunos episodios de los primeros años de la vida de Jesús, cuya lectura se inicia en la parte superior izquierda y continúa en la parte superior derecha. Los primeros episodios están en evangelios apócrifos: Natividad (capa superior), la Anunciación en la fuente, María al templo con el ángel, los magos guiados por la estrella, matanza de los inocentes, Jesús entre los doctores, el bautismo de Jesús, entrada en Jerusalén. La segunda capa está dedicada a la deidad de Jesús. En el centro de la placa, frente a una puerta entablamento clásico con las cortinas abiertas, se levanta una cruz enjoyada, nuevo árbol de la vida, construido en la montaña del paraíso desde el cual fluyen los cuatro ríos del Paraíso. En las esquinas superiores vemos la representación del león (Marcos) y el águila (Juan) y bajo sus bustos de los dos evangelistas. En la capa superior de la adoración de los magos e inferior Las bodas de Canaán En el lado izquierdo se colocan las siguientes escenas: curación del ciego en el templo, la curación del paralítico, la resurrección de Lázaro; y al otro lado: La parábola de la viuda.

La siguiente obra es una tapa del Evangelio “Historia de la vida de Jesús”, obra de un maestro anónimo, corresponde con el arte bizantinos, esta datado en el siglo X, realizado siguiendo las técnicas miniaturistas.

La siguiente obra es una tapa del evangelio “Paz de Ariberto”, obra realizada por un orfebre anónimo de Lombardía, esta realizada en plancha de cobre dorado y esmalte, fechada entre 1034 y 1036.

En el centro de la sala puede verse la obra el crucifijo, Lux Mundi (luz del mundo); en la parte superior de la cruz hay cuatro escenas en esmalte: Cristo de la mano del buen ladrón que conduce al cielo, como se había prometido; Cristo resucitado se aparece a María Magdalena; Descenso al Limbo (Anastasi), donde el arcángel Miguel esta matando al dragón (demonio); Ascensión con Cristo flanqueado por el Sol y la Luna en persona.

La primera de las obras pictóricas está pintada por ambas caras “Madonna en el trono con el niño” y “Presentación de Jesús en el templo”, obra de Leonardo Besozzo Michelino, realizada en temple sobre madera, está datada en el segundo cuarto del siglo XV.

La Virgen de la Idea es una tabla pintada en ambos lados. La obra se atribuye tradicionalmente a Michelino da Besozzo, pintor y miniaturista, entre los más importantes exponentes del gótico internacional. El pequeño panel es, por un lado la Virgen en el trono y por el otro la presentación de Jesús en el templo, o la purificación de la Virgen.

Una de las obras más destacadas de la orfebrería “Trono Eucarístico”, obra de Giovanni Battista Perego, está datado entre 1600-1630, realizado en plata y cristal de roca. Dos ángeles transportan una mesa, en el suelo están varios querubines dorados.

Pasamos a la Sala de la Maqueta donde se expone un modelo de cinco metros, ordenado por la Veneranda Fabbrica al artista y arquitecto Bernardino Zenale en 1519. El modelo de madera ha seguido la larga construcción del monumento hasta verse terminado 1891. Junto a ella están en exhibición ejemplos de los ochenta proyectos de la fachada a través de los siglos, que nos muestran la forma en que podría haber tenido la catedral entre el siglo XVI y XVII.

La siguiente sala cubre la historia de los primeros años de la catedral hasta el siglo XIV, en que se constituye como el edificio religioso más grande de Europa, y en particular la influencia francesa que tuvo siempre en sus inicios. La parte más interesante es la estatua de Jorge Solari en 1404 que representa a San Jorge

La primera de las esculturas de la sala “San Jorge” obra de Jorge Solari, realizada en mármol, esta datada en los primeros años del siglo XV.

La escultura en cuyo rostro se reconoce el retrato del Duque de Milán, Gian Galeazzo Visconti, a quien se debe la elección del estilo gótico internacional de la catedral. La estatua se encontraba en la parte superior de la primera torre de la catedral, la torre Carelli, que tiene el mayor donante del nombre de la historia Veneranda Fabbrica.

La siguiente sala nos muestra el período de Visconti, el Duomo está creciendo y es un sitio donde los trabajos de construcción necesita mucha mano de obra, con más de siete mil trabajadores. En la primera parte, se enfrentan entre sí con una serie de escultores secundarios a través de los Alpes de la escuela alemana (simbolizado por las esculturas de los Serafines y los Apóstoles) y, por otro, a la izquierda, escultores Lombardos, que hacen prevalecer su realismo y la referencia a la técnica griego-romana (San Babila y el rostro de Dios Padre por Jacopino da Tradate).

En la segunda parte, se puede ver once de las ciento cincuenta gárgolas de la catedral, con sus caras monstruosas que, según tradición, apuntan específicamente para expulsar a los malos espíritus de la ciudad.

En el tercer cuarto, hay muchas pequeñas estatuas de las capitales de los cincuenta y los pilones del Duomo. Los profetas y los santos son seguidos; de particular interés son las numerosas estatuas dedicadas a Santa Lucía, patrona de la Veneranda Fabbrica , la bella Apolonia y la curiosa Virgen de Coazzone (caracterizada por una larga trenza).

La escultura más importante de la sala “Cara del Padre Eterno”, obra de Jacopino da Tradate, realizado en cobre y oro, esta datada en 1425

La obra representa el busto del hombre con una larga barba bipartita, el pelo de la barba se unen a las del largo bigote, describe una perfecta definición los rizos en el cabello. La cara tiene una expresión subrayada por la mirada fija, se describe con especial atención a la anatomía describiendo las arrugas formadas en la frente, en los pliegues de las mejillas y a los lados de la pirámide nasal.

La siguiente sala del museo esta dedicada como referencia de inicio a la fecha de 1450, cuando Milán se convirtió un dominio de la familia Sforza quién controlará la ciudad hasta los años 20 del siglo XVI. En la primera sala se encuentran algunas de las estatuas más famosas del museo y de la catedral, incluyendo la de Santa Lucía, San Víctor, duque Galeazzo María Sforza y Santa Inés. En la segunda sala se puede contemplar algunas de las obras del gran maestro Giorgio Solari, incluyendo una magnífica Santa Elena. En la misma sala se expone el retablo de la Pasión , tapicería flamenca de mediados del siglo XV.

El siguiente es un tapiz “La pasión”, obra de un artista anónimo flamenco-borgoñes, esta datado a mediados del siglo XV, realizado en lana, oro, seda y plata.

El tapiz fue donado a la catedral el 16 de octubre de por Stefano Nardini Forli, arzobispo de Milán desde 1461 hasta 1484. A finales del siglo XVI, el tapiz fue adaptado al nuevo frontal para el altar: entonces se cortó en la parte superior e inferior y lateralmente se amplió.

La siguiente sala es la llamada de las Vidrieras, donde nos muestran cincuenta y cinco magníficas vidrieras de la catedral. A la derecha, hay algunos Antelli la primera vidriera dedicada a San Juan del XV, mientras que a bordo se encuentra el siglo XVI de la famosa Arcimboldo. Particularmente conocido es el "Tríptico de la Creación ", que representa la creación del firmamento, de los animales y los seres humanos.

Entre los vitrales más importantes “Torre de Babel”, obra de Arcimboldo Giuseppe, realizado en cristal en plomado, esta datado entre 1549-1555.

Arcimboldo Giuseppe trabajo mucho en Milán y estuvo muy comprometido con la Fabbrica del Duomo y luego trabajo para la catedral de Monza y de Como. Pero su acción fundamental se lleva a cabo en otros lugares, la corte de Maximiliano II y luego a la de Rodolfo II, entre Viena y Praga.

Entre los vitrales más importantes “Ciudad de Betulia”, obra de Arcimboldo Giuseppe, realizado en cristal en plomado, esta datado entre 1549-1555.

Arcimboldo Giuseppe madura su obra con sus invenciones extrañas, algunas tienen una fisonomía en los cuales dan cierta evidencia con la influencia de Leonardo, pero esencialmente es enraizada en la fórmula del capricho y una vaguedad intelectual, donde se adivina las formas de la transición del renacimiento al estilo barroco.

La siguiente sala esta la llamada de Borromeo donde se expone la obra de su juventud de Tintoretto, que representa “Jesús entre los doctores”, con su curioso autorretrato en el lado izquierdo de la pintura. A continuación, hay una importante exposición de estatuas del periodo de Borromeo.

Además se conservan los cinco famosos modelos monocromos se encuentran realizados para la elaboración de los bajorrelieves colocados encima de las cinco puertas de la Catedral, el artista favorito del cardenal Federico Borromeo era el pintor lombardo Giovan Battista Crespi conocido como il Cerano.

El siguiente lienzo “Jesús entre los doctores”, obra de Jacopo Robusti conocido como Tintoretto, está datado en la primera mitad del siglo XVI, realizado en óleo sobre tela.

Esta pintura fue descubierta en 1953 en la Sacristía de la Catedral y enseguida se la atribuyó a Tintoretto. El tema de la pintura es la disputa de Jesús en el templo, está sentado en la parte superior de una escalinata, junto con dos tribunas llenas de gente, que también se reúnen en la escalera. En la primera posición, a la izquierda se puede ver a una mujer de pie y un hombre de rodillas sobre un gran libro, a la derecha un hombre joven que soporta un gran volumen y un hombre con barba. Después, hay una importante exposición de estatuas del periodo de Borromeo.

Enfrente se encuentra la escultura de “San Agapito”, obra de Mark Antony Prestinari, esta datada en 1607, realizada en mármol.

San Agapito sufrió durante el prefecto Antíoco y a la vista que no moría atacado por los leones, le disponen la tortura más cruel, le ponen en el fuego atado al revés. Aquí es representado como un hombre joven y vigoroso con el pelo rizado, atado por los pies a un tronco de árbol.

La siguiente obra es el monocromo “Salomón y la reina de Saba", obra de Giovan Battista Crespi, esta datado entre 1628-1629, realizado en técnica de grisallas; tiene unas medidas de 185 x 108 cm.

Esta obra fue ejecutada como un boceto para la elaboración de bajorrelieve, ahora perdido, que se situara en la puerta Sur del Duomo. En la pintura aparece sentado a la derecha Salomón, ofrece su mano izquierda a la reina de Saba.

La siguiente escultura “Santa María Magdalena”, obra atribuida a Angelo Marini, realizada en mármol, estada datada entre 1560-1570; tiene unas medidas de 57 x 77 x 196 cm.

La obra nos representa a una figura femenina apoyada por detrás y en los pies de cuatro querubines. Tiene unidas las manos en sentido de oración, presenta una túnica larga con pliegues, tiene el pelo ondulado que cuelga sobre los hombros y el pecho.

La siguiente escultura “San Ambrosio bautiza a San Agustín”, obra atribuida a Marco Antonio Prestinari, realizada en mármol, estada datada entre 1610-1620; tiene unas medidas de 95 x 65 x 215 cm.

La escultura representa la figura de un hombre barbudo con una túnica, el brazo derecho se eleva y en la mano tiene un látigo. En su mano izquierda sostiene un crucifijo.

La siguiente pintura “Milagro de Clementina Crivelli Arese”, obra de Giovan Battista Crespi conocido como il Cerano, esta datada entre 1608-1610, realizada en temple sobre tela; tiene unas medidas de 230 x 240 cm.

La protagonista de la obra es una mujer que esta tumbada en la cama, que es asistida por un viejo sirviente y una niña que ofrece un recipiente de los usados en los partos. En el margen derecho de la escena cuatro mujeres observando la escena.

La siguiente escultura “Judith y Holofernes”, obra de Gaspare Vismare, esta datada en 1639, realizada en terracota.

La escultura en terracota es un estudio previo para la realización en mármol para un panel instalado sobre una puerta de la catedral de Milán. Se representa la historia bíblica con la decapitación del comandante asirio Holofernes por parte de la viuda judía Judith, que quería salvar a su pueblo de la dominación extranjera.

La siguiente pintura “Judith y Holofernes”, obra de Giovan Battista Crespi conocido como il Cerano, esta datada entre 1628-1629, realizada en temple sobre tela; tiene unas medidas de 185 x 109 cm.

Esta grisalla sirvió como referencia para la elaboración de la terracota para la confección de un relieve en mármol que decoran las puertas de la fachada. La figura femenina de Judith está en el centro de la escena intención semi-desnuda de rodillas cortando la cabeza de Holofernes con una espada empuñada con la mano derecha.

La siguiente pintura “Creación de Eva”, obra de Giovan Battista Crespi conocido como il Cerano, esta datada entre 1628-1629, realizada en temple sobre tela; tiene unas medidas de 257 x 206 cm.

Esta grisalla sirvió como referencia para la elaboración de la terracota para la confección del un relieve en mármol que decoran las puertas de la fachada.

El cuadro representa el nacimiento de Eva. En el centro de la escena desnuda está figura femenina de Eva, su brazo derecho se apoya en un varón con barba que figura de pie y lleva un traje largo, detrás de él dos caballos y un león. A la izquierda de la figura de Eva hay un personaje masculino reclinado durmiente y desnudo, junto a él varios animales, incluyendo un perro, un conejo, dos bueyes, cabras, y un águila.

La siguiente pintura “Esther y Asuero”, obra de Giovan Battista Crespi conocido como il Cerano, esta datada entre 1628-1629, realizada en temple sobre tela; tiene unas medidas de 185 x 109 cm.

La obra es una grisalla que sirvió como un modelo para la ejecución posterior en terracota para confección de relieve de mármol que decoran las puertas de la fachada. En la obra se representa a Asuero cuando es coronado, está sentado en el lado izquierdo de la pintura. Ésther frente a él esta sujetada por dos figuras femeninas.

La siguiente pintura “Jael Mata a Sísara”, obra de Giovan Battista Crespi conocido como il Cerano, esta datada entre 1628-1629, realizada en temple sobre tela; tiene unas medidas de 185 x 109 cm.

La historia de Sísara, el general cananeo ha sido derrotado por las tropas israelitas comandadas por Barac, y acude a esconderse, confiado, a la tienda de Yael, una nómada no israelita cuyo marido (al que parece no tener muy en cuenta) ha establecido alianza con los cananeos. Sísara, agotado, le pide agua y cobijo. Yael le da leche, lo acuesta, lo cubre… y le clava en las sienes una estaca de las que servían para sujetar la tienda. Se cumple así la profecía de Débora, la profetiza y el juez que había llevado a los israelitas a la batalla. El enemigo no muere por la espada de Barac sino a manos de una mujer.

El siguiente es un tapiz “Juego de puttis”, obra de Nicolás Karcher, esta datado entre 1530-1550, realizado en lana, oro, seda y plata; tiene unas medidas 173 x 140 cm.

El tapiz forma parte de la serie que fueron donados por Guillermo I Gonzaga a Carlo Borromeo, para el Duomo de Milán en 1569. En él se representa dentro de un ambiente vegetal a seis puttis con alas bailando entre guirnaldas hojas y frutos.

Más adelante podemos ver el tapiz “Deposición de Cristo”, obra de un artista lombardo, esta datado entre 1450-1480, realizado en lana y oro; tiene unas medidas 206 x 210 cm.

El tapiz estaba situado en el sur de la sacristía del duomo de Milán y se sacaba para la procesión del Sábado Santo. Tiene una fuerte influencia del pintor flamenco Roger van der Weyden.

Más adelante podemos ver el tapiz “Adoración de los magos”, obra de un artista lombardo, esta datado entre 1530-1540, realizado en lana y oro; tiene unas medidas 173 x 140 cm.

La representación de la cultura clásica se realiza, en este caso, frente de una columna de estilo clásico , en la línea detrás de la cual se abre un paisaje. Los dos magos se encuentran a la izquierda de pie mientras que el otro está a la derecha de la Virgen arrodillado ante el Niño Jesús.

El siguiente es un tapiz “Tablas Moisés”, obra de Nicolás Karcher, esta datado entre 1530-1550, realizado en lana, oro, seda y plata; tiene unas medidas 630 x 360 cm.

El tapiz tiene una fuerte inspiración de Rafael, Miguel Ángel y Giulio Romano nos dice acerca de la cultura figurativa del autor en la elaboración de los personajes. El artista trabajo para la casa de los Ferrara y de Cosimo I de Medici.

El siguiente es un tapiz “Cruzando el mar Rojo”, obra de Nicolás Karcher, esta datado entre 1530-1550, realizado en lana, oro, seda y plata; tiene unas medidas 630 x 360 cm.

El tapiz forma parte de la serie que fueron donados por Guillermo I Gonzaga a Carlo Borromeo, para el Duomo de Milán en 1569. Se representa la historia cruzando el Mar Rojo. La escena está dividida longitudinalmente por un árbol en el extremo izquierdo dos hombres a caballo, a la derecha se ve de cerca al mar y como se ahogan sus perseguidores.

El siguiente es un tapiz “Serpiente de Bronce”, obra de Nicolás Karcher, esta datado entre 1530-1550, realizado en lana, oro, seda y plata; tiene unas medidas 630 x 360 cm.

El tapiz era parte de un grupo de siete donado a Carlos Borromeo por el Duque de Mantua (6 con las historias de Moisés y uno con la danza Putti). Este los donó a la fábrica de la catedral, a cambio de un trabajo que había solicitado.

Tres tapices fueron destruidos durante la Expo 1906 en el incendio que destruyó varios pabellones (incluyendo el de la Fabbrica del Duomo), solamente se salvaron los cuatro tapices: el paso del Mar Rojo, la serpiente de bronce, Moisés con los Diez Mandamientos y la danza Putti.

Aquí damos por finalizada la visita al Museo del Duomo, aunque antes de salir tenemos pagada la visita a la iglesia de San Gotardo. El museo esta unido a la iglesia por un patio que comunica la capilla con el Palacio Real.

La capilla fue erigida por orden del Señor de Milán Azzone Visconti alrededor de 1336, junto a los palacios señoriales (ahora el palacio real) y casa del obispo. La iglesia fue ofrecida a la Virgen bajo la advocación de San Gotardo , tradicionalmente llamados a proteger contra las perturbaciones que afectaron Azzone Visconti, como los cálculos y la gota. Algunas damas de Milán fueron enterradas aquí: el arca, concebido por Giovanni Balducci, recuerda la rica decoración de la investidura de Azzone por el vicario imperial del emperador Luis de Baviera.

La estructura actual de la iglesia mantiene la antigua del siglo XIV, pero fue rehabilitada en el siglo XVIII y se sacrificó la fachada y el atrio frente a la iglesia mediante el establecimiento de la escalera principal desde el Palacio (1771-1775). A continuación, se abrió el acceso a la iglesia en el lado sur y el portal fue trasladado inicialmente al Castello Sforzesco. A principios del siglo XX, con la intervención de Luigi Perrone y Calzecchi Onesti, se retiró en el lado la intervención neoclásica, se descubrieron los ladrillos vistos y se vuelven a montar el portal original y el óculo por encima.

El interior la planta de la iglesia es una única nave del tipo salón alargada que se estrecha a unos dos tercios de la longitud para dar cabida de forma simétrica a la sacristía y el campanario.

A la izquierda del presbiterio se convirtió en la tumba de Azzone Visconti . Fue desmantelado a finales del siglo XVIII, primeramente fue vendida al Conde Anguissola y luego a Trivulzio, que en 1927 se devolvió su espacio original a la iglesia.

El lienzo de extraordinaria importancia es la de San Carlos Borromeo en la gloria, pintado por Giovan Battista Crespi , originalmente el altar mayor.

En la parte trasera de la iglesia se puede admirar el fresco del siglo XIV, donde se representa “la Crucifixión”, es de un seguidor anónimo de la escuela de Giotto, se encontró en 1929 en la base de la torre. El trabajo ha sido objeto de una degradación rápida hasta 1953, cuando fue retirado de la ubicación original y se coloca en la pared.

En la pared de la nave izquierda se encuentra un altar con la pintura de la Asunción al cielo de Giuliano Traballesi. Delante, en el lado derecho, se encuentra la pintura de San Gottardo Vescovo obra de Martin Knoller.

En la parte trasera de la iglesia se encuentra el altar de la Virgen de los desaparecidos, obra de Romano Rui realizado en cobre plateado.

Cuando salimos de la iglesia vemos que en el Palacio Real hay un apartado dedicado a los Juzgados Civiles, en este momento se están celebrando la bodas civiles, ya habíamos tenido oportunidad en otros viajes de poder ver una boda católica, en esta ocasión vamos a ver como se celebra una boda civil. La ceremonia dura pocos minutos porque vemos como entran y salen después de que el juez le haya leído la cartilla, unas fotos en el gran sofá de la entrada y la propia ceremonia. En este caso los familiares nos invitan a entrar. En ningún caso la comitiva llega a la decena de personas, escasamente los novios, algún familiar y los testigos.

Pasamos a un enorme salón con la decoración de un enorme tapiz, ellos son siete y nosotros somos seis, nos sorprenden que entre los asistentes hay un perro; entran los novios apoyados por los flases del fotógrafo, se sientan en el centro, enseguida llega la jueza con un traje de chaqueta, un gorro negro y una banda cruzada con los colores de la bandera italiana.

Permanecemos sentados escuchando el refranero de la jueza, aunque no entendemos italiano pero adivinamos el contenido, imaginamos están basados en las leyes civiles italianas, luego pasan a dar el consentimiento la pareja, afirma que no existen impedimentos a su matrimonio. Para terminar todos los presentes firma el certificado. Todo esto durará menos de cinco minutos.

Son las tres de la tarde, ¡y nosotros sin comer!. Ya hace varias horas que los italianos han comido, ¡claro que si!, aunque parezca mentira los italianos comen a las 12 de la mañana, aunque esto no es impedimento para que nosotros podamos comer. ¡Afortunadamente! en este caso no tenemos problemas porque estamos en el Duomo de Milán y además porque los bocadillos los llevamos nosotros. Solamente tenemos que buscar un banco en la plaza y encontrar unas bebidas.

Asombrosamente a nuestro lado la gente hace lo mismo: comen bocadillos, sandwiches o porciones de pizzas, y no son españoles, quizás….. pasan las vacaciones en España, o bien, quizás…..están cenando.

El resto de la tarde queremos dedicarlo para visitar las grandes iglesias de Milán, es conocido que los grandes artistas italianos: Bramente, Leonardo da Vinci, Francesco di Giorgio Martini, Benini, Bergognone, Luini, Gaudencio Ferrari son algunos de los mejores creadores que engrandecieron Milán con lugares de culto únicos en el mundo. Uno de los iconos de Milán es la visita a La última cena (en italiano: Il cenacolo o L'ultima cena) es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497, se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán. Hemos consultado a través de la página web para reservar la visita pero no hemos obtenido la posibilidad de hacerlo aunque se puede hacer en visita guiada pagando casi 70 euros, una auténtica locura, de todas formas, aun sabiendo que no podremos verla, queremos ver la iglesia donde se localiza la famosa obra de arte.

Nos ponemos en marcha hacia el oeste por la via de Torino, dos manzanas adelante cogemos a la izquierda la via delle Sole y nos conduce hasta la piazza de San Sepolcro, está plaza esta presidida por la chiesa más antigua de Milán, fue la iglesia que lleva el título de Santo Sepulcro, fue construida como un anhelo de la Tierra Santa , el recuerdo de esa misma Jerusalén. San Carlos Borromeo llama a esta iglesia como el “ombligo de la ciudad”.

Cuando llegamos a la iglesia nos dirigimos a la cripta, tiene entrada por el lateral izquierdo, nos sorprende porque el precio de entrada son 10 euros por persona más que visitar el duomo, por supuesto no entramos.

La cripta fue elegida por San Carlos Borromeo como un lugar de oración personal, a la que acudía todos los miércoles y viernes por la tarde. No era raro verle pasar noches enteras en lo que llamó el gimnasio del Espíritu Santo, en la adoración de la estatua de la tumba de Cristo. Por esta razón, después de su canonización, se colocó una estatua de terracota policromada donde se muestra arrodillado ante el féretro. En uno de los nichos se puede admirar una gran palmera de cobre, el símbolo de la sabiduría, pensado originalmente como una fuente, encargado por el cardenal Federico Borromeo en 1616 a Juan Andrea Biffi y Jerome Olivieri. El Santo Sepulcro es un lugar de culto también de santa María Magdalena, que, según el evangelista Juan, descubrió por primera vez, la mañana de Pascua, la tumba vacía y recibió su primera aparición del Resucitado. De hecho, en la cripta hay un fresco de 1300, por desgracia ahora evanescente, en el transepto izquierdo, que se muestra a la derecha de Cristo triunfante, con el cuerpo velado con el pelo largo, mientras que la izquierda vemos una mujer coronada, tal vez la Santa emperatriz Helena, madre de Constantino, con reproducción de San Carlos Borromeo, mientras rezaba en la iglesia del Santo Sepulcro. La cripta también proporcionan a los visitantes a entrar en contacto con uno de los ejemplos más antiguos de la historia de la ciudad. El suelo, realizado por grandes losas de piedra blanca, llamada mármol de Verona, se trata de la antigua acera del foro romano del siglo IV fue la plaza principal de la civitas romana de Milán, donde llevaron a cabo las principales actividades civiles y religiosas.

La iglesia se remonta a 1030 cuando fue levantada para un uso privado con el titulo de Santa Trinidad. La fachada actual obedece a una secesión de reformas hasta la que podemos ver hoy en día del siglo XIX con dos torres gemelas que en la actualidad la derecha es más alta. En estos momentos la iglesia sirve como escenario para Divina Liturgia en el rito bizantino en la tradición de la comunidad italo-albanesa en Italia.

El vestíbulo se atribuye a Francesco Maria Ricchino, circunscrita por dos capillas con frescos de Carlo Bellosio y retablos del pintor Carlo Francesco Nuvolone.

El interior, la planta es de una sola nave, decorado con columnas corintias, flanqueada por dos laterales más pequeñas. La planta es de estilo románico lombardo, aunque oculto por el estilo barroco. Se conserva un sarcófago del siglo XIV en frente del cual se encuentra la imagen de San Carlos Borromeo del siglo XVI.

El ábside derecha hay un fresco con la representación de la Flagelación, donde Caifás que desgarra sus ropas, San Pedro que niega, mientras que en la dirección opuesta a la del lavado de los pies están los apóstoles sentados alrededor de una mesa semicircular frente a la cual Cristo se enjuaga los pies de Pedro.

La decoración plástica merece la atención dentro de la iglesia, especialmente aparecer algunos grupos de terracota interesantes: el ábside principal del grupo de la Merced y el frente del ábside, protegida por una verja de un sarcófago que contiene las reliquias de la Tierra Santa.

Seguimos la ruta de las iglesia por la via Sant'Orsola que desemboca en la via Cappuccio hacia la derecha llegamos a la intersección con la via Santa Valeria desde allí ya podemos ver la Chiesa de san Ambrogio.

La basílica de San Ambrosio está situada en la piazza del mismo nombre, es una de las iglesias más antiguas de Milán. Se considera que los primeros restos de la iglesia se levantaron en el siglo IV de la mano de san Ambrosio, era el lugar donde los creyentes cristianos fueron martirizados en la época romana.

La iglesia exteriormente fue construida utilizando materiales pobre y que se hallaban a mano, principalmente ladrillos de diferentes colores, piedra y yeso blanco, se dejaron los mejores materiales para el interior.

La basílica de San Ambrosio aparece hoy como un caso aislado para el modelo románico lombardo, como otros de los ejemplos de la construcción empleados en las catedrales de Pavía , Novara y Vercelli.

Aunque vinculado a la tradición de la iglesia del siglo IV en la que fue construido, San Ambrosio es la expresión de una intensa renovación arquitectónica, sobre todo en el diseño de iluminación y el espacio. Por una parte, en efecto, la luz se origina principalmente de las ventanas de la fachada (mientras que las galerías de las mujeres están bloqueando el paso lateral), lo que determina una entrada longitudinal. El efecto resultante es la acentuación de masas estructurales, especialmente a la parte inferior, donde hay más sombra. Por otra parte, el espacio ya no se concibe cómo los primeros cristianos, de manera unificada y mística, pero humana y racional: espacios geométricos, por lo tanto, la división en lugares bien definidos, y la exaltación de los elementos estáticos.

La fachada, fue construida a dos aguas es ancha y aplanada, también típico de las casas de campo. Tiene dos galerías superpuestas. La parte inferior tiene tres arcos iguales que se adentran en el perímetro interior de la galería, mientras que la parte superior tiene cinco arcos que suben en altura para favorecer el perfil inclinado.

En ambos lados se levantan sendos campanarios, el de la derecha, se remonta al siglo VIII y tiene una austera apariencia típica de torres de defensa. El de la izquierda, llamada cánones, es más alto y se remonta a 1144. Su diseño puede ser probablemente atribuido al mismo arquitecto que diseñó la basílica, ya que refleja verticalmente los mismos conceptos del cuadrilátero, mientras que los dos últimos pisos se añadieron sólo en 1889

El interior se estructura de acuerdo a las innovaciones más avanzadas de occidente, con el uso de bóvedas de crucería, en el que cada elemento converge en una estructura de un soporte adecuado, con una arquitectura rigurosa y coherente. Las bóvedas de las naves laterales, con vanos de dimensiones iguales a la mitad de la ladera de una bahía en el resto nave sobre pilares pequeños se sujetan en las galerías dedicadas a las mujeres.

En la base de la cúpula, situada en el último tramo de la nave central, está el presbiterio donde en el centro se coloca el altar mayor, fue construido entre el 824 y el 859 con un precioso frontal de oro en relieve con piedras en todos cuatro lados. El altar está coronado por un copón encargado por Arzobispo de Milán Angilberto II , de la que toma su nombre. Se apoya en cuatro columnas de pórfido rojo y tiene, en las cuatro caras, bajorrelieves que representan a Cristo cuando da el mandato de Pedro y Pablo (frente), San Ambrosio honrado por dos monjes en presencia de los Santos Gervasio y Protasio (trasera), San Benedicto rindió homenaje por dos monjes (lado izquierdo) y Santa Escolástica honrados por dos hermanas (lado derecho).

En la cabecera de la iglesia se encuentra el ábside, en el techo hay un mosaico, fue reconstruido después de la Segunda Guerra Mundial y se utilizaron los restos del anterior destruido por las bombas, que databa del siglo IV, pero fue modificado en varias ocasiones en el siglo IX. En el centro se encuentra el Pantocrátor entre los santos Gervasio y Protasio, y a los lados, escenas de la vida de San Ambrosio.

Por la nave de la epístola hay una entrada a la capilla o santuario de San Víctor en el Cielo de Oro, , se puede visitar previo pago de 2 euros.

La capilla alberga los restos de San Víctor Mauro que fueron buscados por el obispo Maternus. Víctor era un soldado que había llegado a Milán en nombre del emperador Maximiliano quien lo castigó por no renunciar a su fe cristiana. Junto al cuerpo del mártir San Ambrosio será enterrado con su hermano San Sátiro.

La bóveda de la capilla está hecha de oro. En el centro se encuentra el retrato de Víctor, en su tumba, que está rodeado de una corona de espigas de trigo (significa el verano) y una sucesión de las frutas paganas (significa el otoño) de las estaciones y, por tanto, los símbolos de la eternidad. En las paredes laterales de la bóveda se representan en total de seis santos: Protasio y Gervasio, los obispos de Milán Ambrosio y Maternus, los mártires Nabor y Félix. Ambrosio se representa vestido de civil; esta imagen fue tomada probablemente de un retrato de él que se había hecho mientras era gobernador de Liguria y Lombardía. A pesar de no tener la aureola a diferencia de otros santos, tiene armadura más clara alrededor de la cabeza. En la base de la cúpula hay unas parejas de palomas con veinticuatro pequeños cameos que representan figuras de tallas de santos.

Los mosaicos de la pared se ejecutaron justo después de la muerte de Ambrosio como su retrato no está acompañado por el halo o epíteto sanctus. Los monogramas de las crípticas de Cristo presentes en el retrato de Víctor indican que fue realizado en un período de tiempo anterior al año 313 con respecto a la cúpula: estos símbolos fueron utilizados por los cristianos cuando su culto aún no se había liberalizado. En la cúpula surge una adaptación completa de la superficie esférica, pero al mismo tiempo esto se desmaterializa, bañado de luz y colocado como algo sagrado en una esfera de oro parece pertenecer a otro mundo.

Las estancias de la capilla o santuario de San Víctor en el Cielo de Oro se exponen las mejores obras para convertir la iglesia en el museo de san Ambrosio. Entre las mejores obras que se exponen podemos ver:

En una de las paredes se encuentra “Jesús con los doctores del templo”, obra de Ambrosio Bergognone, pintura realizada con la técnica del fresco, está datada en el siglo XVI.

Ambrogio Bergognone conocido como Ambrogio da Fossano o Stefani Ambrogio da Fossano o como Bergognone, fue un pintor italiano renacentista de la escuela lombarda. Se cree que nació en Fossano, Piamonte y no se tiene información sobre su infancia y adolescencia. Su denominación artística se atribuye a su afiliación con la escuela de borgoñona. Junto con Floppa es considerado como el mejor pintor de la escuela milanesa.

El siguiente objeto “El cordero de Dios”, obra de un anónimo artista lombardo, esta datado en el siglo IV. Es una de las obras más antiguas, se hallaba en el ábside de la primitiva basílica, realizado en mármol y vidrio pintado en pastel.

Uno de los objetos del museo “Cristo sufriendo”, obra de escultor lombardo, es una columna de mármol con la representación de Cristo, por encima una dedicatoria que dice:

“Nel luogo dove e plantata questa colonna fu decapitatos Protasio Nell' anno Della incarnazione del signore 57, il 19 giugno, per ordine del conte Astasio.”

El nombre de Gervasio y Protasio, fueron mártires del siglo II. Ambrosio al estar cavando en frente de la Basílica desenterró los restos de los dos mártires que habían vivido dos siglos antes y estaban casi olvidados.

Otro de los objetos expuestos “Mascara fúnebre del cardenal Ildefonso Alfredo Schuster”, obra del escultor Otello Mantaguti, fue elaborada el día después de su muerte 30 de agosto de 1954.

En 1985, cuando se descubrieron sus restos, se comprobó que el cuerpo estaba incorrupto, aunque los vestidos estaban pulverizados por la humedad. El proceso siguió adelante y el 12 de mayo de 1966 el papa Juan Pablo II elevó a los altares al monje - cardenal que añade su nombre a una lista de santos obispos de la sede ambrosiana

En la mañana del domingo 12 de mayo de 1996 el papa Juan Pablo II beatificaba en la Plaza de San Pedro de Roma al que durante más de veinticinco años (de 1929 a 1954) fue arzobispo de Milán.

Otro de los objetos expuestos “Caja relicario”, obra del un orfebre anónimo lombardo, fue elaborada con filigranas de plata dorada, esta datada en el siglo XVIII.

Fue un objeto de devoción privada que tenia el cardenal Ildefonso Alfredo Schuster y que donó a la ciudad de Como (Italia).

Otro de los objetos expuestos en el museo es “Cofre relicario”, obra del un orfebre anónimo lombardo, fue elaborado con hueso, esta datada en el siglo XIII.

El siguiente de los objetos expuestos en el museo es “Caja relicario”, obra del un orfebre anónimo, fue elaborado con marfil con figuras de oro, insertando bronce dorado, esta datada en el siglo XII. Procede de la oficina Palatina de Palermo (Italia).

La siguiente tabla es el tríptico “Madona con el niño acompañada de San Ambrosio y San Jerónimo”, obra de un maestro del circulo de Bernardino Zenale, realizada en temple sobre tabla, esta datada en el siglo XV.

Los siguientes de los objetos expuestos en el museo son “Cinco monjes”, obra del un orfebre anónimo borgoñés, fue elaborados en mármol y pintados, están datados en el siglo XV.

Las esculturas representan a los llamados monjes Piagnoni, eran seguidores del monje dominico Girolamo Savonarola. Se reunieron en torno al monje, incluso antes de la muerte de Lorenzo el Magnífico, eran rivales de los Palleschi, y partidarios de los Medici. En 1494 fueron uno de los proponentes de la expulsión de Piero de Medici y de la Restauración de la república florentina, porque son contrarios a la tiranía política señorial y lucharon en favor de una amplia participación popular en el gobierno. Declarados como enemigos del placer y lo mundano, sino también hacían acciones generosas dedicadas al amor al prójimo, con el monje Savonarola intentaron una reforma de la Iglesia guiada por la austeridad religiosa más estrecha.

Abandonamos el museo y pasamos a la nave desde donde cogemos la puerta para visitar la cripta de la basílica, su aspecto es muy tétrico por la exposición de los santos pero merece una visita .

La cripta real, fue construida en la segunda mitad del siglo X, cuando se efectuaron los trabajos de reordenamiento del ábside de la basílica para exponer los restos de los santos hoy son venerados: Ambrosio, Gervasio y Protasio.

En un sarcófago de mármol precioso que él ya había hecho arreglos para su entierro. Los mártires Gervasio y Protasio fueron enterrados originalmente en la cercana capilla de los Santos Nabor y Félix, dentro del cementerio de los mártires, en la planta que será ocupado por la iglesia de San Francisco Grande (demolido en el siglo XVIII).

Cuando Ambrosio murió en 397, fue enterrado junto a dos mártires, en una fosa separada, y porque la vida ya había disfrutado de la santidad claramente establecida, tratando de demostrar su proximidad a los dos hermanos a los cuales había dado un entierro decente.

El aspecto actual de la cripta se debe a alteraciones en el siglo XVIII, promovida por el cardenal Benedetto Erba Odescalchi , arzobispo de Milán, y los del siglo XIX que siguió al descubrimiento del sarcófago antiguo y el traslado de los cuerpos de San Ambrosio, San Gervasio y San Protasio , dentro de un compartimiento formado bajo el copón, en una urna de plata con los cuerpos de los santos, construido en 1897 por Giovanni Lomazzi diseñada por Ippolito Marchetti.

Seguimos nuestra ruta por las iglesia de Milán, justo en la calle podemos ver el Postigo de San Ambrosio, reconstruido en el transcurso de 1939 , tiene dos torres y una entrada doble arco, para cuya realización se utilizaron ladrillos hechos de puertas y paredes medievales originales, demolidas durante los siglos. También se han reutilizado tres estatuas de los santos (Ambrosio, Gervasio y Protasio) del siglo XIV tallado por un maestro anónimo de Campione, proviene desde el hospital de San Ambrosio. La puerta, construida de ladrillos en una base en granito, tiene dos arcos de medio punto y a sus lados son dos torres.

Nuestro siguiente punto es la iglesia de Santa María de Gracia, se encuentra a unos cinco minutos andando, para llegar cogemos la via san Vittore hasta la intersección a la izquierda de la calle via San Bernardino Zeale que nos deja en la piazza del mismo nombre de la iglesia.

Ya he mencionado que teníamos mucha ilusión de llegar hasta la chiesa de santa Maria de Grazie y poder tener la oportunidad de intentar ver una de las obras maestras de Leonardo da Vinci, la pintura mural de la Última Cena que realizo entre 1495 y 1497. Desgraciadamente cuando llegamos no vemos a nadie haciendo fila, preguntamos y nos dicen que hoy es lunes y esta cerrado.

Santa Maria delle Grazie (Santa María de las Gracias) es la iglesia perteneciente al convento de la Orden de los Hermanos Predicadores en Milán en cuyo refectorio del convento está decorado con la célebre pintura mural La última cena.

La construcción de la iglesia se inicia en 1463 con la orden del duque de Milán Francisco Sforza de un convento para la orden de los dominicos y una iglesia en el lugar donde se encontraba una pequeña capilla dedicada a santa María de las Gracias.

Se contrato la dirección al arquitecto Guiniforte Solari, el convento fue terminado en 1469, y la iglesia en 1482. Posteriormente, Ludovico Sforza decidió modificar el claustro y el ábside de la iglesia; las obras terminaron en 1490. En 1497, Ludovico hizo enterrar a su esposa Beatriz de Este en la iglesia, y pasó a convertirse en el sepulcro de los Sforza.

La cúpula de base poligonal tiene el techo en forma de pirámide, típica construcción durante en el Renacimiento en Lombardía ha sido atribuido a Bramante, aunque no existen pruebas de ello, salvo el hecho de que Bramante en la aquella época trabajaba como ingeniero ducal y su nombre aparece una vez en las actas de la iglesia, en la recepción de una partida de mármol en 1494. Hoy en día, de hecho, se atribuye la obra a Giovanni Antonio Amadeo. En todo caso, esta cúpula continuó en parte el estilo Gótico de la nave del edificio, pero con influencias románicas y clásicas, y con una escala más monumental.

En el interior de la iglesia, en la parte más antigua, es de estilo Gótico, destacan, en una capilla de la derecha, los bellos frescos con la Historia de la Pasión , de Gaudenzio Ferrari. En la misma capilla estuvo La coronación de espinas de Tiziano, hoy en el Museo del Louvre. Sobre la puerta que conduce a la sacristía hay un fresco de Bramantino; en la nave y algunas capillas trabajaron Bernardino Zenale y Bernardino Butinone.

En el año 1494 el duque de Milán Ludovico Sforza encargó a Leonardo da Vinci la decoración del refectorio del convento con una representación de la Última cena de Jesús y los apóstoles. El encargo fue minuciosamente preparado por el artista, quien además ideó una nueva técnica pictórica, diferente del tradicional fresco. Esta circunstancia y diversos sucesos históricos posteriores hicieron que la pintura, considerada una de las obras maestras del arte universal, sufriese una deficiente conservación. La noche del 15 de agosto de 1943, los bombardeos de las potencias aliadas afectaron a la iglesia y al convento. El refectorio quedó arrasado, aunque algunos muros se salvaron, entre ellos el que contenía La última cena de Leonardo.

Aquí damos por concluido la visita a Milán, nos han quedado tantas cosas sin ver: La ultima Cena, el museo Ambrosiano de pintura, el museo de Leonardo da Vinci, entre otros.

Solamente nos queda marchar hasta el área de autocaravanas, para ello seguimos andando hasta la estación de tren Milano norte Cardorno, donde cogemos el tren que nos lleva directamente hasta la estación de Bovisa por 1,5 euros por persona.

La noche en el área de autocaravanas es tranquila, antes de marcharnos aprovechamos para salir llenos de agua y vacío de las aguas residuales. Pagamos la cuenta y nos dicen tres noches 25 euros por noche, les indicamos que hemos estado dos días y medio, al final se queda en 65 euros.

Nuestro siguiente punto del viaje es la ciudad de Piacenza pero antes queremos hacer dos paradas, una en la ciudad de Vigevano, es considerada como la plaza más hermosa de Italia. Después pararemos en Pavia para ver su Cartuja.

Nos separan 38 Km. de Vigevano, tardamos un poco más de una hora en llegar, el tráfico no me parece especialmente dificultoso pese a lo que todo el mundo comenta que la conducción en Italia es calamitosa.

Enseguida llegamos al área de autocaravanas en la población de Vigevano (Italia) está situada en Via Giovanni Segantini, el precio es de 6 euros 12 horas. Las coordenadas GPS de lugar corresponden con: N 45.31192 // E 8.86595 .

El área esta totalmente automatizada, intentamos acceder pero la máquina no reconoce ninguna de nuestras tarjetas de crédito por lo que no podemos entrar. Hay un teléfono de emergencia, imagino para estos casos, nos atiende Alex en el número atendido durante 24 horas 3498515204. Nos dice que nos envía un código al móvil para entrar y salir.

Vigevano es un pequeño Burgo de la Lombardía , que jugó un rol muy importante durante la época del renacimiento y en tiempos de la dominación de los Sforza (famosa y potente familia feudal Lombarda que reinó en la región durante varias generaciones).

Para acceder al centro monumental nos guiamos como si se tratase de un faro de los torres de la catedral, cogemos la calle de Corso de Pavia, hasta llegar accidentalmente, al Castillo Sforzesco. Accedemos por un camino cubierto que correspondía con las cuadras del castillo, por sus dimensiones debía de tener miles de caballos.

El castillo se construye con la iniciativa del Luchino Visconti el alcalde de Vigevano en 1319 y en 1337, para insertar la localidad en su plan de dominio territorial, la decisión de hacer una fortaleza defensiva en la zona territorial de los castillos a lo largo de los ríos Adda y Ticino para defender el ducado de Milán.

Con la llegada de Galeazzo Maria Sforza en 1466, había sucedió a su padre Francis, ordena nuevas intervenciones que transforman definitivamente el castillo en el palacio ducal, permite la construcción de casas en el foso exterior, respetando la altura más alta que la pared. En 1472 el nuevo Duque interviene en dos edificios antiguos, colocados a lo largo de la pared sur de la antigua ciudad y utilizados como establo. En 1475 se construye el puente con galería, situada al sur del castillo, y poco antes de su muerte, se inicia la construcción del edificio del cetrero, completado por Ludovico el Moro, el regente del ducado en nombre de su sobrino Gian Galeazzo Maria Sforza.

Con el Moro, nacido en Vigevano, el plan Sforza se realiza todas las intervenciones de proporciones significativas y de gran calidad, completando el proceso de transformación del castillo en una residencia dinástica. El patio, originalmente era ocupado por la antigua ciudad, se vacía de los edificios, y se comienza a construir el tercer edificio, siguiendo las instrucciones de Ludovico, y la construcción de cocinas, hecho con la demolición de la antigua iglesia de San Ambrosio y conectado al macho por una construcción de puentes, cerrando así el contorno del gran circuito de edificios al patio. El macho se extiende en el lado oriental con la creación de un jardín en la azotea encerrada por dos edificios con soportales diseñado por Bramante y abiertos hacia el este. El Complejo Bramante permanece hoy en día el edificio sur llamado “la logia de las señoras”. También fueron realizadas por Bramante parte de las pinturas que adornaban el complejo de edificios que dan al patio, de los cuales quedan restos hoy en día en las paredes de Ludovico, y en la torre antigua de la ciudad, que hacia 1476 ya se habían planteado con nuevas almenas y ménsulas que en sus tres partes albergar las campanas de la iglesia demolida de Santa María, la segunda de ellas con un campanario y la tercera con un cuerpo octogonal cubierto por una aguja. El esplendor del dominio Sforza terminó con Francisco II Sforza, que complementa las decoraciones pintadas del Palacio Ducal.

En el palacio Ducal se encuentra el museo cívico de la ciudad, cuando llegamos nos indican que ahora esta cerrado y que volviésemos a las 15,00 horas, hay que recordar que en Italia se come a las 12,00 horas.

Desde aquí marchamos hasta la plaza Ducal es nombrada por todos los italianos como el “Salón de Italia”, considerada la plaza más bella de todo el país: un excelente ejemplo de plaza renacentista.

La plaza se construyó entre los años 1492 y 1494 bajo Ludovico Sforza «el Moro», que la encargó al ingeniero ducal Ambrogio da Corte, aunque también intervino Donato Bramante. Para su realización debieron demolerse las casas situadas bajo la escarpadura del castillo Ducal; alineándose todas las fachadas con criterios geométricos, derivados de la interpretación quattrocentista del urbanismo romano tal como lo describía el tratado de Vitrubio. El trazado final es el de un rectángulo de 138 por 46 metros. Los lados largos y uno de los cortos están ocupados por edificios homogéneos, con pórticos de arcadas (sostenidas por 84 columnas, cada una con un capitel diferente) y fachadas uniformes, pintadas al fresco, cuyas fachadas presenta ventanas de arco coronadas por un ático abierto en un óculo.

El lado de la plaza situado al fondo fue ocupado desde 1680 por la fachada curva del Duomo (catedral de San Ambrosio de Vigevano ) fue diseñada por el obispo humanista y arquitecto, de origen madrileño, Juan Caramuel y Lobkowitz –hombre de inteligencia superdotada, a los doce años componía tablas astronómicas, siendo su padre su primer maestro en esta disciplina. Estudió humanidades y filosofía en la Universidad de Alcalá, donde fraguó una gran amistad con Juan Eusebio Nieremberg, e ingresó en la Orden Cisterciense en el Monasterio de la Santa Espina – construyo bajo el estilo dominante barroco y con un gran efecto escenográfico. Como consecuencia de esa intervención se transformó radicalmente la concepción inicial de la plaza, que se cerraba con dos arcos de triunfo que se abrían a dos calles (las actuales via del Popolo y via Silva), mientras que una larga rampa de piedra que partía del centro de la plaza permitía el acceso en carruaje y a caballo hasta el castillo; todo ello fue suprimido. El nombre de la plaza pasó a ser Piazza del Duomo (Plaza de la catedral).

En el lado opuesto a la catedral, encontraréis una enigmática estatua (que ya pudimos ver en el Castillo Sforzesco de Milán). La estatua es de San Juan Neponuceno, un santo del norte de Europa. Fue colocada en la plaza por el Imperio Austro-húngaro luego de haber terminado con el poderío de los Sforza algunos siglos después. Se pueden ver muchas versiones de esta estatua en diversos monumentos y palacios que pertenecían a la dinastía de los Sforza como símbolo de la dominación Austro-Hungara en Italia.

Entre 1903 y 1910 se realizó una amplia obra de restauración, durante la que se descubrieron y pusieron en valor (por el pintor local Casimiro Ottone) fragmentos de los frescos originales, que habían sido cubiertos en el siglo XVII. El pavimento de la plaza se realizó con granito blanco proveniente del río Tessin. Las farolas se instalaron en 1911.

Aquí damos por terminado nuestra visita a esta interesante localidad, intentamos encontrar un lugar para comer pero a las 14,00 horas y alejados de una gran ciudad es tremendamente complicado, nos planteamos seguir el camino y almorzar en el siguiente punto.

La siguiente parada es en la Cartuja de Pavia, se encuentra situada a unos 42 kilómetros en dirección sur-este.

Llegamos y nos sorprende un enorme parking para autocaravana para la visita a la Cartuja de Pavia esta situado a unos 500 metros del monasterio. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 45.25710 // E 9.14041.

El aparcamiento dispone de luz y estación de vaciado, los 15 primeros minutos son gratuitos, 3 horas 9€ y el precio de las 24 horas es de 10 euros.

La cartuja de Pavía (en italiano: Certosa di Pavia) es un monasterio italiano situado cerca de la pequeña localidad de Certosa di Pavia, a unos 8 kilómetros al norte de la ciudad de Pavía (Lombardía). Data de 1396-1465 y representa uno de los más importante monumentos del gótico tardío italiano. La ubicación original del monasterio era al borde del parque de los Visconti al norte del castillo de Pavía; del parque sólo quedan algunas partes, como el Parco della Vernavola, al norte de Pavía, separados actualmente del castillo y de la cartuja.

La cartuja es conocida por su exuberante arquitectura, tanto en estilo gótico como renacentista, y por su colección de obras de arte que son particularmente representativas de la región.

La construcción de la cartuja de Pavía fue decisión de Gian Galeazzo Visconti, que inauguró los trabajos el 27 de agosto de 1396, poniendo la primera piedra, como documenta un bajorrelieve en la fachada. La posición era estratégica: a medio camino entre Milán, capital del ducado, y Pavía la segunda ciudad en importancia, donde había crecido el duque y donde tenía su sede la corte, en el espléndido castillo de los Visconti. El lugar escogido para la fundación era un bosque en el extremo septentrional del antiguo parque de los Visconti, una vastísima área cercada que unía el castillo de Pavía con una amplia zona boscosa de caza de los señores de Lombardía.

Inicialmente, durante la primera fase de las obras, los monjes residieron en el antiguo castillo de Torre del Mangano y en el castillo de Carpiano (o Grangia), uno de tantos territorios dejados a los monjes por Gian Galeazzo Visconti, para ocupar luego los ambientes conventuales, los primeros en ser edificados.

La iglesia fue el último edificio del complejo que se edificó, e iba a ser el mausoleo familiar de los Visconti. Fue diseñada como una gran estructura con una nave y central dos laterales, un tipo inusual para la orden cartujana. La nave central, en estilo gótico se acabó en 1465.

Como la iglesia no pudo terminarse en estilo gótico cuando el Renacimiento se había extendido por Italia, y el resto del edificio fue construido según el nuevo estilo, rediseñado por Guiniforte Solari e incluyendo claustros nuevos. Solari fue seguido como director de las obras por Giovanni Antonio Amadeo, (1481-1499). La iglesia se consagró el 3 de mayo de 1497. La parte inferior de la fachada no se completó hasta 1507.

El protocolo de construcción obligaba a los monjes a usar una parte de los ingresos con las tierras que tenía arrendadas en beneficio al monasterio para continuar mejorando el edificio. En consecuencia, la cartuja incluye una amplia colección de obras de arte de todos los tiempos, desde el siglo XV al XVIII.

En 1782 se produce la orden para la expulsión de los cartujos por el emperador José II de Austria, y fueron sustituidos en el monasterio por los cistercienses en 1784 y luego por los carmelitas en 1789. En 1810 el monasterio fue cerrado hasta que lo volvieron a adquirir los cartujos en el año 1843. En 1866 fue declarado un monumento nacional y confiscado por el estado italiano, aunque algunos benedictinos residieron allí hasta 1880. Los monjes que actualmente viven en el monasterio son cistercienses que fueron admitidos en los años sesenta.

La fachada de la iglesia pone de manifiesto su exuberante decoración, típica de la arquitectura lombarda, decorada toda su superficie con relieves, mármoles y estatuas.

En la base podemos ver 60 medallones que representan cabezas de emperadores y reyes, escudos de armas y medallas antiguas, obra de Giovanni Antonio Amadeo y sus compañeros Benedetto da Porlezza, Giovan Battista da Sesto, Stefano da Sesto y Antonio Romano, que en 1498 trabajaron en la elaboración de las esculturas hasta la primera cornisa. A partir de ahí la obra decorativa siguió adelante por Briosco y De Ganti, empleando dibujos de Dolcebuono y Ambrogio da Fossano llamados·”Bergognone“, bajo la dirección del escultor Cristoforo Mantegazza.

Una parte destacada de la fachada se compone de las cuatro ventanas, cuyos arcos son bipartidas por columnas que parecen candelabros. Las falsas ventanas que correspondan a las capillas y los pasillos, fueron ejecutados después de 1501 por dal Briosco, dal Pioltello e dai Della Port, bajo la dirección de Amadeo.

La segunda parte de la fachada fue construida por dall'Amadeo y Mantegazza con sus alumnos entre 1490 y 1499, con tallas que describen el ciclo “Salvación Humana” del pecado original y la muerte de Cristo, alternándose con bajorrelieves de los profetas, desde la izquierda se puede ver a: Salomón , David, Isaías, Jeremías, Elías y Zacarías, a la derecha los Apóstoles.

La parte de la fachada que se encuentra por encima de la puerta fue ejecutado tras la batalla de Pavía en 1525 por Cristoforo Lombardo y sus alumnos, Angelo Marini y Antonio Della Porta llamado Tamagnino, que creó las estatuas de San Bruno y Galeazzo Visconti, los arcángeles Miguel y Rafael, además de Tobías y los cuatro evangelistas.

La portada de estilo clasicista es obra de Amadeo y Dolcebuono, bajo la dirección de Benedetto Briosco, ejecutado entre 1501 y 1507. El plafón o intradós está decorado con bajorrelieves: a la derecha con la historia de San Ambrosio, S. Siro, la Virgen, y la piedra que conmemora la colocación de la primera piedra del portal por el Papa Alejandro III.

El interior tiene una planta de cruz latina, con una nave central, dos laterales y transepto, típico de la arquitectura gótica. Está inspirada, en una escala reducida, de la catedral de Milán. Las bóvedas están alternativamente decoradas con formas geométricas y cielos estrellados. El transepto y la capilla principal acaban con capillas de plano cuadrado con ábsides menores, semicirculares, en tres lados.

En el ábside principal de la iglesia hay un fresco obra de Bergognone celebrando la Coronación de María entre Francesco y Ludovico Sforza. Otros frescos con santos y profetas fueron ejecutados por artistas lombardos, incluyendo un joven Bernardino Zenale. La cartuja tiene obras maestras de Bergognone incluyendo los paneles de san Ambrosio (1490), y San Siro (1491) y, más destacadamente, la Crucifixión (1490). Otras obras de Bergognone se encuentran ahora en otros museos de Europa.

Otras pinturas de la iglesia incluyen un Dios Padre, resto de un políptico de Perugino y tablas de Giovanni Battista Crespi, Il Morazzone, Guercino, Francesco Cairo y Daniele Crespi.

En el transepto sur está la tumba de Gian Galeazzo Visconti, es obra de Gian Cristoforo Romano quien lo llevó a cabo entre 1492 y 1497, donde en su decoración se cuentan episodios de la vida de Duque Gian Galeazzo Visconti mientras recibe el poder de las manos de su padre Galeazzo II y el momento que el emperador lo nombró Duque, el acto de colocación de la primera piedra de la Cartuja. Bajo el altar se coloca el sarcófago, en el que se encuentran los restos Gian Galeazzo duque de Milán, y fundador de la Cartuja, con su primera esposa Isabel de Valois. También se puede ver la estatua de la Virgen de Briosco, las estatuas que representan a la fama y la victoria fueron talladas por Bernardo durante nueve años en 1562. En el lado norte del crucero se encuentra la tumba de Cenotafio de Ludovico el Moro y Beatriz de Este. Es una valiosa obra de arte de Christopher Solari (1497); Era el mismo Ludovico quien ordena su ejecución después de la muerte de su esposa Beatrice (29 enero 1497). Las dos estatuas estaban destinadas a la iglesia de Santa Maria delle Grazie en Milán, donde Ludovico deseaba ser enterrado, y se colocaron en un primer momento. En 1564 los restos se llevaron a la Cartuja y sólo en 1891 tuvieron la disposición actual en el lado izquierdo del crucero.

La cartuja posee una importante colección de vidrieras, ejecutadas a partir de cartones de maestros activos en Lombardía en el siglo XV, incluyendo a Zanetto Bugatto, Vincenzo Foppa, Bergognone y Hans Witz.

Hay muchas destacadas esculturas decorativas que incluyen una sillería de coro tallada, los frontales del altar de mármol y candelabros de bronce de Annibale Fontana. También destaca el altar mayor, de finales del siglo XVI. La sacristía de la cripta contiene, entre otros tesoros, un tríptico en marfil de elefante y de hipopótamo por Baldassarre degli Embriachi, donado por Gian Galeazzo Visconti.

Un elegante portal, con esculturas de los hermanos Mantegazza y Giovanni Antonio Amadeo, conduce desde la iglesia al claustro pequeño (en italiano: Chiostro Piccolo). Tiene un pequeño jardín en el centro. Su rasgo más destacado es la decoración de terracota de las pequeñas pilastras, ejecutada por Rinaldo de Stauris entre 1463 y 1478. Algunas arcadas están decoradas por frescos de Daniele Crespi, actualmente arruinadas en parte. También es notable el lavabo de piedra y terracota de finales del siglo XIV, con escenas de Jesús con la Mujer de Samaria en el Pozo.

Decoraciones similares caracterizan también al claustro grande (Chiostro Grande), que mide 125 x 100 metros. Las elegantes celdas de los monjes se abren al jardín central. Las arcadas tienen columnas con preciosas decoraciones de terracota, con tondos representando santos, profetas y ángeles, alternando mármol de Verona rosa y blanco. En un tiempo hubo también pinturas de Vincenzo Foppa, hoy desaparecidas.

La nueva sacristía contiene un vivo ciclo de frescos obra de los hermanos Sorri, perteneciente al manierismo sienés. Los muros tienen pinturas de Francesco Cairo, Camillo Procaccini, il Passignano y Giulio Cesare Procaccini, mientras que el altar de 1524 fue empezado por Andrea Solario, y acabado más tarde por Bernardino Campi.

También es notable el refectorio, inicialmente usado como iglesia durante la construcción, que ha conservado un fresco con la Última cena de Ottavio Semino (1567) y, en el techo, una Virgen con Niño y Profetas de Bergognone. En la Foresteria o Palazzo Ducale, construido en el siglo XVII por Francesco Richino, hay frescos y pinturas de Vincenzo y Bernardino Campi, Bartolomeo Montagna, Bergognone y Bernardino Luini.

Después de la visita nos planteamos quedarnos a pernoctar en el área de autocaravanas del monasterio pero consideramos que es más útil seguir el viaje hasta nuestro siguiente punto en la ciudad de Piacenza para mañana aprovechar el día mucho mejor.

Marchamos en dirección sur-este hacia Piacenza, nos separan 71 km por unas carreteras mal conservadas, en poco más de una hora. Cuando llegamos es totalmente de noche. Nos cuesta trabajo encontrar el gran parking porque una de las calles está cortada y tenemos que hacer un rodeo por el centro de la ciudad.

El parking para autocaravanas en la ciudad de Piacenza (Italia) se encuentra situada en la Via Palmerio Raimondo, 29100 Piacenza, Italy. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con: N 45.04970 // E 9.68318.

Se trata de un gran aparcamiento público, es un lugar privilegiado muy cerca del centro monumental, dispone del 50% de las plazas gratuitas y el otro 50% controlado por la O.R.A , el horario de pago es de 9,00 h hasta las 19,00 horas con un ticket de 0,50 euros la hora.

Nada más levantarnos nos damos cuenta verdaderamente donde hemos pasado la noche, en esos momentos ya estamos rodeados de coches, al haber estacionado en la zona gratuita es la primera que se llena de los trabajadores que acuden a sus puestos de trabajo en la ciudad. Vemos muchos vendedores africanos por las inmediaciones pero nos parece un lugar seguro porque el parking está presidido por el edificio de los carabinieri italianos.

Piacenza es una tranquila ciudad del norte de Italia que no tiene muchos agobios turísticos y todo esta suficientemente cerca para ir andando. Lo primero que queremos visitar es el museo cívico. Salimos del parking en dirección a una de las arterias que divide la ciudad se trata de la Corso Vittorio Emanuele II, es la calle que te lleva hasta el núcleo de la ciudad la piazza Cavalli, seguimos la calle hasta la misma puerta de la Piazza della Cittadella donde se encuentra el Palacio de Farnesio, en cuyas dependencias se halla el museo Civico.

Las entradas al museo Cívico nos cuestan 12 euros para toda la familia, los horarios son martes, miércoles, jueves: 9:00-13:00: los viernes y sábado: 9:00-13:00 y 15:00-18:00 horas .

El Palacio de Farnese se encuentra situado en el borde de la ciudad en dirección norte. Fue construido en los años 50-60 del siglo XVI a instancias de la duquesa Margarita de Austria, esposa de Octavio Farnesio, el palacio fue levantado en la zona donde se encuentra la Cittadella Visconti, con el fin de erigir una residencia ducal, fue un lugar de representación y símbolo del poder de la familia Farnese. Se encargo el proyecto al arquitecto Jacopo Barozzi, conocido como Vignola.

En la actualidad el palacio es donde se exponen las obras de museo Cívico y el lugar en el que se preservan colecciones de pintura y escultura. El lienzo más valioso fue pintado por Boticelli, se llama “Nuestra Señora con el niño y Juan Bautista”. Además el museo posee obras de los siglos XIV al XIX de la colección Farnese, también desde las iglesias de Piacenza i o procedentes de colecciones públicas y privadas de los artistas genoveses como Domenico Fiasella, y Giovanni Battista Merano; Camillo Lombard conocido como Boccaccino, Giovanni Battista Trotti, conocido como Malosso, Carlo Francesco y Giuseppe Nuvolone; Emilian Girolamo Mazzola Bedoli, John Christopher Storer, Piedras Bout y Robert de Long.

El palacio imaginado por Margaret iba a ser un símbolo del poder que había recuperado la familia Farnese.

La ausencia de una fachada de un verdadero palacio da al edificio la apariencia distinta del que tienes otros edificios de estilo barroco, como el Palazzo Farnese en Caprarola y Roma. Es posible establecer comparaciones adicionales con el proyecto contemporáneo de otra residencia de los reyes, el palacio del Louvre, diseñada por el Bolonia Sebastiano Serlio (1475-1554), un arquitecto que con sus tratados influenciados por el barroquismo.

La fachada tiene grandes nichos diagonales con muchas ventanas hacen comprensible el gran número de habitaciones y la grandeza del interior la funcionalidad se combina con el elegante refinamiento. En el lado opuesto del patio en la entrada que se iba a construir el auditorio del teatro, para la diversión de los duques y de su corte.

La visita al museo comienza por la Sala I donde se presenta la colección de armas del conde Antonio Parma, del conde Felice Gazzola y de Lorenzo Toncini. Se levanta en lo que constituía la entrada al palacio o cuerpo de guardia.

Comenzamos la visita a la sala y podemos ver “Casco de parada borgoñés”, obra de un armador anónimo, realizado en metal, esta datado en el siglo XVI.

Es un precioso ejemplar realizado en bronce y plata donde en el relieve cuenta la historia mitológica del Juicio de Paris donde Zeus organizó un banquete para celebrar la boda de Peleo y Tetis, los futuros padres Aquiles. Eris, la diosa de la discordia, no fue invitada y, irritada por este atropello, que llegó al lugar del banquete y arrojó una manzana de oro con la inscripción “la más bella”. Y en la otra cara el episodio del Rapto de Elena.

La siguiente obra es una “Armadura”, obra de Pompeo della Cesa (1537-1630), realizada en metal, esta datada en el siglo XVI.

Pompeo della Cesa es uno de los armeros milaneses más hábiles de la segunda mitad del siglo XVI, trabajo mucho en la fabricación de armaduras obteniendo una producción que ha llegado a considerarse obras de arte, trabajó para las cortes italianas y europeas de la época, entre ellos los Farnese de Parma y el ducado Piacenza Ducado y los Saboya, logrando una considerable fama y la fortuna.

Pasamos a la Sala II donde se presenta la historia del palacio y de la familia Farneses con una maqueta de la reconstrucción del palacio siguiendo el diseño de Giacinto Vignola. Además de la información de cómo se transformo de un Palacio en Museo Cívico local.

La primera de las obras es el “Árbol genealógico de los Farnese”, realizado por un pintor anónimo, realizado en temple sobre tabla, esta datado en el siglo XVI.

La Casa de Farnesio (en italiano: Farnese) fue una influyente familia italiana de la aristocracia que ostentó el ducado de Parma entre 1545 y 1731. Sus importantes miembros incluyeron al Papa Pablo III y los Duques de Parma.

El encumbramiento de los Farnesio y su enlace con las más ilustres familias romanas tuvo lugar en tiempos de Ranuccio Farnese, el Viejo, protegido del papa Eugenio IV. Ranuccio casó a su hijo Gabrielle Francesco con Isabella Orsini, y a su hijo Pier Luigi, continuador de la estirpe, con Giovanella Caetani. De ese matrimonio nacieron el que sería Papa Pablo III y Julia Farnesio.

Entre los siglos XVI y XVII los Farnesio se distinguieron por su protección a las artes, a ellos se debe la construcción del Palacio Farnesio en Roma, la Villa Farnesio en Caprarola, la Iglesia del Gesù en Roma y el Palacio del la Pilotta en Parma, actualmente Galería Nacional de Parma.

El último Farnesio soberano de Parma fue Antonio Farnesio (1679- 1731); al morir sin sucesión directa, el ducado pasó al hijo de su sobrina Isabel Farnesio y del monarca español Felipe V, el entonces infante Carlos de Borbón y que posteriormente se convertiría en rey de España.

La siguiente de las obras “Maqueta del Palacio”, obra del arquitecto Enrico Bargonzoni, realizado en madera, obra a escala 1:50, datado en 2004.

La obra representa el estudio de cómo hubiera quedado el palacio de la familia Farneses. El diseño correspondería a los estudios antiguos del arquitecto Gacinto Vignolo de 1561 encargados por la duquesa Margherita.

Pasamos a la siguiente dependencia se trata de la Sala III. Verdaderamente aquí comienza el museo, es una exposición de las principales obras de escultura que la ciudad de Piacenza a logrado atesorar, son los restos desde las primeras iglesias XII-XIII de la escuela de escultura de Piacenza.

La primera de las obras es la talla “Cordero de Dios”, obra de un escultor anónimo, realizado en arenisca, esta datada en la primera mitad del siglo XII. Se encontraba en la Curia Vescovile de Piacenza.

En el cristianismo, el termino agnus Dei o agnusdéi (traducido del latín, Cordero de Dios) se refiere a Jesucristo como víctima ofrecida en sacrificio por los pecados de los hombres, a semejanza del cordero que era sacrificado y consumido por los judíos durante la conmemoración anual de la Pascua. Este título le fue aplicado por el profeta san Juan Bautista, durante el episodio del bautismo de Jesús en el río Jordán, según se relata en los evangelios.

La siguiente de las obras es la talla “Adoración del cordero”, obra de un escultor anónimo de la escuela de Piacenza, realizado en arenisca, esta datada en la mitad del siglo XII. Se encontraba en la iglesia de San Mateo de Piacenza.

El relieve plantea la historia de la Apocalipsis con el protagonismo al Cordero que fue inmolado es digno de tomar el poder, las riquezas, la sabiduría, la fortaleza, la honra, la gloria y la alabanza .Y a todo lo creado que está en el cielo, y sobre la tierra, y debajo de la tierra, y en el mar, y a todas las cosas que en ellos hay, oí decir: Al que está sentado en el trono, y al Cordero, sea la alabanza, la honra, la gloria y el poder, por los siglos de los siglos

El siguiente relieve “Cristo en Majestad”, obra de un escultor anónimo de la escuela de Piacenza, realizado en arenisca, esta datada en la segunda mitad del siglo XII. Se encontró en una casa cortijo de Podenzano (Piacenza)

La figura representa a Maiestas Domini o Cristo en Majestad es según la iconografía cristiana utilizada tanto en pintura como en escultura y mosaico, que representa la figura de Cristo en actitud triunfante y que consta de unas características particulares. Recibe también el nombre de Pantocrátor.

Las dos figuras representan “David y Ezequiel”, obras de un escultor anónimo de la escuela de Piacenza, realizadas en arenisca, están datadas en la segunda mitad del siglo XII. Se encontró en una casa cortijo de Podenzano (Piacenza)

David, fue un rey israelita, sucesor de Saúl y segundo monarca del Reino de Israel, que logró unificar su territorio e incluso expandirlo. Ezequiel, fue un sacerdote y profeta hebreo, que ejerció su ministerio entre los 595 y 570 a. C, durante el cautiverio judío en Babilonia. El nombre Ezequiel significa “Dios es mi fortaleza”.

La siguiente figura “Madonna con el Niño”, obra de un seguidor de Benedetto Antelomi, realizado en piedra calcárea, esta datada en la primera mitad del siglo XIII. Procede del Palacio Gótico de Piacenza.

La escultura fue tallada para la iglesia de Santa María de Bigilis en 1281, luego cuando se construyó en 1587 el Palacio Gótico y se inserto en un edículo (templo en miniatura) del balcón central en la fachada. El escultor consigue hacer una obra con una forma casi piramidal con un rigor compositivo ayudado por la posición del niño Jesús.

Pasamos a la Sala IV, se encuentra situada en lo que fue la cámara del auditor de la corte. Se expone una serie de esculturas y relieves de los siglos XIV al XVI.

La siguiente escultura “Relieve con inscripción, llamada de Bienvenida”, obra de un artista local, realizado en piedra de arenisca, esta datada en la primera mitad del siglo XIV. Procede del castillo de Montechiaro.

El relieve muestra en la parte superior una cartela en la parte superior lleva un largo capítulo escrito en lengua vernácula: “signors vu bienvenida y zascaun los que muy bien de noche vegnu y bien recevu”. En la parte inferior de la losa se describe la buena acogida hecha por los personajes del castillo, marido y mujer a la derecha de la escena, y cinco personajes que llegan a la izquierda.

La siguiente escultura “Inscripción sepulcral y retrato de Abramo Ruinagia”, obra de un artista local, realizado en mármol y bronce, esta datado en 1515. Procede de la iglesia de San Giovabbi in Canale de Piacenza.

Es un espléndido bajo relieve y retrato del personaje que fundo la Academia de las letras griegas y latinas de Piacenza, su hijo fue un destacado poeta.

Pasamos a la Sala V se encuentra situada en el antiguo salón de honores, lugar de comunicación con los apartamentos privados, esta decorada con un bonito estucado. En ella se exponen algunas figuras del siglo XV. También contiene algunos fragmentos de la decoración de algunos edificios del siglo XVII y XVII.

La siguiente escultura “Cabeza de hombre”, obra del llamado Maestro del altar de Rimini, realizado en alabastro, esta datado en la primera mitad del siglo XV.

Estas obras datadas en las primeras décadas del siglo XV fueron ejecutadas excelentes esculturas de alabastro en talleres europeos dedicados a la gran producción, localizados en una zona fronteriza entre el norte de Francia y el sur de los antiguos Países Bajos meridionales, en un área geográfica comprendida entre las ciudades de Lille, Arras y Tournai, y en el bajo y medio Rin. Eran piezas de reducido formato que fueron distribuidas en un amplio mercado gracias a la incesante actividad mercantil. En estos talleres fueron elaboradas obras con características muy afines entre ellas, que han sido adscritas al arcano “Maestro de Rímini”. El trabajo podría ser parte de un retablo de alabastro de la capilla Borromeo en Santa Maria Padane en Milán, y luego fue trasladado al Palacio Borromeo en la Isola Bella.

Las siguientes esculturas formaban parte de las claves de una galería “San Simón, San Felipe, Santiago el menor, San Apóstol, San Andrés”, obra de un maestro escultor local, realizado en piedra de arenisca, esta datado entre 1460-1480; procede del claustro de la iglesia del santo Sepulcro de Piacenza.

Pasamos a la Sala VI fue originalmente utilizada como antecámara para la audiencias o para la organización de las fiestas de bailes de los duques de Farnesio, se exponen mayoritariamente los frescos rescatados de la iglesia de san Lorenzo, fundada en el siglo XII, fue cerrada al culto en 1805 después de la conquista de Napoleón.

La primera de la pinturas de la sala “Martirio de San Bartolomé”, realizado por el Maestro de Santa Catalina, esta datado en el último decenio del siglo XIV, realizado en pintura al fresco; procede de la iglesia de San Lorenzo en la Capilla de Santa Catalina, estuvo situado en la pared del fondo a la derecha.

Las siguientes pinturas de la sala es un tríptico “Santa Catalina se hace Cristiana; El suplicio de la rueda; Santa Catalina en la Cárcel ”, realizado por el Maestro de Santa Catalina, esta datado en el último decenio del siglo XIV, realizado en pintura al fresco; procede de la iglesia de San Lorenzo en la Capilla de Santa Catalina, estuvo situado en la pared derecha y al fondo.

La siguiente pintura de la sala es “Crucifixión”, realizado por el Maestro de Santa Catalina, esta datado en el último decenio del siglo XIV, realizado en pintura sinopia –es es un dibujo realizado sobre la preparación de un muro que se ha de pintar al fresco. Técnica utilizada para marcar el boceto sobre la base en la cual se realizará el fresco–; procede de la iglesia de San Lorenzo, estuvo situado en el ábside de la derecha sobre el arco de acceso.

Las siguientes pinturas de la sala “Bautismo de Cristo; Episodio en la vida de Daniel; el banquete de Baldessarre”, realizado por el Maestro de Santa Catalina, esta datado en el último decenio del siglo XIV, realizado en pintura al fresco; procede de la iglesia de San Lorenzo, estuvo situado en el ábside izquierdo en la pared derecha.

La siguiente pintura de la sala es “San Agustín Bendiciendo”, realizado por un pintor anónimo de Milán, esta datado entre 1380-1390, realizado en pintura al fresco; procede de la iglesia de San Lorenzo en la pared derecha del presbiterio.

La siguiente pintura de la sala es “Coronación de la Virgen y la Trinidad”, obra realizada por Bartolomeo y Jacopino de Reggio, esta datado entre 1355-1360, realizado en pintura al fresco; procede de la iglesia de San Lorenzo en el presbiterio pared derecha.

La siguiente pintura de la sala es “Celebración de la misa”, obra realizada por Bartolomeo y Jacopino de Reggio, esta datado en 1350, realizado en pintura al fresco; procede de la iglesia de San Lorenzo en el presbiterio pared izquierda.

La siguiente pintura de la sala es “Madona con Niño”, obra de un pintor de la provincia de Emilia, esta datado en la primera mitad del siglo XIV, realizado en pintura al fresco; procede de la iglesia de San Lorenzo en el presbiterio pared derecha.

La siguiente pintura de la sala es “Crucifixión”, obra de un pintor anónimo local, esta datado en la primera mitad del siglo XIV, realizado en pintura al fresco; procede de la iglesia de San Lorenzo en la capilla de San Antonio.

Pasamos a la Sala VII corresponde con la antecámara de la sala del trono del palacio, la característica principal son los estucados de las paredes, realizados por Paolo Frisoni siguiendo los diseños de Andrea Seghizzi.

La primera de las obras de la sala es “Alejandro Farnese asistiendo a la destrucción de la Armada Invencible ”, obra atribuida a Sebastiano Ricci, esta datado en 1687, realizado en óleo y tabla; tiene unas medidas de 200 x 420 cm.

El cuadro conmemora un hecho histórico donde se cuenta el episodio de la guerra en Flandes, el hundimiento de la flota española que Felipe II de España había reunido para llevar la guerra contra Inglaterra, que eran partidarios de los protestantes holandeses.

Históricamente la Armada Invencible no podía tener éxito para controlar la guerra por insuficiencia de medios, la adversidad producida por el gran temporal que azotaba el mar del Canal, y la táctica más eficaz de la flota Inglesa. Alexander debería de llevar la batalla en tierras de Inglaterra, pero ningún barco llegó a recoger a sus tropas. En esta pintura se reduce la responsabilidad del rey español y culpa a la furia de Neptuno, que provoca una tormenta destructiva.

La mano de Ricci se hace sentir en la organización del amplio esquema compositivo, en el tipo de figuras y caballos, en la suavidad de la ropa y del banderín de la borrasca. No es improbable el cuadro se llevará a cabo por el mismo Ricci o por seguidor, como Brescianino, pintor de corte muy activo entre 1681-1695.

Pasamos a la Sala VIII es la antigua cámara del trono, el lugar donde el duque recibía a la representación de la comunidad que disponía de audiencia, en la actualidad se exponen una serie de cuadros dedicados a los fastos de Alejandro Farnese.

La siguiente de las obras de la sala es “Gloria de los Fernesio”, obra de Giovanni Evangelista Draghi, esta datada entre 1690-1691, realizado en óleo sobre lienzo.

El cuadro representa Alejandro Farnesio, está entronizado y asistido por la fe, recibe una petición de un joven de rodillas. Es parte del ciclo de los fastos de la dinastía de los Farnese que había llegado desde Nápoles hace un año.

En la pared podemos ver “La Madonna con Bambino”, obra de un escultor anónimo local, esta datado a principios del siglo XVI, realizada en madera de álamo policromado con temple y grasa. Procede del Publico Macello de Piacenza.

La siguiente de las obras de la sala es “Retrato de Ottavio Farnase”, obra de Giulio Campi, esta datado entre 1551-1555, realizado en óleo sobre lienzo.

Giulio Campi era hijo del también pintor Galeazzo Campi, probablemente se formó en el taller paterno. Aquí adquirió un estilo algo arcaico, de cariz quatrocentista, que se encargaría de desarrollar en los siguientes años. Mantuvo una larga rivalidad con Camillo Boccaccino por la supremacía en la pintura cremonesa.

La siguiente de las obras de la sala es “Retrato de Alejandro Farnase”, obra de un pintor anónimo de Flandes, esta datado en el siglo XVII, realizado en óleo sobre lienzo.

La siguiente de las obras de la sala es “Retrato de Ranuccio Farnase”, obra de un pintor anónimo local, esta datado a finales del siglo XVII, realizado en óleo sobre lienzo, es una copia de Jacob Denys.

La siguiente de las obras de la sala es “Alejandro Farnase acepta la dedicación a las provincias valonas”, obra de Giovanni Evangelista Dragh, esta datado entre 1685-1687, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 223.5 x 411 cm.

Este cuadro de gran formato recuerda el hecho histórico de la presentación de las provincias valonas al Rey católico y su gobernador. La parte más concurrida de las figuras están desplegadas en el primer plano del cuadro y al fondo hay un paisaje con más gente. Si bien la fisonomía y la colocación de los dos embajadores recuerda al estilo de Ricci. La ejecución es muy precisa y se resuelven con la mano versátil.

La siguiente de las obras es una escultura “Elisabetta Farnese”, obra de un anónimo escultor, esta datado en la primera mitad del siglo XVIII, realizado en mármol. Se encontraba expuesta en el Palacio Maruffi de Piacenza.

Pasamos a la Sala IX corresponde con la antecámara de la alcoba tiene una serie de pinturas dedicadas a la figura de Alejadro Farnese y Juan de Austria, hijo mayor de Felipe II de España

La siguiente de las obras de la sala es “Alejandro Farnase recibe el mando del ejército de Flandes”, obra de Giovanni Evangelista Dragh, esta datado entre 1685-1687, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 265 x 425 cm.

La pintura, la más grande en tamaño dedicada a los Farnese, presenta el primer episodio de la serie "Alejandría" corresponde con la transición del mando del ejército católico por Don Juan de Austria (hermano menor de Felipe II de España y su esposa Margarita de Ottavio Farnese) a Alejandro Farnese. La escena representa el momento en que se está muriendo Juan que está acostado en una cama con dosel, mientras que ceremoniosamente entrega a manos de su sobrino Alejandro con la presencia de numerosos soldados.

La sala X es la sala de la alcoba del apartamento estucado, sobre el techo un bonito fresco dentro de un arco, la habitación fue dedicada para la lectura y el estudio, tiene una comunicación directa con el baño de la duquesa.

Tiene una serie de pinturas en el lateral dedicadas a ensalzar la figura del papa Paolo II Farnase y sus principales hechos históricos que ocurrieron durante su papado como fue el concilio de Trento y la aprobación de la orden de Compañía de Jesús.

La siguiente de las obras de la sala es “El papa Pablo III tiene la visión del Concilio de Trento”, obra de Sebastian Ricci, esta datado entre 1687-1687, realizado en óleo sobre lienzo. Se encuentra situado en la cornisa de la Sala X.

Es un lienzo de autocomplacencia donde se muestra a un Papa desplegado por los ángeles una tela que lleva reflejada una visión para identificar el momento de la inspiración para celebrar el Concilio de Trento. Entre la luminiscencia de color en el primer plano y las pinceladas oscuras del fondo destacan los tonos neutros de la sabana como una respuesta eficiente para representar una visión de un sueño.

Aquí damos por terminado la visita a la parte del Palacio no sin antes pasar por la Sala 12 y 13 que esta ocupada con artículos decorativos alfombras y porcelanas.

Bajamos hasta la siguiente planta donde se encuentra la pinacoteca, se hace por una impresionante escalinata, en la entre planta está colocada la Fuente de Moisés, proviene del refectorio del convento de San Agustín.

La primera de las obras es “Sagrada Familia con San Juanito”, obra de un pintor toscano anónimo, esta realizada en temple sobre tabla, está datada en el siglo XVI

El cuadro representa la representación de la Sagrada Familia, en este caso, destaca por la ternura del abrazo de Jesús con su primo San Juanito, el autor les representa de la misma edad, aunque en números cuadros San Juan parece ser mucho más mayor que su primo.

La siguiente obra es “San Jerónimo”, obra de un pintor anónimo, está realizada en temple sobre pergamino y fijado en tabla, está datado en el siglo XVI.

El cuadro destaca por los colores neutros que el artista ha aplicado para destacar el azul del agua, el santo se representa como un ermitaño entre una montaña rocosa, está acompañado de la figura del león que se encuentra plácidamente a su lado.

La siguiente obra es un díptico “David; Isaías”, obra de Camillo Boccacino, está realizada en óleo sobre lienzo, está datado en 1530; tienen unas medidas de 435 x 193 y 429 x 197, cm.

El cuadro pintado en 1530 para las puertas del órgano de la iglesia de Santa Maria di Campagna, de los cuales Isaías y David forman las caras exteriores. Las caras internas, que representan la Anunciación, todavía se encuentran en Santa Maria di Campagna. El profeta David era la cara exterior del ala derecha del órgano de Santa María del Campo, al lado del profeta Isaías y está fechado abajo “OPMDXXX”, como continuación de la palabra “CAMILLI” firma, el ala izquierda. Para ello las características más valiosas son el fuerte relieve plástico del cuerpo y el contrapeso de los gestos: Isaías parece abrirse paso hasta el primer piso, casi abrumado por la inspiración divina; David estaba representando sus virtudes proverbiales: el valor de la victoria (saca su pie sobre la cabeza de Goliat), la autoridad real, (la corona y la ropa espléndida), un amor por la poesía y la música (las notas escritas en pergamino y morado).

La siguiente obra es un díptico “Pitágoras; Euclides”, obra de Girolamo Mazzola Bedoli, está realizada en óleo sobre lienzo, está datado en 1545; tienen unas medidas de 365 x 217, cm.

Las dos pinturas eran una misma obra y poseen similares características: tamaño, nichos decorados, de composición y de investigación anatómica. La leyenda dice que Pitágoras había adivinado la correspondencia entre la intensidad del sonido y la masa fundamentalmente mediante la observación de las herramientas y escuchando el ruido y los trabajos de un herrero; a partir de ahí entonces él crearía la teoría numérica de la música. Euclides tiene una referencia es más directa, como el inventor de la geometría plana extendida a los sólidos y la composición de la arquitectura.

La siguiente obra es “Madonna con Bambino; San Antonio abad y Juan Evangelista”, obra de Giovan Battista Trotti conocido como Il Malosso (1556-1619), está realizada en óleo sobre lienzo, está datado en 1599; tienen unas medidas de 256.6 x 178.5, cm.

El pintor fue unos de los discípulos de Bernardino Campi, pinto muchas obras sobre temas religiosos con frecuencia Marianos para las Iglesias de San Agustín, San Juan , San Francisco, San Sixto, San Vicente. En esta pintura, el aura manifiesta una suave devoción y reconfortante contrasta con el marco arquitectónico. Con el estilo flamenco de lo real y lo particular, se destacan en primer plano los animales y objetos, incluyendo la cartela con la firma y la fecha.

La siguiente obra es “La Virgen Beata y Cristo intercediendo por la ciudad de Piacenza”, obra de Giovan Battista Trotti conocido como Il Malosso (1556-1619), está realizada en óleo sobre lienzo, está datado en 1599; tienen unas medidas de 265,5 x 178.5, cm.

La escena se desarrolla en tres niveles, en el centro es donde la Virgen se arrodilla a la derecha de Cristo, que se vuelven hacia ella con la mirada hacia el Dios padre, en el nivel superior, con un gesto de intercesión por la ciudad subyacente de Piacenza, en el nivel bajo se muestra una enorme nube con querubines entre un hueco se puede ver las iglesias y campanarios de la ciudad (más destacado es el Palazzo Farnese) y inmersos en un paisaje tranquilo con los barcos en el río Po.

La siguiente obra es “Aparición de la Virgen y el Niño a San Francisco”, obra del taller Il Malosso, está realizada en óleo sobre lienzo, está datado entre finales del siglo XVI y principios y XVII.

El cuadro representa una de las obras más tratada en la pintura donde aparece San Francisco con los brazos abiertos, la Virgen viaja sobre una nube acompañada del Niño y revoloteando unos querubines hacen signos marianos.

La siguiente obra es “La tortura de Santa Clara”, obra de un pintor anónimo de Italia central, está realizada en óleo sobre lienzo, está datado entre principios XVII.

El cuadro está protagonizado por la figura de la Virgen con el Niño, rodeada de frailes que son testigos de la tortura de Santa Clara; Nuestra Señora está vestida en rojo y el niño está dormido. La Santa está arrodillada frente a cuatro santos; testigo de la escena, se puede ver a una niña y dos hombres jóvenes, ricamente vestidos . Encima de la nube se puede ver como ángeles y querubines juegan en el cielo.

La siguiente obra es “ La Astronomía ”, obra de Jan Soens conocido como Il Flammingo, está realizada en óleo sobre lienzo, está datado entre 1580-1590; tiene unas medidas de 300 x 156 cm

La pintura servia como decoración en la paredes palacio del jardín de Parma, donde se colocaron en una habitación ubicada entre el dormitorio del Príncipe Eduardo y en su estudio. La figura alegórica de la astronomía, están enmarcadas por una arquitectura de Parmigianino. Se representa dentro de un nicho ricamente decorado, pintado en blanco y negro gris-verdoso, es una figura alta, de una actitud extremadamente elegante y manierista, en el que podemos identificar las influencias de Parmigianino, Mazzola, Bedoli.

La siguiente obra es “Madonna con el Niño y Santos”, obra de Tiburzio Passerotti (1553-1612), realizada en óleo sobre lienzo, está datado en el siglo XVII; tiene unas medidas de 265 x 176.5 cm

El cuadro representa el momento en que la Virgen entrega al niño a San Francisco, está arrodillado; detrás de él está Santa Catalina, fácilmente es reconocible por la rueda del martirio y la palma en la mano derecha, y, probablemente, Santa Ana, a juzgar por la vejez y del gesto confidencial de la mano que gira en torno a los hombros del bebé.

La siguiente obra es “Presentación en el templo”, obra de Carlo Francesco Nuvolone (1608-1661), realizada en óleo sobre lienzo, está datado en 1645; tiene unas medidas de 386 x 255.5 cm

El sacerdote, que en este caso tomó el papel del profeta Simeón, predice que el niño habría provocado la caída y el levantamiento de muchas personas y que una espada atravesaría el alma de su madre. La madre, de hecho, dejó al niño expirado en las manos del sacerdote y parece sentir el mismo temor.

La siguiente obra es “Madonna con el Niño con San Jerónimo y San Benedicto”, obra de Carlo Francesco Nuvolone (1608-1661), realizada en óleo sobre lienzo, está datado en 1665; tiene unas medidas de 386 x 255.5 cm.

El cuadro ofrece una imágenes que siguen al pie de la letra las recomendaciones del Concilio de Trento, dando una imagen de una extraordinaria vivacidad de san Jerónimo que deja al descubierto el hombro como un recurso para que el pintor describa su musculatura, en su mano el libro y sus ojos fijos en la figura de la Virgen María.

La siguiente obra es “San Bernardo de Claraval se alimenta milagrosamente de la Virgen”, obra de Domenico Fiasella (1589-1669), realizada en óleo sobre lienzo, está datado en 1665; tiene unas medidas de 286.5 x 192 cm.

La obra representa el lactato de la Virgen. La leyenda indica que cuando el obispo de Chalon visitó Cîteaux, Bernardo, entonces un joven monje, fue encargado por el abad de predicar. Temiendo defraudarles, se puso a rezar ante una imagen de la Virgen hasta quedarse dormido. En sus sueños se le apareció la Virgen , que le otorgó el don de la elocuencia al ponerle en la boca leche de su propio pecho.

La siguiente obra es “Desvanecimiento de la Virgen en la Cruz y la piedad”, obra de Giovanni Battista Merano (1632-1698), realizada en óleo sobre lienzo, está datado en 1673; tiene unas medidas de 194 x 191.5 cm.

El cuadro estuvo mal atribuido pero 1673 se le adjudicó al pintor lombardo Giovanni Battista Merano, gracias al descubrimiento en la fase de limpieza de la firma del artista y la fecha. Los críticos han señalado ya varias referencias culturales en los lados con la disposición de la cruz, donde aparece la figura de María que tiene la Madonna en su desmayó, y también por el vaporosidad especial de los pliegues de las mangas que describen sus vestimentas.

Pasamos a la obra pictórica más importante del museo se trata “La Virgen adorando y el Niño con san Juanito”, obra de Sandro Botticelli, esta datada entre 1475-1480; tiene una medida de 96 cm de diámetro.

El cuadro es un raro ejemplo del estilo refinado de la pintura del famoso artista toscano Botticelli . Destaca el gesto de espontaneidad del niño de una clara influencia flamenca, describe como significado a la referencia de la costumbre judía de la circuncisión. La misma capacidad de combinar la naturaleza y la concentración de la investigación religiosa profunda encuentra, en la Virgen , por la gracia y la pureza de los rasgos faciales y, sobre todo, para la expresión de la figura, atrapado en el acto de doblar un poco la cabeza hacia el hombro, indica un sentimiento de veneración es un movimiento producido por inmediatez de la emoción.

En la parte inferior del parapeto se puede leer la inscripción en letras doradas “QUIA RESPESIT HUMILITATE ANCILE SUE” proviene del himno Magnificat, que surge del Evangelio de Lucas.

El marco dorado es original; conserva muestras de policromía que sugieren que las hojas de la parte media eran de color verde originalmente lacadas. Las hojas, las espigas de trigo, flores y cintas alusivas es una alegoría a la fertilidad, la vitalidad y a la salvación.

La siguiente sala ocupa el numero XIX y está dedicada a mostrar la pintura más antigua “Madona en el trono con el Niño y santos, Crucifixión y Anunciación” , obra atribuida a Jacopo del Casentino, esta datado en el siglo XIV, realizado en pintura al temple sobre madera.

Es un pequeño altar, usado para devoción doméstica, se representa a la Madona sobre un trono de estilo gótico con un niño que está acompañada de dos santos, uno de ellos es femenino y el otro masculino , en el lateral derecho, con el que se cierra el cuadro, se representa una escena de la crucifixión y en el izquierdo la anunciación de la Virgen, esta atribuido a Jacopo del Casentino siguiendo los modelos de Giotto.

La siguiente obra “Madona en el trono con el Niño”, obra de un pintor anónimo, esta datado en el siglo XIV, realizado en temple sobre madera, obedece a la escuela Toscana.

Este cuadro pude ser atribuido Andrea di Cione, conocido como Orgagna, por el tipo de escuela florentina se ha datado que pudo ser pintado entre 1343 y 1368. Tiene cierta inspiración en el estilo naturalista de Giotto, siguiendo los modelos de finales del siglo XIII con fuerte tradición Bizantina, especialmente visible en la posición hierática de la Virgen.

La siguiente obra “Madona en el trono con el Niño, santos y ángeles”, obra atribuida a Jacopo di Cione, esta datado en el siglo XIV, realizado en temple sobre madera, obedece a la escuela Toscana.

La Virgen se representa en mayor tamaño que los seis santos que la rodean: San Juan Bautista, San Antonio, San Lorenzo, Santa Catalina, los otros dos santos no han sido identificados. El cuadro tiene una fuerte inspiración de la pintura del maestro naturalista Giotto sobre todo por la fuerte definición de las pinceladas.

La siguiente obra “Madona con el Niño”, obra atribuida a Guiovanni da Milano, esta datado entre 1346 y 1369, realizado en temple sobre madera, obedece a la escuela Toscana.

El cuadro tiene una fuerte inspiración Bizantina con el uso de los dorados, el niño lleva en su mano derecha un pajarito símbolo del sacrificio divino, destaca por la suntuosidad de los vestidos con unos preciosos brocados, sigue el modelo del maestro Giotto y ofrece una característica gótica de su tiempo.

La siguiente obra “Madona de la humildad y ángeles”, obra de un pintor anónimo, esta datado en el siglo XIV, realizado en temple sobre madera, obedece a la escuela Toscana.

El cuadro representa a una alta imagen de la Virgen siguiendo la tradición Bizantina, La virgen tiene un vestido con una rica decoración donde aparece el escudo del ducado de Anjou, seguramente fue encargado por Robert de Anjou.

La siguiente obra “Adoración de los Magos”, obra de Simone de Crocifissi, esta datado entre 1365-1396, realizado en temple sobre madera, obedece a la escuela de Bolonia.

Simone de Filippo Bienvenuti era hijo de zapatero Filippo Bienvenuti, Simone será renombrado como el pintor de los crucificados, principalmente por la habilidad de pintar grandes imágenes del Redentor clavados en la cruz. Está documentado como pintor en Bolonia desde 1354 a 1399. Comenzó su carrera en 1355, probablemente después de haber trabajado en el taller de Vitale da Bologna.

La siguiente obra “Madona en el trono con el Niño”, obra de un escultor anónimo, esta datado en el siglo XIV, realizado en madera policromada, obedece a la escuela de Toscana.

La obra representa a la Virgen sobre un trono con unos ropajes de pliegues góticos, es de un autor tosco, todavía se aprecia los restos de la antigua policromía.

La siguiente obra “Historia de Enea”, obra de Dello Delli, esta datado en el siglo XV, realizado en temple sobre madera, obedece a la escuela de Toscana.

Niccolò Delli o Dello Delli nacido en Florencia de 1403, murieron alrededor de 1466, es un pintor y un escultor italiano del siglo XV, cuyo trabajo se relaciona con la corriente del primer renacimiento.

La siguiente obra “Madona con el Niño en el trono, ángeles, Santo Mártir y Anunciación”, obra de Andrea da Firenze (1346-1379), esta datado en el siglo XIV, realizado en temple sobre madera, obedece a la escuela Toscana.

Estamos ante una obra de pequeño tamaño, utilizada como un altar portátil para devoción privada. El pintor describe en el tríptico una fuerte influencia gótica heredera del maestro Giotto.

La siguiente obra “Coronación de la Virgen, San Juan Bautista, San Nicolás y Anunciación”, obra de Giovanni da Ponte (1385-1437), esta datado en el siglo XV, realizado en temple sobre madera, obedece a la escuela Toscana.

Giovanni dal Ponte, también llamado Giovanni di Marco y Giovanni di Santo Stefano, (Florencia, 1376-1437) fue un pintor italiano, activo en su ciudad natal de Florencia. Fue discípulo de Buonamico Buffalmacco y pintó retratos y pintura de tema religioso. También trabajó en Arezzo.

La siguiente obra “Madona en el trono con el Niño bendiciendo, ángeles, San Antonio y Bartolomé”, obra de Rosello di Jacopo di Francesco (1377-1456), esta datado en el siglo XV, realizado en temple sobre madera, obedece a la escuela Toscana.

Esta obra tiene una gran influencia del maestro Lorenzo de Monaco se distinguen sus obras por su sabor y gracia particular. La pintura es un tanto arcaica con un estilo gótico y ciertas reminiscencias Bizantinas.

La siguiente obra “Madona de la leche, Santo y Santa”, obra de un pintor anónimo, esta datado en el siglo XIV, realizado en temple sobre madera, representativo de la escuela Toscana.

La obra tiene una clara influencia del arte bizantino ya entonces recibió la denominación Galactotrofusa. En la cristiandad latina la advocación se hizo muy popular, con la denominación Virgo lactans, en los siglos finales de la Edad Media (es habitual usar la expresión Madonna lactans mezclando latín e italiano) . Fue particularmente utilizado por la Escuela de Siena del Trecento (siglo XIV), pero se difundió por toda Europa Occidental.

La siguiente obra “San Pablo”, obra de un pintor anónimo, esta datado en el siglo XIV, realizado en temple sobre madera, representativo de la escuela Toscana.

San Pablo, nació entre los años 5 y 10 d. C. en Tarso de Cilicia (actual Turquía centro-meridional) y murió martirizado bajo el gobierno de Nerón entre los años 58 y 67 en Roma, es conocido como el Apóstol de los gentiles, el Apóstol de las naciones, o simplemente el Apóstol, y constituye una de las personalidades señeras del cristianismo primitivo.

Entre los atributos como se representa es la larga espada con un libro o incluso por algunos con un rollo de pergamino, tiene un pelo y barba larga y negra.

La siguiente obra “Madonna con Bambino”, obra de un pintor anónimo, esta datado en el siglo XV, realizado en temple sobre madera, representativo de la escuela Toscana.

La Virgen con el niño tiene unas claras reminiscencias Bizantinas, lleva una capa con la marca de la estrella, el niño se representa regordete y agarrándose al vestido de la madre que significa la unión.

La siguiente obra “Madonna con el Niño bajo el manto”, obra de un pintor anónimo, esta datado en el siglo XV, realizado en temple sobre madera, representativo de la escuela Toscana.

La siguiente obra “Madonna con el Niño bendiciendo”, obra de Bernardino Fungai, esta datado en el siglo XV, realizado en temple sobre madera, representativo de la escuela Toscana.

Bernardino Fungai (Siena, 1460 - Siena 1516) fue un pintor renacentista italiano relacionado con la escuela sienesa que él prolongó con un acusado arcaísmo; probablemente estudió en los talleres de los maestros de la ciudad de Siena porque se tienen noticias de haber sido aprendiz de Benvenuto di Giovanni, pintor de la ciudad en 1482, trabajando con él en los frescos monocromos.

La siguiente obra “Madonna con Bambino”, obra de Lazzaro Bastiani, esta datado en el siglo XV, realizado en temple sobre madera, representativo de la escuela Toscana.

Lazzaro Bastiani nació en Padua, ciudad donde está documentada su actividad como pintor en 1449. Ya en 1460 le encontramos trabajando en Venecia, concretamente en la iglesia de San Samuele.

Parece que se formó como artista en el taller de Antonio Vivarini, aunque es evidente la influencia de Andrea del Castagno en su primer estilo, que comprende una serie de obras realizadas desde la década de los sesenta. Bastiani presta gran atención al diseño y la perspectiva, con gusto por el detalle

La siguiente obra “Retrato de un joven mercenario”, obra de Justus Sustermans (1597-1681), esta datado en el siglo XVII, realizado en óleo sobre tela, representativo de la escuela flamenca.

Justus Sustermans formado originalmente en Amberes en la escuela de Willem de Vos (1609), sobrino del más célebre Marten de Vos. Tras una estancia en París (1616) en el estudio de Frans Pourbus el Joven, pronto marchó a Florencia (1620) para colocarse bajo el patronazgo de los Médici, donde pronto se convirtió en el pintor de cámara de los grandes duques Cosme II de Médici, Fernando II de Médici y Cosme III de Médici.

La siguiente obra “Retrato de una dama noble”, obra de Justus Sustermans (1597-1681), esta datado en 1630, realizado en óleo sobre tela, representativo de la escuela flamenca.

El cuadro representa a una mujer de alta esfera social vestida con un vestido que supone una variación del guardainfante formado por una especie de armazón redondo muy hueco hecho de varas flexibles unidas con cintas utilizados en la cintura por las mujeres durante el siglo XVII.

La siguiente obra “Venus y Cupido”, obra de Paulus Moreelse (1571-1638), esta datado entre 1630-1638, realizado en óleo sobre tela; tiene unas medidas de 45.1 x 38.7 cm.

Paulus Moreelse se dedico la última parte de su vida como pintor a una producción de pinturas mitológicas un tanto arcadias. Probablemente a partir de 1620 en adelante, pintó las señoras rubias, con el pelo largo y suelto sobre los hombros, a menudo vestidas como pastoras, en la actitud lánguida, a veces un poco blanda. En la pintura, podemos conocer la suavidad del diseño; el pincel es amplio y con suaves tonos cálidos.

La siguiente obra “San José”, obra de Roberto de Longe (1646-1709), esta datado entre 1688-1690, realizado en óleo sobre tela; tiene unas medidas de 186.5 x 129 cm.

El lienzo muestra un tono patético cual era el sentimiento de los artistas que trabajaron en la escuela de Piacenza, a principios de los años ochenta del siglo XVII. La pintura contrasta con el estilo más pulido de los artistas contemporáneos, pero hay que tener en cuenta que este San José pudó haber sufrido algún daño que ha alterado el resultado del actual cuadro.

La siguiente obra es un díptico “Sacrificio de Isaac; Agar e Ismael”, obra de Roberto de Longe (1646-1709), esta datado entre 1700-1709, realizado en óleo sobre tela; tiene unas medidas de 215 x 95 cm., cada uno.

Los dos cuadros están basados en los textos del Antiguo Testamento, y más concretamente desde el Génesis, tienen afinidad particular. En ella se muestra la repentina aparición de un ángel cuya intervención evita la muerte segura de un joven. En la primera, Agar, abandonada por Abraham y la expulsión de la casa.

La siguiente obra es un díptico “David con la cabeza de Goliat”, obra de un pintor anónimo romano, esta datado en el siglo XVII, realizado en óleo sobre tela; corresponde a la escuela de pintura de Roma.

El tema representado en esta pintura aparece descrito en la Biblia. Corresponde al momento cuando el joven pastor David da muerte con su honda al gigante Goliat y le corta la cabeza para exhibirla en triunfo.

La siguiente obra “Joshua se detuvo al sol”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado entre 1721-1726, realizado en óleo sobre tela; tiene unas medidas de 186.5 x 129 cm.

El cuadro representa una de las batallas decisivas del pueblo de Israel en su camino hacia la tierra prometida: Joshua pidió a Dios que detenga el sol y la luna para ser capaz de destruir a los atacantes amorreos. La escena es espectacular: en una vasta llanura rodeada de montañas representa una batalla tumultuosa. El sol indicado por Joshua se sitúa en el centro (detrás de las montañas, mientras que a la derecha se puede ver la luz de la luna). El efecto pictórico es extraordinario y mejora la lucha y figuras.

La siguiente obra “El pueblo hebreo conducido por Moisés y Aron”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado en el siglo XVIII, realizado en óleo sobre tela.

La obra habla de la historia del libro del Éxodo, cuando Moisés recibió de Dios la tarea de hablar con el faraón de Egipto, dijo, no puede hacer eso porque estaba tartamudeando. Dios entonces le ordenó ir acompañada de Aaron, que hable por él. Desde entonces Aaron iba siempre en el lado de Moisés, y más tarde se convirtió en el primer sumo sacerdote de judaísmo.

La siguiente obra “Escena de una batalla”, obra de Francesco Monti (1646-1712) conocido como Il Brescianino, esta datado entre 1670-1680, realizado en óleo sobre tela.

Francisco Monti fue el pintor y gran maestro de Ilario Spolverini, era conocido con el sobrenombre de “il brescianino delle battaglie” por su especialización en esta temática, aprendida a su vez de su maestro, el borgoñón Jacques Courtois, conocido en Italia como “Giacomo Cortese” (1621-1676) o “il borgognone delle battaglie”. Este pintor oriundo del Franco Condado –en la época posesión española– se traslada a Milán que también estaba bajo la corona española en 1636, enrolándose en el ejército español hasta 1639, de ahí su especialización pictórica en batallas y episodios bélicos.

La siguiente obra “Choque de los caballeros”, obra de Francesco Monti (1646-1712) conocido como Il Brescianino, esta datado entre 1670-1695, realizado en óleo sobre tela.

Francesco Monti es el pintor que denota en su paleta el gran interés que tiene este por las batallas entre las milicias europeas y se convierte en el mayor especialista en esta orden de ideas iconográficas en el norte de Italia durante la segunda mitad del siglo XVII de la mano de familia Farnese, muchas de sus pinturas se encuentran en su palacio de Piacenza.

La siguiente obra “La comunidad de Parma ofrece las llaves de la ciudad a don Carlos de Borbón”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado en 1733, realizado en óleo sobre tela.

Carlos III era el hijo mayor de la segunda esposa de Felipe V de España y Elisabetta Farnese, fue en la infancia solamente tercero en la línea de sucesión al trono español, por lo que su madre trabajaba para darle una corona en Italia reclamando la herencia de la Farnese y Medici, estas dos estaban cerca de la extinción dinastías italianas. Gracias a una combinación eficaz de la diplomacia y las intervenciones armadas, su madre tuvo éxito en la obtención de reconocimiento por parte de las potencias europeas de los derechos dinásticos de Carlos el Ducado de Parma y Piacenza,

La siguiente obra “Campo de batalla”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado a principios del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

Esta obra es muy parecida a cualquiera de las pinturas realizadas por su maestro Francesco Monti, era una especialidad en la pintura muy demandada por todas las casas reales y nobles de toda Europa. Muchas de estas batallas no tienen nombre son escenas figuradas en la mente del pintor.

La siguiente obra “Un príncipe Farnese a caballo con jinetes en un río”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado a principios del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

Ilario Spolverini es contratado por Duque Farnese para convertirlo en pintor de corte; cargo que obtiene, según Ceschi Lavagetto, en 1695, correspondiendo este nombramiento al sucesor de Ranuccio II, su hijo Francesco I. En la serie de pinturas lo que trata el pintor es de ensalzar la figura y la historia de la dinastía de los Farnesio.

La siguiente obra “Encuentro de dos príncipes a caballo”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado a principios del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

Aunque Spolverini es un pintor básicamente de batallas pero más adelante es utilizado por los duques de Farnesio para la elaboración de pinturas para conmemoraciones de ceremonias y fiestas.

La siguiente obra “Llegada de un príncipe guerrero”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado a principios del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

Este tipo de cuadros fueron realizados para ensalzar la nobleza y el dominio de su sangre ante los soberanos y se convierten en el centro neurálgico del poder de la corte. En este caso el pintor trata de ensalzar la capacidad de sacrificio y de guerrear que tenia la dinastía de los Farnesio.

La siguiente obra “Llegada del duque de Francesco Farnese”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado a principios del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

Francesco Farnese (Parma, 19 de de mayo de 1678-Piacenza, 26 de de febrero de 1727) fue el séptimo Duque de Parma y Piacenza desde el 12 de diciembre 1694 a la muerte. Gracias a su trabajo la casa Farnese volvió de lleno en el centro de la gran política.

La siguiente obra “Alessandro Farnese recibe el cetro de oro”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado a principios del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

Alessandro Farnese, fue el tercer Duque de Parma y Piacenza, el cuarto Duque de Castro (Roma, 27 de de agosto de, 1545- Arras, 3 de diciembre de 1592), fue un gran militar convirtiéndose en general italiano.

Durante mucho tiempo en España sirvió como comandante del ejército de Flandes, era uno de los más grandes líderes de los siglo XVI gracias a sus victorias que dieron forma al aspecto geopolítico de la Europa moderna.

La siguiente obra “Alegoría de la construcción del castillo de Piacenza”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado a principios del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

En la pintura representa al duque Pier Luigi a caballo, está rodeado de soldados y figuras alegóricas: la fama, vestido de rojo y oro, muestra sobre un papel el plano con planta del castillo. Fama se acompaña de un querubín, con signos del zodíaco, y la representación alegórica del tiempo. En el fondo se representa una ciudad. La pintura era parte de las colecciones de los Farnesio trajeron a Nápoles en 1736.

La siguiente obra “Batalla contra los turcos”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado a principios del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

La vida de Alejandro Farnesio está marcada por hechos y batallas militares, una vida por y para lo militar, así pues la vida del duque de Parma está envuelta de acontecimientos bélicos, de luchas, entre las más importantes de las referidas a los Países Bajos y a la batalla de Lepanto contra los turcos.

La siguiente obra “Batalla contra los turcos”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado a principios del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

Esta es otra de las obras que ensalza la defensa de la religión católica sobre todo manifestada en la batalla de Lepanto, luego el duque fue enviado en otra misión el rey Juan de Austria se había convertido en gobernador de los Países Bajos, para que lo socorriese en su lucha contra los protestantes Juan de Austria puso a Farnesio al frente de los tercios de Italia, con los cuales emprendió la campaña de Flandes.

La siguiente obra “Alejandro de Farnesio recibe la espada pontifical”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado a principios del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

En la pintura que se representa Alejandro lleva una armadura y una capa roja. Se trata del momento en que se celebró el acto de recibir ayuda de cámara del Papa de la espada papal, en presencia de ciertos príncipes.

La siguiente obra “Felipe II nomina a Alejandro de Farnesio gobernador de Flandes”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado a principios del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

Ante los problemas de la sublevación de algunas provincias de Flandes, los tercios españoles se reunieron en Italia y Felipe II puso Alejandro Farnesio al mando de un poderoso ejército.

Alejandro era un gran general italiano, pero también demostró sus dotes como diplomático a los tres meses, en enero de 1579, cuando consiguió, mediante la Unión de Arras llevar de nuevo a la obediencia a la corona española a las provincias del sur de Flandes que se habían unido a Guillermo de Orange en su rebeldía.

Tan pronto como obtuvo una base de operaciones segura en la provincia de Hainaut y Artois (Bélgica) se dispuso a reconquistar las provincias de Brabante y Flandes (Bélgica). Una ciudad tras otra fueron cayendo bajo su control que ofrecieron resistencia hasta llegar frente a Amberes (Bélgica) a la que reconquisto en 1584 con los tercios venidos de España. El asedio de Amberes exigió todo el genio militar y fuerza de voluntad de Alejandro para completar el cerco y finalmente rendir la ciudad el 15 de agosto de 1585 donde nuestros queridos tercios españoles se dejaron la piel. El éxito militar de Alejandro volvió a poner en manos de la corona española todas las provincias del sur de los Países Bajos.

El museo comienza aquí una exposición que se titula “I Fasti di Elisabetta”, la última Farnese. El término Fastos es un conjunto de actuaciones autocomplacientes que mejoran la reputación de la dinastía Farnese a través de la representación pictórica de los principales eventos en los que los protagonistas son miembros de la familia.

El Fasti Farnese se divide en dos ciclos. Un primer conjunto consta de las pinturas encargadas por Ranuccio II para el apartamento de estuco, pintado por Giovanni Evangelisti Draghi, Sebastiano Ricci y otros, realizados entre 1685 y 1687; estas son las historias de Papa Pablo III y Alejandro Farnesio. Las pinturas fueron trasladadas a Nápoles por orden de Carlos de Borbón en 1734, en 1928 regresaron a la ciudad de Piacenza, son sólo una parte del ciclo original, ya que algunas pinturas están todavía hoy en Nápoles.

El segundo grupo incluye pinturas hechas en 1714 por Ilario Spolverini, el encargado de continuar el ciclo, y representan la unión Elisabetta Farnese con Felipe V de España, comenzó este nuevo ciclo en 1714. Las pinturas originales se dividen entre el Palazzo Farnese, el Palacio Real y el Ayuntamiento de Parma.

La siguiente obra “Elizabet se reúne con los cardenales y Gozzadini Acquaviva”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado entre 1714-1717, realizado en óleo sobre tela.

La obra comienza la serie de pinturas que el museo dedica al matrimonio de Elisabetta Farnese con el rey de España, Felipe V, contrajeron matrimonio en 1714, también significa el final de una historia familiar que comenzó con el matrimonio en 1538 de Ottavio con Margarita de Austria, hija del emperador Carlos V.

La boda última de la duquesa Farnese con el rey de España se ha atribuido a la astucia diplomática del cardenal de Piacenza, Giulio Alberoni.

Las pinturas que pertenecen al ciclo de las celebraciones de la boda, hecha por Ilario Spolverini entre 1714 y 1717, están divididos por desgracia hoy en día entre el Museo Cívico de Palacio Farnese, el Palacio Real y el Ayuntamiento de Parma.

La siguiente obra “La entrada en Parma del cardenal Gozzadini flanqueado por el cardenal Acquaviva y el duque Francesco Farnase”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado entre 1717-1719, realizado en óleo sobre tela. La obra fue cortada en al menos tres trozos que ahora se han vuelto a unir, las medidas actuales son: 277, 5 x 350 cm corresponden con el ala izquierda; 100 x 70 cm es la parte central; y 140 x 277,5 cm es el ala derecha.

Estamos ante una de los lienzos más importantes del museo por su calidad, por sus dimensiones y por su historia. Los fragmentos descritos anteriormente, se unieron en el orden en el que se encuentran, forman una sola pintura de gran tamaño.

La pintura representa la parte central y los extremos a la procesión que se formó en Parma para el evento compuesta por el cardenal legado Ulisse Giuseppe Gozzadini, obispo de Imola, enviado por el papa para asistir a la celebración del matrimonio de Isabel de Farnesio y Felipe V, cuyo poder fue otorgado por el duque Francesco. La cabeza de la procesión la formaban los prelados y el primer carro, estaban acompañados del cardenal legado corresponde a la parte de la pintura que se corto y se conservaba en el Salón de Parma; la parte de la pintura que estuvo expuesta en el museo de Piacenza, correspondía a la parte principal del desfile para la boda.

El cuadro constituye una representación maravillosa de esa escena histórica tan colosal, en el que el duque está acompañado de innumerables figuras, todos pintados cuidadosamente donde se caracteriza con una alta calidad estética. Alrededor de los bordes se aferran las multitudes en las calles de la ciudad, pintándose en actitudes y gestos significativos, con atención especial por ser un género realista formado por grupos de personas que están con el charlatán o el perro que se puede ver en el primer plano.

La procesión de Santa Lucía por el cardenal Gozzadini hasta llegar al Duomo se puede ver como era la fachada de la catedral , aquí aparece adornada con festones, cortinas, tapices, cuatro escudos de armas; También están decoradas festivamente los edificios circundantes, con pancartas y cortinas blancas o de color rosa. El desfile de carros, sillas de mano y caballos serpentean delante de la catedral sobre sí mismos varias veces, aumentando la sensación de profundidad en la multitud. Los monumentos y edificios son testigos de todo el gusto del siglo XVIII de las fachadas pintadas con frescos y estucos. Se presentan y se deforman con una forma prospectiva, como en una visión desde abajo hacia arriba. Sin explicación son las dos altas torres, una en frente de la catedral, la otra detrás, enfrente de San Juan Evangelista; podrían significar las dos torres de Bolonia, la ciudad de origen del cardenal. El rojo y el azul son los colores que destacan más claramente.

La siguiente obra “La reina Elizabeth se despidió de la Corte en la montaña Cento Croci”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado entre 1721-1722, realizado en óleo sobre tela.

El cuadro representa la parada que hace la reina después de un día completo de viaje en Borgotaro para descansar el 25 de Septiembre. La reina Elisabeth recibido las salvas de ordenanza disparadas por cañones desde la fortaleza Compiano, llevándola en una silla hasta el Monte Cento Croci.

La reina se despide de su padre el duque Farnesio, acompañado del cardenal Acquaviva y de los miembros del Tribunal antes de continuar su viaje.

Los señores y señoras que lo acompañan ya han reanudado su viaje en una larga procesión que serpentea a lo largo de las curvas de la carretera.

Es una de las obras más exitosas del pintor por la perspectiva ingeniosa que consigue presentar un paisaje a vista de pájaro que deja ver las montañas, los valles, los ríos y los bosques.

La siguiente obra “Encuentro del duque Francesco con el cardenal Gozzadini”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado entre 1714-1717, realizado en óleo sobre tela.

La obra corresponde a un contexto histórico, los primeros años del siglo XVIII, el ducado de los Farnese pasa un periodo económicamente desastroso, sobrecargados por los impuestos que el duque se había comprometido a pagar, siempre y cuando se retiraron las tropas imperiales después de la Guerra de Sucesión Española. Los límites del ducado son constantemente agredidos por los alemanes.

Es el cardenal Giulio Alberoni, de la ciudad de Piacenza, estaba en colaboración con los Farnese y el primer ministro de Felipe V de España, le hace sugerir al rey para elija a su segunda esposa, Isabel de Farnesio. El cardenal Alberoni quiere devolver el prestigio y la ambición de los acontecimientos históricos desafortunados habían hecho perder el ducado. La boda se celebra 16 de de septiembre de 1714 en la catedral de Parma por poder. Y se organizarán celebraciones fastuosas por el Duque Francesco, también acompañado del legado papal el cardenal Ulisse Gozzadini.

La siguiente obra “Visita a la corte”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado entre 1715-1717, realizado en óleo sobre tela.

La llegada de Isabel de Farnesio a España despertó la curiosidad de las distintas cortes europeas que, a través de sus embajadores, deseaban conocer aspectos de su personalidad. Ella tenia diferente a la primera esposa del rey “gusto delicado”, Isabel, se transformaba en el “gusto refinado”. Mujer culta y amante de las bellas artes , especialmente de la pintura .

La siguiente obra “Felipe V e Isabel de Farnesio delante de su primogénito”, obra de Ilario Spolverini (1657-1734), esta datado en 1716, realizado en óleo sobre tela.

Carlos nace el día 20 de enero de 1716, entre las tres y las cuatro de la madrugada, en el viejo, inmenso y destartalado Alcázar, nacía el niño que con el paso de los años iba a ser investido como rey de España con el nombre de Carlos III. Fruto del matrimonio de Felipe V con su segunda esposa, Isabel de Farnesio, mujer de fuerte personalidad y opinión política propia, el nuevo infante venía al mundo con pocas posibilidades de ser proclamado rey de la vasta Monarquía hispana. Su infancia transcurrió dentro de los cánones establecidos por la familia real española para la educación de los infantes. Hasta la edad de los siete años fue confiada al cuidado de las mujeres, siendo su aya la experimentada María Antonia de Salcedo, persona a la que siempre guardó gratamente en su recuerdo.

En la planta baja podemos ver otra sección dedicada al Museo de Carruajes es uno de los más prestigiosos de Italia, no sólo por la variedad y riqueza de las piezas presentes, pero sobre todo por su estado de las piezas. Durante la restauración, de hecho, los especialistas sólo estaban sujetos a la intervención necesaria y mínima, confiada al cuidado de los expertos.

La colección fue iniciada en Piacenza gracias a una donación considerable (treinta ejemplares) por el conde Silvestro Brondelli de Brondello, que en 1948 dio a la ciudad su colección que había recibió de una herencia de su tío, un coleccionista refinado y experto en carruajes, el conde Dionigi Barattieri San Pedro.

Esta gran colección se encuentra en el sótano de las instalaciones del palacio, y fue abierto al público, en parte, en 1990 y finalmente se abrió en 1998.

La colección cuenta con varias piezas que van cronológicamente desde 1700 hasta la llegada del autotransporte, se añaden también un coche fúnebre, uno de los bomberos, un carro con una escala, una serie de sillas de paseo para niños, cochecitos de bebé, un hermoso carro siciliano y un trineo.

Más adelante pasamos por la salas de arqueología, destaca el instrumento encontrado que se llamó “Fegato de Piacenza”, es un artefacto de bronce con inscripciones de los Etruscos, utilizado por los sacerdotes para la adivinación.

Esta datado en el siglo I-II a C y mide 126 x 76 x 60 Mm., el artefacto fue encontrado por un campesino mientras araba 26 de de septiembre de 1877 en Ciavernasco.

El instrumento se subdivide en dieciséis regiones marginales (que representan la división del cielo –el templo celeste– según el principio etrusco) y veinticuatro regiones internas. Cada región está grabada con el nombre de una deidad (cuarenta inscripciones en total). Los sacerdotes etruscos (adivinos) utilizan estos modelos para la interpretación de las entrañas de los animales sacrificados y derivan auspicios de la suerte.

Aquí damos por terminado nuestra visita de la mañana a este interesante espacio cultural de Piacenza. El resto del día lo vamos a dedicar a descubrir otros espacios del arte.

Accidentalmente pasamos por la via Teverna Giuseppe y en el número 41 descubrimos una de las iglesias más antiguas de la ciudad, estuvo dedicada a la veneración de los santos Nazzaro y Celso. Desde el siglo XIX esta desacralizada. En 1902 la iglesia fue cerrada al culto y se utiliza como almacén y el hogar con un torno, mientras que la parroquia fue transferida al Santo Sepulcro.

En la actualidad ha sido rescatada para la cultura y se ha instalado una galería de exposición pero antes se produjo una importante restauración atendiendo a los diferentes períodos del monumento: el románico con su arquitectura básica, siguientes modificaciones efectuadas durante el renacimiento, el estuco del siglo XVII, en la década del siglo XIX se introduce una importante decoración.

En el momento de la visita la galería ofrece una retrospectiva de los artistas: Liviana Zanacchi con sus obras de escultura con claras referencias sagradas; Elena Criballeti presentas sus nuevas esculturas; y Emilio Sgorbati sus pinturas.

El interior hay una combinación perfecta y diferenciada entre las obras de la galería y la antigua decoración de la iglesia perfectamente restauradas donde en sus paredes podemos ver algunos ejemplos de la pintura local del siglo XVI y XVII.

En una de las capillas podemos ver “Santa Orsola” obra de un pintor anónimo lombardo, está datado en el siglo XVII, realizado en óleo sobre lienzo.

Desde aquí caminamos en dirección a la via San Nazzaro, 4 donde se encuentra la Iglesia del Santo Sepulcro, en la actualidad está dedicada al culto ortodoxo.

La antigua iglesia fue construida entre 1513 y 1534 por encargo de los monjes olivetanos en el barrio donde hace siglos había una iglesia dedicada al Santo Sepulcro. Durante el período napoleónico la iglesia fue cerrada al culto y se transformó en un hospital militar y sólo en 1903, gracias a la intervención del Obispo Scalabrini, fue reabierta al culto después de un extenso trabajo de restauración. Junto a la iglesia está el antiguo convento de los Padres Olivetani con dos hermosos claustros incorporados en los espacios del Hospital Civil. El interior es muy amplio, dividido por pilares y se caracteriza por una decoración al fresco con grisallas que serpentean como una cinta en la parte superior de los arcos de soporte de los pasillos. La zona del presbiterio contiene esculturas de Pablo Perotti.

Más adelante llegamos hasta la plaza de las Cruzadas número 5 donde se encuentra la Basílica de Santa María de la Campagne , del siglo XVI.

La iglesia se encuentra en el sitio previamente ocupado por otro edificio sagrado (el santuario de Santa Maria di Campagnola) levantada para adorar la imagen de madera de la Virgen con el niño que data del siglo XIV; aquí , según la tradición, el Papa Urbano II en 1095, anunció la intención de prohibir la primera cruzada a Tierra Santa.

La iglesia es de planta central, de acuerdo con un patrón bastante común que se caracteriza por la armonía de la disposición de espacios y volúmenes dispuestos de manera esencial y equilibrada los últimos años; armonía que, de alguna manera, se altera a finales del siglo XVIII cuando las intervenciones estructurales alargan uno de los brazos para dar forma al coro y al presbiterio actual.

Excepcionales son las decoraciones y frescos que cubren su interior. Entre los artistas que han trabajado con gran escala es Giovanni Antonio de Sacchis conocido como el Pordenone.

Sobre la pared de la entrada, podemos ver a San Agustín, y poco después la capilla de los Tres Reyes pintada por el artista, así como la siguiente capilla de Santa Catalina.

En las pinturas de la sacristía podemos ver obras Gaspare Landi y de Giulio Campi; la capilla de San Antonio presenta obras de Pietro Antonio Avanzini, Camillo Procaccini y de Bibiena; el brazo derecho del presbiterio tiene obras de Alessandro Tiarini, Antonio Triva e Ignazio Stern; en la capilla de la Santa Victoria Martir hay obras de Ferrante Moreschi, Bernardino Gatti (San Giorgio matando el dragón), Paolo Bozzini, Ludovico Pesci e Daniele Crespi.

En todas partes del poderoso complejo de la cúpula que se eleva en el centro de la cruz griega en la linterna representa el Padre Eterno con el apoyo de un coro de ángeles que descienden con los personajes y representa las historias del cristianismo; los frescos son obra de Pordenone y Sojaro.

El suelo de mármol de varios colores es el artista milanés Giambattista Carra (1595), también notable estatua de Ranuccio I Farnese por Francesco Mochi (1616).

Continuamos hasta la vía San Sisto núm. 9 donde encontramos la Chiesa de San Sixto. La iglesia es de origen medieval: fue fundada en el año 874 por la reina Angilberga, esposa del emperador Luis el Piadoso, que la agrego a un monasterio de monjas benedictinas, más adelante se convirtió en abadesa en el año 882. Al monasterio se atribuyeron los derechos y privilegios de las grandes extensiones del norte de Italia Durante viarios siglos se sucedieron varias órdenes de monjes y monjas se turnaron en el uso monasterio hasta 1425 en que se construyó la iglesia actual que data de la primera década del siglo XVI. La fachada tiene Los tres órdenes arquitectónicos griegos son: dórico, jónico y corintio, en el rico portal principal esta la estatua de San Sixto.

El interior está formado por tres naves con veinte arcadas sostenidas por columnas de granito; sobre los arcos son todavía visibles antiguos medallones con frescos donde se representan a dieciocho emperadores o abades.

En el centro se encuentra una cúpula que sirve de linterna. La cúpula en el centro del crucero fue pintado por Bernardino Zacchetti. Los dos ábsides al final del crucero principal alberga la tumba de Margarita de Austria y la capilla monumental de Santa Bárbara. El crucero principal está pintado con un patrón de falsos cajones.

En esta iglesia se encontraba pintado el gran cuadro de Rafael “Madonna Sixtina”, que los benedictinos lo vendieron en 1754 a Augusto III, rey de Polonia y ahora está en la Gemäldegalerie de Dresde; el original está reemplazado por una copia del pintor de Piacenza Pa Avanzini (1656-1733). Digno de mención son los claustros y el coro de madera, un precioso ejemplo de la tallas del siglo XVI.

Desde aquí caminamos hasta la plaza Cavelli, es el centro neurálgico de la vida de Piacenza y corresponde al centro medieval, centro histórico y político de la ciudad se abrió para permitir la construcción del palacio Gótico de Piacenza. Se la llama Piazza de los Caballos por dos estatuas ecuestres realizadas por el escultor Francesco Mochi colocado a cada lado de la plaza.

Justo en el centro de esta plaza, entre los dos caballos está el palacio gótico, símbolo del poder secular nacional. La parte superior es de estilo medieval realizado en ladrillo rojo de terracota y se caracteriza por la presencia de dos torretas laterales y con almenas, mientras que la parte inferior, por el contrario, es de mármol rosa de Verona

En uno de sus laterales de la plaza sale la via Sopramuro donde se levanta la iglesia de San Francisco, en las puertas se encuentra el monumento a Gian Domenico Romagnosi filósofo, jurista, economista, físico, político italiano.

La iglesia de San Francisco fue construida entre 1278 y 1363 por orden de Ghibelline Umbertino Landi, es de estilo gótico lombardo, con fachada de ladrillo de terracota. Más adelante se inscribió como iglesia cabecera del monasterio adyacente. Durante el período napoleónico la iglesia permaneció abierta, a pesar de un breve período en el que se transforma primero en almacén y luego al hospital. Más tarde se volvió a usos religiosos, pero en 1810 lo dejaron permanentemente.

El hecho histórico más importante de la iglesia, se produjo en 1848, cuando tuvo lugar aquí mediante un plebiscito, se realiza la anexión de Piacenza al Reino de Cerdeña.

La iglesia fue restaurada varias veces, tiene una clara influencia de la arquitectura monástica cisterciense borgoñesa, al igual que el ábside y las capillas radiales. En el lado derecho se encuentra el claustro, que se ha mantenido solamente un pórtico tras la demolición casi total del convento por el municipio en torno a los años 40 del siglo XX. La iglesia guarda en su interior tumbas de hombres famosos, pinturas, esculturas y restos de los frescos del siglo XIV y XV. Hay una escultura colocada en la luneta del portal, con los estigmas de San Francisco (1480). La cúpula de la capilla está decorada con frescos de Giovanni Battista Trotti llamado “El Malosso” (1597).

Desde aquí marchamos por la via XX de Settembre que nos conduce a otra de los núcleos principales de la ciudad es la plaza del Duomo. El diseño fue realizado bajo el pontificado de Pablo III (1534-1549) como una ampliación destinada a dar una nueva cara a la ciudad en vista de la asignación del Ducado de Parma y Piacenza a su hijo Pier Luigi. En esa ocasión se desmanteló la antigua iglesia de San Juan de Domo del siglo VIII y se construyó el Palacio del Obispo, colocándolo al lado de la catedral. El pórtico de la fachada original fue demolido en 1858 y reconstruido poco después, diseñado por el arquitecto Tassini. El edificio fue construido por tres niveles de ventanas revocado en los dos más altos y el que hace de base con sillares, en 1898 se incluye un reloj que sirve como base para el escudo de armas del Papa Pío IX. La plaza está llena de arcadas que datan de 1555, y el centro se encuentra el monumento de bronce a la Inmaculada Concepción (1862), que se encuentra en una alta columna monolítica del Palazzo Farnese. En la parte baja del monumento, hay un grupo en bronce con la Virgen es obra de Luciano Ricchetti (1954) y recuerda el trágico bombardeo de 2 de mayo, 1944, que barrió la Piazza Duomo también causando numerosas bajas.

En la misma plaza se encuentra la catedral, dedicada a la Asunción, sustituyó al anterior edificio que estuvo dedicado a Santa Justina, construido alrededor del siglo IX y que desapareció con el terremoto de 1117.

La catedral es un importante ejemplo de arquitectura románica en Italia, fue construida entre los años 1122 y 1233. Entre 1122 y 1160 se construyeron la zona del ábside, la cripta, el transepto y los pasillos. La fachada y la cúpula, sin embargo, se completaron más tarde. La construcción de la torre de la campana continuó hasta 1333 y, en 1341, fue coronado con una escultura en cobre dorado que representa a un ángel, llamado Angel del Dom.

En los últimos siglos, la iglesia fue enriquecida con decoraciones, capillas y altares. Todas estas decoraciones adicionales fueron retiradas después de la restauración llevada a cabo entre 1897 y 1902, a instancias del obispo de Piacenza Giovanni Battista Scalabrini.

La fachada exterior fue realizada con mármol de Verona mármol y piedra arenisca de color rosa. Se divide verticalmente en tres partes por sendos pilares que sirven de contrafuertes. En la parte baja tiene tres portales con pórticos y adornadas con capiteles, dinteles, azulejos y cariátides.

Horizontalmente fachada tiene una galería con pequeñas columnas, que se eleva por encima de los dos pórticos laterales. En el centro, y por encima del portalón central se halla el rosetón románico.

El campanario, de 71 metros de altura, fue construido en ladrillo, es el 1330 y el campanario se abre al exterior gracias a una galería de cuatro arcos, una a cada lado.

El interior, la planta describe una cruz latina con tres naves, divididas por veinticinco pilares cilíndricos. El crucero también se divide en tres naves. En el crucero está la linterna octogonal, decorado con frescos del siglo XVII.

Algunos de los pilares fueron construidos gracias a las donaciones de las Cofradías, de los gremios de artesanos, o ciudadanos individuales. Siete de estas tienen una firma los paneles con la representación de la asociación. También está escrito en latín el nombre de: Pier Propietario: Haec est columna furnariorum. En algunos casos, la firma escrita contiene el nombre de las personas: Hugo Pictor, magister Johannes, constructor.

La cripta tiene la forma de una cruz griega, con 108 columnas románicas y recoge las reliquias de Santa Justina, a quien fue dedicada la primera veneración de la catedral, y que se derrumbó durante el gran terremoto de 1117.

El interior está decorado con magníficos frescos pintados entre los siglos XIV y XVI, por Camillo Procaccini y Ludovico Carracci. Los que adornan la cúpula son de Pier Francesco Mazzucchelli, llamado Morazzone y Giovanni Francesco Barbieri, conocido como Guercino del siglo XVII. En la nave izquierda del presbiterio alberga un templete con candelabros, una escultura de madera de 1479 y un coro de madera construido por Giangiacomo de Génova (1471) y las estatuas de la escuela Lombarda del siglo XV.

Las pinturas murales son un ejemplo que abarca desde el periodo medieval hasta el renacentista. Entre las más antiguas son las del transepto izquierdo, descubierto durante la rehabilitación efectuada por Giovanni Battista Scalabrini (la urna con el cuerpo bendito se conserva en el crucero derecho). Significa la imposición de San Cristóbal de las figuras ecuestres de los Santos Jorge y Antonio realizada durante la segunda mitad del siglo XIII.

En el último cuarto del siglo se atribuye la pintura de la Virgen y el Niño con los Santos Juan Evangelista y San Juan Bautista en el segundo pilar derecho de la nave (que también alberga la Virgen de la Merced del siglo XV venerada como Nuestra Señora de Gracia). Se da la circustancia que principios del siglo XIV se coloco un bisel sobre el acceso inferior a la sacristía.

En el crucero derecho hay una pintura colocada justo más allá de la mitad del siglo XIV, descubierta en 1873 por Bernardino Pollinari que ha completado la parte inferior, interrumpido por la tumba del obispo Hunt (1355). Muestra a Jesús bendiciendo entre dos Santos (probablemente Catalina de Alejandría y Margarita). Sobre un bisel se puede ver a la Madonna entronizada y niño con los santos.

En el pilar entre el brazo derecho del crucero y el presbiterio hay una pintura mural transferida a un lienzo, el Ecce Homo entre cuyas palmas de las manos se pueden ver partículas de sangre que originan la eucaristía. Entre las representaciones más singulares está el Jesús Crucificado con los Santos y donantes, datados en 1515, obra de Bartolomeo Bernardi conocido como Bonone, se atribuye esta obra además de un fresco de influencias flamencas.

En la cúpula podemos ver un amplio programa de pinturas al fresco, ordenadas por el obispo John Linati (1620-1627) al pintor Pier Francesco Mazzucchelli conocido como Morazzone, donde se representan imágenes de David e Isaías, murió tras la finalización de los dos primeros segmentos principales de cúpula. En 1626 fue sustituido por Guercino, que completó los trabajos en 1627 con los otros seis compartimentos de la cúpula (los profetas Ageo, Oseas, Zacarías, Ezequiel, Miqueas, Jeremías), las lunetas de alternancia representan episodios de la infancia de Jesús (Anunciación a los pastores, Adoración de los pastores, presentación en el templo y la huida a Egipto) el en el tambor del friso un la grisalla dedicada a Sibila.

En las enjutas de la cúpula y en los espacios de la galería, entre 1688 y 1689 trabajó el pintor de Bolonia Marcantonio Franceschini donde se representan pinturas de El sueño de San José expuestos en el crucero. Junto con Antonio Giacomo Boni y Luca Antonio Bistega, que trabajaron en el ciclo de la capilla de la Madonna del Popolo, de los cuales se puede aún ver a la Virgen María y el Padre Eterno en la bóveda y alegorías en las ménsulas.

Entre los otros frescos, las Historias de San Corrado Confalonieri en la nave izquierda obra de Lodi Giambattista Galeani (1613), Doctores de la Iglesia y Evangelistas en el crucero izquierdo realizado en 1576 por Giulio Mazzoni. Entre las pinturas se citan el matrimonio místico de Santa Catalina y el Beato Pablo, obra de Robert De Longe realizadas a finales del siglo XVII.

Aquí damos por terminada la visita esta espléndida y tranquila ciudad y italiana. Regresamos andando hasta el parking y salimos en dirección a Cremona. Nos separan 41 Km., hacemos el recorrido por la autopista de peaje 2,90 euros, en menos de una hora estamos en nuestro destino.

El Parking autocaravanas en la ciudad de Cremona (Italia), se encuentra situado cerca del Estadio, la zona se llama Piazza Croce Rosa Italiana. Las coordenadas GPS de lugar corresponden con: N 45.13838 // E 10.03636 .

El aparcamiento es libre, gratuito, sin limitaciones y sin vigilancia, a nuestro lado hay aparcadas unas 10 autocaravanas, esta distribuido en batería teniendo un jardín que nos permite aparcar cómodamente colocando nuestro saliente de la parte trasera, en el mismo parque hay una fuente de agua potable donde puedes repostar.

Directamente nos quedamos a pernoctar sin salir de la autocaravana porque nos parece un lugar ideal para dormir tranquilamente.

Comenzamos la visita a la ciudad caminando en dirección al centro monumental, sin querer no topamos con una señal indicativa que nos advierte que cerca hay una iglesia del siglo X, marchamos hasta la Piazza de San Abbondio donde se encuentra el Conjunto Monumental de San Abundio. Cuando llegamos nos damos cuenta que más que una iglesia románica estamos ante un edificio del siglo XVI, pero lo más interesante está dentro.

El convento de San Abundio fue construido en el siglo X como hospital para albergar a los pobres y peregrinos dentro de la orden de los benedictinos. Más tarde se convirtió en un lugar para la comunidad de las comunidades eclesiásticas, pasando a la orden de los humillados aparecen como una orden religiosa tripartita: formada por canónigos regulares (sacerdotes) y canonesas; los hermanos y hermanas reunidos en conventos; y lo religiosas que vivían con sus familias, esta situación duro hasta el siglo XVI cuando se inició un lento declive que les llevó inexorablemente en 1571 a la supresión de la orden directamente por Pío V, a pesar del intento de recuperación por Carlos Borromeo con la intención de imponer un plan de “renovación espiritual”. El complejo permaneció en ruinas hasta nuestros días, sólo se recuperó porque hoy se convirtió en parroquia.

Junto a la iglesia se puede ver el santuario luterano, que fue construido en 1624 por John Peter, para albergar a la Virgen del Loreto, totalmente involucrado en el alma, decidió construir una casa similar a la que se produjo la visita del arcángel a María en Nazaret.

La entrada a la iglesia de San Abundio se realiza por el atrio, está decorada con frescos que exaltan la virtud de la Virgen. En la zona que converge con el ábside podemos ver La Asunción de María. El fresco fue encargado a Giulio Campi pero no pudo terminarlo por que le sobrevino la muerte en 1573. Luego fue seguido por el pintor Giovan Battista Trotti conocido con Maloso (1556-1619), este termino el ciclo de pinturas en 1594, siguiendo la perspectiva y los colores que había trazado previamente Campi. En la base podemos ver cuatro figuras que representan a San Job, Daniel, David y Salomón. El ciclo de de los frescos cambia de la mano del pintor Orazio Samacchini (1531-1577) introduciendo en la sala una rica decoración y un bellísimo efecto pictórico hasta llegar al presbiterio con una gran Ángel donde podemos ver la Virgen sobre un coro angelical. Más adelante podemos ver una representación de las virtudes cardinales: Prudencia, Justicia, Fortaleza y Templanza. Sobre el portal de ingreso en el ábside central podemos una representación de las virtudes teologales: fe, esperanza y caridad. En el último tramo podemos ver una representación de una dulce Anunciación.

En la entrada de la capilla lateral podemos admirar numerosas figuras de mármol policromadas obras de G.B. Zais y otros escultores, San Francisco de Paula de finales del siglo XVIII; San Abundio de principios del siglo XIX y san Cayetano; del escultor G. Febbreri está san Andrés Avellino del siglo XVII. A la derecha de la balaustrada podemos ver el lienzo del Cristo Resucitado del siglo XVII.

En el presbiterio hay un precioso relieve del Altar Mayor, realizado con un marco de mármol incrustado diseñado por G.B Zaist y realizado por el marmolista Vicenzo Baroncini de Brescia. Dentro del altar esta el retablo con la Virgen entronizada con el Niño y los santos Nazario y Celso.

El claustro del monasterio, es uno de los más bellos e importantes de Cremona, esta fechado en 1511, tiene tres galerías abiertas y una cerrada, construidas alternando columnas de piedra con capiteles renacentistas, arcos de media punta y pilares de ladrillo sobre una balaustrada corrida.

Continuamos la visita por la calle Corso Matteotti en dirección de la Piazza di Comune, la via Solferino nos conduce a la plaza. La primera impresión que tenemos de la ciudad es que nos suena a música, hay ciudades que parecen un cuento, pero en este caso Cremona es pura música que brota por toda la ciudad y sobretodo los numerosos escaparates nos muestran que desde el siglo XVI es la ciudad italiana más importante en la artesanía y fabricación, que ajustan o reparan instrumentos musicales de cuerda como violines, violonchelos, guitarras, laúdes, mandolinas y demás.

La característica que distingue el arte de la fabricación de violines de Cremona es la capacidad artesana para lograr construir los mejores instrumentos de cuerda, especialmente dedicada al violín, de acuerdo con los criterios de excelencia establecidos por la creatividad y el ingenio de los grandes maestros del pasado, que lograron transmitir sus conocimientos sólo a través de métodos manuales y un profundo conocimiento de los materiales y técnicas de fabricación, gracias a una la relación directa entre el profesor y el alumno, a menudo en talleres familiares de padres a hijos para adaptarse a las respuestas acústicas de cada artefacto que nunca sonaran dos instrumentos iguales.

El centro histórico de Cremona tiene su cima artística en la medieval Piazza del Comune, el espacio urbano muy unificado y evocador, que también puede presumir de algunos de los más grandes monumentos medievales italianos.

Piazza del Comune tiene desde el medievo una doble doble función de centro religioso y cívico de la ciudad. Estéticamente hay una bonita relación entre los tonos rojos de los ladrillos de terracota de algunas fachadas y el blanco de los mármoles, la torre campanario del Torrazzo del siglo XIII con sus 111 metros, el pórtico del Bertazzola dominada por la fachada de mármol del Duomo, el baptisterio con forma octogonal y los edificios del siglo XIII de la logia de los soldados y el Ayuntamiento, hace de esta plaza un lugar único en el mundo y una de las más bellas de toda Italia.

Comenzamos la visita a la plaza por el Duomo dedicada a la veneración de Santa María de la Asunción. Hoy es jueves santo y en estos momento se esta concelebrando la misa con la presencia del obispo de la diócesis Antonio Napolioni. Aprovechamos para tener oportunidad de asistir a una misa en Italia, nos sorprende porque debe de ser una misa señalada que se concelebra con toda la curia de la provincia. La misa es cantada y en latín lo que nos llama la curiosidad y nos quedamos para ver cual es desenlace de este acontecimiento.

Nada más terminar, aprovechamos la iluminación de una misa de gala porque tenemos la oportunidad para poder disfrutar de los tesoros de la Catedral de Cremona como no lo podríamos hacer en otra ocasión. Estamos ante una de las más importantes conjuntos artísticos más bonitos de toda Italia, es considerada por su pintura expuesta como la “Capilla Sixtina de los pobres”, en la que se observa una manera muy diferente de experimentar el cristianismo, más humildes, más cargada de dialecto y heroísmo popular, donde por ejemplo pintores como Girolamo Romano, conocido como El Romanino, trabaja en dos arcos de la pared de la derecha donde se representaba allí a Cristo ante Caifás, la Flagelación , la Coronación de espinas , y el Ecce homo, es una pintura que representa la Palabra y se convierte en carne, toma en cuenta la carne del pueblo y la transforma en expresión figurativa.

Sobre el ábside central se encuentra “Redentor en Gloria”, obra del pintor Boccaccio Boccaccino (1468-1525), realizada con técnica al fresco, esta datado en 1506; dentro del estilo manierista italiano.

Estamos ante la obra que preside el ábside con forma de cuenco central de la catedral, preside el fresco la figura de Jesucristo redentor, constituye uno de los dogmas centrales del cristianismo, que reconoce a Jesucristo como “el Redentor” por antonomasia, pues murió en la cruz para salvar a la humanidad de la muerte y abrirle las puertas del Reino de los Cielos. En la parte inferior derecha podemos ver representados a los Santos Omobono y Marcelino. En la parte inferior izquierda podemos ver a los santos Pedro e Imerio.

La siguiente de las pinturas más importantes “Entrada en Jerusalén”, obra del pintor Bernardino Campi (1520-1591) realizada en técnica al fresco, está datada a principios del siglo XVI, dentro del estilo manierista italiano.

La entrada de Cristo en Jerusalén donde el artista se representa partiendo de la iconografía tradicional podemos ver la figura de Cristo avanzando de izquierda a derecha sobre un burro, seguido de los Apóstoles, con el pueblo de Jerusalén que viene al encuentro fuera de la ciudad en el otro lado, entre esas figuras podemos adivinar tres personajes vestidos de negro con trajes del siglo XVI, seguramente debían de ser los donantes.

La siguiente gran obra es “La Crucifixión”, obra del pintor Giovanni Antonio de Sacchis conocido como il Pordenone (1484–1539), realizada con técnica al fresco, está datada a principios del siglo XVI, dentro del estilo manierista italiano; tiene unas medidas de 920 × 120 cm.

En 1520 recibe el encargo para realizar algunas de las mejores obras de la decoración al fresco del Duomo de Cremona, con el tema generalizado que habla de la Pasión de Cristo. Aquí Pordenone lleva su estilo al extremo, con escenarios llenos de una multitud de figuras en actitudes dramáticas, donde el paisaje prácticamente se ha obviado. La escena más famosa del ciclo, la Crucifixión, el autor logra esgrimir una obra llena de una teatralidad desbordante.

La siguiente de las grandes obras maestras “El Centurión”, obra de Antonio Campi (1523-1587), está datada en 1582, realizada siguiendo las técnicas al fresco.

La obra esta situada en el presbiterio del duomo. Antonio Campi fue un pintor y grabador renacentista italiano. Era unos de los miembros de una importante familia de artistas italianos que destacaría durante el Renacimiento, desarrolló una importante labor como pintor, arquitecto, escultor y grabador. En su obra se aprecia un tipo de iluminación que anticipa el tenebrismo de Caravaggio. A esto debemos añadir el notable valor plástico de sus figuras, inspiradas en Miguel Ángel y Rafael. También despuntó como escritor, realizando una crónica de Cremona, ilustrada con sus propios grabados y dedicada a Felipe II.

La siguiente de las obras maestras “Deposición de Jesús en el Sepulcro”, obra de Giovanni Antonio de Sacchis conocido como el Pordenone, realizado con técnica al fresco, esta datado entre 1520-1521.

El gran fresco se encuentra a la derecha del portal central, coronada por la Crucifixión y flanqueado a la izquierda, sobre el portal, con obra de la resurrección del mismo autor.

La Deposición de Jesús se coloco sobre en un nicho. En el centro de la obra podemos ver el cuerpo muerto de Cristo, está acostado en una tela de color naranja, realizado mediante un escorzo audaz, que recuerda al Cristo muerto de Mantegna, uno de sus maestros que sirven como inspiración. En el nicho es un mosaico de imitación de ascendencia veneciana, con la figura de un pavo real que evoca simbólicamente el sacrificio y resurrección.

Rodean la figura de cristo una serie de personajes que participan en la escena, entre la que más fácil podemos adivinar en el centro a la Magdalena , que tiene una mirada hacia hacia el cielo, y María, con un traje azul, las dos se retuercen del dolor y en sus caras se pueden adivinar sus lágrimas. El estilo es grandilocuente, con recuerdos clásicos y del renacimiento romano (Michelangelo y Raphael en el primer lugar), enriquecidas por un temperamento de la narrativa popular, de gran vitalidad.

La siguiente de las pinturas de la catedral “Ultima cena”, obra de Bernardino Campi (1520-1591), realizado en óleo sobre tela, esta datada a principios del siglo XVI.

Una de las obras que más controversia ha tenido es la Ultima Cena situada en la parte inferior de la pared izquierda de la capilla del Santísimo Sacramento, que cierra la nave derecha de la catedral de Cremona. La obra revela una particular visión sobre este hecho y conecta el trabajo con tradición esotérica de la Magdalena y el Santo Grial o más bien, el “Sang Real”, se trata de la copa en la que, de acuerdo con el evangelio apócrifo de Nicodemo, se recogió la sangre de Jesucristo después de la crucifixión.

En el lienzo podemos ver en la parte central una figura femenina que se apoya en el hombro de Jesucristo, que según la tradición oficial debía de ser ocupado por el apóstol Juan, pero en la pintura de Campi parece ser una figura de rasgos femeninos muy delicados. Y es cierto que los rasgos, sin duda, muy virginales con los que Juan se representa en muchas otras obras pero nunca ha llegado a identificarse como una verdadera mujer. La cara tiene absolutamente unos rasgos faciales femeninos dulces y también podíamos decir que es una mujer particularmente hermosa. Nos encontramos ante la más increíble representación de la última cena, incluso aún más fuerte que el mismo famoso fresco de Leonardo da Vinci en Milán.

La siguiente obra pictórica de la catedral“Asunción de la Virgen María”, obra de Bernardino Gatti, realizada en óleo sobre tela, esta datado en 1573.

Presidiendo el altar mayor de la catedral podemos ver la obra donde se representa la figura de la Virgen María donde después del transcurso en su vida terrenal, María fue llevada al cielo en cuerpo y alma a la virtud divina. Las crónicas de la época, especialmente los apócrifos del Nuevo Testamento, hablan de “transitus, glorificatio incoronatio et Mariae Virginis”.

La gloriosa Asunción de la Virgen María se representa con seis apóstoles, dicen que el pintor Bernardino Gatti conocido como Sogliaro tuvo que terminarlo como puede amenazada por la posibilidad de su muerte. Se dice que este trabajo se ha hecho con la mano izquierda porque el pintor tenía su mano derecha paralizada por la enfermedad de la apoplejía.

La parálisis del lado derecho del cuerpo le llegó mientras pintaba los personajes secundarios; Bernardino tuvo que estar varios meses en el hospital y se ve entonces obligado a pintar con la mano izquierda; a pesar de sus esfuerzos para terminar la pintura, que quedó sin terminar porque en el croquis presentado a la firma del contrato estaba estimado que se debían de representar los doce apóstoles.

Después de disfrutar de las obras de arte salimos al exterior para volver a empezar la visita de la catedral como si llegásemos en ese momento para poder contemplar su arquitectura. Es un vasto templo románico continuamente readaptado con elementos góticos, renacentistas y barrocos

La fachada principal esta revestida en mármol blanco de los maestros de Champion, se caracteriza por un gran rosetón central de Giacomo Porrati , datado en el siglo XIII. El frente se alivia con una logia de dos niveles, roto por la mitad por el pórtico coronado por un elegante pórtico de tres arcos, que albergan las estatuas de San Imerio, la Virgen María y San Omobono. Los dos leones que sostienen las columnas del pórtico son obra de Juan Bono de Bissone.

La parte superior de la fachada fue continuada en estilo renacentista obra de Maffiolo Alberto Carrara, en 1491 se levanta un ático con cuatro nichos por encima una aguja central.

Todo el edificio está coronado por varios pináculos de inspiración nórdico. Tres dominan la fachada norte, la fachada sur tiene otros tres, dos y dos más complejos sobre el ábside de la fachada principal, para totalizar diez.

El interior de la catedral esta construida con una planta dividida en tres naves separadas por dos conjuntos de enormes pilares, que mantienen las bóvedas mediante arcos románicos. Por encima de los pasillos, las galerías abiertas, mirando a través de grandes ventanas dobles en el pasillo principal. Las bahías de la nave están cubiertas por bóvedas de crucería.

La nave central termina en un gran ábside semicircular, en cuya bóveda podemos ver el fresco notable del Redentor. Las dos naves laterales terminan en ábsides semicirculares que terminan en dos capillas, están ricamente decoradas: la capilla del Sagrado Sacramento , al final del pasillo y la capilla de la Madonna del Popolo, en el extremo de la nave izquierda.

Bajo el presbiterio se encuentra la cripta grande, esculpida en estilo románico pero renovado en 1606 por Francesco Laurenzi, quien sucedió a Joseph Dattaro Maiolo y Juan el Bautista después del desastroso colapso de la bóveda. La cripta tiene tres naves, y guardar el Arca de los Santos Marcelino y Pedro en 1506.

Salimos a la calle y tenemos la oportunidad de admirar otro de los edificios de la Piazza del Comune, se trata del Baptisterio dedicado a la veneración de San Juan.

El actual edificio se empezó a construir en 1167. Tiene una altura de 24 metros, con forma de octágono y un diámetro de 20,50 metros. Por la época en su construcción obedece a un estilo románico. En el borde superior corre una galería con arcos de medio punto, típicamente románicos, que siempre toma elementos de la catedral cercana. Los ocho lados obedecen a la creencia religiosa de que en el octavo día sería el de la creación. En 1370 se cambia la cúspide del cupulino colocándose la estatua en bronce del Arcángel San Gabriel. Inicialmente disponía de tres puertas: al norte, al sur y al este; estas dos últimas se cerraron en 1592. La actual puerta esta orientada al norte, hacia la plaza del ayuntamiento, tiene un pórtico con dos leones, semejantes a los de la portada de la catedral. La técnica utilizada para la construcción de la bóveda anticipo casi dos siglos a la cúpula de Santa María de las Flores de Florencia y que copio y amplio Brunellechi. Es una obra de gran interés arquitectónico que durante muchos siglos ha inspirado a muchos artistas. En la pared meridional externa, en la mampostería están grabadas las unidades de medida oficiales usadas en la ciudad de Cremona como una obligación atendiendo a los preceptos contenidos en la reglamentación de la ciudad aprobado en 1388.

Sin embargo, fue sólo durante la era del Renacimiento, después de varias reformas y ampliaciones, el edificio adquirió su aspecto actual (fueron reconstruidos, entre otras cosas: el suelo, el techo de mármol de algunas paredes y el techo con un tiempo).

El interior la planta guarda las formas exteriores. La luz penetra gracias a una doble serie de ajimeces sobrepuestos y a una claraboya situada en el ápice del cúpula.

Dos columnas adosadas a cada pared dan al interior una sensación de grandiosidad y ligereza dentro de un edificio que se caracteriza por su austeridad. Una serie de galerías que rodean la planta dan un gran esplendor al conjunto.

En el centro de la planta se halla el gran aljibe octogonal, por su forma esta referido al día después del sábado, y que corresponde con el día de la Resurrección que todos los que vivan el bautismo podrán disfrutarlo. Es un bloque monolitico de mármol rojo proveniente de la cantera de San Ambrogio de Valpolicella (Verona), esta apoyada sobre una base de mármol, obra de Lorenzo Trotti (1527), coronada por una pequeña estatua de Jesucristo resucitado realizado en madera dorada.

En el altar, esta situado enfrente de la puerta central, presenta un gran crucifijo del siglo XIV, y que forma parte de la cofradía de Jesús de 1697.

A la izquierda de la puerta central presenta la figura de la Virgen de los Dolores, obra atribuida al mayor escultor de tallas de la propia ciudad de Cremona, realizado en el siglo XVII por Giacomo Bertesi.

El altar de la derecha, está dedicado a San Biagio, fue tallado gracias al encargo de la cofradía de Cremona de los cardadores de lana, datada en el periodo entre 1592-1599.

También hay dos estatuas de madera de San Felipe negro y la de San Juan Bautista, obras de Giovanni Bertesi, y otras estatuas y fragmentos que se remontan a la época medieval.

El otro punto de interés de la Piazza Comune es el llamado El Torrazzo de Cremona, se levanta al lado de la misma catedral, es en la actualidad el símbolo de la ciudad lombarda. Esta es la segunda campana histórica más alta en Italia, después del Campanile de Mortegliano

Hay una placa en la base de Torrazzo de Cremona que dice que durante mucho tiempo se consideró la altura de la misma (250 brazos y dos onzas de Cremona, que está a unos 110 metros). De acuerdo con las mediciones posteriores la altura era igual a 112 m que se suben en 502 escalones.

Las excavaciones arqueológicas llevadas a cabo en la década de los ochenta del siglo XX han demostrado la presencia de estructuras subyacentes de la torre, que debe atribuirse a un cementerio situado cerca de la antigua catedral o estructuras romanas antecedentes. La tradición popular cuenta que obedecen a un primer edificio del 754. La construcción se realiza en cuatro etapas distintas: una primera, que se remonta a la tercera década del siglo XIII, momento en que se llega hasta el tercera cornisa; una segunda etapa que se inicia en 1250 hasta 1267 en que se termina la cuarta; una tercera fase, que termina sobre 1284, y la cuarta fase, momento en el que se añaden los dos niveles de la torrecilla de mármol (guirnalda) completada en 1309.

El Torrazzo tiene en el cuarto piso uno de los relojes astronómicos más grandes del mundo. Construido por Francesco y Giovan Battista Divizioli (padre e hijo) en los años 1583- 1588, el reloj marca las constelaciones zodiacales a través del cual se puede calcular el movimiento del Sol y la Luna.

La cuarta pata del banco que da sentido artístico a la hermosa plaza de Cremona es el Palacio Comunale, edificio civil dedicado a la administración local.

El edificio del Ayuntamiento fue fundado en 1206, obedece a una construcción de gótica lombarda que aquí se llamo Broletto Lombard y luego se expandió en 1245. La estructura medieval del edificio no ha cambiado hasta el final del siglo XV. A partir de 1496 y luego durante el siglo siguiente, la fachada fue modificada mediante la sustitución de las tres luces con ventanas rectangulares y añadiendo el nuevo balcón de mármol apoyado contra el pilar central de la fachada. El espacio interior, que incluía una gran sala para las reuniones de los concejales locales, se dividió en salas más pequeñas, además de la capilla, el Salón del Consejo de decuriones hoy Sala de Consulta y una escalera de acceso.

La fachada actual es el resultado de los cambios realizados en 1838 por el arquitecto Luigi Voghera Cremona que ha enriquecido las ventanas de pilastras y decoraciones de terracota, además de un corredor de mármol blanco con ménsulas, en estilo neo-renacentista. La escalera de entrada actual se construyó en el mismo año para reemplazar la anterior del siglo XVI. A través de ella se llega al denominado Salone degli Alabardieri, en cuyo interior se pueden admirar vestigios de pinturas murales de finales del siglo XIII, aunque fueron realizadas en estilo bizantino si bien se aprecian unos toques de modernidad romana, podemos ver un San Cristóbal, una Madonna y niño con los santos y una crucifixión.

También fue inaugurada las arcadas del patio interior del edificio, creando un acceso en el porche de la planta baja. Finalmente fue rebajado al nivel de casi un metro cuadrado en el patio para disminuir la diferencia de altura con las calles de los alrededores.

Cremona ofrece paseos agradables por sus calles comerciales Via Solferino y el Corso Mazzini, entre tiendas y librerías, para luego descansar en el jardín público de Piazza Roma, a apenas un paso de la catedral. Y si queremos huir por un rato del animoso centro para darnos un respiro en la visita a la ciudad.

Son poco más de las 12,30 horas, aquí es el momento de comer y esta vez vamos hacerlo dentro del horario europeo. Preguntamos un sitio para comer, bueno, bonito y barato. Nos indican que en la Pizzeria Cremonese es un buen sitio, hasta allí marchamos, esta situada en el Jardín Giovanni Paolo II, plaza Roma 39. Pedimos unas pizzas que verdaderamente están muy buenas y poco más con la bebida son 70 euros.

Desde aquí marchamos por la via Solferino hasta el Museo Cívico Ala Pozone, esta situado en Via Ugolani Dati, 4, el horario es de 10 horas a 17,00 horas, el precio es de 7 euros y los niños tienen la entrada gratuita.

En el interior podemos ver varias salas con museo distintos: La pinacoteca se denomina Ala Pozone; Museo de Historia Natural; Museo Arqueológico; y Museo del Violín.

El Museo se encuentra situado en el interior del antiguo Palacio Affaitati, fue construido en 1561 por orden de Gian Carlo Affaitati, correspondía a una familia rica de banqueros y comerciantes que apoyaron con su dinero la guerra de Carlos V contra los holandeses, con el fin de obtener a cambio el marquesado de Flandes y el condado de Soresina.

La construcción del palacio fue encargada al arquitecto Francesco Dattaro, que lo llamo “Pizzafuoco”, su reconocimiento del maestro de obra vino por haber participado en la construcción de la catedral, junto con Antonio Campi. La estructura es magnífica e imponente, utilizando los métodos de la época: La fachada, se mantuvo sin cambios sustanciales, que se caracteriza por el empleo de sillares lisos y marcados por las ventanas rematadas con frontones triangulares y curvos. La división horizontal, esta formada con una secuencia decorada con un friso griego, sirve como una barandilla a la planta principal, mientras que las grandes y señoriales decoraciones de la portada son del siglo XVIII, se proyecta columnas dóricas, que apoyan en el balcón. La planta superior se repite la misma división del espacio, y termina con un marco con el apoyo de los estantes antropomórficos.

El interior se rehabilito en 1746, según el proyecto de Antonio Arrighi, comenzaron el trabajo que condujo sobre la gran escalera monumental que conduce a la planta principal, también sobre algunas de las decoraciones de las salas nobles con intervenciones prestigiosos de Giacomo Guerrini, con escenas de Amor y Psique, y otras representaciones mitológicas, mientras que en la gran sala de estar que se abre a la derecha de la escalera se representa una bella escena de las pinturas de claroscuro de Giovanni Manfredini.

Durante el siglo XIX el palacio se convirtió en el hospital, a cargo de los Padres del Hospital Fatebenefratelli, posteriormente, fueron suprimidos en 1925, hasta convertirse en la cuna del arte de Cremona.

La colección de pintura obedece al legado dejado por el Marqués Giuseppe Sigismondo Ala Ponzone en 1842 a la ciudad. A continuación, se enriquece con las obras procedentes de algunas iglesias cerradas Cremona. La colección de pinturas y esculturas se compone, en la actualidad, de más de dos mil piezas, sólo se exhiben parcialmente unas pocas obras en las salas del museo.

Es muy importante la pintura que abarca desde la Edad Media y hasta el siglo XV, con esculturas, frescos extraídos, y una amplia selección de obras de la familia Bembo que se instalaron en la primera habitación. La galería de pinturas contiene obras de los pintores de la escuela de Cremona que data del siglo XVI ofrece una completa antología de los pintores que dan testimonio con su trabajo siguiendo la tradición como Boccaccino, Pedro Fernández, Aleni e Galeazzo Campi y la introducción de un nuevo espíritu del renacimiento a través de las obras de Camillo Boccaccino, Pedro Fernández, Aleni e Galeazzo Campi y la introducción de un nuevo espíritu del renacimiento a través de las obras de Camillo Boccaccino, Gian Francesco Bembo y familiares Campi, que prevé la sensibilidad naturalista que serán interpretados por Caravaggio, ahora representado en la famosa pintura de San Francisco Meditando. La sala de San Domenico alberga una serie de obras que vienen de una iglesia demolida y demuestra las contribuciones de la escuela de Milán en la cultura local del siglo XVII (Cerano, Nuvolone, Procaccini). En una sala especial se exhibe el famoso cuadro de Giuseppe Arcimboldo “L'Ortolano”, y algunos retratos pertenecientes a la Familia Ponzone.

El primer cuadro de la pinacoteca del museo “Retrato de Fernando I de Absburgo-Lorena, emperador de Austria y rey de Lombardia y Venecia”, obra de Giuseppe Molteni (1800-1867), realizado en óleo sobre tela, esta datado en 1837; tiene unas medidas de 185 x 227 cm.

La gran pintura fue un encargo a Giuseppe Molteni para la decoración de la sala de juntas del gobierno de Milán y presentó la exposición de ese año Brera junto con numerosas pinturas donde obtuvo amplio reconocimiento de los críticos. Hay que destacar la decoración de la sala con tejidos de oro y el lujo con hermosos brocados que sitúan perfectamente el retrato del emperador.

El siguiente cuadro “Virgen con el Niño en un pedestal dentro de la nave de una iglesia gótica”, obra de Jan Provost (1465-1529), realizado en óleo sobre madera, esta datado entre 1500-1529; tiene unas medidas de 60 x 75 cm.

El estudio radiográfico de la pintura mostró que el artista cambio la composición varias veces: el primer proyecto consistía en la creación de una “Crucifixión con los santos y los donantes”, luego fue abandonada en una etapa avanzada; el segundo corresponde con “Virgen con el Niño”.

Otro elemento importante que surgió del estudio es la presencia en la parte inferior derecha con una placa donde aparece la figura del donante, que todavía está cubierto por serie de repintes oscuros. La figura, está vestida con abrigo y cuello de piel, es retratado de rodillas con las manos cruzadas delante de un libro abierto sobre un atril. Su identidad sigue siendo desconocida, pero tal vez se trataba de un dignatario de la corte de Borgoña. La arquitectura de la iglesia es característica de las catedrales flamenca de finales del siglo XV, la presencia del grupo escultórico con la “Crucifixión” en el dintel que conduce ábside.

El siguiente cuadro “Madonna con el Niño con los santos Juan Bautista y Bartolomeo”, obra de Filippo Mazzola (1460-1505), realizado en temple sobre madera, el panel central fue transferido a tela, esta datado en el siglo XV.

El tríptico tiene una tabla central donde se representa a la Virgen en un trono con el Niño que porta en sus manos un jilguero simbolizando la Pasión de Cristo, representa un hecho premonitorio de su futura muerte violenta y es otra forma de predecir la muerte en la cruz del Salvador que se dirige al jilguero.

El siguiente cuadro “Cristo porta la cruz”, obra atribuida a Francisco Tolentino, realizado en temple sobre madera, esta datado en el segundo decenio del siglo XVI.

Francisco Tolentino es un pintor italiano que poco se conoce de su pasado, solamente ha podido reconstruirse su vida después de analizarse algunas de sus obras firmadas. Se conoce que tiene una obra figurativa de principios del siglo XVI, influenciado por los pintores del círculo de Umbría-Urbino como Giovanni Santi, Justo de Gante, Perugino y Pinturicchio. Se sugiera que marcha hacia el sur de Italia, en concreto a Nápoles hacia 1510, quizás siguiendo los pasos del pintor veneciano Antonio Solari.

La siguiente obra es el retablo con “San Juan, El Redentor, Adoración del Niño y San Felipe”, obra de Pedro Fernández es conocido con el nombre de Bramantino, realizado en óleo sobre madera, esta datado en el primer decenio del siglo XVI; tienen unas medidas de 84,65 cm, cada tabla.

La obra estuvo colgada en Santa Maria de Bressanoro de Castelleone. Pedro Fernández de Murcia fue un pintor manierista español. Recibió la influencia de los grandes maestros del Renacimiento pleno de la Italia de comienzos del siglo XVI, a donde habría llegado con las tropas del Gran Capitán, y donde se le llamaba Pietro Spagnolo o Pietro Ispano.

El siguiente cuadro es otra variación del mismo tema “Cristo porta la cruz”, obra atribuida a Francisco Tolentino, realizado en temple sobre madera, esta datado en el segundo decenio del siglo XVI.

Este cuadro pertenece a la primera donación del legado de Ala Ponzone de 1842 que doto al museo de la importante colección de pinturas. En esta ocasión la obra representa el momento de que Cristo lleva la cruz, forma parte de un episodio evangélico y tema artístico muy frecuente en la devoción y el arte cristiano, denominado también de muchas otras formas, en este caso, donde se le conduce camino del calvario.

El siguiente cuadro es “La Virgen con el Niño”, obra del taller de Pieter Coecke van Aelst, realizado en óleo sobre madera, esta datado en el segundo decenio del siglo XVI.

La obra tiene un estilo pictórico caracterizado por una clara influencia italiana, sin dejar olvidado la tradición flamenca y el gusto por distintos temas, muestra el estilo por los detalles tales como las vestiduras y los cabellos de los personajes, y todo ello, sin olvidarse de la influencia maniera representada en el uso del color

El siguiente cuadro es “Madona adorante al niño con san Juan Bautista y san Antonio Abad y ángel”, obra de Tommaso Aleni conocido como il Fadino, realizado en temple transferido sobre tela, esta datado en 1515.

La obra procede de la iglesia de San Domenico de Cremona. Es una obra donde el pintor se manifiesta el eclecticismo de la escuela de Cremona con una clara influencia de Boccaccio Boccaccino y Pietro Perugino.

El siguiente cuadro es “Retrato de un hombre”, obra de Corneille de la Hqye conocido como Corneille de Lyon (1500-1575), realizado en óleo sobre madera, esta datado en el siglo XVI.

Corneille nació en La Haya. Por el estilo de sus cuadros y su técnica al óleo, se cree que se debió formarse en los Países Bajos. Se conoce que se marcho en 1533 hasta su muerte en Lyon, Francia, ciudad donde permaneció gran parte de su vida. La primera mención documental que hay de él lo sitúa en Lyon en 1534; ese año lo visitó el poeta Jean Second. En 1541 fue nombrado pintor oficial del delfín. Se nacionalizó francés en 1547 y fue nombrado mayordomo del rey, título que aparece en 1551. En 1564 fue visitado por Catalina de Médicis en Lyon.

El siguiente cuadro es “El arrepentimiento de Job”, obra de un pintor anónimo flamenco, realizado en temple sobre tela, esta datado a principios del siglo XVI.

El concepto de arrepentimiento es un deseo de contrición de acciones pasadas que son vistas como cosas que fueron mal hechas o indebidas. Ha sido muy tratada en la pintura y sobretodo teniendo como base las enseñanzas de la Biblia , en este caso, Job también resalta el sentido de negación personal de las personas arrepentidas.

El siguiente cuadro es “La Virgen con el Niño con San Juan, San Cristoforo, Santa Catalina de Siena”, obra de Galeazzo Campi (1477-1536), realizado en temple sobre tela, esta datado a principios del siglo XVI.

El cuadro procede de la iglesia San Domenico de Cremona. Entre sus primeras obras revelan la inspiración en los maestros Lorenzo Costa y Perugino, con trazas de Andrea Mantegna. Posteriormente parecen acercarle más a su maestro Boccaccino. Su estilo se suavizará un tanto y abandonará las rigideces de sus primeras obras para imbuirse de una paleta más cálida de derivación veneciana. En sus últimos años volverá a refugiarse en las formas arcaicas de su juventud, por lo que a la luz de sus obras conocidas, las innovaciones de su tiempo solo le afectaron superficialmente, incapaz tal vez de entenderlas en profundidad

El siguiente cuadro es “La Virgen en el trono con San Vicente y San Antonio de Padua”, obra de Boccaccio Boccaccino (1466-1525), realizado en temple transferido sobre tela, esta datado en 1518; tiene unas medidas de 180 x 150 cm.

El cuadro procede de la iglesia San Vicenzode Cremona. En estas primeras obras, el pintor mostró una predilección por los colores cálidos e intensos, además de buscar el brillo y el volumen del maestro Bellini. Es un gran exponente de la escuela de Umbría, donde al formalismo y el ritmo es una de sus características. Boccaccino estaba comprometido en la realización de imágenes de santos, que constituyó la primera verdadera piedra angular de su carrera.

El siguiente cuadro es “La Virgen con el Niño”, obra de Lorenzo de Beci, realizado en óleo sobre tabla, esta datado a principios del siglo XVI; tiene unas medidas de 89,8 x 61 cm.

La obra nos muestra a la la Virgen en una actitud estrictamente frontal sobre el telón de fondo de una tela roja, está cubierta con un gran manto azul y un reverso de color verde debajo de la cual aparece una túnica de color naranja dorado decorado en rojo. Su mano derecha esta en actitud de bendecir, el niño se representa en una sus formas artísticas con la iconografía convencional. Esencialmente es un Santo Niño, que lleva en su mano un orbe real (la bola) como símbolo de su poder sobre el mundo.

Los siguientes cuadros forman un díptico “La Santa hace una limosna a un invalido; San Miguel Arcángel”, obra de un pintor de Cremona anónimo, realizado en temple sobre tabla, esta datado a mediados del siglo XVI.

El díptico debió de formar parte de algún retablo desecho de las iglesias y monasterios de la ciudad. A la izquierda se muestra a una santa, no identificada, entregando las limosnas a un niño invalido. A la derecha una escena de la lucha del Arcángel en la lucha contra los demonios.

El siguiente cuadro es “Retrato de Castellano Cotta”, obra de Bernardino Campi (1521-1591), realizado en óleo sobre tela, esta datado a principios del siglo XVI.

El pintor se forma en la escuela de Mantua de la mano de su maestro Ippolito Costa, hijo de Lorenzo Costa. Es uno de los exponentes característicos del estilo manierista en el norte de Italia. Se traslada a Cremona donde toma como base el arte basado en un manierismo pulido, elegante y sofisticado del maestro Parmigianino

El siguiente cuadro es “El arrepentimiento de Job”, obra de un pintor anónimo flamenco, realizado en temple sobre tela, esta datado a principios del siglo XVI.

El cuadro representa la historia de Job sacada del Antiguo Testamento, donde se refleja la sabiduría universal a través de la experiencia de la fe. Reflejo de Dios nace de una experiencia concreta y parte del trabajo de su vida.

El siguiente cuadro es “Madonna en el Trono con los Santos Sebastián y Roco”, obra de Bernardino Gatti conocido como il Soiaro (1495-1576), realizado en la técnica al fresco, esta datado en el siglo XVI.

La obra estuvo expuesta en la iglesia de San Giovanni Nuovo de Cremona. El fresco representa una relación de los dos santos en la ciudad de Cremona gracias a la historia que muestra los lazos de los dos santos para mostrarse como santos protectores de la inmensa tragedia de la peste de 1630, cuando la ciudad pasó de 37.000 habitantes en 1627 a 16.000 en 1630.

El siguiente cuadro es “Padre Eterno en gloria sobre una nube con querubines”, obra de Camillo Boccaccino, realizado temple sobre madera, esta datado en el siglo XVI.

El pintor era hijo y además discípulo del gran maestro Boccaccio Boccaccino. Fue un artista muy dotado de recursos pictóricos, que supo adaptarse a las nuevas corrientes manieristas, y crear a partir de ellas un estilo personal.

El siguiente cuadro es “Madona en el trono con el Niño, San Francisco, San Benedicto y San José”, obra de Bernardino Campi (1521-1591), realizado en óleo sobre tela, esta datado en 1548.

La obra estuvo expuesta en la iglesia de San Francisco de la ciudad Cremona. Una magnifica obra donde se representa a la Virgen está colocada sobre un trono donde se puede ver un bajo relieve, obra de una clara influencia flamenca por los detalles.

El siguiente cuadro es “Madona en el trono con el Niño, Santos Andrés y Pedro”, obra de Ludovico Mazzolino (1480-1528), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en el siglo XVI.

Esta obra de arte estaba muy deteriorada por el paso del tiempo y las malas restauraciones, en el año 2010 se produjeron un análisis y la documentación de la obra por parte de los restauradores del Vaticano y se devolvió todo su esplendor.

El siguiente cuadro es “Madona con el Niño, con San Miguel y el Beato Ambrogio Sansedoni”, obra de Camillo Boccaccino (1504-1546), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en el siglo XVI; tiene unas medidas de 141,4 x 207 cm.

La obra estuvo expuesta en la iglesia de San Domenio de Cremona. La historia de la pintura conservada en los papeles de la iglesia indica que en 1518 Giulio Oldoini había asignado 300 liras para adornar la tumba erigida en la capilla familiar de la iglesia, dedicada al arcángel Miguel. El ejecutor, Giorgio Oldoini, muere antes de cumplir con el legado, también lo harán sus herederos, en la persona de Gian Giacomo Oldoini, que encargó la obra a un Camillo Boccaccino 30 de de octubre de, 1543, solicitando que debería estar listo para el siguiente Pascua. Los pagos dan fe de que el trabajo fue entregado entre Pascua y el otoño de 1544.

El siguiente cuadro es “Asunción de la Virgen”, obra de Bernardino Campi (1522-1591), realizado en óleo sobre tela, esta datado en 1568.

La obra estuvo expuesta en la iglesia de San Domenico de Cremona. El óleo representa a la Asunción de la Virgen , cuya creencia, de acuerdo a la tradición y teología de la Iglesia católica y de la Iglesia ortodoxa, de que el cuerpo y alma de la Virgen María, la madre de Jesucristo, fueron llevados al Cielo después de terminar sus días en la Tierra.

El siguiente cuadro es “Sagrada Familia con San Francisco”, obra de Anna Maria Anguissola (1555-1611), realizado en óleo sobre tela, esta datado en el siglo XVI.

Anna Maria fue una pintora de retratos, sin embargo, también realizó imágenes religiosas. Estilísticamente se encontraba bajo la influencia de su hermana Sofonisba Anguissola, con la que quizás de formó. Gran parte de su trabajo parece estar perdido o no ser reconocido, en este caso esta firmado Anna Maria Virgo Amilcaris Anguisoli et Sophonis Soror suæ aetatis annorum quindicirn fecit.

El siguiente cuadro es la estrella del museo “El Hortelano”, obra de Giuseppe Arcimboldo (1526-1593), realizado en óleo sobre tela, esta datado en el siglo XVI; tiene unas medias de 35,8 x 24,2 cm.

Giuseppe Arcimboldo, también escrito Arcimboldi fue un pintor italiano, conocido sobre todo por sus representaciones manieristas del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales y objetos; esto es, pintaba representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo el conjunto tenía una semejanza reconocible con el sujeto retratado. Un proceso cercano a la anamorfosis en el contexto de las ilusiones ópticas.

Las extrañas obras de Arcimboldo, especialmente sus imágenes múltiples, sirvieron con inspiración principios del siglo XX por artistas surrealistas como Salvador Dalí, reflejándolo en algunas obras parecidas. La exposición «El efecto Arcimboldo» que se celebró en el Palacio Grassi de Venecia (1987) incluyó numerosos cuadros de «doble sentido». La influencia de Arcimboldo puede verse igualmente en la obra de Shigeo Fukuda, István Orosz, Octavio Ocampo, y Sandro del Prete, así como en películas de Jan Švankmajer.

El famoso cuadro conocido como el Hortelano llamado en Italia como Ortaggi in una ciotola o l'Ortolano, pasó a formar parte de las colecciones del Museo de Cremona con el legado del núcleo original de Marqués Giuseppe Sigismondo Ala Ponzone en 1842 y se llega a considerarse uno de los más importantes del museo.

La composición se realiza al antojo del pintor al considerándose como un ejemplo del arte grotesco, es considerado como un ejemplo de la pintura de la escuela Lombarda dentro del arte manierista.

La composición se realiza al antojo del pintor considerándose como un ejemplo del arte grotesco, es considerado como un ejemplo de la pintura de la escuela Lombarda dentro del arte manierista.

Giuseppe Arcimboldo es estimado como un pintor único en su género, utiliza cabezas reversibles, es una especie de metamorfosis de Ovidio, que gracias de hacer una rotación de 180° en el cuadro, se cambia por completo el contenido y el significado de las pintura.

En este caso, la taza de verduras se convierte en un retrato hilarante y lúdico del guarda de los jardines, una especie del dios griego irreverente de la fertilidad y de las fuerzas regeneradoras de la naturaleza. Parece aludir la disposición ambigua de una cebolla, un nabo y una raíz para evocar la sexualidad masculina. El recipiente o maceta con forma de copa contiene una planta se convierte, como resultado de la rotación, una especie de casco; las abundantes hojas que fluyen pasan a desempeñar la imagen de una barba y el pelo, dos hongos forman los labios carnosos, una nuez se convierten ojos color avellana, cebolla y nabo mejillas carnosas, y la raíz prominente nariz.

Quizás la imagen pudo sacarse del libro Della Porta (physiognomonia Humana, 1586) parece ser que las cortes imperiales europeas se encaprichaban de este tipo de imágenes, como un jarrón de flores, se describe la colección de Maximiliano II.

La datación dell'Ortolano se considera que el cuadro pudo ser pintado poco después de su regreso a Milán desde la visita a la corte de los Habsburgo en Praga (1587), y probablemente un poco antes de que realizará el retrato de Rudolf II como Vertumnus de 1590.

El museo de pintura tiene muchas más obras de artistas de la escuela de Cremona que durante siglos consiguieron hacer de esta ciudad uno de los principales núcleos artísticos de Italia, pero por falta de espacio y tiempo no voy hacer mención; pero por la calidad de los obras comentadas puedes imaginar que bien merece un par de horas acercarse hasta aquí.

En el mismo edificio se encuentra un pequeño museo Arqueológico que en sus vitrinas expone una preciosa exposición de muchas de las obras de arte que han aflorado en la ciudad durante más de 2000 años. El núcleo de la colección son los legados de la Colección Dordani y la Colección Al Ponzone; entre las obras podemos admirar una amplia selección de cerámica con decoraciones: griega y romana que haría las delicias del Museo Nacional Británico de Londres.

Ya he citado que Cremona suena a música por todas sus calles, en el Museo Cívico tenemos la oportunidad de descubrir la mayor colección de instrumentos de cuerda. Una tradición que llegó desde hace cinco siglos porque la ciudad se convirtió en la capital de la fabricación de violines. El Museo del Violín es un viaje para descubrir en directo a los grandes maestros: Amati, Stradivari, Guarneri, Ruger y sus obras maestras, siguiendo una traza equilibrada del arte y la artesanía, la creatividad y la tradición de los talleres renacentistas hasta nuestros días.

Una colección única, con instalaciones multimedia y un amplio conjunto de documentos permite a cada visitante crear una visión nueva de la música donde afloran los sonidos, los olores y las imágenes se combinan para dar forma a la historia, los sueños y las emociones.

En el museo del Violín se exhibe una colección importante de instrumentos, la más importante son muchas de las joyas que Antonio Straidivari creo con sus manos.

Aquí damos por concluida la visita a este importante museo, solamente nos queda hacer alguna visita a las principales iglesias de Cremona. Comenzamos por la visita a la Chiesa San Agostino, es un edificio que se encuentra entre calles muy estrechas lo que hace que la fachada este oculta, como sucede en las iglesias de Madrid. Vamos andando hasta la calle Via Giovan Battista Plasio donde se encuentra una de sus portadas, aunque la portada principal se levanta sobre la Plaza de San Agostino.

El interior Iglesia San Agustín tiene una planta dividida en tres naves, aunque en la actualidad ha perdido por completo su verticalidad gótica original a partir de las intervenciones realizadas durante el siglo XVI., Que implicó la sustitución de las pilastras de los pilares octogonales de ladrillo que tenia en un principio, la reducción de arcos de medio punto de las bahías y sustitución de la bóveda central.

La decoración pictórica de la iglesia, aunque con los cambios visibles, ha mantenido un de los ejemplos más importantes del gótico tardío en Lombardía: los frescos de la Capilla Cavalcabò. El ciclo, descubierto en 1950, cuando fue demolido una vez y el techo de mampostería construido en el estilo barroco por el arquitecto Giovan Battista Cremona Zaist en 1736-1737, fue completamente restaurado sólo en 1963. Los frescos distribuidos originalmente a lo largo del muro, en la actualidad se limitan únicamente a la bóveda y el ábside. Las figuras están representadas con gran detalle tanto en sus vestimentas como en la ambientación.

Se ha atribuido al pintor Bonifacio Bembo un fragmento de un fresco que representa a los retratos de Bianca María Visconti y Francesco Sforza, que ahora se encuentra en la pared derecha de la capilla, pero que antes constituía la capilla Ducal. Era una parte de la decoración del altar que los duques habían venerado a los santos Grisante y Daria, protectores de amor conyugal, para recordar su boda celebrada en Cremona 25 de de octubre de 1441.

Al salir de la capilla, en la cuarta columna de la nave derecha hay una escultura con dos figuras talladas que se presentan a la Virgen , y que miran al lado opuesto en la última columna de la nave izquierda donde aparece La Piedad. La obra ha sido atribuida a Bonino da Campione, se caracterizan por las caras cuidadosamente definidas, la riqueza de los ropajes y la tridimensionalidad de los cuerpos. Es posible que ambas figuras pertenecieran a un arca funeraria.

A la izquierda del presbiterio en el pilar que soporta el órgano, se ha conservado un gran fragmento de un fresco que representa a Virgen con el Niño. Detrás de la Virgen con el Niño que emerge del cielo estrellado con dos ángeles.

La obra más importante de la iglesia esta dentro de un retablo que indica Petrus Perusinus, en realidad se trata de Petrus Vannucci vel Perusinus conocido como Perugino, se ha titulado como “Madonna y el Niño con los Santos Juan Evangelista y Agostino”, esta datada en 1494, realizada en temple sobre tabla.

El retablo fue encargado por la familia rica de Cremona “Roncadelli” a Perugino, que la pintó directamente en su taller de Florencia y luego lo envió a Cremona. Con las supresiones napoleónicas fue requisada y transportado a Francia, de donde regresó en 1815. En esa ocasión no fue colocada en el altar original de la nave izquierda, pasó a un lugar destacado en la nave derecha. En 1999 se sometió a una profunda restauración.

La pintura ejerció una influencia considerable en los talleres locales de pintura durante el siglo XV, haciendo contagiarse del estilo de la pintura florentina de vanguardia, basado en la perspectiva espacial y una mayor gracia expresiva de los personajes.

La escena se desarrolla dentro de un marco tranquilo y agradable, ordenado por las reglas de la simetría, donde se representan a la Virgen y el Niño con los Santos Juan y a San Agustín. Los personajes se encuentran debajo de un pórtico con arcos de medio punto sobre pilares con capiteles que sobresalen, que desde las dos últimas décadas del siglo XV había hecho muy común en la producción pictórica del maestro Perugino. El pórtico se limita a dos tramos de profundidad, pero la estructura arquitectónica es muy solemne pero a la vez describe simplicidad, en realidad sirve para dirigir la profunda mirada del espectador hacia los protagonistas de la escena, se adivina ligeramente en el fondo un paisaje en el que las colinas son completamente lisas puntuado por árboles delgados y desaparece en la distancia del horizonte.

El trono de madera está decorado con la fecha y la firma del artista, María está sentada con el Niño en sus rodillas, que mira hacia San Juan Evangelista a la izquierda, con la pluma y el libro. A la derecha está San Agustín con el traje del obispo, y su mano izquierda hace una indicación hacia la presencia del niño Jesús.

La luz viene de la derecha, adaptándose a la situación real que tenia la luz de la capilla original, y está proyectando largas sombras oscuras en el suelo. Los colores son brillantes, pero la sombra se suaviza, con el fin de crear una fuerte plasticidad de los cuerpos y todo dentro de una gran armonía. Las figuras del primer plano que aquí tienen un papel prioritario en comparación con los otros elementos de la composición, tal como se hizo común en las obras de este período de la artista. La arquitectura es, de hecho, un complemento y parece inmóvil y absorta en la contemplación. Dulce es la cara de la Virgen , siendo representada como una joven refinada y elegante, mientras que en obras posteriores comenzará a prevalecer un aspecto más maduro, sencillo y severo, de acuerdo con el clima espiritual que vive el pintor.

Nos alegra enormemente llegar hasta esta iglesia para descubrir esta gran obra del arte, durante varios minutos la contemplamos en silencio como si estuviéramos en el interior de una importante Pinacoteca y no en una iglesia, pero además tenemos oportunidad de ver otros retablos de los mejores pintores italianos como: A. Mainardi, Antonio Molosso y Gervasio Gatti.

Desde aquí caminamos hasta la iglesia de Santa Margarita, se halla en la Via Trecchi 11. El edificio fue construido en 1547, obra del arquitecto y pintor Giulio Campi, era hijo de una familia de pintores en ese momento era considerado como uno de los mayores exponentes del manierismo lombardo.

La fachada se articula en bandas verticales mediante pilastras dóricas que soportan un frontón triangular clásico. La decoración está construida por la alternancia de ladrillos de color rojo y de las pilastras, y el revestimiento de piedra blanca, que ocupa el interior entre una pilastra y otra.

El interior de la iglesia presenta una sola nave, destaca por la decoración de las paredes con pinturas al fresco de los hermanos Giulio y Antonio Campi.

Continuamos nuestro viaje por Cremona por la Via Segismundo Trecchi donde encontramos la fachada de un edificio gótico que nos llama la atención por sus arcos y colorido, es el Palacio Trecchi.

El palacio fue construido en 1496 y es uno de los símbolos del prestigio y poder que tenia la ciudad en aquellos años.

La historia ha cambiado el nombre de la casa, al principio se la llamaba “Principi Transitanti” porque dentro de estas paredes, se levantaba un espacio de libertad muy lejos de la agitación de la gran ciudad, donde encontraban la paz los grandes personajes que el Duque de Milán había confiado a la noble familia Trecchi para levantar este hotel de lujo.

Por aquí paso desde Carlos V, Federico Gonzaga, Cristina de Dinamarca, Maximiliano de Austria, el cardenal Medici, son sólo algunos de los nombres aquí alojados en la Edad de Oro del Renacimiento, transformando el corazón de Cremona, en una pequeña pero sofisticada corte.

La historia cambia de forma, pero no de fondo, cuando a mediados del siglo XIX el Marqués Trecchi decidido renovar el edificio; añadiendo decoraciones neogóticas, elegantes columnas, y preciosos techos que enriquecen esta extraordinaria arquitectura.

Seguimos andando hasta la via Gian Carlo Fondulo número 2 donde se encuentra la iglesia de Santa Agata. El edificio fue levantado en 1077, y posteriormente fue reconstruida ya en un estilo románico en el siglo XII, de este periodo solamente nos ha llegado el campanario.

La iglesia románica a su vez fue rehecha en 1496 por el arquitecto Bernardino de Lera, dividiéndola en cinco naves, mientras que la actual fachada, nos presenta un pórtico neoclásico con columnas de mármol blanco, es el resultado de una nueva intervención en 1835, de la mano del arquitecto Luigi Voghera, que elevó el piso interno en aproximadamente 60 cm.

El interior no conserva nada de la decoración de principios del siglo XVI, solamente podemos ver los frescos de 1872 con alegorías de las virtudes en el techo de la nave, de la decoración original solamente se pueden observar dos fragmentos de frescos: el duelo de la Virgen en el pasillo de la derecha y un Cristo en la columna de la nave izquierda. Es significativo la primera capilla de la nave izquierda donde se encuentra el Mausoleo de la familia Trecchi –acabamos de ver su palacio– fe construido en 1502 por Gian Cristoforo Romano, con un gusto clásico refinado. En el mismo pasillo, después de los primeros dos altares, se puede admirar la tabla de Santa Ágata, esta protegida en una vitrina especial. La pared derecha de la capilla de Santa Agata cuelga una Piedad de Bernardino Gatti.

En las paredes laterales del presbiterio fueron pintados por Giulio Campi en 1537 cuatro episodios de la vida de Santa Águeda. Esta dividida por falsas pilastras pintadas, fueron hechas para ser observadas por los fieles en la iglesia con un efecto de perspectiva de abajo hacia arriba, una obra temprana del pintor que ya buscaba unos efectos espaciales ilusorios. En la capilla lateral de la nave izquierda, pasando el crucero, se colocó una preciosa pintura que representa a la Sagrada Familia con María Magdalena, obra de Boccaccio Boccaccino en 1518, como el estilo noble e idealizado.

Aquí en este punto damos por terminada nuestra visita a este preciosa ciudad italiana que respira el arte por todos sus poros y que no ha sido muy reconocida en el circuito turístico, y que agradecemos porque aunque hay gente pero se puede disfrutar sin agobios.

Nuestro próximo destino es la ciudad de Mantua, hacia allí partimos. Nos separan poco más de 67 km y tardamos en hacerlos 1 hora y 20 minutos.

Entramos en Mantua ya entrada la noche, nos parece sumamente interesante porque bordeamos toda sus murallas medievales, pasamos por una enorme plaza que tiene como fondo el impresionante Castillo de San Giorgio, atravesamos el puente medieval sobre el río Mincio.

Tenemos señalado el área de autocaravanas de Mantua donde acudimos, nos sorprende porque en la puerta están aparcadas unas diez autocaravanas y un cartel luminoso que indica que las plazas libres son “0”, verdaderamente nos llama la atención porque en este viaje no habíamos visto muchas autocaravanas en ninguna ciudad pero quizás por la Semana Santa italiana indique que hoy comienzan sus vacaciones.

Los precios del área indica que cuesta 15,00 euros por 24 horas, 10,00 euros por 12 horas, € 5.00 por 6 horas. Se puede utilizar para llenar o vaciar pagando una la cuota mínima de 5,00 euros. Las coordenadas GPS del lugar se corresponden con N 45.1634039 // E 10.8125302 .

Preguntamos y la gente que espera en la entrada y nos indican que van a pasar la noche allí, nosotros intentaremos encontrar otro sitio, al lado hay una gasolinera Agip donde vemos aparcada como otra veintena de autocaravanas y dejamos el sitio en stand by y continuamos buscando.

Regresamos sobre nuestros pasos en dirección del río hasta llegar a la calle Cipata donde vemos un gran jardín con un inmenso parking, tiene una señal de gálibo que impide el paso a nuestras autocaravanas pero que en estos momentos esta abierta, en su interior ya hay cinco autocaravanas. Nosotros hacemos lo propio, vamos donde va Vicente, aparcamos en un gran parking que en estos momentos esta vacío, en el mapa de Google esta clasificada como Área Camper Montova.

No llevamos diez minutos cuando llega un coche de la policía local que nos indica que podemos pasar la noche pero que debemos aprovechar el sitio para aparcar más autocaravanas estacionando en batería, ¡vaya que susto! pensábamos que tendríamos problemas. Nos explican que este parking solamente es utilizado cuando esta lleno el área, entonces quitan el gálibo y permiten el aparcamiento. En diez minutos más llegan una veintena más de autocaravanas.

Cito aquí el parking de Autocaravanas en Mantua (Italia) que hemos utilizado en esta ocasión pero es posible que en algunas ocasiones este cerrado y haya que marcharse al área de autocaravanas a unos 500 metros, este es gratuito y ofrece unas inmejorables vistas del río y del castillo. Las coordenadas GPS del lugar corresponden con N 45.16193 // E 10.81087 .

La noche en este jardín es recordado por la tranquilidad, nada más levantarnos nos damos cuenta que a nuestro alrededor las autocaravanas han crecido como hongos, la imagen es de cientos de autocaravanas que no se de donde han salido pero han invadido toda la zona, la verdad es que esta todo bien organizado por el ayuntamiento que ha dispuesto incluso una navette que te acerca gratuitamente hasta el centro de Mantua.

Nosotros preferimos ir andando pera saborear la imagen que tuvimos ayer cuando llegamos. Estamos en el norte, accedemos a la ciudad por la via Legnago que esta presidida por el Palacio Ducal.

Antes de entrar en la ciudad medieval vemos la oficina de información y turismo donde nos detallan como visitar la ciudad en un día. El edificio donde se halla es la antigua casa de Rigoletto, era la antigua casa de los canónigos de la catedral. En su patio podemos ver la estatua de bufón Rigoletto, obra del escultor Aldo Falchi que fue tallada en 1978.

Se cree que el edificio no es el verdadero hogar del payaso trágico pero con el tiempo la leyenda se mezcla con la realidad, con el fin de hacer que se vea aún más real la propia leyenda.

Accedemos a la plaza más bella de Mantua Piazza Sordello, recibe el nombre del poeta del siglo XIII y se trata del centro histórico de la ciudad, se configuro en 1330 después de la demolición de las casas antiguas. Antes era llamada Plaza de San Pedro tiene la apariencia característica de las plazas romanas, tiene forma rectangular y se coloca entre dos caminos paralelos, siempre ha sido el centro de la vida política, social y religiosa. En el curso de los siglos ha sufrido numerosas intervenciones arquitectónicas desde la Edad Media hasta el siglo XVIII. La plaza da acceso a los principales edificios de la ciudad: la fachada principal de la catedral, el Palacio Episcopal, el Palacio Ducal (o Palazzo del Capitano), la Torre de la Jaula , el Palacio Bonacolsi (ahora Castiglioni) y el Palazzo Acerbi (privado) con acceso en la Torre de la Jaula.

Lo primero que hacemos es acudir a la taquilla para ver el conjunto del Palacio Ducal y el Castillo de san Jorge, el precio es de 12 euros para adultos y los niños la entrada es gratuita; los horarios es de martes a domingo: 08:30 19:00 horas.

Comenzamos la visita por el Castillo de San Jorge, fue construido entre 1390 y 1406 por el ingeniero Bartolino de Novara, que estaba trabajando en la construcción de la iglesia de Santa María de las Gracias y en el Castillo de Estense de Ferrara.

La elección del lugar para su edificación corresponde a una posición estratégica entre los lagos y la residencia de los Gonzaga, se rodea de fosos y puentes levadizos lo que constituye en un lugar inexpugnable que aumenta el poder de los marqueses y pasan a convertirlo en su propia residencia en un traspaso del poder militar en el poder político. Se adapta el castillo pasa a convertirse en un verdadero palacio y se decora por importantes artistas más destacados de la región, se contrata a los pintores Andrea Mantegna y Luca Fancelli, y se ordena la creación de la Cámara de los Esposos con frescos de Andrea Mantegna. En el siglo XVI el castillo fue absorbido por el Palacio y su estructura original compuesta por un núcleo central y cuatro robustas torres quedaron escondidas detrás de una serie de edificios adosados a ella, este núcleo fue eliminado durante las restauraciones del siglo XIX.

En el siglo XV el castillo se convierte en la residencia de Isabel de Este, esposa de Francisco II Gonzaga, una de las mujeres más famosas y nobles del Renacimiento. Isabel estaba muy implicada con el arte y contrato a muchos artistas y humanistas de la época, como Andrea Mantegna, el Perugino, Leonardo da Vinci, Ludovico Ariosto y Baldassare Castiglione, haciendo de la ciudad de Mantua como uno de los centros artísticos y literarios más importantes de Europa.

Comenzamos la visita por La Cámara Picta (Cámara Nupcial), maravillosa habitación en la planta principal de la torre norte, su decoración se encargo por parte del marqués Ludovico Gonzaga y de su esposa Bárbara Brandenburgo a unos de los pintores más importantes de su época Andrea Mantegna. Durante nueve años trabajo en la realización del proyecto según atestigua la inscripción de la pared, a partir de 1465 hasta el año 1474, según la fecha grabada en la placa conmemorativa en la entrada de la sala. Dentro de un reducido espacio con unas bóvedas de lunetos y gajos, que descansan sobre ménsulas del arranque, el pintor trata de hacer una mezcla de la realidad y de ficción. El espacio de cada pared de la habitación estaba dividido por tres aberturas que comunican al espectador, a través de grandes arcos, paisajes bucólicos y cortinas soplando al viento, representa un fuerte contraste con el entorno arquitectónico reducido. Los frescos fueron hechos empleando una gran técnica para conseguir una buena meticulosidad y detalle.

Los temas representados se relacionan con un episodio que refiere a la dinastía Gonzaga: en 1462, Blanca Mara Visconti mando una misiva a la corte de Mantua en la que pedía a los Gonzaga para que acudiesen a Milán con la máxima urgencia, porque las condiciones de salud del duque Francisco Sforza se había agravado; para otros autores identifican la escena cuando el marques esta recibiendo el anuncio de que su hijo Francisco había sido nombrado cardenal.

Esta obra es una de las más importantes y constituye en único gran ciclo decorativo de Mantegna conservado en su emplazamiento original. La decoración pretendía dar un efecto ilusionista, a partir del óculo que perfora la bóveda, desde una balaustrada que se abre a un imponente cielo azul salpicado de nubes, desde allí se asoman a la sala niños, animales, damas y personajes exóticos, este tipo de pintura representa un motivo muy difundido en la cultura del Renacimiento, estos efectos pretenden engañar al espectador.

En la pared sur hay dos escenas pintadas que representan los miembros de la familia Gonzaga, una se la llamo “Escena de la Reunión” donde se ven arquitecturas antiguas fuera de la escala respecto a su distancia real, agigantadas en razón de su importancia para que puedan ser percibidas por el espectador; y la otra “Escena de la corte” tiene un diseño muy original para adaptarse a la forma de la habitación. La presencia de una chimenea de hecho, que invade la parte inferior hasta la mitad destinada a los frescos narrativos, hace que sea muy difícil establecer la escena sin interrupción, pero Mantegna resolvió el problema utilizando el recurso de la colocación de la escena en una plataforma elevada que se accede por algunos los pasos que conducen hacia el lado derecho. Desde esta plataforma, el suelo de los cuales coincide con la plataforma por encima de la chimenea, están colgadas preciosas alfombras que mejoran la magnificencia de la escena.

El primer sector está ocupado por una ventana con vistas al Mincio: aquí Mantegna simplemente dibuja una cortina cerrada. En el segundo la cortina se describe y se muestra en la corte de los Gonzaga conocido como telón de fondo de un gran obstáculo decorado con medallones de mármol.

La sección central muestra el Marqués Ludovico Gonzaga sentado en un trono a la izquierda en “de Nocte”, una atención especial gracias a la ubicación ligeramente apartada. Se le representa llevando en la mano una carta y habla con un criado que tiene una nariz ganchuda, probablemente, su secretaria Marsilio Andreasi o Raimondo Lupi di Soragna; o podría ser el hermano del Marqués, Alessandro. La colocación de la Marques es el único que rompe la naturaleza estática del grupo, atrayendo inevitablemente la atención del espectador. Bajo el trono esta el perro favorito agachado del Marqués, su nombre era Rubino, un símbolo de la fidelidad. Detrás de él, a continuación, se encuentra el tercer hijo Gianfrancesco, que mantiene sus manos sobre los hombros de un niño, tal vez el protonotario Ludovichino. El hombre del sombrero negro es Vittorino da Feltre, era el tutor del Marqués y sus hijos. En su centro se encuentra la sede de la esposa Marqués, Bárbara de Brandenburg, en posición casi frontal, y con una expresión de la digna presentación, con una niña en sus rodillas que parece ofrecerle una manzana en un gesto de ingenuidad infantil, tal vez la más joven Paola Detrás de la madre se encuentra Rodolfo, flanqueado a la derecha por una mujer, tal vez Barbarina Gonzaga. Los otros personajes son inciertos. El primer perfil en el fondo de la izquierda se interpretó como un posible retrato de León Battista Alberti, mientras que la mujer que esta detrás es Barbarina es tal vez la enfermera de Gonzaga o, como algunos estudiosos, Paola Malatesta, madre de Ludovico III, con el hábito monástico; la parte inferior se encuentra el famoso enano, mirando directamente al espectador; el pilar de pie está parcialmente cubierto por una cortesano.

La siguiente sección muestra siete cortesanos que vienen con la familia del marqués, en parte, en la cubierta, en parte por las escaleras a través de una antecámara. El último en entrar en la escena se desvía de la cortina, detrás de la cual se puede ver un patio soleado donde están trabajando un albañil.

En el chaflán de la ventana hay una imitación de un revestimiento, donde se oculta la Fecha 16 de junio de, 1465, pintada como un falso graffiti y tienden a ser interpretados como la fecha de inicio de los trabajos.

La habitación es una de las más importantes del Renacimiento, no se puede estar más de 5-10 minutos por la técnica seca de los frescos, evitando la humedad del aire exhalado, que amenazarían la permanencia de las pinturas.

El castillo de San Jorge también es un museo, en sus salas se exponen verdaderas obras de arte de la pintura medieval italianas.

La primera de las obras “Matrimonio místico de Santa Catalina”, obra atribuida al Maestro del Matrimonio Místico de la capilla Bonalcolsi, realizada en la técnica del fresco transpuesta a un soporte rígido.

La obra cuenta la historia del Matrimonio Místico de Santa Catalina donde Jesús que ofrece a la princesa y mártir la mano con el anillo, símbolo de su unión mística. Los gestos y las miradas se entretejen entre los ellos, mientras que María mira hacia otro lado.

La siguiente de las obras “Madona en el trono con el Niño con ángel, San Juan Bautista y San Antonio Abad”, obra del pintor Lorenzo di Bicci (1350-1427), realizado en temple sobre tabla con fondo dorado, esta datado entre 1390-1400.

Lorenzo di Bicci fue un pintor italiano de la escuela florentina, su obre es fiel a la tradición gótica. Se cree que aprendió el oficio de su padre, con el que además de él, comparte el nombre Bicci con otros pintores más. En 1370, Lorenzo se hizo miembro del gremio de San Lucas, la asociación corporativa de los pintores de Florencia.

La siguiente de las obras “Ángel adorante”, obra del pintor Allegretto Nuzzi (1315-1373), realizado en temple sobre tabla con fondo dorado, esta datado en 1350.

Allegretto Nuzi es también llamado Allegretto por Nuzio fue un pintor italiano. Probablemente un estudiante del llamado Maestro de Campodonico, marcho a Florencia en 1346 y regresó a Fabriano mostrando la influencia de la escuela Toscana de Bernardo Daddi y Maso di Banco. También tuvo contactos con las escuelas de pintura de Orvieto y Siena.

La siguiente de las obras “Crucifixión con ángel”, obra atribuida al Maestro de la capilla Bonalcolsi, realizada en la técnica del fresco transpuesta a un soporte rígido, esta datado entre 1315 y 1320.

El maestro trabajo en la capilla privada de la familia noble Bonacolsi, fue construido a finales del siglo XIII en un edificio elevado usado como una logia, conectando dos edificios de la civitas vetus , propiedad desde 1281 por Pinamonte, del señor de Mantua. La importancia del edificio es tal vez debido a la presencia de prelados importantes en la familia: Bonaccorso y Giovanni de Bonacolsi, canónigos de la basílica de San Andrés y Felipe de Bonacolsi, obispo de Trento y luego a Mantua en 1303. Después de la caída sangrienta de Bonacolsi en 1328, la propiedad pasó a Gonzaga.

La siguiente de las obras “Santa Maria Magdalena y Edvige”, obra del Maestro di Trebon, realizado en temple sobre tabla, esta datado entre 1390-1400.

El Maestro de Trebon (el nombre de una localidad alemana), es un pintor anónimo que trabajó en la segunda mitad del siglo XIV. Perteneció a la escuela de Praga, que se considera como uno de los centros creadores del gótico internacional. Su estilo es poético y contemplativo, con una religiosidad que se acerca al misticismo. No obstante, presenta cierto realismo. Recuerda a algunas composiciones de Melchior Broederlam, por lo que se cree que el Maestro de Trebon conoció el arte de la corte que se desarrollaba en Borgoña.

La siguiente de las obras “San Tadeo y Tomás”, obra del Maestro di Trebon, realizado en temple sobre tabla, esta datado entre 1390-1400.

El nombre por el que es conocido se debe al retablo que realizó para la colegiata agustina de San Eligio, en la ciudad de Trebon. El retablo está datado hacia 1380-1390, y fue pintado con la ayuda de colaboradores. Estos trabajos estaban relacionados con las reformas del convento, dirigidas por el propio Emperador.

La siguiente de las obras “Madona en el trono con el Niño”, obra del pintor Guidoccio Cozzarelli, realizado en temple sobre tabla, esta datado entre 1480.

Guidoccio Cozzarelli fue un estudiante y colaborador del maestro Matteo di Giovanni, con la que a veces es posible confundirlo. En comparación con el maestro apareció, en sus numerosas obras, menos fino y menos abierto a nuevas experiencias, pero más competentes en el claroscuro y la coloración.

La siguiente de las obras es un díptico“Retrato de dos mujeres de perfil”, obra del taller del pintor Bonifacio Bembo, realizado en temple sobre tabla, esta datado entre 1460.

Bonifacio Bembo fue un pintor y miniaturista italiano. Nacido en Brescia y educado en el estilo gótico practicado por su padre Giovanni, también pintor como su hermano Benedetto, no tardó en ser atraído hacia el estilo renacentista . Después de entrar en contacto con Giorgios Gemistos Plethon absorbió el idealismo neoplatónico.

Entre las esculturas más importantes “Madona con el Niño bendiciendo entre una cornisa vegetales”, obra del taller Della Robbia, realizada siguiendo la técnica mayólica de porcelana, esta datado en 1510

Los Robbia (o della Robbia) son una familia italiana de artistas renacentistas, que se especializaban en escultura y cerámica y que tuvieron su apogeo en Florencia durante el siglo XV y comienzos del siglo XVI. Los principales miembros de la familia fueron Luca della Robbia y Andrea della Robbia. Los hijos de Andrea llamados Giovanni della Robbia y Girolamo della Robbia también realizaron trabajos en cerámica.

La siguiente de las obras “La Beata Asonna Andreasi”, obra del pintor anónimo de Montova, realizado en óleo sobre tabla, esta datado entre 1540-1550.

Asonna Andreasi nació en Mantua, en el seno de una familia noble de origen húngaro: los Andreasi, y por parte de madre pertenecía a la familia de los Gonzaga. En su niñez tuvo éxtasis místicos. Desde muy joven quiso estudiar Teología además de aprender a leer y escribir, pero su padre se opuso por su condición de mujer. Hosanna, entonces, se puso bajo la protección de María que la enseñó todo lo necesario: aprendió latín y tuvo gran conocimiento de las Sagradas Escrituras

La siguiente de las obras “Cristo en la Columna”, obra del pintor anónimo de la escuela de Roma, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1520.

Cristo en la columna o Cristo atado a la columna es una escena evangélica y un tema iconográfico muy frecuente en el arte cristiano, dentro del ciclo de la Pasión. Es despojado de sus ropas vestido con un manto y atado a una columna, donde será sometido a burlas.

La siguiente de las obras “Júpiter, Neptuno y Plutón dividiendo los tres reinos”, obra de los pintores Luca da Faenza y Luca Fiammingo, diseñado por Giulio Romano, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1536-1538.

En la escena se pueden ver a los tres hermanos, Júpiter, Neptuno y Plutón, que siendo todos tres hijos de Saturno, dividieron en tres partes su herencia. A Júpiter le dio una parte del Cielo, por ser el mayor; a Neptuno le dio los mares; y a Plutón le dio el infierno, los tres hijos se convirtieron en los señores del mundo.

La siguiente de las obras “Perrito”, obra del pintor Pieter Paul Rubens, realizado en óleo sobre tela, esta datado en 1605; tiene unas medidas de 67 x 35 cm.

El cuadro es una mínima parte de lienzo titulado: “La Trinidad adorada por la familia Gonzaga”, también conocido como Gonzaga Familia en la Adoración de la Trinidad , construidos entre 1604 y 1605 por el pintor Peter Paul Ruben , en la comisión Vincenzo los Gonzaga para la iglesia Santa Trinidad construida junto con el monasterio en 1597 por los jesuitas Mantua . Actualmente se conserva en el Museo de Palazzo Ducale el mismo nombre de la ciudad en el gran salón de los arqueros.

Este es el panel central de un tríptico original, de los cuales los dos partes laterales se desarrollan los temas de “transfiguración” y “El bautismo de Cristo”.

Durante la ocupación francesa a principios de 1800, el panel se dividió y la parte central fue seccionada en varias partes, algunas de las cuales se perdieron.

En el retablo representa el duque Vincenzo I y su esposa Eleonora de Medici junto a los padres el Duque Guglielmo Gonzaga y Eleanor de Austria; También están los hijos de los Gonzaga con algunos alabarderos, entre ellos también hay un autorretrato del propio artista.

La siguiente de las obras “Alabardero”, obra del pintor Pieter Paul Rubens, realizado en óleo sobre tela, esta datado en 1605; tiene unas medidas de 67 x 35 cm.

Corresponde con un trozo de la tela de la Trinidad adorada por la familia Gonzaga del lado izquierdo con aparece un alabardero delante de una columna se trata de un autorretrato del propio Rubens. El fondo de esta tela suntuosa, delante de los cuales aparecen tres generaciones de Gonzaga se postran reverentemente, estaba cubierto con pan de oro para amplificar el efecto visual. La obra hace una referencia a las pinturas de Tintoretto y Veronese.

La siguiente de las obras “Retrato de Francisco IV Gonzaga”, obra del pintor Pieter Paul Rubens, realizado en óleo sobre tela, esta datado en 1605; tiene unas medidas de 50 x 40 cm.

Otro de los trozos de la Trinidad de los Gonzaga es este retrato esta pintado de perfil con Francesco Gonzaga IV, hijo mayor de Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua y Eleonora de Medici; el joven, vestido con ropas nobles típico de su tiempo.

La siguiente de las obras “Retrato de Margarita Gonzaga del Este”, obra del pintor Frans Porbus conocido como Il Giovane, realizado en óleo sobre tela, esta datado entre 1604-1605; tiene unas medidas de 129 x 105 cm.

Retrato de Margherita Gonzaga d'Este, una noble del ducado de Mantua, hija de Guglielmo Gonzaga, duque de Mantua, y de Leonor de Austria; la mujer se representa frontalmente, sus ojos se vuelven un poco hacia la izquierda, el uso de ropa nobles con un collar llamativo, y la joyería típica de su tiempo, mientras sostiene un billete en sus manos.

Las obras que hemos tenido ocasión de ver se encuentran entre las antiguas habitaciones que había reestructurado Ludovico II al llegar al poder entre 1444 a 1478 como su residencia con su esposa Bárbara de Brandenburgo; en estas habitaciones fueron ocupadas por Isabel del Este, esposa de Francisco II hasta el año 1523.

La sala de los Soles recibe el nombre por la decoración del techo; único vestigio que queda del arreglo efectuado en el siglo XV, tiene una hermosa chimenea en el estilo de Fancelli y Mantegna; la sala fue transformada luego por Julio Romano y, posteriormente por Bertani.

La siguiente es la sala de las Caracolas, se la llama así por las distintas figuraciones marinas en su decoración, realizadas a finales del siglo XVI; más adelante se llega a la Gruta de Isabel, es un gabinete de estudio creado entre 1490 y 1507, tiene un hermoso techo de madera dorado con el blasón de la marquesa, ejecutado entre 1506 y 1508.

La siguiente se denomina Sala de Armas, se la denomina por las armas que pinto en las paredes Julio Romano, la sala comunica con la capilla privada de Guillermo, fue realizada por Bertani.

En la parte baja se encuentra el apartamento de Isabel del Este, donde la marquesa hizo trasladar sus muebles y sus gabinetes de estudio. Las habitaciones se articulas a través de un jardín secreto terminado en 1522, tiene una planta rectangular, podemos ver hornacinas que cobijan esculturas, en el friso hay un epígrafe en latín que dice: “hecho en el año 1522 después del nacimiento de Cristo por Isabel del Este, descendiente de los reyes de Aragón, hija y hermana de los duques de Ferrara, esposa y madre de los duques de Mantua”.

Continuamos la visita por el Palazzo Ducale en Mantua, también conocido como el palacio de los Gonzaga. Desde 1308 fue la residencia oficial de los señores de Mantua, la familia de los Bonacolsi, y luego la principal residencia de la familia de los Gonzaga, señores, marqueses y finalmente duques la ciudad de Virgilio. Albergó a los Gonzaga que se declararon como familia dominante de la época, su esposa, el hijo legítimo mayor y otros niños legítimos hasta su mayoría de edad, así como huéspedes importantes.

La primera sala del Palacio se llama de San Alberto, en ella se exponen epígrafes de mármol y la famosa pintura que relata la expulsión del Bonalcosi.

En el centro de la sala esta el gran cuadro “ La Expulsión de los Bonacolsi”, obra del pintor Domenico Morone, fechada en 1494, realizada en óleo sobre tela.

La pintura nos muestra el paisaje de la ciudad de Mantua donde esta presidido por la fachada de la Catedral , obra del gótico tardío de Lacobello y Pier Paolo Delle Masegne. El resto del lienzo muestra el combate victorioso Luigi Gonzaga dedica a Mantua contra Rinaldo Bonacolsi por la posesión de la ciudad el 16 de agosto 1328 y que coincidió con el auge de la familia Gonzaga duró cuatrocientos años.

Pasamos a un enorme corredor que se llamo de Pissanello que recorre toda la línea de la fachada del Palacio del Capitán, llamado así por la familia Bonacolsi, aunque este espacio estaba dividido en otras pequeñas sala que fueron unificadas al restaurarse el techo de madera del siglo XIV. En la paredes se pueden admirar mármoles, blasones y lápidas, mientras que en la parte superior hay una serie de decoraciones geométricas de estilo gótico, destaca el friso de una chimenea, procede del palacio Revere, recuerda el estilo Alberti.

Las siguientes habitaciones están expuestas lo que queda de la colección de arte de los Gonzaga o la celeste Galería son históricamente las colecciones importantes de obras de arte arte que pertenecían a la dinastía de los Gonzaga, una vez expuesto en el Palacio Ducal, en el Palazzo Te, en el Palazzo San Sebastiano y otros edificios en Mantua y sus alrededores.

Actualmente las obras de arte pertenecientes a la Gonzaga están dispersas en museos y colecciones privadas en todo el mundo estaba formada por la una inmensa colección de pintura, bronces, armas, joyas, dibujos, etc.

Fue en el siglo XV cuando se forman las colecciones de arte más importantes por los Príncipes de Renacimiento. Las más grandes eran las de los Papas, la familia Medici y Gonzaga. Estas colecciones iban inicialmente dirigidas preferentemente hacia los testimonios del mundo clásico, y más adelante se incorporan: esculturas, bronces, griegos y romanos monedas y medallas. Pero después empezaron a encargar obras a los artistas de su tiempo.

La inspiración de los Gonzaga fueron los cuartos de maravillas o gabinetes de curiosidades eran espacios en los que durante la época de las grandes exploraciones y descubrimientos siguiendo el modelo de los Príncipes de Baviera. En este modelo en particular se emplea Isabel del Este en crear su propio estudio personal que ganó notoriedad internacional. Las colecciones de la familia Gonzaga se convirtió en la envidia para las cortes europeas, incluso a la intuición proverbial demostrada por los Gonzaga en la elección de las obras contemporáneas. También el arte se convirtió en la negociación gracias a la representación y como una herramienta de comunicación en el sutil juego diplomático que necesariamente tenía que aplicar el pequeño estado de Mantua. La cúspide de la colección se produjo durante el gobierno de los duques de Vincenzo Gonzaga y Ferdinand (hijo de Vincenzo I). Por la magnitud de las obras de este último de arte que fueron inventariadas, gracias a ese inventario se conoce la gran importancia de la colección, poco después comienza la diáspora de las obras conservadas en los palacios de Mantua.

La decadencia de la dinastía Gonzaga dio lugar a la dispersión de las colecciones. Una primera mutilación fue producida por Vincenzo II que había comenzado a partir de 1625 largas negociaciones con Carlos I, rey de Inglaterra. Este último, utilizó la mediación de un comerciante de arte conocido en Venecia, el flamenco Daniel Nijs (1572-1647), en 1627, hasta que logró ridículamente un bajo precio a pagar por la entrega en Londres de la mayor parte de las colecciones de Gonzaga. Paradójicamente, este evento fue la evidencia providencial ya que permite la conservación de las obras de arte que se quedaron los ingleses, porque el resto sufrieron un gran daño en las colecciones de arte en Mantua en 1630, cuando la ciudad fue ocupada por los mercenarios del emperador alemán Fernando II que entregó a Sacco Mantua, En la mañana del 18 de julio penetraron en la ciudad y comenzó en Mantua el período más oscuro de su historia. El Duque de Mantua y su familia se vieron obligados a abandonar la ciudad y el palacio de los Gonzaga, el Palacio Ducal, la presa favorita de los comandantes, fue rodeado y despojado de todos los tesoros artísticos que la dinastía se había acumulado con el tiempo.

Entre los pintores que había atesorado algunas de sus obras los Gonzaga se encontraban lo mejor del arte: Sofonisba Anguissola, Giovanni Baglione, Jacopo Bassano, Pieter Bruegel el Joven, Annibale Carracci, Ludovico Carracci, Antonio Allegri llamado el Correggio, Lorenzo Costa, Lucas Cranach, Domenichino, Ludovico Dondi, Domenico Fetti, Lorenzo Lotto, Andrea Mantegna, Domenico Morone, Pietro Perugino, Frans Pourbus el Joven, Giulio Romano, Pieter Paul Rubens, Domenico Tintoretto, Jacopo Tintoretto, Tiziano, Veronese, Antonio Maria Viani, etc.

Comenzamos un repaso de los mejores cuadros con “Lamentación de Cristo Muerto”, obra del pintor Lorenzo Leonbruno, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1540; tiene unas medidas de 102.5 x 85.5 cm.

El siguiente cuadro “La Virgen con el Niño y las Santas Catalia y Magdalena”, obra del pintor Maestro de San Vicenzo, realizado en óleo sobre tabla, esta datado entre 1520-1525; tiene unas medidas de 93 x 76 cm.

El siguiente cuadro “Sibilla Tiburtina”, obra del pintor Gian Francesco Caroto (1480-1555), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1540; tiene unas medidas de 71.4 x 63 cm.

El siguiente cuadro “Madona con el Niño y san Juan Bautista y un Santo Papa”, obra del pintor Girolamo Sellari conocido como Girolamo da Carpi (1501-1556), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1560; tiene unas medidas de 34 x 26 cm.

El siguiente cuadro “Madona con el Niño y san Vicente Ferrer, San Juan Bautista, la beata Osanna Andreasi, San Vicente Levita, Bárbara y Romano”, obra del pintor Maestro de San Vicenzo, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1515; tiene unas medidas de 241 x 189 cm.

El siguiente cuadro “Putti apoyado en una placa con escena de una batalla”, obra del pintor anónimo de Mantua, realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1510; tiene unas medidas de 51.5 x 208.5 cm.

El siguiente cuadro “San Pablo Coronado por un ángel con san Juan Bautista y Sebastián”, obra del pintor Francesco Bonsignori (1450-1519), realizado en óleo sobre tabla, esta datado en 1516-1518; tiene unas medidas de 275.5 x 186 cm.

Los siguientes cuadros forman un díptico“San Ignacio de Antioquia; San Agustín”, obra del pintor Nicolo Solimani da Verona (1446-1497), realizado en temple sobre tabla, esta datado en 1480-1490; tiene unas medidas de 275.5 x 186 cm.

El siguiente cuadro “Cristo redentor”, obra del pintor anónimo de Mantua, realizado en temple sobre tabla, esta datado en 1480; tiene unas medidas de 134 x 66 cm.

El siguiente cuadro “La Madonna y el Niño con san Juanito llamada Madonna del Popolo”, obra del pintor Gian Francesco Turo (1510-1546), realizado en temple sobre tabla, esta datado en 1518-1520; tiene unas medidas de 129.5 x 110 cm.

El siguiente cuadro “Llegada al cielo de un santa”, obra del pintor Giuseppe Bazzani (1690-1769), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en siglo XVIII; tiene unas medidas de 89 x 145 cm.

El siguiente cuadro “Visión de Santo Tomás de Aquino”, obra del pintor Giuseppe Bazzani (1690-1769), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1731; tiene unas medidas de 245 x 312 cm. Estuvo colgado en la iglesia de San Domenico.

El siguiente cuadro “Transito de san José”, obra del pintor Giuseppe Bazzani (1690-1769), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVIII; tiene unas medidas de 107 x 11.5 cm.

El siguiente cuadro “San José se aparece a Santa Teresa y San Pedro de Alcántara”, obra del pintor Francesco Maria Raineri conocido como Lo Schivenoglia (1676-1758), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1750; tiene unas medidas de 288,5 x 187.5 cm. Estuvo colgado en la iglesia del Espíritu Santo.

El siguiente cuadro “La Virgen y el Niño se aparece a San Juan Capestrano y Giacomo della Marca”, obra del pintor Giuseppe Bazzani (1690-1769), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1786; tiene unas medidas de 233.7 x 166 cm. Estuvo expuesto en el Monasterio de Santa Orsola.

Los siguientes cuadros forman un díptico“San Longino; Beata Osanna Andreasi”, obra del pintor Nicolo Giuseppe Oriolo (1681-1750), realizado en óleo sobre tela, esta datado en 1726; tiene unas medidas de 120 x 97 cm.

El siguiente cuadro “Deposición”, obra del pintor Fermo Ghisoni (1505-1575), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1540; tiene unas medidas de 255 x170 cm. Estuvo expuesto en la iglesia de Santa Paola (Montova).

El siguiente cuadro “Madona con el Niño, Arcángel san Miguel, San Juan Bautista, San Francisco de Asis y Jorge”, obra del pintor Ippolito Costa (1506-1561), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVI; tiene unas medidas de 351 x 211 cm. Estuvo expuesto en la iglesia de San Francesco (Montova).

El siguiente cuadro “Encuentro de Ana y Joaquín en la puerta Aurea”, obra del pintor Teodoro Ghisi (1536-1601), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVI; tiene unas medidas de 275 x 185 cm.

El siguiente cuadro “Cristo cae debajo de la cruz”, obra del pintor anónimo del circulo de Ferrarese, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1530; tiene unas medidas de 331 x 214 cm. Estuvo expuesto en el oratorio de la escuela Segreta (Montova).

El siguiente cuadro “Flagelación”, obra del pintor anónimo de la escuela de Giulio Romano, realizado en óleo sobre lienzo, esta datado el 4-5 decenio del siglo XVI; tiene unas medidas de 258 x 182 cm. Estuvo expuesto en la iglesia de Santa Paola (Montova).

El siguiente cuadro “San Francisco de Sales”, obra del pintor Giuseppe Maria Crepi conocido como Spagnolo (1665-1747), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1720; tiene unas medidas de 215 x 168 cm. Estuvo expuesto en la sacristía de la iglesia de Inmaculada Concepción (Montova).

El siguiente cuadro “San Vicente Ferrer predicando”, obra del pintor Giuseppe Bottani (1717-1784), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1769; tiene unas medidas de 374.5 x 218 cm. Estuvo expuesto en la iglesia de San Domenico (Montova).

El siguiente cuadro “San Juan Francisco Regis”, obra del pintor Giuseppe Maria Crepi conocido como Spagnolo (1665-1747), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en 1739; tiene unas medidas de 297 x 125 cm. Estuvo expuesto en la sacristía de la iglesia de Santísima Trinidad (Montova).

El siguiente cuadro “Multiplicación de los panes y los peces”, obra del pintor Domenico Fetti (1588-1623), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1613-1622; tiene unas medidas de 360 x 838 cm. Estuvo expuesto en el refectorio de la iglesia de Santa Ursola (Montova).

El monasterio fue fundado por Margherita Gonzaga d'Este, cuya muerte (1618), el artista también compone un poema, unido con una oración fúnebre. Los protagonistas del cuadro están sacados de los evangelios Para articular la composición el artista se inspiró en la pintura de Tintoretto y especialmente los límites de la escuela veneciana de San Rocco. Tres grupos de figuras que ocupan el enorme bisel, colocado en la geometría triangular. La pincelada hace hincapié en la localización espacial más compacta y densa en los primeros planos, más estrechos y rápidos en el desvaneciendo situado al fondo, mientras que las formas son casi únicamente sugerencias en la distancia.

El siguiente cuadro “Anton Maria Viani presenta el modelo de la iglesia de Santa Ursula a Margherita Gonzaga”, obra del pintor Domenico Fetti (1588-1623), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1619-1620; tiene unas medidas de 244 x 274 cm. Estuvo expuesto en la iglesia de Santa Ursola (Montova).

El siguiente cuadro “Desposorios de la Virgen ”, obra del pintor Daniel Van Dyck (1614-1662), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1634-1637; tiene unas medidas de 244 x 262 cm.

El siguiente cuadro es el más importante del museo “La familia Gonzaga en adoración a la Trinidad”, obra del pintor Pietro Paolo Rubens (1577-1640), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado entre 1604-1605; tiene unas medidas de 384 x 481 cm.

Estamos ante el fragmento más grande, con “La Familia Gonzaga en la Adoración de la Trinidad”, es a su vez el resultado de la recomposición de los dos fragmentos de más significativo iconográfico (la familia Gonzaga y la Trinidad ).

La Trinidad, una obra maestra de su pintura temprana de Peter Paul Rubens. Este bien documentado en el taller del artista, que se pintó en 1605 por un tríptico para ser colocado en el presbiterio de la iglesia de la Santísima Trinidad. La iglesia está fuertemente apoyada por la familia Gonzaga; aunque al principio estuvo respaldado por el Duke William que convence a su esposa Leonor de Austria, para ayudar a los jesuitas a instalarse en Mantua y luego fue por Vincenzo I .

En el cuadro representa a las tres personas de la Trinidad, a quien la iglesia, representa envueltos en una alfombra por los ángeles que vuelan, y por debajo de esta alfombra se ven retratados en un entorno natural, a la izquierda del cuadro vemos a Vincenzo I vestido con la capa de armiño de su coronación como duque y a su lado, una imagen póstuma de su hijo Guillermo, que aparece paradójicamente de la misma edad que su padre. A la derecha, Leonor de Médicis, lujosamente ataviada con una capa de armiño, arrodillada junto a su madrastra Leonor de Austria. Estas figuras custodiadas por guardias suizos entre una arquitectura de columnatas, se encuentran a la derecha del lienzo, a continuación, el lado izquierdo esta Lionora archiduquesa de Austria. Se puede ver dos de sus hijas de rodillas, la mayoría de ella es Graciela Lionora Gonzaga, era la esposa del emperador Fernando II de Austria, y la otra es Margarita, que era entonces esposa del duque de Lorena. En el otro lado de la tela se ven columnas con escenas arquitectónicas y un guardia suizo con alabarda en la mano es una metáfora del mismo Rubens que hizo su propio retrato.

Pasamos a las habitaciones personales del Palacio Ducal, la más impresionante es la Galería de los Espejos, originariamente estaba abierta y daba al Patio de Honor. Construida por Antonio Maria Viani para el duque Vicente I en los primeros años del siglo XVII, estaba destinada a conciertos y grandes recepciones. En las paredes y los techos están decorados con impresionantes frescos activos en la corte de Mantua en tiempos del duque Vicente, pintores como Francesco Borgani (1547-1624) trabajaron en esta parte del palacio, las paredes fueron renovadas siguiendo el gusto neoclásico y decorado con una composición de espejos por Giocondo Albertolli en 1779. Las paredes se volvieron a pintar en el siglo XVIII por Felice Campi (1746-1817), se caracterizan este espacio suntuoso y lo convierten en una representación mitológica y alegórica creando increíbles efectos ópticos.

En la bóveda destaca el fresco que representa “El obispo y las Cuadrigas del Día y de la Noche ” que algunas fuentes atribuyen a un discípulo de Guido Remi, así como la colaboración con artistas bávaros del último y fastuoso manierismo. En particular, hay que destacar los juegos de perspectivas fingidas presentes en estas representaciones: los caballos de las cuadrigas, una vez recorrida toda la galería, parecen girarse hacia nosotros; también, hay que mirar el dedo índice del personaje femenino, en el centro de la pared, que sigue al visitante durante todo el recorrido.

La siguiente pequeña estancia se trata de la habitación de Judith, debe su nombre a cuatro telas que colgaban que contaban la historia mitológica de Judith, obra del pintor napolitano Pietro Mango, que estuvo activo en el siglo XVI en la corte de Carlo II Gonzaga y Nevers, llegado a la ciudad después de trabajar en Venecia en el campo de la escenografía teatral.

Las pilastras provienen del Palacio de San Sebastián situadas en la sala del famoso ciclo representando el Triunfo de Cesar de Andrea Mantegna. El precioso techo de la sala proviene del mismo palacio, fue realizado en tiempos de Francisco II Gonzaga en el siglo XV, fue después reajustado entorno a 1600 por parte del duque Vicenzo I para la primera estancia del nuevo apartamento ducal.

Tiene impreso un Crisol, uno de los emblemas recurrentes empleados por Francisco II. Actualmente en las paredes se exponen cuadros de Domenico Fetti que estuvieron expuestos en el monasterio de Santa Ursula.

La serie de pequeños cuadros corresponden de un mural desmembrado “A la derecha San Sebastián y Santa Bárbara; en el centro: Santa Catalina de Alejandría y San Ludovico de Tolosa; a la izquierda: dos Santos mártires con palmas”, obra del pintor Domenico Fetti (1588-1623); realizado en óleo sobre pizarra, están datados en 1624; tiene unas medidas de 71 x 56 cm.

Los cuadros proceden de un mural en el refectorio del Monasterio de las Clarisas de Santa Ursula (Mantua), fundado por Margarita Gonzaga.

La fecha que aparece en la hoja de la espada que tiene en la mano Santa Bárbara, ahora mutilada con el lazo atado era 1613, incluso esta pintada antes de transferirse a Mantua (1614) para servir a Ferdinando Gonzaga.

En la misma sala encontramos el díptico “San Andrés y San Simón” obra del pintor Domenico Fetti (1588-1623); realizado en óleo sobre pizarra, están datados en 1624; tiene unas medidas de 71 x 56 cm.

Volvemos a pasar por el Salón de Arqueros, tenia la función en época palaciega como una gran antecámara, recibe el nombre derivado de la guardia personal del duque, era el lugar donde los visitantes esperaban ser recibidos por Vicente Gonzaga, fue construida hacia 1620 sobre el proyecto de Viani, que reunió dos pisos del viejo edificio, lo mas destacado de la decoración es el techo sostenido por grandes modillones en formas de cariátides; en los compartimientos se observan cortinajes y sobre todo figuras de caballos atribuidas al mismo artista. Una gran pintura debía decorar el centro del techo. En la actualidad se ha convertido en sala de exposiciones del museo de pintura y se ha colgado el lienzo que ya hemos visto anteriormente y corresponde con la obra maestra de Pedro Pablo Rubens “La familia Gonzaga adorando a la Santísima Trinidad ”, además de otras obras de gran formato.

Más adelante pasamos a la Sala del Laberinto, recibe su nombre por la decoración del techo, es un hermoso laberinto, trazado con líneas doradas que aluden al recorrido de setos de boj, tal como se planteaban los jardines renacentistas de la época. En cada parte del laberinto se lee repetidamente la inscripción “puede que si, puede que no”. Entorno a una faja añadida para unificar los paneles lleva el epígrafe que recuerda la lucha del duque Vicente contra los turcos en Canizza de Voivodina. Los lienzos que cuelgan de las paredes representan las Edades del Mundo”, obra del pintor Pala el Joven (1544-1628) y de Sante Peranda (1566-1638), autor de los retratos colocados algo más abajo.

En la sala se expone el cuadro “La familia Petrozzani en plegaria”, obra de Pietro Fachetti (1575-1616), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVI; tiene unas medidas de 163 x 220 cm.

El lienzo estuvo colgado en el palacio Petrozzani. Representa a Albini Petrozzani y sus cinco hijos en estado de plegaria. Era una familia de nobles donde Tullo era un jurista que trabajaba para los tribunales de la Familia Gonzaga

El interior esta ambientado en una escena devocional en la iglesia de San Lorenzo fue construida siguiendo la voluntad de Tullo Petrozzani en 1590, tiene una característica por su planta elíptica.

En la sala se expone el cuadro “Retrato de una mujer noble”, obra de Lucrina Fetti (1589-1633), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVII; tiene unas medidas de 202 x 120 cm.

El cuadro proviene del Monasterio de Santa Ursula, se cree pueda representar a Eleonora Gonzaga como Santa Elena fue una emperatriz romana y, posteriormente, proclamada como santa de las Iglesias católica, luterana y ortodoxa.

Su iconografía habitual la muestra como emperatriz romana, vestida con ricos ropajes, y portando casi siempre la Vera Cruz , y a veces con su hijo Constantino. Es muy habitual la representación del momento del hallazgo de las reliquias (Exaltación de la Cruz ) en el monte Calvario y los prodigios y milagros.

En la sala se expone el cuadro “Retrato de Ana de Austria”, obra de Jeremías Gunther (1604-1629), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVII; tiene unas medidas de 205 x 109 cm.

El cuadro proviene del Monasterio de Santa Ursula. En él se representa a Ana de Austria, era hija de Anna Caterina Gonzaga y Fernando II de Austria, fue nombrada archiduquesa del Tirol y esposa del emperador Matías, cuando se casaron el emperador tenia cincuenta años, eran primos y no tuvieron hijos.

En la sala se expone el cuadro “Retrato de Vicenzo II Gonzaga”, obra de Justus Suttermans (1597-1681), realizado en óleo sobre lienzo, esta datado en el siglo XVII; tiene unas medidas de 202.3 x 112.3 cm.

Vicenzo II murió sin herederos en 1626 su hermano Fernando, Vincenzo, tercer hijo de Vincenzo I y Eleonora de Medici, fue sucedido en el gobierno del ducado de Mantua, logró la investidura imperial el 8 de febrero de 1627.

Estos son los días más oscuros de la dinastía Gonzaga, y tal vez toda de la historia de la ciudad de Mantua; Vicente fue el último heredero de la línea principal dinástica de la familia, tanto es así que en virtud de sus contactos gubernamentales se hermano con la rama francesa de la Gonzaga-Nevers, para asegurar la continuidad de la dinastía.

Pasamos a la Sala de Amor y Psique, originariamente es del siglo XVII, fue modificada en estilo neoclásico, para cubrir el escudo papal que había en el techo se le añadió un medallón que representa Amor y Psique. En las Paredes podemos ver lienzos de Giuseppe Bazzani, es el pintor de Mantua más importante de la primera mitad del siglo XVII y Lucrina Fetti, hermana de Domenico.

En la sala podemos ver el lienzo “Retrato de Alfonso d'Este”, obra de Sante Peranda (1566-1638), realizado en óleo sobre lienzo; esta datado en el siglo XVI; tiene unas medidas de 219 x 149: Procede del Paladio Ducal de Mirandola.

El siguiente lienzo “La Madona con el Niño”, obra de Ippolito Scarsella conocido como Scarsellino (1550-1620), esta datado en 1595, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 52 x 38,5 cm. Estuvo expuesto en el Monasterio de Santa Ursula.

Pasamos a una pequeña estancia se la conoce como La Sala de los Cuatro Elementos, esta decorada con unos lienzos de Giorgio Anselmi, un pintor muy activo en Mantua en la segunda mitad del siglo XVIII, estas obras decoraron los principales recintos del palacio durante el dominio austriaco.

En la sala podemos ver el lienzo “Alegoría del Aire”, obra de Giorgio Anselmi (1722-1797), realizado en óleo sobre lienzo; esta datado en el siglo XVIII.

El siguiente lienzo “Alegoría del Agua”, obra de Giorgio Anselmi (1722-1797), realizado en óleo sobre lienzo; esta datado en el siglo XVIII.

Pasamos al Pasillo de los Moros construido para comunicar la planta noble con el Domus Nova contiene frescos elaborados durante duque Vincenzo diseñado por Antonio Maria Viani y los pintores Orazio Lamberti.

La lectura de los frescos debe comenzar desde la parte inferior, donde se representan los grillos, animales fantásticos, hombres que luchan entre sí, mientras que en la parte superior se representan las especies de árboles cada uno está acompañado de un lema que alude a una virtud.

El conjunto de la Domus Nova corresponde con la ampliación hacia el este del núcleo medieval del Palacio de los Gonzaga, cuyo frente daba a la Plaza de Sordello. El proyecto fue encargado a Luca Fancelli, llevado a cabo a partir de 1480.

El ala ubicada a la derecha nos lleva al Apartamento de los Enanos, se la llamo así por su pequeñas dimensiones, es una serie de habitaciones que tenían un carácter devocional, y reproduce la escalera Santa de Roma, tenia un gran relicario para el duque Fernando Gonzaga que se encontraba en el centro dentro de una sala octogonal, se llegaba de rodillas después de pasar por otros recintos.

En el siglo XVI el palacio sufre una serie de ampliaciones, se le encarga a Julio Romano, que había llegado a la ciudad en 1524 para añadir el ala a la antigua residencia de los Gonzaga. Muchas de esas obras fueron realizadas por el arquitecto y su sucesor Giovanni Battista Bertani, quien dio el aspecto que todavía tiene en la actualidad.

En la sala podemos ver las obras pictóricas “Retrato de Margarita Gonzaga de Guastalla duquesa de Sabbioneta”, obra de un pintor activo Sabbioneta, esta datado entre 1581-1582, realizado en óleo sobre tela.

El siguiente cuadro “Retrato de Anna Caterina Gonzaga”, obra del pintor Giovanni Bahuet (1564-1597), esta datado en 1582, realizado en óleo sobre tabla.

El siguiente cuadro “Retrato de Jane Dormer”, obra del pintor Giovanni Bahuet (1564-1597), esta datado en el primer decenio del siglo XVI, realizado en óleo sobre tabla.

El siguiente cuadro “Condesa de Medeci”, obra del pintor Giovanni Bahuet (1564-1597), esta datado en el primer decenio del siglo XVI, realizado en óleo sobre tabla.

El siguiente cuadro “Retrato de Anna de Austria”, obra del pintor anónimo, copia del cuadro de J. Gunther, esta datado en la primera mitad del siglo XVII, realizado en óleo sobre tela.

El apartamento de la Metamorfosis o Galería de Passerino, está formado por una sucesión de cuatro salas, decoradas en el techo con representaciones enmarcadas por estucos y tomadas de las Metamorfosis de los escritos latinos de Ovidio, que fueron ilustrados por Antonio Tempesta, se pueden admirar en las bóvedas de tres salas .

Pasamos a la sala del Zodiaco que todavía conserva el techo con los frescos de Lorenzo Costa el Joven realizados en 1579. La sala también fue llamado Napoleón I, al igual que el dormitorio de Bonaparte. El techo es una alegoría de los sacrificios y rituales religiosos que alude a la inmortalidad de la familia Gonzaga. Se puede ver al cuervo, un pájaro sagrado de Apolo, se transformó en una constelación por el dios. El signo de Virgo, con la oreja en la mano, toma la forma de Astrea y Ceres y es el emblema de Vincenzo Gonzaga. El firmamento gira en torno al carro de Diana, tirado por un grupo de perros. La diosa, embarazada, es la transfiguración de Leonor de Austria, esposa del Duque de Mantua. Según una antigua tradición, Escorpio tiene en sus garras el signo de Libra.

La siguiente es la Sala de los Ríos, fue construida en 1575 como logia para el duque Guillermo Gonzaga y ampliamente decorado hacia 1780 con un conjunto barroco tardío: las dos grutas cobijan sendos jarrones de mármol situados en las extremidades de la sala, se remontan a las postrimerías del siglo XVII. Las personificaciones alegóricas de los Ríos que atraviesan el territorio del Ducado de los Gonzaga jalonan la pared izquierda de la sala, con falsas aberturas enmarcadas por plantas trepadoras, en animado diálogo con los grandes ventanales simétricos que dan sobre el jardín colgante. El autor de las pinturas es Giorgio Anselmi (1723-1797) que ejecuto la obra en colaboración de Gaetano Crevola, y de la decoración de la bóveda con Faetón conduciendo para guiar al carro del Sol.

Pasamos al apartamento de la emperatriz, consta de nueve habitaciones con muebles de estilo Imperio se coloca en el primer piso de la "Domus Magna". Que se creó en 1778 a María Beatriz de Este, esposa de Fernando de Austria. En estas habitaciones también fue alojado el Príncipe Eugenio de Beauharnais, virrey del napoleónico Reino de Italia, que en 1810 trajo de Milán la cama que aún se conserva en el dormitorio, el resto está amueblado con muebles de la época de los Habsburgo.

Pasamos a las siguiente habitaciones donde se encuentran las colecciones de los tapices Gonzaga. El museo albergan una de las colecciones de tapices renacentistas más importantes, que representan historias de los hechos de los Apóstoles que proponen una serie popularizada por Raphael en la Capilla Sixtina del Vaticano. Los tapices tejidos en Bruselas fueron comprados en 1550 por el cardenal Ercole Gonzaga pasan en herencia al duque Guillermo que los expuso en la iglesia del palacio de Santa Bárbara. Después de 1776 los tapices fueron trasladados al palacio, se restauraron y colocaron en lo que era el apartamento William Green.

Entre los tapices podemos ver del tapiz “La pesca milagrosa”, obra del maestro tejedor de Bruselas Jan Van Tieghen (cartón de Rafael), adquirido por la Reggia di Venaria Reale, esta datado en 1549; tiene unas dimensiones de 610 x 495 cm.

El tapiz representa la escena que Jesús estaba a la orilla del Lago de Galilea, y la gente se amontonó alrededor de él para escuchar el mensaje de Dios. Jesús vio dos barcas en la playa. Estaban vacías porque los pescadores estaban lavando sus redes. Una de esas barcas era de Simón Pedro. Jesús subió a ella y le pidió a Pedro que la alejara un poco de la orilla. Luego se sentó[a] en la barca, y desde allí comenzó a enseñar a la gente.

Hicieron lo que Jesús les dijo, y fueron tantos los pescados que recogieron, que las redes estaban a punto de romperse. Entonces hicieron señas a los compañeros de la otra barca, para que fueran enseguida a ayudarlos. Eran tantos los pescados que, entre todos, llenaron las dos barcas. Y las barcas estaban a punto de hundirse.

Entre los tapices podemos ver del tapiz “Elimas, el mago queda ciego delante de Lucio Sergio Paulo”, obra del maestro tejedor de Bruselas Jan Van Tieghen (cartón de Rafael), adquirido por la Reggia di Venaria Reale, esta datado en 1549; tiene unas dimensiones de 610 x 495 cm.

Aquí damos por terminada la visita de la mañana, estamos exhaustos con la cantidad de información y de sensaciones que nos ha producido esta riada de arte. Salimos a la plaza de Sordello todavía nos quedan mucho sitios por descubrir pero lo dejamos para la ultima parte de la tarde.

En estos momentos nuestra primera demanda es la necesidad de comer, para ello estamos en el mejor sitio, nada más adentrarnos en la ciudad medieval por la via Brioletto, a ambos lados esta repleto de restaurantes, pizzerías, hornos, panaderías, todo un mundo culinario a nuestro alcance. Nosotros optamos por unos trozos de pizzas y paninis al gusto que nos permite seguir con vida.

Llegamos a la Piazza delle Erbe y lo primero que nos llama la atención es la pequeña iglesia que se encuentra en una de sus esquinas, se llama Rotonda de San Lorenzo, tiene la apariencia exterior de un almacén de grano.

La iglesia fue construida en el año 1083 en ladillo visto, aunque fue revocada en yeso en una fecha posterior, parece ser en el año de construcción. Según la tradición, fue construida con el deseo de Matilde de Canossa, como evocación de la Resurrección de Cristo en Jerusalén, la rotonda fue construida dando forma al Santo Sepulcro, y bien comunicado con la reliquia de la Sangre de Cristo que se había sido encontrada siglos anteriores en Mantua y ahora se conserva en la cripta cercana la basílica de San Andrés.

La estructura esta construida con una simple columnata circular rodeada con un pórtico y un posicionamiento en un nivel inferior de unos 150 cm de la de la plaza adyacente Erbe, además de la existencia de dos columnas y demás piedras de la construcción en particular, sugieren que la iglesia fue construida mediante la recuperación o la reconstrucción de un edificio anterior romano, que databa del siglo IV, probablemente un templo o una tumba tholos.

La iglesia, fue un notable ejemplo de arte románico, con una planta central circular, complementado por un ábside semicircular, y se caracteriza por una galería que alberga fragmentos de frescos de los siglos XI-XII que representan un raro ejemplo de la pintura románica Lombarda, de la escuela bizantina.

A través de los siglos, el edificio sufrió transformaciones radicales; su proyecto de transformación de León Battista Alberti (así como otro de Giulio Romano) no se siguió, hasta que su profanación final. El templo se cerró al culto en 1579 bajo las órdenes del duque Guillermo Gonzaga.

Desacralizada, la Ronda empeoró muy rápidamente: en primer lugar se convirtió en un almacén y luego, una vez que perdió la techumbre y quedo atrapada por edificios particulares para convertirse en un patio circular para uso privado en el populoso distrito dentro del gueto judío.

En 1908 el edificio fue expropiado y, después de la restauración, reabierto en 1911 y se redestinaba al culto en 1926; la iglesia fue liberada de las superestructuras y los edificios que la mantenían en una oclusión total de la vista. Todas las casas fueron demolidas para que la iglesia retomase las formas originales probable fue utilizado para modelar la actual ronda.

La rotonda fue construida en ladrillo visto; el uso de este material confiere al edificio un aspecto sólido y una textura pintoresca.

En el interior destaca las tres bóvedas del deambulatorio inferior que muestra los restos de los frescos, todavía son suficientemente visibles. De la esquemática composición, la rígida vestimenta, las expresiones idealizadas abstractas de las figuras y la decoración de las ropas, se puede decir que la autoría corresponde con el periodo del siglo XI, todavía claramente influenciado por la pintura bizantina.

En el ábside hay un fragmento que representa a San Lorenzo sobre un fuego, es notable el cuidado acabado y delicado cromatismo del siglo XV.

Algunos pilares de la galería de las mujeres son particularmente interesantes. En base a su diseño lineal y la estilización de los relieves puede atribuirse a que fue construido en el siglo IX.

Al lado derecho del ábside inferior se muestra un bajorrelieve de ladrillo, representando a la Virgen con el Niño, probablemente realizado en el siglo XV, pero de estilo gótico.

Seguimos nuestro viaje descubriendo Mantua, caminamos en dirección sur por la via Príncipe Amedeo, hasta que llegamos involuntariamente ante la misma casa del pintor Andrea Mantegna.

Estamos ante el edificio que Andrea Mantegna vivió durante su estancia en Mantua, fue construida 1476, en un terreno donado por el Marqués Ludovico Gonzaga, a lo mejor como premio por la calidad de los frescos de la Cámara Nupcial. La fecha de esta donación es del 18 de octubre 1476.

El autor del proyecto es incierto, por lo que incluso se pudo afirma que mismo Mantegna se incluye entre los posibles autores. Aunque lo más probable es fuera obra de León Battista Alberti que en esos momentos trabajaba simultáneamente en la iglesia de San Sebastiano y se encuentra situada en frente de la Casa del Mantegna.

El diseño arquitectónico se caracteriza por un patrón geométrico perfecto: un círculo incluido en un cuadrado en el que el patio cilíndrico está encerrado en un cuerpo de fábrica cuadrado. Conectado por una trayectoria circular, las habitaciones tienen vistas con puertas o ventanas de arco en el patio, en la forma de un círculo, es un claro exponente del renacimiento moderno muy parecido al atrio de una casa romana.